История искусства (Encyclopedia)

Abstrakte Maler: Top 100 Künstler: Abstraktion in der Malerei

25/10/2020 14 259
Abstraktion in der Malerei: Definition Abstrakte Kunst ist ein Überbegriff für Kunst, der nicht gegenständlich ist, obwohl er von der Realität abgeleitet sein kann. Die Abstraktion umfasst also drei grundlegende Kategorien: (1) nicht-naturalistische geometrische Formen; (2) Formen, die aus der Natur stammen, aber nicht als solche erkennbar sind; (3) stark verschleierte gegenständliche, aber nicht gegenständliche Werke. Synonyme für Abstraktion sind: "Nicht-figurative Kunst", " konkrete Kunst ", " nicht-repräsentative Kunst "oder" nicht-objektive Kunst ", aber keine wurde allgemein akzeptiert.

Akademische Kunst: Merkmale, Geschichte: Akademien der Schönen Künste

25/10/2020 22 867
Was ist akademische Kunst? Im Kunst Der Begriff "akademische Kunst" (manchmal auch "Akademismus" oder "Eklektizismus") wird traditionell verwendet, um den Stil von lebensechter, aber hochgesinnter Kunst zu beschreiben realistische Malerei und Skulptur Verfechter der europäischen Kunstakademien, insbesondere der Französische Akademie der bildenden Künste. Dieser "offizielle" oder "anerkannte" Kunststil, mit dem sich später eine enge Verbindung abzeichnete Neoklassizistische Malerei und in geringerem Maße die Symbolismus Bewegung, wurde in einer Reihe von malerischen und skulpturalen Konventionen verkörpert, die von allen Künstlern befolgt werden. Insbesondere wurde ein starker Schwerpunkt auf das intellektuelle Element gelegt, kombiniert mit einem festen Satz von Ästhetik. Gemälde sollten vor allem eine entsprechend aufgeschlossene Botschaft enthalten. Zu den Künstlern, deren Werke die Ideale der akademischen Kunst widerspiegeln, gehören Peter-Paul Rubens (1577-1640), Nicolas Poussin (1594-1665), Jacques-Louis David (1748-1825) Jean-Antoine Gros (1771–1835), JAD Ingres (1780–1867) Paul Delaroche (1797-1856), Ernest Meissonier (1815-91) Jean-Leon Gerome (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-89), Pierre Puvis de Chavannes (1824-98), Thomas Couture (1815-79) und William-Adolphe Bouguereau (1825-1905).

Amerikanische Kunst: Geschichte der schönen Künste in Amerika

25/10/2020 29 527
Amerikanische Kunst (um 1750-2000) Dies ist eine kurze 20-stufige Anleitung zur Geschichte der amerikanischen Kunst, einschließlich Malerei, Skulptur, Architektur und zeitgenössischer Kunstformen seit der Kolonialzeit. Informationen zur frühen Kultur in Amerika finden Sie unter: Präkolumbianische Kunst (1200 BCE-1535 CE). Für die spätere indianische Kultur siehe: Indianische Kunst (1000 v. Chr. – 1900).

Englische Landschaftsmalerei, 18./19. Jahrhundert: Geschichte, Entwicklung, Stile, Künstler: JMW Turner, John Constable

25/10/2020 39 181
Ursprünge der englischen Schule Das moderne Verhältnis zur Natur unterscheidet sich so sehr von dem des 18. Jahrhunderts, dass es für uns nicht leicht ist, die Vorurteile zu verstehen, mit denen die frühen englischen Landschaftsmaler zu kämpfen hatten. Zu Beginn des Jahrhunderts die Idee, dass die Genre der reinen Landschaft konnte ein passendes Thema für die Kunst sein, war etwas mehr als hundert Jahre alt, und die Idee blieb noch unter Personen des "Geschmacks", dass ein Landschaftsmalerei muss von einem scheinbaren Figurenthema würdig sein.

Englische figurative Malerei, 18./19. Jahrhundert

25/10/2020 36 327
Meisterporträtisten des 18. Jahrhunderts In der Folgezeit bedeutender englischer Miniaturisten wie Nicholas Hilliard (1547-1619), Isaac Oliver (1568-1617) und Samuel Cooper (1609-1672), der Innovative William Hogarth (1697-1764), der Porträtist im "großen Stil" Joshua Reynolds (1723-92) und der Singular Thomas Gainsborough (1727-88) sind die drei Künstler, die das Beste aus Figur-Zeichnung und Figurenmalerei im achtzehnten Jahrhundert in England und überschatten den Rest ihrer Zeitgenossen. [Anmerkung: Der schottische Porträtmaler Allan Ramsay (1713-84) – offizieller Porträtist von König Georg III. – ist von diesem Vergleich ausgeschlossen.]

Arte Povera: Definition, Eigenschaften

25/10/2020 6 150
Definition & Eigenschaften ’Arte Povera’ (ein italienischer Ausdruck für arme / verarmte Kunst, der angeblich aus dem ’ armen Theater’ des polnischen Filmregisseurs Jerzy Grotowski stammt) beschreibt im Allgemeinen eine Art von Avantgarde-Kunst hergestellt aus " gefundene Objekte "Einschließlich wertloser Materialien wie Erde, Holzstücke, Lumpen, Zeitungsfetzen. Insbesondere bezieht es sich auf eine Gruppe avantgardistischer Maler und Bildhauer aus Turin, Mailand, Genua und Rom, die ab Mitte der 1960er Jahre produzierten eine provokative Fusion von Konzeptkunst Assemblage Minimalismus und Performance Art. Die Gruppe wurde vom Turiner Händler Enzo Speroneund insbesondere vom Kunstkritiker und Kurator Germano Celant (geb. 1940) beworben und bekannt gemacht. Letzterer prägte den Namen "Arte Povera" und kuratierte 1967 die erste Ausstellung der Bewegung in Genua. Später im selben Jahr veröffentlichte er ein Manifest für die Bewegung in Flash Art. Diese und andere wegweisende Texte und Shows sowie sein einflussreiches Buch von 1969 schufen eine kollektive Identität für Arte Povera, die als revolutionäres Genre gefördert und von Konventionen und dem Markt befreit wurde. Andere Namen für Arte Povera sind " Actual Art", " Raw Materialist Art" und " Anti-Form". Führende Mitglieder der Gruppe waren: Mario Merz (1925-2003), Pino Pascali (1935-68), Michelangelo Pistoletto (geb. 1933), Jannis Kounellis (geb. 1936), Luciano Fabro (geb. 1936), Gilberto Zorio (1944) und Giuseppe Penone (1947). Siehe auch: Top zeitgenössische Künstler.

Präraffaelitische Bruderschaft: Geschichte, Philosophie der Präraffaeliten

26/10/2020 23 347
Die PräraffaelitenbewegungEin wichtiger und einflussreicher Stil von Viktorianische Kunst Der Präraffaelitismus entsprang einer neuen Stimmung in der englischen Malerei und spiegelte die großen moralischen und materiellen Veränderungen des Zeitalters wider, die die Mitte des 19. Jahrhunderts kennzeichneten. Bisher waren die meisten der bedeutenderen Künstler des Jahrhunderts in der Atmosphäre der akademischen Malerei und Komposition des 18. Jahrhunderts aufgewachsen, und ihre Arbeit war das Ergebnis des Impulses, der William Hogarth (1697–1764), Joshua Reynolds (1723-92) Thomas Gainsborough (1727-88), und die topografischen Zeichner hatten sich der englischen Malerei verschrieben. Sogar Turner (1775-1851) und Polizist (1776-1837), die trotz ihrer großen Neuerungen in Aussehen und Technik eher dem Geist von Wilson und Gainsborough als ihren viktorianischen Nachfolgern entsprachen.

Venezianische Malerei: Geschichte, Merkmale

27/10/2020 28 456
Disegno Versus Colorito Während Renaissance in Florenz Die Künstler in Venedig, die sich durch den Glanz ihrer eigenen Leistung erschöpften, erkundeten verschiedene Möglichkeiten der Bildgestaltung. Der Unterschied zwischen diesen beiden großen Schulen der Italienische Renaissance kann wie folgt zusammengefasst werden: zu einem Florentiner von 1480 a Gemälde bestand aus Form / Design plus Farbe; Für einen Venezianer von 1520 war es eine mit Farbe verschmolzene Form. In Florenz wird Farbe ( colorito ) , wie harmonisch auch immer, war eine Qualität, die dem Design hinzugefügt werden sollte ( disegno ). In Venedig war es untrennbar mit dem Design verbunden. Für einen Florentiner war es ein Attribut des Objekts, zu dem es gehörte: Ein rotes Kleid oder ein grüner Baum waren rote und grüne Flecken, die innerhalb der Grenzen dieser Objekte lagen. Die Venezianer sahen in der Farbe eine Eigenschaft, ohne die das Kleid oder der Baum kaum existieren könnten. Es durchdrang alles und floss wie Licht über Konturen. Die strukturelle Einheit der florentinischen Malerei machte der chromatischen Einheit des Venezianischen Platz. In Venedig Farbe gab die Leinwand Leben und die Fähigkeit eines Künstlers zu mischen und zu verwenden Farbpigmente war kritisch. Die Bedeutung, die die Venezianer der Farbe beimessen, erklärt zum Teil, warum sie sich dafür entschieden haben Ölgemälde begeisterter als ihre Kollegen in Florenz, da die Ölfarbe den Künstlern mehr Tiefe und Leuchtkraft verlieh als Tempera. Zum Einfluss der venezianischen Maler auf die europäische Kunst siehe: Vermächtnis der venezianischen Malerei (nach 1600).

Venezianische Porträtmalerei

27/10/2020 15 067
Einführung Porträtkunst zu einem frühen Zeitpunkt in Venedig entwickelt. Kurz nach 1339 malte Paolo Veneziano zusammen mit seiner noch lebenden Frau das Porträt des verstorbenen Dogen Francesco Dandolo über Dandolos Grab in der Sala del Capitolo des Frari. Die Figuren haben den gleichen Maßstab wie die Schutzpatronen (ein für diese Zeit sehr ungewöhnliches Merkmal), und die Gesichter scheinen authentische Porträts zu sein, auch wenn der Stil immer noch den Konventionen von folgt Byzantinische Kunst.

Venezianische Altarbilder: Renaissance, Manierismus

27/10/2020 13 565
Einführung In diesem Artikel untersuchen wir die Entwicklung der venezianischen Altarbild Kunst während des 16. Jahrhunderts – meist mit Reredos, Retabeln und Triptychen – und zeigen, wie diese Tradition von den großen Künstlern der Zeit verändert wurde. Aus mehreren Gründen ist dies keine leichte Aufgabe. Erstens, der fragliche Zeitraum, der das Ende des Jahres abdeckt Frühe Renaissance (c.1400-90), die Hohe Renaissance (c.1490-1530), Manierismus (c.1530-99) und die Anfänge des Barock- (1600-1700) war geprägt von radikalen Veränderungen in der künstlerischen Theorie, Kompositionsprinzipien und Ausdrucksformen. Zweitens innerhalb der Umlaufbahn von Venezianische Malerei Es gab örtliche Schulen mit ihren eigenen Traditionen und Standards Biblische Kunst; und es gab eine besonders ausgeprägte Qualitätsdifferenz zwischen den Produkten von Venedig selbst und denen der Provinzzentren des Festlandes. Schließlich ist es oft schwierig, die sehr originellen und eigenwilligen Beiträge der größten unterzubringen Alte Meister in einem starren Schema der Entwicklung. Trotzdem ist es möglich, eine Art Muster zu erkennen Christliche Kunst, deren Ursprünge bis ins letzte Viertel des 15. Jahrhunderts zurückreichen. Zu dieser Zeit entstand eine unverwechselbare Formel für venezianische Altarbilder, die im 16. Jahrhundert verändert und verfeinert wurde. Hinweis: Altarbilder wurden normalerweise in den folgenden Grundformaten geliefert: Diptychon (2 Felder), Triptychon (3 Felder) oder polyptych (Multi-Panels).

Wiener Secession: Geschichte, Charakteristik

27/10/2020 8 373
Wiener Secession: Geschichte, Charakteristik Im moderne Kunst bezieht sich der Ausdruck "Wiener Sezession" auf die Handlungen des Fortschritts moderne Künstler in Wien, der von der konservativen Akademie der Künste in der Stadt abbrach, deren jährlicher Salon und Kunstschulen blieb einem altmodischen Stil verbunden akademische Kunst. Der Secessionismus-Trend trat in mehreren Städten in ganz Europa auf, beginnend in München im Jahr 1892, wo die neu gegründete Secession, angeführt von Franz von Stuck, bald die offizielle Kunstorganisation in den Schatten stellte. Die Wiener Secession, gegründet 1897 unter Gustav Klimt (1862-1918) war der einflussreichste Ausreißer und veröffentlichte seine eigene Zeitschrift Ver Sacrum (Heiliger Frühling), um seine Ideen zu fördern. Es wurde auch ein spektakuläres neues Hauptgebäude ( Haus der Wiener Sezession) gebaut, das vom Architekten entworfen wurde Joseph Maria Olbrich (1867 & ndash; 1908). Es gab keine einheitlichen Merkmale des Wiener Secessionisten Gemälde oder Skulptur, oder auch die Architektur : Stattdessen haben sich seine Mitglieder dem Ideal verschrieben, die österreichische Kunst zu modernisieren, indem sie sie mit den neuesten Erkenntnissen bekannt machten moderne Kunstbewegungen, einschließlich der neuesten Trends in Post-Impressionismus und Expressionismus, sowie die modischen Stile der dekorativen Kunst, wie Jugendstil. Klimts Gemälde sorgten jedoch für die größte Kontroverse. Seine für die Universität in Auftrag gegebenen Bilder Philosophie und Medizin (beide 1900) galten ebenso wie sein Beethoven-Fries (1902) und der Kuss (1907-8) als zu körperlich, deren schimmernde Leinwand in hohem Maße von Klimts umfangreichem Wissen profitierte angewandte Kunst.

Schloss Versailles: Geschichte, Architektur, Innenarchitektur

27/10/2020 18 650
Einführung Das Schloss von Versailles (erbaut um 1624-98), ein großartiges Beispiel für Französisch Barocke Architektur ist das berühmteste königliche Schloss in Frankreich. Die gigantische Skala von Versailles ist ein Beispiel für das architektonische Thema der "Schöpfung durch Teilung" – eine Reihe einfacher Wiederholungen, die rhythmisch durch die Wiederholung der großen Fenster abgegrenzt werden und die Grundwerte von Versailles zum Ausdruck bringen Barocke Kunst und in dem der Mittelpunkt des Innenraums sowie des gesamten Gebäudes das Königsbett ist. Zu seinen berühmten architektonischen Entwürfen gehört der Spiegelsaal ( Galerie des Glaces) , einer der berühmtesten Räume der Welt. Etwa 20 Kilometer südwestlich von Paris inmitten eines weitläufigen Geländes gelegen, stimulierte der Palast mit seiner Dekoration eine Mini-Renaissance des Innenraums Design, ebenso gut wie dekorative Kunst im 17. und 18. Jahrhundert. Tatsächlich, Französische dekorative Kunst im Zeitraum 1640-1792 – vor allem Französische Möbel – steht für die französischen Könige Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) und Louis Seize (XVI), nach denen es benannt ist. Die vielen französischen Designer und Handwerker, die zu Versailles beigetragen haben die Architektur, Einrichtungsgegenstände und Kunstgegenstände, darunter Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, André Le Notre, Charles Le Brun, Jean Berain der Ältere, André-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, François Lemoyne und Juste-Aurele Meissonnier unter anderem. Von 1682 bis zum Beginn der Französischen Revolution im Jahr 1789 beherbergte das Schloss von Versailles den König und den gesamten französischen Königshof mit insgesamt rund 3.000 Einwohnern und war damit ein Symbol für den Absolutismus und die Dekadenz des Ancien-Regimes im Allgemeinen insbesondere die französische Monarchie. Das königliche Schloss selbst ist nicht der einzige Gebäudekomplex auf dem Gelände, zu dem auch fünf Kapellen, der Grand Trianon (1687-88), der Pavillon Francais (1749) und der Petit Trianon (1762-8) sowie 800 gehören Hektar Garten, im klassischen französischen Gartenstil angelegt.

Byzantinische Kunst: Merkmale, Geschichte

25/10/2020 16 808
Zentren byzantinischen Stilsfrühchristliche Kunst wurdenRavenna, Kiew, Nowgorodund Moskau. Bitte sehen Sie:Christliche byzantinische Kunst.

Viktorianische Kunst in Großbritannien: Geschichte, Charakteristika

27/10/2020 19 580
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei undandere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Deutsche Renaissancekunst: Geschichte, Charakteristik

17/04/2022 46 110
Um zu sehen, wie die Malerei und Skulptur der Renaissance in Deutschland in die Chronologie der europäischen Kultur als Ganzes passt, siehe: Zeitleiste der Kunstgeschichte.

Vortizismus: Definition, Eigenschaften

27/10/2020 6 514
Definition / Eigenschaften Eine einzigartige Mischung aus Kubismus und Futurismus Vortizismus war ein wichtiger Brite Avantgarde-Kunst Bewegung des frühen 20. Jahrhunderts, obwohl es offiziell nicht mehr als zwei Jahre dauerte. Die zentrale Figur der Bewegung war der englische Maler, Schriftsteller und Polemiker Percy Wyndham Lewis (1882-1957), während der Name – bezogen auf den emotionalen Wirbel, der als die notwendige Quelle künstlerischen Schaffens angesehen wurde – vom amerikanischen Dichter Ezra Pound geprägt wurde. Diese beiden gründeten zusammen mit Mitgliedern des Rebel Art Center 1914 Vorticism. Die nur zweimal erschienene Zeitschrift " Blast " (1914 und 1915) proklamierte das Vorticist Manifesto und machte die Bewegung bekannt. Zwei Ausstellungen futuristischer Kunst in London waren wichtige Auslöser für den Start der Bewegung, während der Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 zu ihrem vorzeitigen Niedergang führte. Infolgedessen wurde nur eine Vorticist Ausstellung überhaupt gehalten. Die Bewegung löste sich 1915 aufgrund der Auswirkungen des Krieges und des Verlustes der finanziellen Unterstützung durch ihre Unterstützerin, die Künstlerin Kate Lechmere (1887-1976), auf. Die Vorticist-Philosophie wurde 1920 mit Lewis ’Bildung der Gruppe X kurz wiederbelebt.

Niederländischer Realismus Malstil

01/11/2019 6 828
Für einen Leitfaden zur Entwicklung von Malerei, Skulptur, Architekturund andere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (800 v.Chr.).

Gotische Architektur: Merkmale, Geschichte

25/10/2020 11 965
TerminologieEine Anleitung finden Sie unter:Architektur-Glossar.

Gotische Kunst: Merkmale, Geschichte

25/10/2020 15 731
Zusammenfassung – Eigenschaften Der Begriff " Gothic Style"bezieht sich auf den Stil der europäischen Architektur, Bildhauerei (und der kleinen Künste), der das Mittelalter miteinander verband Romanische Kunst mit dem Frühe Renaissance. Die Periode ist unterteilt in Frühgotik (1150-1250), Hochgotik (1250-1375) und Internationale Gotik (1375-1450). In erster Linie eine öffentliche Form von Christliche Kunst In der Zeit von 1150 bis 1250 blühte es zunächst auf der Ile de France und in der umliegenden Region und verbreitete sich dann in ganz Nordeuropa.

Expressionistische Bewegung: Geschichte, Charakteristika

25/10/2020 39 130
Einführung Expressionismuswar sicherlich keine Schule, in dem Sinne, dass es nicht darum ging, dass eine Reihe von Künstlern auf der Grundlage eines bestimmten Programms eine Gruppe bildete und sich denselben Techniken widmete. Vielmehr stellt der Expressionismus einen Geisteszustand dar, der im intellektuellen Bereich nicht nur die Poesie und Malerei, sondern auch die Prosa, die Architektur, das Theater, die Musik, die Wissenschaft, die Universität und die Schule reformiert hat.

De Stijl: Niederländische abstrakte Kunst Gruppe: Merkmale, Geschichte, Manifest

19/03/2019 5 268
De Stijl (der Stil) war eine lockere Organisation niederländischer Maler, Architekten und Bildhauer sowie die Zeitschrift, in der die Gruppe ihre Ideen verbreitete abstrakte Kunst und Design. De Stijl wurde gegründet und dominiert von Theo van Doesburg (1883-1931); seine führenden Mitglieder enthalten Piet Mondrian (1872-1944), der Utrechter Maler und Designer Bart van der Leck (1876-1958), der Antwerpener Bildhauer Georges Vantongerloo (1886-1965) und der deutsche Maler Friedrich Vordemberge-Gildewart (1899-1962) sowie die Architekten Gerrit Rietveld (1888-1964) und JJP Oud (1890-1963). Zunächst förderte De Stijl Mondrians künstlerisches Konzept von Neo-PlastizismusAber ab 1921 förderte Van Doesburg auch Dada-Ideen und eine überarbeitete Form des Neo-Plastizismus, bekannt als Elementarismus . Dies führte zu Mondrians Ausscheiden aus der Gruppe. Einer der einflussreichsten der Avantgarde moderne Kunstbewegungen De Stijl hatte seinen größten Einfluss auf die architektonische Gestaltung – siehe zum Beispiel Le Corbusier (1887-1965) und Mies van de Rohe (1883-1969) – und angewandte Kunst, insbesondere Typografie und Möbeldesign.

Art Nouveau Design: Merkmale, Geschichte, Künstler

25/10/2020 16 721
Einführung Jugendstil war ein innovativer internationaler Stil von moderne Kunst das wurde von ungefähr 1890 bis zum Ersten Weltkrieg in Mode. Als Reaktion auf Entwürfe des 19. Jahrhunderts, die vom Historismus im Allgemeinen und vom Neoklassizismus im Besonderen dominiert wurden, wurde die Idee von verkündet Kunst und Design als Teil des Alltags. Von nun an sollten Künstler keine Alltagsgegenstände übersehen, egal wie funktional sie sein mögen. Diese Ästhetik galt als revolutionär und neu, daher der Name – New Art – oder Art Nouveau. Daher auch die Tatsache, dass es auf eine Vielzahl von verschiedenen Formen einschließlich Architektur angewendet wurde, Kunst, angewandte Kunst, und dekorative Kunst. Teilweise verwurzelt in der industriellen Revolution und den Künsten und Kunsthandwerk Bewegung, aber auch beeinflusst von Japonismus (insbesondere Ukiyo-e druckt von Künstlern wie Hokusai und sein jüngerer Zeitgenosse Hiroshige) und Keltische Designs Der Jugendstil erhielt durch die Exposition Universelle 1900 in Paris einen großen Auftrieb. Danach verbreitete es sich in ganz Europa und bis in die USA und nach Australien, unter lokalen Namen wie Jugendstil (Deutschland), Stile Liberty (Italien), Sezessionstil (Österreich) und Tiffany-Stil (Amerika). Als hochdekoratives Idiom verwendete der Jugendstil typischerweise komplizierte krummlinige Muster von gewundenen asymmetrischen Linien, die oft auf Pflanzenformen basierten (manchmal abgeleitet von La Tene Arten von Keltische Kunst). Blumenmotive und andere von Pflanzen inspirierte Motive sind ebenso beliebte Jugendstilmotive wie weibliche Silhouetten und Formen. Unter Verwendung einer Vielzahl von Materialien wurde der Stil in der Architektur, Innenarchitektur, Glaswaren, Schmuck verwendet, Plakatkunst und Illustration sowie Malerei und Skulptur. Das Uhrwerk wurde in den 1920er Jahren von ersetzt Art Deco.

Hard Edge-Malerei

25/10/2020 4 845
Diese Mini-Bewegung von Amerikanische Kunst war eine Untervariante dessen, was Kunstkritiker Clement Greenberg (1909-94) angerufen Nachmalerische Abstraktion – Ein Trend weg von der Gestik Abstrakter Expressionismus wie es von Willem de Kooning, Jackson Pollock und anderen praktiziert wird, um eine glattere, schärfere Sprache zu erreichen. Der Begriff Hard-Edge-Malerei wurde erstmals 1959 vom Kunsthistoriker und Kritiker Jules Langsner verwendet, als er die nicht figurativen Bilder von vier Westküstenkünstlern (Karl Benjamin, Lorser Feitelson, Friedrich Hammersley und John McLaughlin) beschrieb, die er zusammengebracht hatte in einer Ausstellung mit dem Titel Four Abstract Classicists im Los Angeles County Museum of Art.

Barockmalerei: Geschichte, Charakteristika, Stile

25/10/2020 16 907
Einführung Im Allgemeinen spiegelte die "Barockmalerei" die tiefgreifenden politischen und kulturellen Veränderungen wider, die sich dann in ganz Europa abzeichneten. Barock- Gemälde Im Großen und Ganzen fiel dies mit dem 17. Jahrhundert zusammen, obwohl in einigen Gebieten – insbesondere in Deutschland – einige seiner Erfolge erst im 18. Jahrhundert erzielt wurden. Obwohl der Begriff eine verwirrende Vielfalt von Stilen umfasste, war er in der Regel durch zwei Dinge gekennzeichnet: ein Gefühl der Größe (oder des sinnlichen Reichtums) sowie einen offensichtlichen emotionalen Inhalt. Durch diese beiden Elemente versuchten die Barockmaler, emotionale Zustände im Betrachter hervorzurufen, indem sie die Sinne ansprechen, oft auf dramatische Weise. Warum haben sie die Zuschauer auf diese Weise angesprochen? Weil das Leben im 17. Jahrhundert in Europa plötzlich zu einer Konkurrenz zwischen zwei mächtigen Kräften geworden war.

Action-Painting-Technik: Definition, Eigenschaften

25/10/2020 4 754
Was ist Action Painting? – Eigenschaften Es ist ein stark geladener, impulsiver abstrakter Stil gestische Malerei Währenddessen wird Farbe energisch auf eine Leinwand gespritzt, verschüttet oder getropft, die normalerweise mit der Vorderseite nach oben auf den Boden gelegt wird. Obwohl diese Art der automatischen Malerei von verschiedenen Künstlern verwendet wurde, die an verschiedenen Bewegungen beteiligt waren, wie zum Beispiel dem Surrealismus, wird sie hauptsächlich mit The New Yorker Schule von American Abstrakter Expressionismus der 1940er und 1950er Jahre und mit dem Maler Jackson Pollock (1912-56), genannt "Jack the Dripper". Als es zum ersten Mal auftauchte, galt es als eines der revolutionärsten Ereignisse in Deutschland Amerikanische Kunst.

Malerei der Frührenaissance, Italien

25/10/2020 23 262
Ähnliche Resourcen Die frühe Renaissance in Italien: Merkmale (um 1400-1490) Kunst der Frührenaissance in Italien war im Grunde genommen eine experimentelle Periode, die sich eher durch die Stile einzelner Künstler als durch einen einheitlichen Trend wie im Fall des Hohe Renaissance (c.1490-1530) oder Manierismus (c.1530-1600). Die Malerei der Frührenaissance wuchs in Florenz auf und breitete sich ab Mitte des Jahrhunderts in Städten wie Urbino, Ferrara, Padua, Mantua, Mailand und Venedig aus.

Altarbildkunst: Arten von Altarbildern, Triptychon, Polyptychon, Diptychon

25/10/2020 4 953
Einführung Das Altarbild war einer der Höhepunkte von Christliche Kunst während der Spätgotik, der italienischen Renaissance, der nördlichen Renaissance und der Gegenreformation. Diese Art von religiöse Kunst besteht in der Regel aus einem oder mehreren Gemälden oder Skulpturen (Stein- oder Holzschnitzereien), die rund oder reliefartig geschnitzt sind, oder einfach aus einer Leinwand oder einer dekorierten Wand. Es kann auf, über oder hinter dem Altar stehen.

Hierarchie der Genres: Geschichte, Porträts, Genre, Landschaften, Stillleben

25/10/2020 9 261
HINWEIS: Zur Analyse von Gemälden aller Gattungen bis 1800 siehe: Berühmte Gemälde analysiert (1250-1800). Für spätere Arbeiten siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Impressionismus: Ziele, größte Impressionisten, Auswirkungen auf die westliche Kunst

25/10/2020 36 584
Einführung Der Impressionismus ist wohl der bekannteste Französische Malerei Bewegung überhaupt. Der eigentliche Name "Impressionismus" wurde vom französischen Kunstkritiker geprägt Louis Leroy, nach dem Besuch der ersten Ausstellung des Impressionisten Gemälde 1874 sah er Impression: Soleil Levant (1872) von Claude Monet. Ironischerweise entschied sich Monet erst bei der Fertigstellung des Ausstellungskatalogs für den Titel und hätte das Werk View of the Harbour in Le Havre beinahe benannt! Insgesamt veranstalteten die Impressionisten zwischen 1874 und 1882 sieben Ausstellungen, alle in Paris.

Barockkunst: Definition, Stile, Geschichte

08/02/2020 15 200
Definition: Was ist Barockkunst?

Kunst der Renaissance in Venedig

26/10/2020 24 662
Kunst der Renaissance in Venedig (um 1400-1600) Einführung in die venezianische Kunst Venedig, ein anderes Zentrum von Renaissance-Kunst ist eine schimmernde, traumhafte Stadt der Kanäle, die Italien seit Jahrhunderten mit dem exotischen Osten verbindet. Die Stadt war von Anfang an ein Zufluchtsort für die Bewohner benachbarter Städte wie Padua zu Zeiten der gotischen und lombardischen Invasionen des 5. und 6. Jahrhunderts n. Chr. Die Stadt, die im 6. und 7. Jahrhundert von den byzantinischen Kaisern regiert wurde, stand unter dem religiösen und zeitlichen Schutz des Exarchen von Ravenna. Ravenna war zu dieser Zeit eine Stadt mit prächtigen, mit Mosaiken gefüllten Kirchen (Einzelheiten siehe: Ravenna Mosaiken) und ein wichtiger, wohlhabender Seehafen, der wichtiger ist als Venedig. Im neunten Jahrhundert war Venedig eine sich entwickelnde Macht und ein Zentrum für den Austausch von Luxusgütern wie Gewürzen und Seiden aus dem Osten gegen italienisches Holz, Getreide und Wein geworden. Es war, wie andere italienische Städte dieser Zeit, das Zentrum eines wachsenden Netzes von Handelsrouten, das sie mit Europa und dem Osten in Kontakt brachte – sogar mit dem Fernen Osten. Die kulturelle Entwicklung Venedigs war jedoch weitgehend unbeeinflusst von den Ereignissen in anderen italienischen Städten. Dies erklärt sich zum Teil aus ihrer Lage an der Adria und ihrer langen Verbindung mit dem Byzantinischen Reich und seinem Zentrum Konstantinopel. Ihre Verbindungen waren mit dem Osten. Als die Bürger Venedigs im neunten Jahrhundert beschlossen, eine prächtige Kirche zu Ehren des Heiligen Markus zu errichten, sandten viele Adlige und Bürger aus Aquilea, Ravenna und Konstantinopel Marmor ein Das elfte Jahrhundert ist ein Denkmal für die Haltbarkeit und Größe der Byzantinische Kunst Tradition. Die Basilika wurde auf einem quadratischen Grundriss errichtet, aus dem sich fünf goldene Kuppeln in Form eines Kreuzes erheben. Diese Kuppeln dominieren die prächtige Piazza vor der Kirche und dienen dem Besucher, der sich der Stadt vom Meer aus nähert, als Leuchtfeuer. (Weitere Informationen zu Bauentwürfen im 15. und 16. Jahrhundert in Italien finden Sie unter: Renaissance-Architektur.) Die drei Jahrhunderte zwischen dem Bau des Markus und dem Fall von Konstantinopel im Jahr 1452 waren für Venedig außergewöhnlich. Nach der Konsolidierung ihrer Regierung unter einem Dogen oder Herzog errichteten die Venezianer Handelszentren auf dem Balkan, den Ionischen Inseln, Kreta, Zypern, Armenien, Alexandria, Caffa auf der Halbinsel Krim und schließlich bis nach China. Der Wohlstand Venedigs war für die kommenden Jahre gesichert. Ihr Golddukat, der 1284 zum ersten Mal geschlagen wurde, wurde zur Standardwährung des Mittelmeers, und im frühen 14. Jahrhundert lief ihre Flotte in allen wichtigen Handelszentren Nordeuropas, Englands und Hollands an.

Niederländische Barockkunst

25/12/2021 15 140
Niederländisches Goldenes Zeitalter der Malerei Während der Ära von Barocke Kunst Die Vereinigten Provinzen, zu denen Holland gehörte, besetzten den nördlichen Teil der Niederlande. Weniger entwickelt als Flandern, vielleicht waren sie einst die armen Verwandten der Flamen, aber im 17. Jahrhundert war die Nation reich, stolz und nahm an Einfluss zu. Tatsächlich wurde es eine der reichsten Nationen im Europa des 17. Jahrhunderts. Es war auch malersüchtig: Im Zeitraum von 1600 bis 1980 wurden in Holland mehr als 4 Millionen Gemälde hergestellt – weit mehr als die Zahl der von Künstlern des Flämischer Barock – Und jede Art von Person gab sich ihrer eigenen Wertschätzung hin Malerei der schönen Kunst; Handwerker, Kaufleute, Bürger, Seeleute, Ladenbesitzer – alle wussten etwas darüber oder waren stolz darauf, es zu wissen.

Dada Art Movement: Geschichte, Charakteristika, Künstler

25/10/2020 17 460
Was ist Dada? – Eigenschaften und Ästhetik Als erste große Anti-Kunst-Bewegungwar Dada ein Aufstand gegen die Kultur und Werte, die – wie man glaubte – das Gemetzel des Ersten Weltkriegs (1914-18) verursacht und unterstützt hatten. Es entwickelte sich schnell zu einem anarchistischen Typ von Hoch Avantgarde-Kunst deren Ziel es war, das Wertesystem des herrschenden Establishments, das den Krieg zugelassen hatte, zu untergraben und zu untergraben, einschließlich des Kunstinstituts, das sie als untrennbar mit dem diskreditierten gesellschaftspolitischen Status quo verbunden betrachteten. Die Führer des 1916 in Europa und Amerika gleichzeitig ausbrechenden Militärs waren in der Regel sehr jung, Anfang zwanzig, und die meisten hatten sich "abgewehrt", um die Wehrpflicht in neutralen Städten wie New York, Zürich und Barcelona zu vermeiden.

Präkolumbianische Kunst: Definition, Geschichte, Zeitleiste

26/10/2020 17 133
Definition Der Begriff " präkolumbianische Kunst" bezieht sich auf die Architektur, Kunst und Kunsthandwerk der Ureinwohner Nord-, Mittel- und Südamerikas sowie der Karibikinseln (ca. 13.000 v. Chr. – 1500 n. Chr.) bis zu dem Zeitraum, der durch die Ankunft von Christoph Kolumbus auf dem amerikanischen Kontinent gekennzeichnet war. Siehe auch: Indianische Kunst. Der Begriff " Mesoamerika" ist ein Synonym für Mittelamerika und beschreibt eine Kulturregion in Amerika, die sich ungefähr von Zentralmexiko bis Belize, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua und Nord-Costa Rica erstreckt.

Kunst der Frührenaissance

25/10/2020 15 925
Hinweis: Weitere Informationen zum Dom – das Symbol der Florentiner Renaissance – sehen: Florence Cathedral, Brunelleschi und die Renaissance (1420 & ndash; 36).

Kunst der nördlichen Renaissance: Geschichte, Charakteristika

15/11/2021 11 754
Nördliche Renaissance in den Niederlanden und in Deutschland In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "nördliche Renaissance" auf die rasanten Entwicklungen in der bildenden Kunst (um 1430-1580), die in zwei Hauptbereichen stattfanden: (1) den niederländischen Niederlanden, Flandern und Holland; (2) Deutschland. Bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts wurden die niederländischen Gebiete von den Herzögen von Burgund regiert, danach von den Habsburgern, die auch einen großen Teil Deutschlands regierten. Die nördliche Renaissance war berühmt für ihre fortgeschrittenen Ölgemälde Techniken, realistisch, ausdrucksstark Altarbild Kunst, Porträtmalerei auf Holz Tafelbilder, ebenso gut wie Holzschnitte und andere Formen der Druckgrafik. Steinskulptur war aber nicht beliebt Holzschnitzen war eine deutsche Spezialität.

Renaissancekunst in Florenz

26/10/2020 38 497
Die frühe italienische Renaissance in Florenz Einführung Italien bestand im 14. Jahrhundert aus Staaten unterschiedlicher Größe. Obwohl die Einwohner all dieser Staaten dieselbe Sprache sprachen, unterschieden sich die lokalen Dialekte ebenso wie viele ihrer lokalen Bräuche und Regierungsformen. Neapel wurde von einem König regiert, während die Gebiete Mittelitaliens um Rom vom Papst regiert wurden. Im Norden gab es zahlreiche kleine Fürstentümer, das Großherzogtum Mailand und die Republiken Venedig und Florenz. Trotz dieser Unterschiede waren sich viele führende Italiener immer mehr ihrer nationalen Identität bewusst, was zu wachsendem Respekt führte römisch und Griechische Kunst der Antike.

Spanische Malerei: Geschichte, Merkmale

27/10/2020 26 125
Einführung Die Größe Spaniens in der Malerei zeigt sich in einigen wenigen Künstlern, die sich so weit über ihre Mitmenschen erheben, dass sie den Gipfel der europäischen Kunst einnehmen. Sie sind El Greco (1541–1614), Diego Velazquez (1599-1660) und Francisco de Goya (1746–1828). Eine gewisse Ähnlichkeit besteht zwischen ihrer Bedeutung und der von Rembrandt in Holland und Rubens in den spanischen Niederlanden, obwohl nicht nur die Niederlande im Norden und Süden eine größere Anzahl kleinerer hatten Alte Meister, und mehr Künstler, die ein hohes Maß an Originalität auf hohem Niveau zeigten, aber auch eine konsequentere Evolutionslinie.

Spanische Barockkünstler

27/10/2020 5 953
Spanische Barockkunst Spanien wurde während des größten Teils des 16. Jahrhunderts von zwei Monarchen regiert, dem Kaiser Karl V. (1516-1556) und dann seinem Sohn Philipp II. (1556-1598). Beide versuchten, ihre königliche Macht zu zentralisieren und identifizierten die Krone stark mit der Kirche. Obwohl sich vor allem Philipp II. Für die Künste interessierte und über sie informierte und Arbeiten bei einer Vielzahl von Künstlern in Auftrag gab, darunter Tizian, Hieronymus Bosch und El Greco, kam das Mäzenatentum in Spanien hauptsächlich von der Kirche. Letzterer war besonders traditionalistisch, und die Gegenreformation in Spanien entwickelte sich sehr orthodox, orientierte sich eng an den Lehren des Konzils von Trient und betonte in der Kunst jene Themen, die vom Protestantismus in Frage gestellt wurden – die Unbefleckte Empfängnis und der Kult der Jungfrau; die Sakramente; die Fürsprache der Heiligen. Obwohl der Protestantismus Spanien nie durchdrang, Katholische Gegenreformationskunst war sehr beliebt. Der Jesuitenorden, eine spanische Schöpfung, war ein Ausdruck des religiösen Eifers der Nation.

Spanische Renaissancekünstler

27/10/2020 4 850
Die Renaissance in Spanien Spanische Malerei und Bildhauerei im 15. und frühen 16. Jahrhundert waren insgesamt weniger fortgeschritten als ihre Gegenstücke in Renaissance-Kunst in Italien und in der Renaissance des Nordens von Flandern und Deutschland. Tatsächlich ist es schwierig, den Beginn einer Renaissance auf der Iberischen Halbinsel zu lokalisieren.

Spanische Barockkunst

27/10/2020 10 388
Das goldene Zeitalter der spanischen Malerei – Merkmale Wie in den Niederlanden, die Ära des 17. Jahrhunderts von Barocke Kunst war das goldene Zeitalter von Spanische Malerei .Befreit von den meisten italienischen Elementen und gesponsert von einer kompromisslosen katholischen Kirche – stark unterstützt von frommen habsburgischenKaisern – Spanische Barockkünstler nahm einen strengen und edlen Stil an Katholische Gegenreformationskunst Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360536.htm, das Linie und Farbe sowie Grafik und Bild miteinander verband und ein so scharfes Beobachtungsgefühl mit sich brachte, wie es kein anderes Alter und kein anderer Stil Christliche Kunst konnte es in Wahrheit übertreffen. Es war die spanische Schule, in Zusammenarbeit mit Meistern der Niederländischer Barock in Holland hat das die europäische Malerei effektiv auf den Weg des naturalistischen Realismus geführt .

Architektur des 19. Jahrhunderts: Merkmale, Geschichte

26/10/2020 16 425
19. Jahrhundert die Architektur wurde stark von früheren Architekturbewegungen und fremden, exotischen Stilen beeinflusst, die an die neuen Technologien der frühen Neuzeit angepasst wurden. Die Wiederbelebung des griechischen, gotischen und Renaissance-Designs wurde mit modernen technischen Methoden und Materialien kombiniert. In der westlichen Welt idealisierte der Historismus vergangene Reiche und Kulturen und verwendete von ihnen inspirierte Motive, um die nationale Nostalgie anzuregen. Die wichtigsten Arten von Baustilen des 19. Jahrhunderts waren: Griechische Wiedergeburt (1800-1900); Gothic Revival (1810-1900) – siehe Englische gotische Architektur – Neorenaissanceund Richardson Romanik (1840-1880); Zweites Reich (1850-1880); Exotik (1800-1900); Industriearchitektur (1850-1900); Wolkenkratzerentwurf (1885-1900). Sehen: Design (1850-1970).

Kunstgeschichte: Ursprünge, Evolution der bildenden Künste

12/08/2021 64 624
Inhalt Chronologische Zusammenfassung der wichtigsten Bewegungen, Stile, Epochen und Künstler, die zur Evolution und Entwicklung der bildenden Kunst beigetragen haben.

Italienische Renaissance: Malerei, Skulptur, Architektur

25/10/2020 39 017
Chronologie und Zeitleiste In diesem Artikel betrachten wir den gesamten Zeitraum von Renaissance-Kunst, von seinen frühesten Anfängen im 14. Jahrhundert (Trecento) , durch sein goldenes Zeitalter des 15. Jahrhunderts (quattrocento) , zu seiner Verzerrung und seinem Niedergang im 16. Jahrhundert (cinquecento). Die Periode ist traditionell in vier Abschnitte unterteilt:

Caravaggism: Eigenschaften von Caravaggios Tenebrism, Chiaroscuro

25/10/2020 5 249
Der Begriff Caravaggism beschreibt die Techniken von Tenebrismus und Chiaroscuro popularisiert durch den radikalen italienischen Manieristen Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) und von ihm in seinem religiöse Kunst, Genrebilder und Stillleben, die später von anderen zeitgenössischen Künstlern in Italien und in ganz Europa weit verbreitet wurden. Tatsächlich wurde nicht nur sein Stil weitgehend kopiert – insbesondere, weil sein Naturalismus ihn zu einem perfekten Vehikel machte Katholische Gegenreformation Art – aber auch sein charakteristisches Hell-Dunkel wurde zu einem bestimmenden Element in der neuen Ära des 17. Jahrhunderts Barocke Kunst Nicht zuletzt in der Arbeit der virtuosen Porträtisten Diego Velazquez und Rembrandt van Rijn. Seine künstlerischen Fähigkeiten und sein Ruf wurden von seinen Zeitgenossen trotz seines gewalttätigen persönlichen Lebensstils anerkannt, der zu seinem frühen Tod im Alter von 38 Jahren führte, als er nicht mehr als etwa 60-70 Gemälde fertigstellte.

Karolingische Kunst: Geschichte, Stile

25/10/2020 29 237
Karolingische Bildende KunstDie wichtigsten Erfolge von mittelalterliche Kunst Ludwig der Fromme, Lothar I. und II. und Karl der Kahle umfassten unter Karl den Frommen Kirchenarchitektur, religiöse Wandgemälde und illustrierte Evangeliumshandschriften wie das Lorscher Evangelium, das Utrechter Psalter, das Ebbo-Evangelium und das Godescalc-Evangelium. Für andere Zeiträume siehe: Kunstbewegungen, Perioden, Schulen.

Quattrocento, Italienische Kunst des 15. Jahrhunderts

26/10/2020 8 082
Hinweis: Der Begriff "Renaissance", der zur Beschreibung der neuen Kunstformen verwendet wird, die plötzlich im Florenz des 15. Jahrhunderts auftauchten, wurde erstmals vom französischen Historiker des 19. Jahrhunderts geprägt Jules Michelet (1798-1874.)

Kinetische Kunst

25/10/2020 5 507
Was ist kinetische Kunst? – Eigenschaften Im visuell kunst, der begriff kinetische kunst, abgeleitet vom griechischen wort kinesis, bezieht sich auf werke, die reale oder scheinbare bewegungen beinhalten. Es wird untersucht, wie die Dinge aussehen, wenn sie sich bewegen. Kinetische Kunst umfasst also in ihrer weitesten Definition eine Vielzahl verschiedener Kunstformen sowie Medientypen und -stile. So kann es sich beispielsweise um filmische und Animationskunst, Ereignisse und andere Arten von Performance-Kunst wie Pantomime, Uhrwerk / Uhrturm-Figuren, stroboskopische oder lichtbezogene Kunstwerke (Lumino Kinetic Art), Land Kunst oder jedes Artefakt, das verschwindet (Schneemann) oder sich einem Prozess der visuellen Veränderung unterzieht, Roboterkunst, Bewegungsgrafiken und andere Kunstwerke, die mit neuen Medientechnologien erstellt wurden. Es enthält auch Op art Gemälde, Zeichnungen und Drucke, deren "Bewegung" lediglich eine optische Täuschung ist. Die bekanntesten Werke der kinetischen Kunst sind jedoch verschiedene Arten von handbetriebenen oder motorbetriebenen Skulptur durch Jean Tinguely und Handys erfunden von Alexander Calder, deren Bewegung durch Luftströmungen verursacht wird.

Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts

25/10/2020 4 066
Einführung Annibale Carracci und Caravaggio waren die beiden einflussreichsten italienischen Maler zu Beginn des 17. Jahrhunderts. Beide wurden in ihrer Zeit als Künstler anerkannt, die gegen den Stil von Manieristische Malerei in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts vorherrschend, zurückgebracht hatte Naturalismus zu malen. Sie taten dies jedoch auf ganz andere Weise.

Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst: Klassizismus des 20. Jahrhunderts

25/10/2020 44 989
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei undandere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Königliche Akademie der Künste, London

26/10/2020 5 873
Die Royal Academy of Arts (RA) ist eine unabhängige Einrichtung, die von bedeutenden Künstlern und Architekten geleitet wird und deren Ziel es ist, die Schaffung, den Genuss und die Wertschätzung der bildenden Kunst in Großbritannien vor allem durch Ausstellungen, Bildung und Debatten zu fördern. Ein Kompetenzzentrum für akademische Kunst In Großbritannien gehören zu den europäischen Pendants die Akademie von Florenz (Accademia dell’Arte del Disegno: gegründet 1562) Akademie von Rom (Accademia di San Luca: gegründet 1583) und der Französische Akademie der bildenden Künste (Académie des Beaux-Arts).

Kubismus: Geschichte, Eigenschaften

12/12/2019 14 429
Einleitung: Revolutionäre abstrakte Kunst In der bildenden Kunst beschreibt der Begriff Kubismus den revolutionären Malstil von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) in Paris im Zeitraum 1907-12. Ihre kubistischen Methoden – zunächst beeinflusst von den geometrischen Motiven in den Landschaftskompositionen des postimpressionistischen Malers Paul Cezanne – Art und Umfang von Malerei der schönen Kunst und, in geringerem Maße, die Skulptur, wie sie früher praktiziert wurde, läutete völlig neue Wege ein, die Realität darzustellen. Insofern markiert der Kubismus das Ende der von der Renaissance geprägten Ära und den Beginn von moderne Kunst.

Les Nabis: Geschichte, Vermächtnis, Mitglieder

26/10/2020 3 117
Einer von mehreren Franzosen Post-Impressionismus Kunstgruppen im Zusammenhang mit der Ecole de Paris Les Nabis lehnte sich gegen die Grenzen der akademischen Kunst auf – wie es der Pariser lehrte Ecole des Beaux Arts – vertiefte sich in Mystik und Symbolik und suchte eine universelle Form der Malerei, bei der die dekorative Präsentation eines Gemäldes einen höheren Stellenwert einnahm, wobei der emotionale Umgang mit Farbe und die lineare Verzerrung besondere Beachtung fanden. Die Gruppe war stark von der Arbeit von Paul Gauguin beeinflusst und leistete einen wichtigen Beitrag dazu Postimpressionistische Malerei und zu fin de siecle dekorative kunst.

Rayonismus, Luchismus, Russische Bewegung für abstrakte Kunst

26/10/2020 3 333
Weitere Informationen zu Malerbewegungen in Russland finden Sie unterbitte sehen: Russische Kunst.

Beste englische Maler: 18./19. Jahrhundert

25/10/2020 8 707
Diese Liste bedeutender Künstler, die im 18. und 19. Jahrhundert mit England (hauptsächlich London) in Verbindung gebracht wurden, enthält die beiden wichtigsten Kunsttraditionen von Englische figurative Malerei und Englische Landschaftsmalerei. Die erste Gruppe umfasst Porträtisten, Genremaler, auf Aktzeichnungen spezialisierte Künstler sowie Exponenten mythologischer Geschichtsbilder, "Gesprächsstücke" und anderer Themenbilder. Die zweite Tradition umfasst sowohl topografische Künstler als auch Maler von Küstenszenen, Seestücken, Flusslandschaften und anderen landschaftlichen Ansichten. Orientalisten, Miniaturisten, Animaliers, Reiter und Illustratoren sind ebenfalls vertreten. Weitere Künstler werden zu gegebener Zeit hinzugefügt. Alle Vorschläge sind willkommen.

Mosan Art: Merkmale, Geschichte, Künstler

26/10/2020 7 124
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Künste, bitte sehen: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Manierismus Kunstbewegung

26/10/2020 14 796
Weitere Ressourcen Was ist Manierismus? In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "Manierismus" (abgeleitet vom italienischen Wort "maniera" für Stil oder Stil) auf einen Stil der Malerei, Skulptur und (in geringerem Maße) Architektur, der zwischen 1510 und 1520 in Rom und Florenz entstand in den späteren Jahren des Hohe Renaissance. Manierismus fungiert als Brücke zwischen dem idealisierten Stil von Renaissance-Kunst und die dramatische Theatralik der Barock-.

Miniaturmalerei: Kunst des Limnens

26/10/2020 6 825
Einführung Im Kunst bezieht sich der Begriff "Miniatur" auf zwei Arten von Bildern: (1) illustrative Bilder (c.600-1400 CE) in illuminierte Manuskripte; (2) Miniaturporträts (1500-1850), die so klein sind, dass sie als Gegenstand von getragen werden können Schmuck (Medaillon), einschließlich kleiner Erinnerungsporträts, die in der Hand gehalten werden können. Der eigentliche Begriff Miniatur leitet sich nicht – wie im Volksmund angenommen wird – vom Wort "Minute" ab, sondern vom lateinischen " Minium", dem roten Blei, das in Illustration von mittelalterlichen Illuminatoren (" Miniatoren"), um Anfangsbuchstaben in beleuchteten Manuskripten zu schmücken: Rot ist eine der frühesten Farben, die in solchen Texten verwendet werden. Im Mittelalter Miniatur Porträtkunst wurde als " historia" (daher der Begriff " historisierte" Initiale) bezeichnet, während die winzigen Porträts des elisabethanischen Künstlers Nicholas Hilliard (1547-1619) und seiner Zeitgenossen " limnings" (kleine Bilder) genannt wurden. Miniaturen wurden im Europa des 16. Jahrhunderts besonders populär und waren im 17./18. Jahrhundert weit verbreitet. Sie enthalten einige der größte Porträtmalereien in der schönen Kunst. Sie waren besonders nützlich, um das Aussehen einer Person zu vermitteln und so das Einführen zwischen Personen über Entfernungen zu erleichtern. Weitere Kunden waren Seeleute, Entdecker und andere Reisende, die im Ausland persönliche Erinnerungen an ihre Lieben mit sich führten, und umgekehrt zurückgebliebene Ehefrauen und Liebste. Das beste Porträtkünstler An dem Genre waren Spezialisten wie Jean Clouet, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Samuel Cooper, Jean Petitot und Richard Cosway sowie regelmäßige Porträtisten wie Jean Fouquet, Hans Holbein, Sir Thomas Lawrence und Henry Raeburn beteiligt.

Ravenna Mosaiken: Eigenschaften, Fotos

26/10/2020 12 054
Einführung Die norditalienische Stadt Ravenna an der Adriaküste südlich von Venedig ist berühmt für ihre späten Tage Römische Architektur und seine Meisterwerke von Mosaikkunst, abgeleitet von seiner Zeit als Hauptstadt des Weströmischen Reiches (ca. 402-76) und später als kaiserliches Exarchat des Byzantinischen Reiches (ca. 540-750). Seine wichtigsten Denkmäler von frühchristliche Kunst sind: das Mausoleum von Galla Placidia (c.380-450), errichtet von Kaiser Honorius; das Mausoleum des Theoderichs (um 520) und die Basilika Sant’Apollinare Nuovo (500-514), beide von Theoderich dem Großen (454-526) erbaut; die Basilika von San Vitale (c.527-546), begonnen von Königin Amalasuntha (495-535), der Tochter von Theodoric; und die Basilika Sant ’Apollinare in Classe (ca. 535-549), die vom griechischen Bankier Julianus Argentarius erbaut wurde, der auch die Kirche San Vitale finanzierte. Obwohl viele seiner erhaltenen Strukturen stark restauriert wurden, ist Ravenna nach wie vor der wichtigste Standort von Byzantinische Kunst außerhalb von Konstantinopel, vor allem für seine exquisite dekorative Kunst, einschließlich Mosaiken, Reliefskulptur Wandbilder keramische Kunst maiolica Elfenbein schnitzen Marmor Inlays Goldschmiedekunst, verzierte Sarkophage und vieles mehr.

Junge britische Künstler (YBAs), Britart

27/10/2020 10 485
Einführung In den späten 1980er und 90er Jahren postmoderne Kunst in Großbritannien wurde durch die Entstehung einer selbstbewussten neuen Generation von Menschen wiederbelebt postmoderne Künstler, später Young British Artists genannt . Sie gehörten keiner bestimmten Bewegung oder Kunstrichtung an und umfassten eine vielfältige Mischung aus Malern, Bildhauern, Video- / Installationskünstlern und Fotografen ohne gemeinsame Merkmale mit Ausnahme ihrer Jugend, ihrer Nationalität und ihres Engagements für zeitgenössische Kunst. Ihre Arbeit wird oft Britart genannt . YBAs wurden aufgrund von drei Kunstausstellungen bekannt: Freeze (1988) und Modern Medicine (1990), die beide von einem unbekannten Goldsmiths ’College-Kunststudenten namens kuratiert wurden Damien Hirst (* 1965) und Sensation (1997), gehalten an der Royal Academy. Ab 1988 war der Hauptsponsor der YBA der Millionärssammler Charles Saatchi, dessen Schirmherrschaft dazu beitrug, London zur europäischen Hauptstadt der Postmoderne zu machen. Der Begriff Young British Artists leitet sich aus dem Titel von sechs Ausstellungen dieses Namens ab, die im Zeitraum 1992-96 in der Saatchi Gallery in London stattfanden. YBAs, die mittlerweile zum britischen Kulturhaus gehören, wurden regelmäßig als Gewinner des Turner-Preis und wurden zu Mitgliedern der London Royal Academy gewählt. Sie wurden in vielen der ausgestellt beste Galerien für zeitgenössische Kunst in Europa. Bemerkenswerte Künstler, die mit der Young British Artists ’Bewegung’ verbunden sind, sind neben Hirst: Tracey Emin, Jake und Dinos Chapman, Douglas Gordon, Marcus Harvey, Gary Hume, Rachel Whiteread, Gillian Wearing, Mark Wallinger, Marc Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili, Jenny Saville und andere.

Nazarener: Deutsche katholische Maler in Rom

26/10/2020 5 597
Ursprünge Ein Teil der Breite Romantik Bewegung in Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts Die Nazarener waren eine Gruppe junger idealistischer Deutscher Romantische Künstler Geboren um die 1780er Jahre, gemeinsam Schüler an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Sie hielten das wirkliche Leben für zu banal, um es darzustellen, und mieden es zugunsten geistiger Angelegenheiten Christliche Kunst Insbesondere in der Tradition der mittelalterlichen Malerei Deutsche mittelalterliche Kunst und italienisch frühe Renaissance-Malerei. Unter der Leitung von Friedrich Overbeck (1789-1869) gehörten Franz Pforr (1788-1812), Wilhelm von Schadow (1788-1862), Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), Ludwig Vogel und Johann Konrad Hottinger an. Später kamen in Rom weitere hinzu, wie Peter von Cornelius (1783-1867), Johann Anton Ramboux (1790-1866) und Phillip Veit. Der Name "Nazarener" wurde erstmals 1817 vom österreichischen Maler Joseph Anton Koch (1768-1839) geprägt, einem Anhänger von Nicolas Poussin wurde ihnen wegen ihrer frommen Lebensweise, ihres biblischen Kleides und ihrer langen Haare geschenkt.

Venezianische Malerei Vermächtnis

27/10/2020 9 483
Einführung Die Erben der großen Blüte des 16. Jahrhunderts Venezianische Malerei waren nicht in Venedig selbst zu finden (wo das Talent nach 1600 rapide abnahm), sondern in Amsterdam, Antwerpen und Madrid; Rom, Paris und London. Die Italiener Caravaggio und Annibale Carracci; die niederländischen Meister Rubens, Anthony Van Dyck und Rembrandt; Poussin und Velazquez – diese Genies, deren Vorbild inspirierte und dominierte Malerei der schönen Kunst 250 Jahre lang haben sie in Europa, wo sie immer noch unsere realen und imaginären Museen präsidieren, einen großen Teil ihres Lebensunterhalts aus der Malerei des Renaissance von Venedig, die sich damit von den Grenzen der italienischen Kunst (zu denen der Historiker / Maler) entfernte Giorgio Vasari wollte es in die Mitte bringen. Einige dieser Maler besuchten Venedig selbst, andere nicht. Denn im Laufe des 17. Jahrhunderts verbreiteten sich venezianische Bilder in Städten in ganz Europa. Als der junge Rembrandt aufgefordert wurde, nach Italien zu reisen, um seinen Stil zu verbessern, machte er geltend, dass dies keinen Sinn habe, da es einfacher sei, Italienisch zu verstehen Renaissance-Kunst in Amsterdam als von Stadt zu Stadt in Italien selbst zu reisen. Wir werden sehen, dass diese Behauptung nicht völlig unzumutbar war.

Naturalismus in der Malerei

21/03/2019 13 061
Was ist Naturalismus? (Eigenschaften) Im Kunst keuchend "Naturalismus" beschreibt einen naturgetreuen Stil, der die Darstellung oder Darstellung der Natur (einschließlich des Menschen) mit der geringstmöglichen Verzerrung oder Interpretation beinhaltet. Die besten naturalistischen Gemälde haben eine quasi-fotografische Qualität: Eine Qualität, die ein Minimum an visuellen Details erfordert. Der "moderne" Naturalismus stammt aus dem Wohlstand des frühen 19. Jahrhunderts und war stark von der literarischen Mode der Authentizität geprägt – der Begriff wurde erstmals vom französischen Schriftsteller Emile Zola geprägt. Es entstand zuerst in Englische Landschaftsmalerei bevor sie sich nach Frankreich und dann in andere Teile Europas ausbreiteten. Wie alle vergleichbaren Stile wird auch der Naturalismus in gewissem Maße von der Kunst beeinflusst Ästhetik und Kultur sowie der unvermeidliche Subjektivismus des Künstlers. Aber es ist eine Frage des Grades – schließlich kann kein Bild ganz natürlich sein: Der Künstler muss winzige Verzerrungen vornehmen, um seine Vorstellung von einem vollkommen natürlichen Bild zu verwirklichen. Begibt sich ein Künstler jedoch mit dem klaren Ziel, die Natur nachzubilden, so ist ein naturalistisches Gemälde das wahrscheinlichste Ergebnis.

Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts

25/10/2020 45 717
Um zu sehen, wie sich die Kultur des 19. Jahrhunderts in Deutschland in die chronologische Entwicklung der bildenden Kunst in Europa einfügt, siehe: Zeitleiste der Kunstgeschichte.

Neoimpressionismus: Malerbewegung

26/10/2020 8 706
Was ist Neoimpressionismus? – Eigenschaften Der Begriff Neoimpressionismus wurde erstmals 1886 vom französischen Kunstkritiker verwendet Felix Feneon um einen Stil des 19. Jahrhunderts zu beschreiben Postimpressionistische Malerei, Pionier von Georges Seurat (1859 & ndash; 1891). Dieser Stil von Post-Impressionismus verwendet eine neue Technik des "Farbmischens", bekannt als Pointillismus (eine bestimmte Form von Divisionismus). In einfachen Worten, anstatt verschiedene Farben auf einer Palette zu mischen und sie dann auf die Leinwand zu übertragen, haben die Künstler des Neo-Impressionismus verschiedene Grundfarben auf die Leinwand aufgetragen – in Gruppen von winzigen Punkten (Punkten) – und dann dem Auge des Betrachters erlaubt, das zu tun "Mischen." Diese pointillistische Malmethode wurde verwendet, um die Leuchtkraft der Farbpigmente. Von weitem kamen die einzelnen Pigmentpunkte im Auge des Betrachters zusammen und leuchteten mit maximaler Brillanz. Seurat selbst nannte die Technik Chromoluminarismus (Farbhelligkeit) eher als Pointillismus oder Divisionismus. (Hinweis: Obwohl synonym verwendet, bezieht sich der Divisionismus auf die allgemeine Methode zum Anwenden kleiner Striche oder Tupfer mit getrennten Primärfarben, während sich der Pointillismus auf die Größe / Art des Tupfers bezieht, in diesem Fall Punkte.)

Neoklassizistische Architektur (1640-1850)

26/10/2020 8 217
Weitere Ressourcen Einführung Im die Architektur Neoklassizismus (oder nur Klassizismus) signalisierte eine Rückkehr zur Ordnung und Rationalität nach dem Flamboyant Barock- und die dekorative Leichtfertigkeit der Rokoko. Als aus vielen Elementen zusammengesetzter Stil, der sich in unterschiedlichem Maße an den antiken Formen orientiert Griechische Architektur und Römische Architektur neoklassische Architektur kann mehr oder weniger imitiert werden. Aus diesem Grund leihen sich Bauherren seit Mitte des 17. Jahrhunderts immer wieder griechische und römische Vorbilder aus – man könnte sogar sagen, seit dem Fall Roms im 5. Jahrhundert! – was den Neoklassizismus zum beliebtesten Baustil der Welt macht.

Neoklassische Malerei: Definition, Merkmale

26/10/2020 8 586
Weitere Ressourcen Die Wiederbelebung der Antike Bei der neoklassischen Malerei wurde in der Darstellung klassischer Ereignisse, Charaktere und Themen in der Regel ein Schwerpunkt auf strenges lineares Design gelegt, wobei historisch korrekte Einstellungen und Kostüme verwendet wurden. Sein Aufkommen wurde durch das neue wissenschaftliche Interesse an der klassischen Antike, das im Laufe des 18. Jahrhunderts aufkam, stark stimuliert. Eine Reihe bemerkenswerter archäologischer Entdeckungen, insbesondere die Ausgrabungen der begrabenen römischen Städte Herculaneum (ab 1738) und Pompeji (ab 1748), sorgten für erneutes Interesse an Römische Kunst. Darüber hinaus lieferten ab etwa 1712 mehrere einflussreiche Veröffentlichungen von Bernard de Montfaucon (1655-1741), Giovanni Battista Piranesi (1720-78), dem Comte de Caylus und Robert Wood Stiche römischer Denkmäler und verstärkten das Interesse an Klassizismus und der klassischen Antike. All dies half den Gelehrten, eine genauere Chronologie für die griechisch-römische Kunst zu erstellen, deren zahlreiche Stränge und Stile einen größeren Respekt für die Kultur dieser Zeit hervorriefen. Die begeisterten Schriften des deutschen Historikers und Gelehrten Johann Joachim Winckelmann (1717-68) waren in dieser Hinsicht besonders einflussreich und machten ihn schnell zum Champion von Griechische Kunst und vom latenten Stil des Neoklassizismus.

Neoklassische Kunst, Neoklassizismus (1770-1830)

26/10/2020 8 313
Zusammenfassung Der als "Neoklassizismus" bekannte künstlerische Stil Klassizismus ") war die vorherrschende Bewegung in der europäischen Kunst und Architektur im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert. Sie spiegelte den Wunsch wider, den Geist und die Formen der klassischen Kunst aus dem alten Griechenland und Rom wiederzubeleben, deren Ordnungs- und Vernunftprinzipien völlig im Einklang standen Das europäische Zeitalter der Aufklärung Der Neoklassizismus war zum Teil auch eine Reaktion gegen die Auffälligkeit von Barocke Kunst und die dekadente Leichtfertigkeit des Dekorativen Rokoko Englisch: www.goethe.de/ges/mol/thm/tde/en2999366.htm Die Schule, die vom französischen Hof – und insbesondere von der Geliebten Ludwigs XV., Madame de Pompadour – verfochten und zum Teil durch die Entdeckung der römischen Ruinen von Herculaneum und Pompeji (1738-50) sowie die Veröffentlichung des einflussreichen Buches Thoughts on (1755) angeregt wurde die Nachahmung griechischer Kunstwerke durch den deutschen Kunsthistoriker und Gelehrten Johann Winckelmann (1717 & ndash; 68). All dies führte zu einer Wiederbelebung der neoklassizistischen Malerei, Skulptur und Architektur in Rom – ein wichtiger Zwischenstopp in der große Tour – Von dort aus breitete es sich nach Norden nach Frankreich, England, Schweden und Russland aus. Amerika begeisterte sich sehr für die neoklassizistische Architektur, nicht zuletzt, weil sie öffentlichen Gebäuden eine Aura der Tradition und Beständigkeit verlieh. Zu den neoklassizistischen Malern gehörten Anton Raphael Mengs (1728-79), Jacques-Louis David (1748-1825), Angelica Kauffmann (1741-1807) und Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867); Zu den Bildhauern gehörten Jean-Antoine Houdon (1741-1828), John Flaxman (1755-1826), Antonio Canova (1757-1822) und Bertel Thorvaldsen (1770-1844). Zu den bekanntesten Vertretern der neoklassizistischen Architektur zählten Jules-Hardouin Mansart (1646-1708), Jacques Germain Soufflot (1713-80), Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), John Nash (1752-1835), Jean Chalgrin (1739-1811), Carl Gotthard Langhans (1732–1908), Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) und Benjamin Henry Latrobe (1764-1820).

Nowgoroder Schule für Ikonenmalerei

26/10/2020 14 637
Einführung Ein herausragendes Zentrum von Christliche Kunst Die Nowgoroder Schule brachte so viele hervor Tafelbilder von solch hoher Qualität, zwischen dem zwölften und sechzehnten Jahrhundert, dass seine Produktion verdient, mit dem feinsten und wichtigsten in der Geschichte von zu rangieren Ikonenmalerei. Gewisse byzantinische Ikonen, wie die Jungfrau von Wladimir (um 113), übertreffen jeden von der Nowgoroder Schule hergestellten; es gibt aber viele einzelne meisterwerke von Russische Kunst Es gibt zwar nicht genügend byzantinische Ikonen, um eine gerechte Vorstellung von dem allgemeinen Standard zu bekommen, den die byzantinischen Maler in einem bestimmten Zeitraum erreicht haben. Bis mehr Byzantinische Kunst wird aufgedeckt, muss die novgorodianische Schule der Ikonenmalerei daher als die reichste und produktivste anerkannt werden. (Siehe auch: Christliche Kunst, byzantinische Zeit.)

Salon d’Automne, Paris

26/10/2020 7 867
Für Informationen über den offiziellen Salon de Paris (seit 1667), bitte sehen: Pariser Salon.

Realismus zum Impressionismus: Entwicklung und Typen realistischer Kunst

26/10/2020 16 611
Einführung Realismus – eins der wichtigsten Kunstbewegungen der Neuzeit – wuchs infolge der raschen Veränderungen der industriellen und sozialen Verhältnisse im Laufe des 19. Jahrhunderts auf. Ihr Aufstieg war auch von der wachsenden Bedeutung der Wissenschaft und dem damit einhergehenden Niedergang des romantischen Individualismus geprägt. Wohl die erste wirkliche Bewegung von Moderne Kunst, diese neue und prosaische Redewendung von Realistische Malerei führte direkt zu Monet Impressionismus und danach zur Entkopplung der Malerei von der Natur. Paradoxerweise öffnete all dies die Tür zu abstrakte Kunst und die verschiedenen Stränge von Expressionismus das entstand im 20. Jahrhundert.

Ottonische Kunst: Geschichte, Charakteristika

26/10/2020 28 849
Das ottonische Reich Zu Beginn des 10. Jahrhunderts wurde das karolingische Reich (wenn auch nicht Karolingische Kunst) war infolge innerer Zwietracht und der Angriffe äußerer Feinde – Nordmänner im Westen und Slawen und Magyaren im Osten – zerfallen. Mit der Wahl von Heinrich dem Fowler, Herzog von Sachsen, zum König der Ostfranken im Jahr 918 begann ein Konsolidierungsprozess. Es gipfelte in der Errichtung des ottonischen Reiches unter Heinrichs Sohn Otto dem Großen, der 962 in Rom zum heiligen römischen Kaiser gekrönt wurde und der sowohl der Dynastie als auch der Zeit seinen Namen gab. Die sächsischen Kaiser organisierten die Regierungsmittel neu und entwickelten eine enge Zusammenarbeit zwischen Kirche und Staat, in der der Kaiser sowohl als von Gott ernannter Herrscher als auch als Gottes Stellvertreter auf Erden fungierte – Rex et Sacerdos (König und Priester) -, während die großen Prinzen der Kirche und ihr Klerus fungierte als Beamter, der eng mit der königlichen Kanzlei zusammenarbeitete und diese sogar bildete. Unter der ottonischen Dynastie wurden die Ostfranken die unbestrittenen Führer des westlichen Christentums. Die Fürsten der Kirche, Nominierte des Kaisers, waren nicht nur geistliche Prälaten, sondern auch Feudalherren, und Erzbischöfe und Bischöfe nahmen selbst Waffen für den Kaiser. Bruno von Köln, der Bruder von Otto I., hatte zum Beispiel das Herzogtum Lotharingia inne sowie das lebenswichtige Erzbistum Köln. Um die ottonische Kunst in einem deutschen Kontext zu sehen, siehe: Deutsche mittelalterliche Kunst (c.800-1250).

Pariser Salon

26/10/2020 8 123
Ressourcen Weitere Informationen zu den Europäischen Akademien der bildenden Künste finden Sie unter:

Pop Art: Geschichte, Eigenschaften

26/10/2020 32 848
Was ist Pop-Art? – Eigenschaften Der Begriff Pop-Art wurde 1955 vom britischen Kurator Lawrence Allowayerfunden, um eine neue Form der "Populären" Kunst zu beschreiben – eine Bewegung, die von der Bildsprache des Konsumsund der Populärkultur geprägt ist . Pop-Art tauchte sowohl in New York als auch in London Mitte der 1950er Jahre auf und wurde bis Ende der 1960er Jahre zum dominierenden Avantgarde-Stil. Es war interessant anzusehen und hatte ein modernes "hip" -Gefühl. Es zeichnete sich durch kühne, einfache, alltägliche Bilder und lebendige Blockfarben aus. Die hellen Farbschemata ermöglichten auch diese Form von Avantgarde-Kunst bestimmte Elemente der zeitgenössischen Kultur hervorzuheben und die Kluft zwischen kommerziellen und bildenden Künsten zu verringern. Es war die erste postmoderneBewegung (in der das Medium ebenso wichtig ist wie die Botschaft) und die erste Kunstschule, die die Macht von Film und Fernsehen widerspiegelte, von der viele ihrer berühmtesten Bilder ihre Berühmtheit erlangten. Häufige Quellen für Pop-Ikonen waren Werbung, Verpackungen für Konsumgüter, Fotos von Filmstars, Popstars und anderen Prominenten sowie Comics.

Kunst nach dem Impressionismus: Geschichte, Charakteristika

26/10/2020 12 401
Was ist Postimpressionismus? In der bildenden Kunst bezeichnet der Begriff Postimpressionismusdie Phase von moderne Kunst währenddessen versuchten die Künstler, über den engen Imitationsstil von Impressionismus, wie von Claude Monet und seinen Anhängern praktiziert. (Weitere Informationen finden Sie unter: Merkmale der impressionistischen Malerei.) Die Phase dauerte ungefähr von 1880 bis zum Ende des 20. Jahrhunderts, obwohl sie außerhalb Frankreichs länger andauerte. Zu den wahrscheinlich einflussreichsten postimpressionistischen Bewegungen gehörten der Neoimpressionismus , der frühe Expressionismus , der Jugendstilund der Fauvismus , obwohl die Bedeutung dieser Zeit im Wesentlichen in der Pionierkunst bestimmter einzelner Maler liegt.

Postimpressionismus in Deutschland (1880-1910)

26/10/2020 21 755
Deutsche postimpressionistische Kunst: In Kürze In Deutschland mangelt es an einer starken Tradition von Impressionismus, kombiniert mit dem Fehlen eines dominanten künstlerischen Zentrums, ergab sich eine relativ milde Form von Post-Impressionismus im Vergleich zu Frankreich. Zwar sorgte der norwegische Expressionist Edvard Munch 1892 in Berlin mit so krassen Werken wie Sick Child (1885–16; National Gallery, Oslo) für Aufruhr, was in avantgardistischen Kreisen Anklang fand. Aber der vorherrschende Stil unter moderne Künstler in Deutschland blieb Naturalismus am Beispiel von Hans von Marees und Lovis Corinth. (Siehe auch: Postimpressionismus in Holland.) Eine kleine Anzahl von Malern, wie der in der Schweiz geborene Arnold Bocklin und Ferdinand Hodler, die hauptsächlich in Deutschland arbeiteten, wechselten vom Naturalismus zu Symbolismus nach Hodlers Eurythmie (1895, Kunstmuseum, Bern). Eine wichtige Figur hinter der Einführung der Moderne Französische Malerei In Deutschland war der Kunstkritiker Julius Meier-Graefe, der viel dafür tat, dass die Werke von Van Gogh, Gauguin und den anderen Franzosen Maler nach dem Impressionismus wurde auf die deutsche Öffentlichkeit aufmerksam. Darüber hinaus trugen Besuche von Künstlern zwischen Frankreich und Deutschland wie Alexei von Jawlenski, Paul Serusier, Maurice Denis, Jan Verkade, Paula Modersohn-Becker und anderen zur Sensibilisierung für das Französische bei Postimpressionistische Malerei im kommenden expressionistische Bewegung in Deutschland.

Postimpressionismus in Holland

26/10/2020 29 326
Niederländische Malerei des späten 19. Jahrhunderts Die beiden Hauptzentren von Post-Impressionismus in den Niederlanden in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts waren Den Haag und Amsterdam. Die Haager Schule war eine lose Vereinigung niederländischer Maler, die in den Jahren um 1860-1900 in Den Haag tätig waren. Spezialisiert auf Naturalismus – insbesondere Landschaftsmalerei und Strandlandschaften – sie produzierten auch eine Vielzahl von verschiedenen Arten von Genre-Malerei, einschließlich der Innenausstattung der Kirche. Einige ihrer Werke hatten eine romantische, nostalgische Note – nicht so unähnlich wie zu Beginn des 19. Jahrhunderts Biedermeier Stil in Deutschland (1815-48) oder der von Christen Kobke (1810-48) in Dänemark. Ihre unmittelbaren Amtskollegen in Frankreich waren jedoch die Künstler der Barbizon Schule und später die Impressionisten. Die Mitglieder der Haager Schule versuchten ebenso, die besonderen Wirkungen von Licht und Atmosphäre einzufangen. Wichtige Mitglieder der Haager Gruppe waren: Bosboom, Johannes (1817-1891), die Maris-Brüder – Jacob (1837-1899), Matthijs (1839-1917), Willem (1844-1910) – Jozef Israels (1824-1911), Anton Mauve (1838-1888), Hendrik Willem Mesdag (1831-1915) und Johan Hendrik Weissenbruch (1824-1903), auf die einige Einfluss hatten Van Gogh und der Postimpressionist Italienischer Divisionismus von Giovanni Segantini.

Primitivismus, Primitive Kunst: Definition, Eigenschaften

26/10/2020 22 913
Definition und Eigenschaften Der Begriff " Primitive Kunst" ist eine ziemlich vage (und unvermeidliche ethnozentrische) Beschreibung, die sich auf die kulturellen Artefakte "primitiver" Völker bezieht, dh auf jene ethnischen Gruppen, die nach westlichen Maßstäben einen relativ niedrigen Stand der technologischen Entwicklung aufweisen.

Kunst der Protorenaissance: Definition, Charakteristika, Geschichte

26/10/2020 12 567
Was ist die Protorenaissance? – Eigenschaften In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "Proto Renaissance" auf die Zeit vor der Renaissance (um 1300-1400) in Italien und auf die Aktivitäten fortschrittlicher Maler wie Giotto (1267-1337), der Pionier der neuen Form des figurativen "Realismus" war, der von Künstlern in der Ära von Renaissance-Kunst richtig. Giottos bahnbrechende Kunst repräsentierte jedoch weder den europäischen noch den italienischen Mainstream. Abgeleitet von Traditionen geerbt von Christliche byzantinische Kunst – die selbst die Wandbilder von Romanische Malerei) – der Stil bekannt als Gotische Kunst Der in Italien unter anderem von der Stadt Siena gefeierte Stil der Malerei und Bildhauerei war nach wie vor vorherrschend. Tatsächlich überlebte die gotische Sprache in der Form eines Stils, der als bekannt ist, bis weit in das 15. Jahrhundert hinein Internationale Gotik, die in vielen königlichen Höfen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Spanien, Böhmen und England, populär wurde. Die eigentliche Renaissance begann um 1400 in Florenz, aber ihre Ideale und Methoden wurden erst Mitte des 15. Jahrhunderts zu einer dominierenden Kraft in der europäischen Kunst. Zu den wichtigsten Kunstarten, die in der Zeit der Protorenaissance praktiziert wurden, gehörten Freskenmalerei, Temperafeldmalerei, Buchmalerei, Reliefskulptur, Goldschmiedekunst und andere Formen der Metallverarbeitung. Die meisten künstlerischen Entwicklungen des Protorenaissance-Zeitalters wirkten sich unmittelbar aus Malerei der Frührenaissance (c.1400-90) der quattrocento .

Pointillismus: Geschichte, Eigenschaften

26/10/2020 5 745
Was ist Pointillismus? – Eigenschaften In der bildenden Kunst beschreibt der Begriff "Pointillismus" (vom französischen Wort "point", was "dot" bedeutet) eine Technik von Neoimpressionismus Malerei, bei der Hunderte kleiner Punkte oder Striche reiner Farbe auf die Leinwand oder einen anderen Untergrund aufgetragen werden, um maximale Leuchtkraft zu erzielen. Das heißt, anstatt zu mischen Farbpigmente Auf einer Palette trägt der Pointillist dann die Mischung auf das Gemälde auf, bringt kleine Punkte mit reiner, nicht gemischter Farbe direkt auf das Bild auf und verlässt sich auf das Auge des Betrachters, um die Farben optisch zu mischen. In der richtigen Entfernung (angeblich dreimal so groß wie die Diagonale) wirken die Farbpunkte intensiver und subtiler als mit herkömmlichen Techniken. Pointillismus (eigentlich ein Ableger von Divisionismus) war der einflussreichste Stil von Postimpressionistische Malerei (1880-95) und wurde von geübt Maler nach dem Impressionismus aus einer Reihe von verschiedenen Schulen. Italienischer Divisionismus, angeführt von Vittore Grubicy De Dragon (1851-1920), war besonders aktiv.

Realistische Malerei, 19. Jahrhundert: Geschichte, Charakteristika

26/10/2020 41 484
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei undandere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Rokoko Art

26/10/2020 41 515
Eine kurze Einführung in die architektonischen Aspekte dieses Kunststils finden Sie unter: Rokoko-Architektur.

Romanische Malerei (um 1000-1200)

26/10/2020 18 386
Hintergrund In der Geschichte von Christliche Kunst Der Begriff "Romanik" ist ein eher vager und vorwiegend architektonischer Begriff, der auf andere Kunstdisziplinen wie Malerei und Bildhauerei ausgedehnt wurde. Wenn Romanische Architektur ist gekennzeichnet durch eine neue Massivität des Maßstabs, und Romanische Skulptur Durch den größeren Realismus ist die romanische Malerei durch eine neue Stilformalität gekennzeichnet, die weder den Naturalismus noch den Humanismus ihrer klassischen Vorläufer noch ihre gotischen Nachfolger aufweist. (Einfach ausgedrückt: Vor der gotischen Delikatesse steht die romanische Strenge.) Lineare Designs dominieren und erzeugen majestätische Ruhe oder alternativ aufgeregte Ausdruckskraft. Der dekorative Charakter der romanischen Glasmalerei, beleuchtete Manuskripte, Altarbild Kunst und andere Bilder können als eine Art Brücke zwischen dem Osten gesehen werden Byzantinische Kunst – Mit seiner symbolischen, formalisierten Ikonenmalerei – und Western Gotische Kunst, mit seiner höfischen Variante aus dem späten 14. Jahrhundert, bekannt als Internationale Gotik.

Romanische Malerei in Spanien

26/10/2020 16 465
Eine allgemeine Anleitung zu religiösen Wandgemälden finden Sie unter: Christliche Kunst (150-2000).

Romanische Malerei in Italien

26/10/2020 19 924
Eine allgemeine Anleitung zu den Wandgemälden der Kirche finden Sie unter: Christliche Kunst (150-2000).

Romanische Malerei in Frankreich

26/10/2020 17 121
Für mehr über mittelalterliche Kunst und Gebäudeplanung, sehen: Romanische Architektur (c.800-1200).

Romanische Bilderhandschriften

26/10/2020 42 469
Mittelalterliche Buchmalerei (1) Mittelalterliche Handschriftenbeleuchtung (c.1000-1500) (2) Romanische Bilderhandschriften (um 1000-1150) (3) Gotische Bilderhandschriften (c.1150-1350) (4) Internationale gotische Buchmalereien (c.1375-1450)

Romanische Kunst: Geschichte, Charakteristika

26/10/2020 24 317
ROMANISCHE KÜNSTE Für mehr über dieEigenschaften davonBaustil, siehe:Romanische Architektur.Für mehr über dieBildende Kunst, siehe:Romanische Skulptur.

Romantik: Definition, Eigenschaften, Geschichte

26/10/2020 16 849
Was ist Romantik? – Eigenschaften Trotz der frühen Bemühungen von Pionieren wie El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) und Claude Lorrain (1604-82), der Stil, den wir als Romantik kennen, gewann erst gegen Ende des 18. Jahrhunderts an Bedeutung, als das heroische Element des Neoklassizismus eine zentrale Rolle erhielt Gemälde. Dieses heroische Element in Kombination mit dem revolutionären Idealismus führte zu einem emotionalen romantischen Stil, der im Zuge der Französischen Revolution als Reaktion auf die Zurückhaltung entstand akademische Kunst des Kunstbetriebs. Zu den Grundsätzen der Romantik gehörten: eine Rückkehr zur Natur – beispielhaft dargestellt durch die Betonung der spontanen Malerei im Freien – ein Glaube an die Güte der Menschheit, die Förderung der Gerechtigkeit für alle und ein starker Glaube an die Sinne und Gefühle und nicht an die Vernunft und Intellekt. Romantische Maler und Bildhauer tendierten dazu, eine emotionale persönliche Reaktion auf das Leben zum Ausdruck zu bringen, im Gegensatz zu der Zurückhaltung und den universellen Werten, für die sie eintraten Neoklassizistische Kunst. Auch die Architekten des 19. Jahrhunderts versuchten, in ihren Bauentwürfen ein Gefühl der Romantik zum Ausdruck zu bringen: siehe zum Beispiel Viktorianische Architektur (1840-1900).

Russische mittelalterliche Malerei

26/10/2020 13 465
Arten der mittelalterlichen Malerei Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts Russische Kunst – insbesondere Gemälde – war praktisch auf religiöse Themen beschränkt, die darüber hinaus in der durch die religiöse Tradition bestimmten Weise dargestellt werden mussten. Diese religiöse Gemälde wurden entweder auf Holztafeln , die als Ikonen bezeichnet werden, oder an Kirchenwänden ausgeführt . Beleuchtete Manuskripte waren in Russland vergleichsweise selten und, soweit bekannt, die meisten Mosaikkunst des Mittelalters war das Werk byzantinischer Künstler, die eigens zu diesem Zweck nach Russland geschickt wurden. (Siehe auch: Christliche Kunst, byzantinische Zeit.)

Russische Kunst: Geschichte, Eigenschaften

26/10/2020 28 404
Älteste russische Kunst Die Kunst in Russland reicht bis in die Steinzeit zurück. Das früheste bekannte Werk der russisch / ukrainischen Kunst ist das Venus von Kostenky (ca. 23.000-22.000 v. Chr.), eine Mammutknochenschnitzerei einer weiblichen Figur, die in Kostenky (Kostienki) aus der Gravettenkultur entdeckt wurde. Ein ähnliches Stück prähistorische Skulptur an derselben stelle wurde aus kalkstein gehauenes gestein entdeckt. Andere Artikel der russischen prähistorische Kunst aus der gravettianischen Ära gehören die Venus von Gagarino (ca. 20.000 v. Chr.), die Avdeevo Venuses (ca. 20.000 v. Chr.) und eine Elfenbeinschnitzerei, bekannt als Mal’ta Venuses (20.000 v. Chr.) Aus der Nähe des Baikalsees in Sibirien. Die Kunst der Magdalenianischen Ära in Russland ist beispielhaft für die Kapova Höhlenmalereien im Shulgan-Tash Preserve, Bashkortostan, im südlichen Ural und auch von Amur River Basin Keramik (14.300 v. Chr.).

Sienesische Malschule unter der Leitung von Duccio di Buoninsegna

26/10/2020 7 678
Die italienische Kunstschule in Siena, die von Guido da Siena (tätig nach 1250) und Coppo di Marcovaldo (1225-1274) gegründet wurde, blühte zwischen dem 13. und 15. Jahrhundert in Siena auf. Ausschließlich gewidmet Christliche Kunst Es hatte einen erheblichen Einfluss auf die Entwicklung von Malerei vor der Renaissance (c.1300-1400). Viele Jahre lang – als Ghibelliner und Anti-Papsttum – war es mit Florenz konkurrierend, dessen Armeen es erst 1260 niedergeschlagen hatte, aber künstlerisch war es konservativer – und ließ sich vom Stil der Fresken in Florenz inspirieren Romanische Malerei und der dekorativen Schönheit und Anmut von Byzantinische Kunst und das Internationale Gotik.

Symbolismus Malerei Bewegung

27/10/2020 6 625
Definition und Eigenschaften Symbolismus, eine Bewegung des ausgehenden 19. Jahrhunderts von Postimpressionistische Malerei, blühte europaweit zwischen 1886 und 1900 in fast allen Bereichen der Kunst. Anfänglich in der Literatur, einschließlich Poesie, Philosophie und Theater, entstanden, verbreitete sie sich dann in der Musik und der bildenden Kunst. Die symbolistische Kunst hatte starke Verbindungen zur Präraffaeliten und mit Romantik sowie die Ästhetizismusbewegung. Wie alle diese Bewegungen war der Symbolismus zum großen Teil eine Reaktion gegen Naturalismus und Realismus und wurde eng mit ihm verbunden mythologische Malerei aller Art. Während Realisten und Naturforscher versuchten, die optische Realität in all ihrer objektiven Grausamkeit einzufangen und sich somit eher auf das Gewöhnliche als auf das Ideale zu konzentrieren, suchten die Symbolisten eine tiefere Realität innerhalb ihrer Vorstellungskraft, ihrer Träume und ihres Unbewussten. Berühmte symbolistische Maler eingeschlossen Gustave Moreau (1826-98), Arnold Bocklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Max Klinger (1857-1920), Paul Gauguin (1848-1903), James Ensor (1860-1949), Edward Munch (1863-1944), Odilon Redon (1840-1916) und Puvis de Chavannes. Obwohl die Bewegung nur von kurzer Dauer war, hatte sie einen starken Einfluss auf Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts und eine große Auswirkung auf europäische Künstler des 20. Jahrhunderts, insbesondere auf die, die an. beteiligt sind Les Nabis und Jugendstil und auch die Expressionismus und Surrealismus Bewegungen. Es beeinflusste auch Künstler wie Whistler, Giorgio de Chirico, Joan Miro, Paul Klee, Frida Kahlo und Marc Chagall. In den neunziger Jahren wurde eine Reihe chinesischer Maler – Mitglieder der Zynischer Realismus Bewegung in Peking – verwendete symbolistische Motive, um die politischen und sozialen Unsicherheiten auszudrücken, die nach dem Durchgreifen auf dem Platz des Himmlischen Friedens entstanden sind.

Synthetismus: Malstil

27/10/2020 6 050
Expressionistische Malerei mit Symbolik Der Begriff Synthetismus beschreibt einen Stil von Postimpressionistische Malerei Das wurde in den 1880er Jahren von entwickelt Paul Gauguin (1848–1903), Emile Schuffenecker (1851–1934), Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) und andere. Um sich von der impressionistischen Besessenheit vom Studium des Lichts zu lösen, versuchte Gauguin, einen neuen Malstil zu entwickeln, der auf zweidimensionalen Reinheitsgebieten basiert Farbe (dh mit wenigen schattierten Bereichen oder jeder Art von 3D-Modellierung) und einigen starken Linien. Die Techniken des Synthetismus sind beispielhaft in Gauguins Meisterwerk Vision After the Sermon (1888, National Gallery of Scotland), einem der größte moderne Gemälde, die zwei verschiedene Realitätsebenen abbildet: die reale Welt und die Traumwelt. Der Name Synthetismus sollte sich auf die "Synthese" von (1) vereinfachten Formen und Farbschemata mit (2) der Hauptidee oder dem Hauptgefühl des Subjekts beziehen, um eine kühnere künstlerische Aussage zu erzielen. Der Synthetismus ist stark mit dem assoziiert Pont-Aven Künstlerkolonie in der Bretagne. Andere expressionistische Maler mit Sitz in Pont-Aven, der Synthetismus praktizierte, darunter Jacob Meyer de Haan (1852-95), Charles Laval (1862-94), Paul Serusier (1863-1927), Charles Filiger (1863-1928) und Armand Seguin (1869-1903). In ihrer eigenen Beschreibung dieses neuen Stils von Französische Malerei Emile Bernard und Louis Anquetin zogen es vor, den Namen mit seinen großen Flächen mit reinen Farben und schwarzen Konturen zu verwenden Cloisonnismus Nach der mittelalterlichen Cloisonnetechnik der Emaillierung.

Synthetischer Kubismus

27/10/2020 10 722
Einführung: Geschichte & Merkmale Verfolgung der Phasen von Frühe kubistische Malerei und Analytischer Kubismus, der dritte und letzte Akt der kubistischen Zusammenarbeit zwischen Georges Braque (1882-1963) und Pablo Picasso (1881-1973) ereignete sich in der Zeit von 1912 bis 1914. Bekannt als Synthetischer Kubismus, ist dieser symbolische Kunststil bunter als die frühere analytische Form von Kubismus, enthält eine Vielzahl von Fremdmaterialien und ist insbesondere mit der neuartigen Technik von Picasso verbunden Collage und Braques Pappcolles. Der Spanier Juan Gris (1887-1927) hat maßgeblich zum neuen Stil beigetragen. Wenn der analytische Kubismus eine revolutionäre malerische Alternative zum Single Point darstellte Geradlinige Perspektive Ebenso innovativ war Synthetic Cubism in der Verwendung von Collagen und Papiercollagen, die beide die Lücke zwischen Leben und Kunst schlossen, indem sie Stücke der realen Welt auf die Leinwand brachten. Sie betonten auch die Tatsache, dass ein Gemälde ein zweidimensionales flaches Objekt ist und verwischten die Grenze zwischen Malerei und Skulptur. Es hatte einen bemerkenswerten Einfluss auf spätere Bewegungen wie Dada (c.1916-24) Surrealismus (Ab 1924) und Pop-Art (c.1960-75). Picassos künstlicher Kubismus fiel mit seinem Umzug vom böhmischen Monmartre nach Montparnasse zusammen und endete mit dem Ausbruch des Krieges im Herbst 1914, kurz danach verließ Braque das Land, um zu kämpfen Daniel-Henry Kahnweiler (der größte Kunsthändler des Duos) floh in die Schweiz. Als spanischer Neutralist konnte Picasso seine Karriere als Maler in Paris fortsetzen. Zu gegebener Zeit wurde er vertreten durch Paul Rosenberg (1881–1959), jüngerer Bruder des kubistischen Händlers Leonce Rosenberg (1879-1947).

Synchromie: Abstrakter Malstil

27/10/2020 4 525
Was ist Synchromismus? Im moderne Kunst bezieht sich der Begriff "Synchromismus" auf einen Stil von Gemälde 1913 in Paris von den beiden amerikanischen Malern Morgan Russell (1886-1953) und Stanton MacDonald-Wright (1890-1973) ins Leben gerufen. Ähnlich dem französischen Stil von Orphismus Synchromie war eine Form von abstrakte Kunst, in welchem Farbe wurde die Hauptrolle als Quelle der Form und des Ausdrucks eingeräumt. Die Synchromistenausstellungen fanden 1913 in Paris und München sowie in New York im Anschluss an die berühmte Internationale Ausstellung für moderne Kunst (auch bekannt als die Waffenschau). Der synchromistische Stil von Amerikanische Kunst wurde auch vom mittelwestlichen Maler Thomas Hart Benton (1889-1975) adoptiert, bevor er in den 1920er Jahren zum Regionalismus wechselte. Zunächst als einer der kommenden gefeiert abstrakte Kunstbewegungen Während des Ersten Weltkrieges kam es zum Aussterben moderne Künstler im frühen 20. Jahrhundert. Bis zum Kriegsende ein neuer strenger, geometrischer Stil nicht-objektive Kunst – am Beispiel der De Stijl Bewegung, gegründet von Theo Van Doesburg (1883-1931), und Neo-Plastizismus Erstellt von Piet Mondrian (1872-1944) – würde den Synchromismus (und den Orphismus) in Europa verdrängen, während der Realismus in Amerika Fuß fassen würde.

Sozialistischer Realismus, politische Kunst

27/10/2020 7 035
Eigenschaften Der sozialistische Realismus bezieht sich auf jede Malerei oder Skulptur, die in einem realistischen Stil geschaffen wurde und eine sozialistische Botschaft enthält. Manchmal bezeichnet man kommunistische Kunst als diese politische Art von realistische Malerei wird am besten durch den Stil von Russische Kunst Dies wurde in den späten 1920er / frühen 1930er Jahren in der stalinistischen Ära eingeführt und war für alle Künstler obligatorisch. Die sozialistisch-realistische Malerei und Bildhauereiwar ein zentrales Element der laufenden kommunistischen Propagandakampagne für die Bürger der Sowjetunion (UdSSR). Konzipiert, um ein Massenpublikum anzusprechen, wollte es sie mit Bewunderung für hart arbeitende Bürger inspirieren, die eine kommunistische Gesellschaft aufbauen wollten. Während die heroische Idealisierung des Arbeitersdas Leitmotiv war, zeichneten sich seine Bilder durch eine leicht verständliche Form aus Realismus, in kräftigen Farben bemalt. Sozialistisch-realistische Skulpturen waren in der Regel monumentale Stücke mit einem starken figurativen Element. Plakate waren jedoch bei weitem die beliebteste und allgegenwärtigste Form der sozialistisch-realistischen Kunst . Ein Großteil dieser Agitprop-Aktivität wurde von Stalins Kulturchef Andrei Zhdanov (1896-1948) geleitet. Andere totalitäre Länder (z. B. Albanien, China, Nordkorea) verfolgten ähnliche Maßnahmen Ästhetik ebenso wie Nazideutschland. Nazi-Kunst So förderte zum Beispiel Joseph Goebbels die nationalsozialistische Ideologie, wie zum Beispiel die ekelhaften antisemitischen Plakate von Hans Schweitzer (Mjolnir) (1901-80) und die starken propagandistischen Filme und Fotos von Leni Riefenstahl (1902-2003).

Sozialer Realismus in der Kunst: Geschichte, Charakteristika

27/10/2020 4 665
Was ist sozialer Realismus? Im moderne Kunst wird der Ausdruck "sozialer Realismus" traditionell mit Zwischenkriegszeit in Verbindung gebracht Amerikanische Kunst, die sich zu den sozialen, wirtschaftlichen und politischen Bedingungen in der Zeit der Depression äußerte. Verkörpert in der Arbeit von Ben Shahn (1898-1969) war der amerikanische soziale Realismus einer von zwei moderne Kunstbewegungen mit einem linken Charakter – der andere ist der von der Sowjetunion inspirierte sozialistische Realismus. Es ist aus dem Früheren hervorgegangen Ashcan Urban Art Bewegung, angeführt von Robert Henri (1865-1929). Noch wichtiger ist, dass es durch das Federal Art Project (1935-43), ein staatlich gefördertes WPA-Programm von, verstärkt wurde öffentliche Kunst Dies förderte die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft. In seiner Blütezeit beschäftigte das Federal Art Project über fünftausend Mitarbeiter moderne Künstler beteiligt an Plakatkunst und Druckgrafik ebenso gut wie Kunsthandwerk und Gemälde. Die Dekoration von öffentlichen Gebäuden war ein wesentlicher Bestandteil des Programms und beinhaltete auch einen Index of American Design, ein umfangreiches schriftliches Protokoll von dekorative Kunst in Amerika. Andere realistische Bewegungen der Zwischenkriegszeit enthalten Amerikanische Szenenmalerei und sein Ableger Regionalismus.

Mittelalterliche Malerei: Gotische Maler des Mittelalters

26/10/2020 12 725
ENTWICKLUNG DER KUNSTFür die Geschichte der Malerei, sehen: Kunstgeschichte (800 v.Chr.).Weitere Einzelheiten finden Sie unter:Zeitleiste der Kunstgeschichte.Für spezifische Stile siehe:Kunstbewegungen.

Mittelalterliche Kunst: Christliches Handwerk im Mittelalter

16/08/2022 13 891
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei undandere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Mittelalterliche Künstler: Bildhauer, Maler, Goldschmiede des Mittelalters

01/02/2020 12 785
Einführung Obwohl die Geschichte von Mittelalterliche Kunst Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360536.htm Das westliche Mittelalter beschränkt sich auf die byzantinische Kultur (oströmisches Reich), die hiberno – sächsische Inselkunst und die Kunstwerke der königlichen Höfe Roms Karl der Große und seine ottonischen Nachfolger und schließlich – ab etwa 1000 – die europaweiten Bewegungen von Christliche Kunst, bekannt als Romanik und Gotik. Erst in den letzten 400 Jahren begannen die einzelnen Namen von Malern, Bildhauern und anderen dekorativen Künstlern regelmäßig zu verzeichnen. So stammen die meisten unserer Künstler aus dieser Zeit.

Suprematismus: Russische Bewegung für abstrakte Kunst

26/03/2019 4 316
Weitere Informationen zu Malerbewegungen in Russland finden Sie unterbitte sehen: Russische Kunst.

Surrealismus Kunstbewegung

27/10/2020 30 108
Was ist Surrealismus? – Eigenschaften Der Surrealismus war "die" modische Kunstbewegung der Zwischenkriegszeit und die letzte bedeutende Kunstbewegung, die mit der assoziiert wurde Ecole de Paris, von wo aus es sich in ganz Europa ausbreitete und zu einer der einflussreichsten Schulen oder Stile von Avantgarde-Kunst. Sein Name leitet sich von der Phrase Drame surrealiste ab, dem Untertitel eines Theaterstücks des Schriftstellers und Kunstkritikers von 1917 Guillaume Apollinaire (1880-1918). Der Surrealismus entwickelte sich aus der nihilistischen "Anti-Kunst" Dada Bewegung, von denen die meisten Mitglieder Surrealisten wurden. Obwohl der Surrealismus genauso "revolutionär" war wie Dada, war er weniger offen politisch und sprach sich für eine positivere Philosophie aus – zusammengefasst von André Breton als " Denken, das sich in Abwesenheit jeglicher Kontrolle durch die Vernunft und außerhalb aller moralischen und ästhetischen Erwägungen ausdrückt ". "

Tachisme, Art Informel: Geschichte, Eigenschaften

27/10/2020 4 119
Eine Untervariante des weiteren Art Informel Stil – einer der wichtigsten moderne Kunstbewegungen in Europa während der Nachkriegszeit – Tachisme war eine fleckige Form von gestische Malerei, eine europäische Variante von " Action-Painting. "

Tizianische und Venezianische Farbmalerei

27/10/2020 15 239
Einführung ’Michelangelo für die Form und Tizian für die Farbe’: diese altbewährte Zweiteilung, die aus dem cinquecento selbst, wurde vor kurzem durch die Entdeckung der Brillanz und Subtilität der Farbe in Michelangelos als Ergebnis der Reinigung in Unordnung gebracht Fresken der Sixtinischen Kapelle; und niemand, der im frühen Florentiner Zeitalter des 16. Jahrhunderts die vielfach prächtige Farbenpracht sah Hohe Renaissance Gemälde in den Medici-Ausstellungen von 1980 könnten die Bedeutung der Farbe oder zumindest der Farben für mittelitalienische Künstler in Frage stellen. Wäre diese Ausstellung eher von Florentiner als von Venezianische Malerei Die Farben wären heller, bunter und insgesamt blendender als das, was wir vor uns sehen. Warum dann die Bedeutung, die der venezianischen Farbe von Vasari an beigemessen wurde?

Trecento, Italienische Kunst des 14. Jahrhunderts

27/10/2020 6 521
Was ist die Bedeutung von Trecento Der Begriff " trecento " (italienisch für "dreihundert") ist die Abkürzung für " milletrecento " ("dreizehnhundert") und bedeutet das vierzehnte Jahrhundert. Es war eine äußerst kreative Zeit, in der sich das Unternehmen entwickelte Malerei vor der Renaissance sowie Skulptur und Architektur in der Zeit von 1300 bis 1400. Tatsächlich wird der Begriff häufig als Synonym für verwendet, da der Trecento mit der Prärenaissance-Bewegung zusammenfällt Kunst der Protorenaissance – das ist die Brücke zwischen dem Mittelalter Gotische Kunst und das Frühe Renaissance. Das folgende Jahrhundert (1400-1500) ist als das bekannt quattrocento , und der nach dem (1500-1600) ist bekannt als cinquecento .

Französische Akademie der bildenden Künste: Geschichte, Salonkontroverse

25/10/2020 9 384
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei undandere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Französische Möbel, Antiquitäten (1640-1792)

25/10/2020 67 175
Französische Möbel TimelineLouis Quatorze XIV (1643-1715) Regency (1715-23) Louis Quinze XV (1723-74) Louis Seize XVI. (1774-92).

Postimpressionistische Maler in Frankreich: (1880-1930)

26/10/2020 12 194
Das Etikett Post-Impressionismus wurde von den Postimpressionisten selbst nie benutzt. Es wurde 1910 von geprägt Roger Fry als er in London eine Ausstellung namens Manet and the Post-Impressionists inszenierte. Cezanne , Gauguinund Van Goghwaren die zentralen Künstler dieser Ausstellung, da sie laut Fry die drei großen Maler waren, die sich auf der Suche nach etwas jenseits der naturalistischen Malerei gegen den Impressionismus gewandt hatten. Manet wurde als ihr Vorgänger in diese Suche einbezogen. Andere wichtige Postimpressionisten in Frankreich waren unter anderem Pierre Bonnard, André Derain, Matisse, Picasso, Henri Rousseau, Georges Seurat, Paul Signac und Toulouse-Lautrec. Einige dieser Maler profitierten von der Unterstützung des Händlers und des Kunstsammlers Ambroise Vollard (1866-1939).

Französische Barockkünstler

25/10/2020 10 932
Die Barockbewegung Der großartige, inspirierende und populistische Stil von Barocke Kunst Architektur, Bildhauerei und Malerei umfasste, und wurde im Wesentlichen von der revivalistischen Agenda der römisch-katholischen Kirche angetrieben, um ihr Image nach dem protestantischen Aufstand des frühen 16. Jahrhunderts zu verbessern. Es befand sich jedoch in Rom, das nach wie vor das europäische (und weltweite) Zentrum der Kunst war, weshalb Länder wie England, Deutschland und Frankreich zu einem gewissen Grad an der Peripherie der barocken Kunsttheorie und -praxis lagen. Zum Beispiel zwei der größten Barockmaler Frankreichs, der Klassiker Nicolas Poussin (1594–1665) und der italienisierte Landschaftskünstler Claude Lorrain (1600–1682) entschieden sich dafür, den größten Teil ihres Arbeitslebens in Italien zu verbringen. Trotzdem blieb die Barockarchitektur ein Schlüsselelement, um den Absolutismus der regierenden Monarchen wie dem französischen König Ludwig XIV zu untermauern, während sowohl französische Bildhauer als auch Maler den Barockstil ohne wenig Begeisterung aufnahmen.

Französische dekorative Kunst (1640-1792)

25/10/2020 33 995
Dekorative Kunst in Frankreich Serie (1) Französische Kunstgewerbe (1640-1792) (2) Französische dekorative Designer (3) Französische königliche Möbel

Maler, Künstler des 20. Jahrhunderts

28/10/2019 27 354
INHALT Einführung Das 20. Jahrhundert war die Bühne für einige der größten moderne Künstler in der Geschichte. Mit Ausnahme des Impressionismus waren hier alle einflussreichen Bewegungen von moderne Kunst (Modernismus) sowie die stärker fragmentierten Stile von zeitgenössische Kunst (Postmodernismus). Vom lebhaftesten Kolorismus (Fauvismus, Expressionismus) über die revolutionäre intellektuelle Malerei (Kubismus, Konstruktivismus) bis hin zur politischen Kunst ( Entartete Kunst, Sozialistischer Realismus) hat diese Zeit eine Fülle von Schulen, Theorien und Ästhetiken hervorgebracht. Obwohl die Zahl der abstrakten Maler seit dem späten 20. Jahrhundert erheblich zugenommen hat – in Form von Kubisten, Suprematisten, der De-Stijl- Bewegung, des Abstrakten Expressionismus und der Minimalisten -, entwickelten figurative Künstler immer neue Techniken und Methoden. Die Wandmalerei erlebte in Mexiko eine Renaissance. städtische und soziale Kulissen standen im Mittelpunkt der Ashcan School, der Social Realists, Precisionists und Graffitikünstler; während die Surrealisten, die Londoner Schule und die Fotorealisten alle versuchten, ihre eigene Form der Figuration auszudrücken. Und natürlich gab es die Anti-Kunst-Dadaisten, die alle konventionellen Ästhetiken in Frage stellten!

Cinquecento: Italienische Kunst des 16. Jahrhunderts

25/10/2020 7 833
Weitere Ressourcen Was ist die Bedeutung von Cinquecento Das Wort "cinquecento" (italienisch für "fünfhundert") – eine Abkürzung für "millecinquecento" (italienisch für "fünfzehnhundert") – wird in der Kunstgeschichte als Beschreibung des sechzehnten Jahrhunderts in Italien. Traditionell umfasst es kulturelle Aktivitäten in den Bereichen italienische Architektur, Malerei und Skulptur in der Zeit von 1500 bis 1600. Das Cinquecento erlebte die volle Blüte von Kunst der Hochrenaissance – in Rom, Venedig und in geringerem Maße in Florenz – sowie den dazugehörigen Manierismus Bewegung, die folgte. So kann gesagt werden, dass es das späte darstellt Italienische Renaissance. (Anmerkung: Das Wort "Renaissance", das zur Beschreibung der kulturellen Wiedergeburt Europas zwischen 1400 und 1600 verwendet wurde, wurde erstmals vom französischen Historiker geprägt Jules Michelet.) In den ersten drei Jahrzehnten des sechzehnten Jahrhunderts war der Höhepunkt von Renaissance-Kunst. Bei diesem künstlerischen Höhepunkt ging es vor allem um die Renaissance in Rom wie es mit den Bestrebungen des Papstes zusammenfiel, die Stadt an ihrem rechtmäßigen Platz als führendes Zentrum der Stadt wiederherzustellen Kunst und Kultur in Italien. Tatsächlich, Papst Julius II (1503-13) gaben Papst Leo X. (1513-21) und Clemens VII. (1523-34) so viel dafür aus, die größten Maler, Bildhauer und Architekten des Cinquecento mit der Verschönerung und Dekoration des Vatikans sowie der Stadt Rom zu beauftragen. dass sie die Kirche fast bankrott gemacht hätten. Darüber hinaus waren ihre eifrigen Versuche, Geld von Gemeinden in ganz Europa zu sammeln, ein wesentlicher Grund für den protestantischen Aufstand. Einzelheiten finden Sie unter: Katholische Gegenreformation Art. Das Cinquecento erlebte auch die Plünderung Roms (1527), die großes Chaos und Aufruhr sowie den Aufstieg Roms verursachte Venezianische Malerei unter Tizian (c.1488-1576), Tintoretto (1518-1594) und Paolo Veronese (1528-1588).

Bauhaus Design School: Geschichte, Lehrer

25/10/2020 17 788
Einführung Das deutsche Wort für "Haus des Bauens" bezieht sich auf das Staatliche Bauhaus , eine deutsche Schule für Gestaltung, die in Weimar von gegründet wurde Walter Gropius (1883-1969), der von 1919 bis 1933 funktionierte und eine Fusion von Kunst und Kunsthandwerk. Es wurde bekannt für seine modernistische Herangehensweise an die Kunstausbildung, die die traditionelle Kluft zwischen "bildender" und "angewandter" Kunst beseitigte und die Beziehung zwischen Kunst neu definierte. Design und industrielle Fertigungstechniken. Insbesondere war es seine Aufgabe nach Gropius, das neue Gebäude der Zukunft zu konzipieren und zu schaffen, indem Architektur, Skulptur und Malerei in einer einzigen Form kombiniert wurden, was den Unterricht einer neuen Gilde von Handwerkern erforderte, ohne die Klassenunterscheidung zwischen Handwerkern und Künstler. Kurz gesagt, das Bauhaus schulte die Schüler, sich mit Design, Handwerk und Methoden der Massenproduktion gleichermaßen vertraut zu machen.

Expressionismus in der Kunst

25/10/2020 9 655
Was ist expressionistische Kunst? – Eigenschaften Der Expressionismus ist eine sehr persönliche Kunstform. Der expressionistische Künstler ist bestrebt, seine persönlichen Gefühle für das gemalte Objekt zu vermitteln, anstatt nur seine Beobachtung aufzuzeichnen. Um eine maximale Wirkung auf den Betrachter zu erzielen, wird die Darstellungsgenauigkeit zugunsten von (z. B.) starken Konturen und kräftigen Farben geopfert (verzerrt). Kompositionen sind in der Regel einfacher und direkter und zeichnen sich häufig durch dicke pastose Farbe, lose Pinselstriche und gelegentliche Pinselstriche aus Symbolismus. Die Botschaft ist von entscheidender Bedeutung.

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Auf Smotryoshka erschien ein Museumsfernsehkanal über Kunst

„Das Duell“ von Anton Tschechow

„Die Todeszone“ von Stephen King

Neue Weltpremieren von 2023 in Zitaten westlicher Journalisten

„Der berühmte springende Frosch von Calaveras County“ von Mark Twain

„Eine Weihnachtsgeschichte“ von Charles Dickens

Verstecktes Selbstporträt von Van Gogh hinter früherer Malerei entdeckt

Künstliche Intelligenz in italienischen Museen wird die Popularität von Künstlern anhand der Mimik der Besucher beurteilen

Die griechische Polizei gab die gestohlenen Gemälde von Picasso und Mondrian zurück

NFT-Token: Ein weiterer Hype oder die Zukunft des Marktes für geistiges Eigentum?

История искусства (Encyclopedia)