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Was ist Manierismus?

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "Manierismus" (abgeleitet vom italienischen Wort "maniera" für Stil oder Stil) auf einen Stil der Malerei, Skulptur und (in geringerem Maße) Architektur, der zwischen 1510 und 1520 in Rom und Florenz entstand in den späteren Jahren des Hohe Renaissance . Manierismus fungiert als Brücke zwischen dem idealisierten Stil von Renaissance-Kunst und die dramatische Theatralik der Barock- .

Manieristische Malerei – Merkmale

Es gibt zwei nachweisbare Stämme von Manieristische Malerei : Der frühe Manierismus (um 1520-35) ist bekannt für seinen "antiklassischen" oder "Anti-Renaissance" -Stil, der sich dann zu einem verwickelten, nach innen gerichteten Manierismus (um 1535-1580) entwickelte intellektueller Stil, der anspruchsvollere Kunden ansprechen soll.

Insgesamt ist die manieristische Malerei eher künstlich und weniger naturalistisch als die Malerei der Renaissance. Dieses übertriebene Idiom ist in der Regel mit Attributen wie Emotionalismus, länglichen menschlichen Figuren, angespannten Posen, ungewöhnlichen Skaleneffekten, Lichtverhältnissen oder Perspektiven verbunden.

Manieristische Maler

Unter den besten Manieristen waren: Michelangelo (1475-1564) für seine bekannt Fresken der Sixtinischen Kapelle wie die Letztes Urteil (1536 & ndash; 41); Correggio (1489-1534) bekannt für seine sentimentalen Erzählbilder und die ersten, die das vom Christuskind ausgehende Licht darstellen; Andrea del Sartos zwei Schüler Jacopo da Pontormo (1494-1556) und Rosso Fiorentino (1494 & ndash; 1540); Parmigianino (1503-40), der einflussreiche Zeichner und Porträtist aus Parma; Agnolo Bronzino (1503-72), bekannt für sein allegorisches Meisterwerk An Allegory with Venus and Cupid (1540-50) National Gallery, London; Giorgio Vasari (1511-74) ein Maler zweiten Ranges, aber ein hervorragender Schreiber von Werken wie Lives of the Artists (1550) sowie ein Architekt, der die Kunstgalerie der Uffizien in Florenz entwarf; der Venezianer Jacopo Bassano (1515-92) Tintoretto (1518-94) einer der großen Zeichnungsexperten und ein produktiver Komponist großer religiöser Gemälde, die auf großartige Weise ausgeführt wurden, die dem Barock nahe kommen – siehe zum Beispiel Die Kreuzigung (1565); Federico Barocci (1526-1612) der fromme religiöse Maler, der in Urbino und Mittelitalien tätig ist; Giuseppe Arcimboldo (1527-93) bekannt für seine bizarren Obst- und Gemüseporträts; Paolo Veronese (1528-88) der venezianische Kolorist; Domenikos Theotocopoulos, bekannt als El Greco (1541-1614) der in Venedig ausgebildete griechische Künstler, der in Spanien arbeitete und für seinen höchst individualistischen Kunststil bekannt ist, der seine Sicht des Christentums und seine weltliche Bedeutung widerspiegelt; Annibale Carracci (1560-1609), ebenfalls aus Bologna, bekannt für sein historisches Farnese Galerie Fresken (1597 & ndash; 1608); und Adam Elsheimer (1578-1610), zwischen deren exquisiten Landschaften und nächtlichen Szenen Tenebrismus und Helldunkel – beeinflusst von Claude Lorrain, Rubens und Rembrandt. Zur Entwicklung in Venedig siehe Venezianische Altarbilder (1500-1600) und Venezianische Porträtmalerei (1400-1600).

HINWEIS: Weitere wichtige historische Stilrichtungen wie der Manierismus finden Sie unter Kunstbewegungen, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).

Manieristische Skulptur

Die manieristische Skulptur war ausdrucksvoller als ihre Vorgängerin aus der Renaissance und wird beispielhaft von Bildhauern wie Giambologna (1529–1608), Benvenuto Cellini (1500-71), Alonso Berruguete (c.1486-1561), Juan de Juni (1507-1577) und Francesco Primaticcio (1504-1570), Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590) Barthelemy Prieur (1536-1611) und Adriaen de Vries (1560 & ndash; 1626).

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In Italien sank der Manierismus ab etwa 1590, zeitgleich mit der Ankunft einer neuen Generation italienischer Künstler, angeführt von Caravaggio (1571-1610), der den Wert des Naturalismus neu begründete. Außerhalb Italiens überlebte der Manierismus als höfische Kunst jedoch bis ins 17. Jahrhundert hinein. In Großbritannien wurde es als elisabethanische, dann jakobinische Hofmalerei fortgesetzt, während es in Frankreich als Heinrich II. -Stil am königlichen Hof von Fontainebleau unter erstem Franz I. (1515-47) fortgesetzt wurde – Einzelheiten siehe Fontainebleau Schule (c.1528-1610) – und später Henry IV (1589-1610). Der in Prag lebende Habsburger Kaiser Rudolf II. War ein weiterer wichtiger Förderer des Manierismus. Für mehr als zwei Jahrhunderte (um 1650-1900) geriet die manieristische Kunst in Ungnade, jedoch in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts Kunstkritiker begann eine positivere Haltung einzunehmen und schätzte die Modernität von Künstlern wie El Greco.

Renaissance-Architektur während der manieristischen Periode wurde von Architekten wie Michelangelo, Giacomo Barozzi geführt Vignola (1507–73), Andrea Palladio (1508-80), Pirro Ligorio (1510-83), Galeazzo Alessi (1512-72), Giacomo della Porta (1533-1602), der Theoretiker Vincenzo Scamozzi (1548-1616) und Antonio Contini (1566-1600) entwarf die berühmte Seufzerbrücke in Venedig.

Die Ursprünge und die Entwicklung des Manierismus

Religiöser Aufruhr

Wenn die harmonischen und idealistischen Darstellungen der Hochrenaissance das höchste Vertrauen des Menschen zum Ausdruck brachten, der sich in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts als Maß aller Dinge sah, war diese Gewissheit bald erschüttert. Martin Luther erklärte 1517 mit seinen Wittenberger Thesen den Religionskrieg der Reformation gegen die katholische Kirche. Für die Protestanten war das Papsttum zum Inbegriff universeller moralischer und religiöser Dekadenz geworden. Der Hauptstreitpunkt war der Verkauf von sogenannten Ablässen, mit denen die Gläubigen vom Papst Vergebung kaufen konnten. Das Geld aus diesem einträglichen Geschäft floss in den prächtigen Neubau von Petersdom in Rom . Das rasche Wachstum der Reformationsbewegung zeigte die Notwendigkeit grundlegender Reformen innerhalb der Kirche. Aber es war ein hoher Preis dafür zu zahlen. Über 100 Jahre lang wurden in ganz Europa blutige Kriege im Namen des Glaubens geführt. Die Einheit der Kirche brach zusammen, ihre Autorität wurde zunehmend in Frage gestellt.

Der Mensch ist nicht länger das Zentrum des Universums

Die dadurch entstehende Unsicherheit wurde durch die neuesten wissenschaftlichen Erkenntnisse verstärkt, die die Welt im wahrsten Sinne des Wortes aus dem Gleichgewicht brachten. Kopernikus hatte festgestellt, dass die Sonne und nicht die Erde das stille Zentrum des Universums ist, um das sich alle Sterne und Planeten, einschließlich der Erde, drehen. Diese heliozentrische Sicht der Welt widersprach völlig der Sicht der Kirche auf sich selbst und ihren Beherrschungsansprüchen, da die Vorstellung, dass der Repräsentant Gottes nicht im Zentrum der kosmischen Ereignisse stand, alles andere als attraktiv war. Die spektakuläre Umrundung der Welt durch die Entdeckung Amerikas durch Ferdinand de Magellan und Christoph Kolumbus ließ den Verdacht aufkommen, dass die Erde weder flach noch mitteleuropäisch war.

Manierismus spiegelt die neue Unsicherheit wider

Der kopernikanische Wandel in der Weltauffassung spiegelt sich in der italienischen Kunst dieser Zeit wider. Maler haben – wie viele ihrer Zeitgenossen – den Glauben an geordnete Harmonie verloren. Sie waren der Ansicht, dass die auf Gleichgewicht beruhenden rationalen Gesetze der Kunst nicht mehr ausreichten, um eine Welt darzustellen, die aus ihren Achsen gerissen worden war. Insofern ist die Kunst dieser Periode Manierismus – die Kunst einer sich radikal verändernden Welt, angetrieben von der Suche nach einer neuen Bildsprache. Manierismus spiegelt die neue Unsicherheit wider.

Reaktion gegen die Vollkommenheit der Renaissance

Die junge Künstlergeneration spürte, dass sie den von ihr perfektionierten Stil nicht entwickeln konnte Alte Meister wie Leonardo, Michelangelo und Raphael nicht weiter. Diesen großen Meistern war es gelungen, Bilder zu malen, die völlig natürlich und realistisch aussahen und gleichzeitig in jedem Detail perfekt komponiert waren. In ihren Augen hatten die Maler alles erreicht, was nach den geltenden Regeln der Kunst angestrebt werden konnte. Aus diesem Grund suchten die Manieristen nach neuen Zielen und wandten sich – wie viele der avantgardistischen Künstler der Moderne Hunderte von Jahren später – gegen den traditionellen künstlerischen Kanon und verfälschten das formale Repertoire der neuen klassischen Bildsprache. Sogar der große Michelangelo selbst wandte sich dem Manierismus zu, insbesondere in der Vorhalle der Laurentianischen Bibliothek, in den Figuren seiner Medici-Gräber und insbesondere in seinem Jüngsten Gericht Freskenmalerei in der Sixtinischen Kapelle.

Jacopo Pontormo

Jacopo Pontormo kombinierte die Einflüsse seiner Lehrer Andrea del Sarto und Leonardo mit Impulsen aus Raffaels Spätwerk sowie dem Gemälde von Michelangelo, die zu einer Bildsprache gelangen, die bei allem Realismus noch jenseits der Welt wirkt. In seinem Gemälde Die Heimsuchung Mariens (1528-30, S. Michele, Carmignano), das die Begegnung zwischen Maria und Elisabeth zeigt, wirken die Frauen wie übernatürliche Wesen. Sie berühren kaum den Boden. Ihre Körper verlieren sich in den üppigen Falten ihres metallisch schimmernden Gewandes. Sie stehen in der Luft wie flackernde Flammen. Dem in der Renaissance-Malerei geschulten Auge wurde beigebracht, dass es neben dem rein naturalistischen auch andere Sichtweisen gibt.

Mehr als alle anderen Künstler betonten die manieristischen Maler die individuelle Art der Malerei, die persönliche Vision und das bildliche Verständnis der Dinge. Sie entdeckten den symbolischen Inhalt der visuellen Struktur, das expressive Element der Malerei. Sie widerstanden konsequent dem Gleichgewicht. So verschwanden die für die Renaissance typischen kreisrunden und pyramidenförmigen Kompositionen. Klassische Kompositionsmuster wurden durch überraschende asymmetrische Effekte aus dem Gleichgewicht gebracht. Maler gaben das grundlegende Strukturmodell auf, das das Gemälde stabilisierte. So wird beispielsweise die Bildstruktur – basierend auf der Zentralperspektive, die den Blick des Betrachters auf einen einzigen Punkt lenkt – durch einen dynamisierten Bildraum von undefinierter Tiefe ersetzt.

Anmerkung: Der Kunsthistoriker leistete viel Pionierarbeit zur Zuschreibung von Werken, die im Manierismus des 16. Jahrhunderts gemalt wurden Bernard Berenson (1865-1959), der eine Reihe von einflussreichen Werken über die Italienische Renaissance .

Parmigianino

In Parmigianinos Gemälde der Madonna dal Colla Lungo (1535, Uffizien, Florenz) erscheinen der unmittelbare Vordergrund und der entfernte Hintergrund ohne Übergang, fast fragmentarisch nebeneinander. Die Bildgewichte sind ungleichmäßig verteilt. Auf der linken Seite des Bildes platziert der Maler ein verkrampftes Engelband, während sich auf der rechten Seite die räumliche Tiefe öffnet, deren einziger Schwerpunkt eine hell erleuchtete Säulenreihe ist, hinter der sich ein breites, dunkles Bild erstreckt Landschaft. Dabei zerfällt das Gemälde nicht in zwei Teile. Der Maler verwendet Überlappungen (der künstlich wogende Umhang der Madonna hält den verschwundenen Blick in die Tiefe zurück) und witzige formale Analogien, um das Gemälde zusammenzuhalten. So schafft er beispielsweise eine kompositorische Referenz zwischen der Säule im Hintergrund, Marys glänzendem Knie und dem ausgestreckten Bein des Engels im Vordergrund.

Schlanke, längliche Glieder, gespreizte, sich drehende und drehende Körper, die allen traditionellen Proportionsgesetzen widersprechen, sind charakteristisch für den Manierismus. Parmigianino – des Parma Schule der Malerei (1520-50) – war ein anderer Maler, der seiner Madonna ungewöhnlich lange Glieder gab. Besonders auffällig ist der anmutig geschwungene, schwanenähnliche Hals, der dem Gemälde den Titel Madonna dal Colla Lungo oder The gab Madonna mit dem langen Hals (1535, Uffizien). Der Maler intensivierte die idealisierten Züge von Raffaels organischer Figur zu einer stilisierten Eleganz, die die Zeitgenossen für ihre Anmut bewunderten. Diese selbstbewusste und übertriebene Künstlichkeit, ihre Konstruktion, ihre Strukturen gaben dem Manierismus ihren Namen. Im 17. Jahrhundert erhielt das Konzept jedoch die negativen Konnotationen, die noch heute damit verbunden sind. Von nun an war es mit einer erlernten, streng formelhaften Qualität verbunden, die über alle Naturstudien hinausging. Doch im 16. Jahrhundert erfreute sich dieser Stil an den Höfen Europas großer Beliebtheit, insbesondere bei François I., der sein Schloss in Fontainebleau bei Paris von einer Gruppe italienischer, flämischer und französischer Künstler (1530-1560) schmücken ließ. Der prächtige Dekorationsstil der Schule von Fontainebleau, der, wie das Gemälde von Gabrielle d’Estrees und ihrer Schwester im Bad zeigt, nicht ohne Leichtfertigkeit und ein gewisses Maß an Rassigkeit war, sondern wenig mit dem italienischen Manierismus gemein hatte, dessen Prinzipien hundert Jahre zurückreichen später im französischen Rokoko.

Die manieristische Realität

Die Manieristen nahmen den illusionistischen Bildraum mit seiner Nachahmung der Realität und verwandelten ihn in einen " intellektuellen " Bildraum, der zeigte, was wirklich nur für das innere Auge unsichtbar und zugänglich war. Die moderne Kunst hat ihre Wurzeln in dieser Herangehensweise, bei der die individuelle Vision und Sichtweise des Künstlers zum alleinigen Maßstab wird. Kein Wunder also, dass ein Maler wie El Greco, einer der großen Meister des Manierismus, zu Beginn des 20. Jahrhunderts von Künstlern als Schlüsselvorläufer der modernen Kunst entdeckt wurde.

El Greco und Tintoretto

Domenikos Theotocopoulos, der am spanischen Hof, an dem er den größten Teil seines Lebens verbrachte, immer nur als El Greco bezeichnet wurde, ist – zusammen mit Tintoretto von der Schule von Venezianische Malerei – einer der bedeutendsten Maler der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Beide Maler wollten wie Parmigianino etwas Neues schaffen. Aber ihre Bilder waren kein raffiniertes Spiel mit neuen künstlerischen Medien; Vielmehr wollten sie vor allem intellektuellen Inhalt in ihrer religiöse Kunst , was das Unsichtbare enthüllen würde. Tintoretto bewunderte auch die Meister der Renaissance, insbesondere Michelangelo und Tizian. Nach eigenen Angaben strebte er an, "die Zeichnung Michelangelos mit der Farbe Tizians zu vereinen", um das Unmögliche, das Transzendente zu offenbaren, das nicht dargestellt werden konnte. Er suchte eine Bildsprache, die es ermöglichte, den geistigen Inhalt, das Göttliche zu spüren. Bitte sehen Sie zum Beispiel: Die Entkleidung Christi (1577), Das Begräbnis des Grafen Orgaz (1586-88) Blick auf Toledo (1595-1600) Christus vertreibt die Händler aus dem Tempel (1600), Porträt eines Kardinals (1600) und Porträt von Felix Hortensio Paravicino (c.1605).

Die realitätsnahen Renaissance-Maler, die so beiläufig mythologische Figuren und christliche Heilige in diese Welt einführten, erwiesen sich in dieser Hinsicht als wenig hilfreich. Das Ziel der Manieristen war es ausdrücklich nicht gewesen, einen täuschend echten Bildraum zu schaffen, in den der Betrachter sich jederzeit hineinversetzen konnte; Ihr Ziel war es vielmehr, Bilder zu schaffen, die keine Darstellung dieser Welt sind. Da es keine Möglichkeit gibt, eine solche übernatürliche Welt zu visualisieren, wurden die Maler auf die Fantasie zurückgeworfen. Sie inszenierten ihre Geschichten wie Theaterregisseure. Verwenden Sie unwirkliches, bühnenartiges Licht mit dramatischen Licht- und Dunkeleffekten und mit höchst unabhängigen Perspektiven oder Wagemut Verkürzung Sie versuchten, ihre Bilder vom wirklichen Leben zu distanzieren. Sie verwandelten religiöse Szenen in packende Szenarien. Ein Vergleich der Letzten Abendmahle von Leonardo und Tintoretto macht den Unterschied in Vision und Herangehensweise deutlich: Im Gegensatz zu Leonardos ausgewogener, symmetrischer Frontalkomposition erhält Tintorettos Bildraum durch den diagonal zur Bildfläche angeordneten Tisch eine dynamische Qualität. In Leonardos Gemälde war Christus das, was der christliche Glaube sagte: ganz menschlich und ganz göttlich zugleich. In Tintorettos Werk zerfällt dieses friedliche Zusammenleben wieder. Es gibt einen klaren Unterschied zwischen der Hektik der Welt im Vordergrund, in der die Diener eifrig Essen und Trinken holen, und der theologischen Geschichte in der Tiefe des Gemäldes. Diese beiden Ebenen sind nur durch die Beleuchtung und die ekstatische Lebendigkeit der Bildstruktur als Ganzes vereint, die durch ein kaum sichtbares Band von Engeln, das über der gesamten Szene wirbelt, ein kompositorisches Gleichgewicht herbeiführt. Siehe auch die dramatischen Auswirkungen von Chiaroscuro und Karavaggismus , perfektioniert vom ikonoklastischen Barockmaler Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), in Werken wie Die Berufung des heiligen Matthäus (1599-1600) Das Martyrium des heiligen Matthäus (1599), Bekehrung auf dem Weg nach Damaskus (1601), Abendessen in Emmaus (1602) Der Tod der Jungfrau (1602, Louvre, Paris) und Die Grablegung Christi (1601 & ndash; 3).

Manieristische illusionistische Malerei führt in den Barock

Ein suggestiver Malstil, in dem Reales und Irreales, die geistige Welt und die wahrnehmbare Welt nicht mehr zu unterscheiden sind, war den Malern der Renaissance völlig fremd. Im Barock erreichen ab etwa 1600 die von den Manieristen bereits im 16. Jahrhundert geschaffenen intellektuellen Bildwelten ihren Höhepunkt. Die Maler des Barock lassen entweder die irdische Realität hinter sich oder schaffen ein verwirrendes Wechselspiel von Illusion und Realität. Die überzeugende Wirkung dieser Art illusionistischer Malerei, die durch die perfekte Beherrschung der linearen Perspektive und der Luftperspektive möglich wurde, wurde vor allem von den Kirchenvätern anerkannt. Angesichts der bedrohlich laut werdenden Reformationsgeräusche im Norden empfand die katholische Kirche eine zwingende illusionistische Malerei als besonders geeignet, den Glauben attraktiv zu machen. Auf dem Konzil von Trient, das die "Gegenreformation" in den katholischen Ländern einleitete, wurde 1562 beschlossen, die mystischen und übernatürlichen Seiten der religiösen Erfahrung künftig in den Vordergrund zu rücken. Barockkunst gebührend verpflichtet. Siehe zum Beispiel: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts .

Hinweis: Werke, die den Stil des Manierismus widerspiegeln, sind in einigen von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt.