Alles, was Sie über Romantik wissen müssen

Ende des 18. Jahrhunderts begannen Künstler, die Ideen der Aufklärung, die die Vernunft über alles stellte, abzulehnen. Sie wollten Emotion und Individualität sowie künstlerische Freiheit berücksichtigen. So erschien die Romantik in der Welt der Kunst . Heute erinnern wir Sie an die Namen von Eugene Delacroix, JM Turner und Francisco de Goya. Aber was macht sie zu romantischen Künstlern? In diesem Artikel werden die Hauptaspekte dieser Bewegung erläutert und ihre größten Vertreter und Kunstwerke vorgestellt.

Ablehnung der Aufklärung und des Neoklassizismus

Das Jahr 1789 war ein Wendepunkt in der europäischen Geschichte: Das französische Volk führte eine Revolution durch, um das antike Regime zu stürzen und dabei die Ideen der Aufklärung zu berücksichtigen. Damals schienen Vernunft, Ordnung und kritisches Denken der ideale Weg zur Selbstverwirklichung zu sein. Ironischerweise beunruhigte die von den Revolutionären ausgeübte Gewalt viele ihrer Anhänger – es ist klar, dass bei diesen Massakern die Vernunft nicht siegte. Gleichzeitig begannen Künstler, den etablierten neoklassizistischen Kanon der Kunstakademien abzulehnen. Die Sehnsucht nach der klassischen Welt passte nicht in diese neue Ära; Künstler strebten nach eigenen Stilen und Themen. Sie betonten Emotionen, Individualität, Irrationalität und Vorstellungskraft.

Romantik in allen Kunstformen

Die Romantik hat ihren Ursprung in der Literatur in Deutschland. Das repräsentativste Werk ist Goethes „Die Leiden des jungen Werther“ aus dem Jahr 1774. Diese Geschichte eines Künstlers, der mit unerwiderter Liebe konfrontiert wird und schließlich durch Selbstmord stirbt, hat das Publikum so fasziniert, dass Selbstmord-Nachahmer entstanden sind. Obwohl der Roman heftig kritisiert wurde, erfreute sich die Vorstellung vom Künstler als leidgeprüftem Genie und exzessivem Ausdruck von Gefühlen großer Beliebtheit. In der bildenden Kunst können wir mit der Arbeit von William Blake (1757-1827) beginnen. Für ihn reichte die Wissenschaft nicht aus, um die Wahrheit zu erkennen, weil sie „seelenlos“ war.

Der Dichter und Künstler brachte seine Ideen in dem Gemälde „Newton“ zum Ausdruck, in dem der Wissenschaftler sitzt und sich auf eine Schriftrolle und einen Kompass konzentriert, ohne sich der Welt um ihn herum bewusst zu sein. Blake wird oft als Vater der Romantik angesehen.

Vorstellungen von Individualität und künstlerischer Freiheit führten in der Romantik zu einer Stilvielfalt. Aus diesem Grund ist es schwierig, spezifische formale Qualitäten zu identifizieren. Wir können jedoch bestimmte Themen identifizieren, die diese Künstler anzogen.

Es geschah in einem Traum

Generell gilt das Gemälde „Alptraum“ von Heinrich Füssli (1741-1825) als das erste romantische Gemälde. Ihr Thema – Träume – widersprach dem rationalen Denken der Aufklärung. Natürlich sorgte die erotische und düstere Handlung für heftige Kritik.

In Spanien schuf Francisco de Goya (1746-1828) eine Reihe von Stichen über Träume. 1799 schuf er das Gemälde „Der Schlaf der Vernunft schafft Monster“. Es ist auch eine Darstellung des gequälten künstlerischen Genies, mit dem sich die Romantik befasste.

Erhabene Natur

Über Jahrhunderte blieben Landschaften nur ein Teil des Bildes: die Kulisse einer historischen Schlacht oder der Schauplatz eines Mythos. Aber die Romantik brachte es auf eine neue Ebene. Teilweise war dies eine Rebellion gegen die Regeln der Kunstakademien, die das Genre für weniger bedeutsam und nicht lobenswert hielten.

Die Romantik brachte die Idee des Erhabenen. Philosophen wie Edmund Burke und Immanuel Kant haben ausführlich darüber geschrieben . Das Erhabene bezieht sich auf etwas, das größer ist als es selbst, etwas Unkontrollierbares, das die Existenz eines Menschen bedeutungslos macht. Es ist etwas, das man nur mit Ehrfurcht und Entsetzen beobachten kann. Das ist die Natur. Das vielleicht beste Beispiel dafür ist die Arbeit von JMW Turner. Machen wir dieses Foto. Wir sehen das Schiff kaum, das von einem starken Sturm umgeben ist. Diese Idee unterschied sich grundlegend von dem früheren Glauben, dass der Mensch die Natur kontrollieren könne. Darüber hinaus bewegt sich Turner in diesem Teil seiner Karriere in Richtung völliger Abstraktion .

Auch Caspar David Friedrich (1774-1840) stellte die Erhabenheit der Natur dar, wenn auch nicht auf so brutale Weise. Das Gemälde „Wanderer über dem Nebelmeer“ zeigt einen Mann, der die Landschaft vor sich betrachtet. Trotz seiner Position demonstriert er keine Überlegenheit oder Dominanz gegenüber der Natur, sondern empfindet ein Gefühl der Ehrfurcht vor ihr.

wilde Natur

Ein weiterer Aspekt der Natur, der die Künstler der Romantik interessierte, waren Tiere; je wilder desto besser. Pferde, Tiger und Leoparden waren wegen ihrer wilden Instinkte und dem Mangel an Rationalität einige der beliebtesten Motive.

Friedliche Natur

John Constable (1776-1837) widmete seine Karriere der Darstellung der anderen Seite der Natur – der friedlichen und ruhigen. Er übte das Malen unter freiem Himmel (im Freien) in seiner geliebten britischen Landschaft. Wenn Sie sich das Bild unten ansehen, ist diese Natur nicht idealisiert. Es gibt auch keine klassischen Figuren wie in den Werken von Claude Lorrain oder Nicolas Poussin. Constables Gemälde zeigen gewöhnliche Menschen bei ihren täglichen Aktivitäten. Leider wurden seine Bilder von der Kritik nicht anerkannt. Erst 1829, als er 52 Jahre alt war, durfte er Mitglied der Royal Academy werden. Dennoch schätzten die Franzosen seine Arbeit sehr und ermöglichten ihm eine Ausstellung im Pariser Salon.

Spirituelle Natur

Caspar David Friedrich war ein überzeugter Protestant, der seinen romantischen Landschaften ein spirituelles und religiöses Element einbrachte. Schauen Sie sich nur sein „Kreuz im Gebirge“ von 1808 an. Dieses Stück wurde ursprünglich in der Tetschen-Kapelle im heutigen Tschechien ausgestellt . Dies ist kein typisches Altarbild, da die Landschaft den größten Teil des Raumes einnimmt und das Kreuz schon von weitem sichtbar ist. Es mag ungewöhnlich erscheinen, aber Gott ist immer noch hier in der Natur. Es überrascht nicht, dass der Film negativ kritisiert wurde, weil er mit der Tradition brach.

Nostalgie

Nostalgie war in vielen Werken der Romantik präsent. Künstler und Architekten interessierten sich besonders für das Mittelalter . Tatsächlich stammt der Name der Bewegung aus mittelalterlichen Romanzen. Diese neue Modeerscheinung in der Architektur führte zu einer Wiederbelebung des gotischen Stils in Gebäuden wie dem Palace of Westminster in London.

Zu dieser Zeit war die industrielle Revolution in Europa in vollem Gange und alles veränderte sich. Basierend auf diesen Veränderungen malte Turner 1838 sein berühmtes Gemälde „Das Schlachtschiff Temer vertäut am letzten Pier, um besiegt zu werden“.

Orientalismus

Eine weitere Möglichkeit, wie die Romantiker ihre Sehnsucht nach der Vergangenheit zum Ausdruck brachten, waren die Werke der Orientalisten . Als die Europäer den Rest der Welt kolonisierten, ließen Künstler und Schriftsteller ihrer Fantasie freien Lauf und schufen unrealistische Darstellungen der Lebensweise Afrikas und des Nahen Ostens. Beispielsweise wurde Eugene Delacroix‘ „Der Tod des Sardanapalus“ von Lord Byrons Theaterstück „Sardanapalus“ inspiriert.

Es ist wichtig zu wissen, dass diese Werke dazu beigetragen haben, die Kolonisierung dieser Regionen zu rechtfertigen. Sie mussten diesen Menschen zeigen, dass sie in der Vergangenheit feststeckten; Sie sollten ihre Gesellschaften sowohl im übertragenen als auch im wörtlichen Sinne in Trümmern darstellen. Viele dieser Werke zeigen Gebäude in einem schlechten Zustand. Auch auf dem Bild oben sind im Hintergrund Ruinen zu erkennen. Schauen Sie sich nun das nächste Bild an. Alles scheint in Ordnung zu sein, aber die Wand weist Risse auf und ein Teil der Farbe ist abgefallen, sodass das Gemälde alt und ungepflegt aussieht.

Nationalismus

Doch die Romantik blickte nicht nur nach außen. Das 19. Jahrhundert war eine Zeit des Nationalismus und die romantische Kunst war dafür ideal. Um die Geschichte ihres Landes hervorzuheben, wandten sich Künstler historischen Momenten zu. Zum Beispiel schuf Goya 1808 sein Gemälde „Der dritte Mai“, um an den Widerstand Spaniens gegen die napoleonische Invasion zu erinnern. Dieses Gemälde wurde lange diskutiert und festgestellt, dass die zentrale Figur der Kreuzigung ähnelt . Dies war genau die Art von Symbolik, die den Patriotismus inspirierte.

Amerikanische Romantiker der Hudson School nutzten Landschaften, um die natürliche Schönheit ihres Landes zu zeigen. Sie schufen eindrucksvolle Kompositionen mit einer nostalgischen und malerischen Stimmung. Schauen Sie sich einfach das Gemälde von Albert Bierstadt an. Die Art und Weise, wie die Lichter die Bühne erhellen, wirkt fast religiös. Die Natur wirkt ruhig und majestätisch.

Romantisches Porträt

Die Suche nach Individualität beschränkte sich nicht nur auf den Malstil des Künstlers . Das Porträt ist zu einem Mittel geworden, den psychischen Zustand der porträtierten Person auszudrücken. Ein Beispiel hierfür ist eine Porträtserie von Theodore Gericault (1791-1824), die den Bewohnern von Notunterkünften gewidmet ist.

Soziale Gerechtigkeit

Französische Künstler entwickelten die Historienmalerei in neue Richtungen. Zusätzlich zu den üblichen mythologischen und biblischen Themen wollten sie aktuelle Ereignisse darstellen, insbesondere solche, die Unrechtstaten ans Licht brachten. Im Jahr 1819 schockierte Géricault den Pariser Salon mit seinem „Floß der Medusa“. Eine Gruppe von Überlebenden eines Schiffbruchs klammert sich aufgrund der Nachlässigkeit des Kapitäns an ihr Leben, während der Kapitän und hochrangige Offiziere 147 rangniedrige Personen auf dem Floß zurückließen. Géricault beschloss, den Moment darzustellen, in dem sie ein Boot sehen, das sie retten kann. Zu diesem Zeitpunkt waren nur noch eine Handvoll Menschen am Leben. Die meisten von ihnen starben an Hunger, einige wurden über Bord geworfen, um Gewicht zu verlieren. Um zu überleben, mussten sie sogar Kannibalismus betreiben. Die Tragödie wurde in Frankreich zum Skandal, sodass die Menschen die Handlung in Gericaults Gemälde erkannten.

Revolution

Ein weiterer französischer Künstler, der seine Leinwände für gesellschaftspolitische Zwecke nutzte, war Delacroix. Natürlich sprechen wir über sein berühmtes „Die Freiheit führt das Volk“ von 1830. Hier sehen wir die Frauenfigur als Allegorie der Freiheit und beziehen uns dabei auf die traditionelle Historienmalerei. Das Gemälde erinnerte an den jüngsten Aufstand gegen König Karl X.

Andere Gemälde von Delacroix illustrieren den griechischen Unabhängigkeitskrieg vom Osmanischen Reich. Auf der linken Seite ist das „Massaker von Chios“ zu sehen, das von der osmanischen Unterdrückung zeugt. Auf der rechten Seite ist eine Allegorie auf Griechenland zu sehen, das nach der Belagerung durch die Osmanen in den Ruinen von Missolonghi steht.

Erbe der Romantik

Die Idee der künstlerischen Freiheit bedeutete keine völlige Ablehnung von Kunstinstitutionen. Die in diesem Artikel aufgeführten Beispiele zeigen, dass Künstler Vorstellungen von Proportionen, Perspektive, akademischer Zeichnung und Anatomie beibehalten haben. Darüber hinaus suchten viele von ihnen noch nach institutioneller Genehmigung. Turner unterrichtete zu Beginn seiner Karriere an der Royal Academy und Constable kämpfte jahrelang um die Mitgliedschaft. Delacroix und Géricault stellten ihre Gemälde im Salon aus. Letztendlich inspirierte die Romantik jedoch eine spätere Generation, die mit der Akademie brach – die Impressionisten . Turners Umgang mit Licht ist nur ein Beispiel dafür. Ein anderes Beispiel könnte sein Interesse an einer modernen Erfindung sein – der Eisenbahn.