Manieristische Künstler des 16. Jahrhunderts Automatische übersetzen
Einführung
Manierismus (von der "Maniera", was einfach Stil oder Stil bedeutet) war in erster Linie eine Reaktion auf das Überidealistische Ästhetik und Superleistungen der Hohe Renaissance . Es spiegelte auch die politischen Turbulenzen der EU wider cinquecento (16. Jahrhundert). Zum Beispiel hat der dramatische Krümmungsstil, der in Michelangelos Fresko des Jüngsten Gerichts an der Wand der Sixtinischen Kapelle (1535-41) in Rom zu sehen ist, die Angst einer deutschen Söldnerarmee vor der Stadt im Jahr 1527 perfekt eingefangen. Giambolognas dramatisch und emotional auch die skulptur passt perfekt zur stimmung der zeit.
Nach der Hochrenaissance
Die Hochrenaissance mit einer Ankunft auf einem Hochplateau zu vergleichen, dessen Klima milder ist als das des Berghangs, der dorthin führt, ist bis zu einem gewissen Punkt gerecht; Dies ist auch die Konsequenz daraus, dass die Fortsetzung dieses wünschenswerten Gipfels einen unvermeidlichen Abstieg erfordert. (Weitere Informationen zur Hochrenaissance finden Sie unter Kunst der Renaissance in Rom .) Es stimmt natürlich, dass es schon immer Künstler zweiten Ranges gegeben hat – Männer, die sensibel genug sind, um die große Tradition ihrer Vorgänger fortzusetzen, aber nicht kreativ genug, um sie zu ergänzen oder die Welt mit eigenen Augen zu sehen – und Unweigerlich werden Gemälde entstehen, die würdig, wissenschaftlich und kompetent sind, aber aufgrund ihrer unglücklichen Lage am Abhang uninteressant. Eine solche Künstlerschule entstand am Fontainebleau Schule in Frankreich (1530-1610) und an der Bologneser Schule (c.1590-1625) mit Schwerpunkt auf der von den Carracci-Brüdern in Bologna eingerichteten Accademia degli Incamminati . Raphael war ihre Inspiration, aber ein Raphael, der etwas von der Sinnlichkeit von Correggio und etwas vom Glanz von Tizian gemildert wurde.
Die Carracci hatten ihre Anhänger, von denen der kompetenteste war Domenichino (1581-1641) und der berühmteste seiner Zeit, Guido Reni (1575 & ndash; 1642). Sie waren produktiv, trugen aber (wohl) nichts zur kreativen Leistung ihrer Zeit bei.
In diesem Moment des Höhepunkts, wenn der hohe Gipfel erreicht ist, sind daher nur zwei Kurse möglich, wenn Leistung hinzugefügt werden soll. Künstler können ihre Vorgänger weiterhin bewundern und ihnen nacheifern. Dabei müssen sie sie übertreiben und karikieren und das, was einst aufrichtig war, in eine Reihe von Manierismen verwandeln. Oder sie beginnen eine neue Reise, erkunden ein neues Land, besteigen einen neuen Berg und streben einen neuen Gipfel an.
Während des 16. Jahrhunderts können wir in verschiedenen Teilen Italiens beide Bewegungen verfolgen. Der erste, der Manierismus, musste durch bloße Erschöpfung ein Ende haben. Der Zweite, Barock- , war zu neuem Wachstum fähig, und es setzte sich fort und blühte während des folgenden Jahrhunderts, nicht nur in Italien, sondern in weiten Teilen Europas. Die beiden Sätze verschmolzen und überschnitten sich natürlich, aber aus Gründen der Vereinfachung – und mit der Warnung an den Leser, dass Vereinfachung in der Regel zu viel Vereinfachung bedeutet – sollten sie getrennt gehalten werden.
Manierismus
In der Toskana implizierte der Manierismus Heldenverehrung und konnte es kaum verfehlen, sich im Schatten von Giganten wie Michelangelo und Raphael zu verbreiten , deren Errungenschaft so entscheidend war, dass sie am Ende sogar den Weg zu ihrem eigenen Fortschritt versperrten. Es ist sowohl erstaunlich als auch lächerlich zu beobachten, wie Pontormo , Vasari , Bronzino und Tibaldi die muskulösen Entwicklungen und die körperlichen Verrenkungen von Michelangelo parodieren und in einem Geist zwischen Heldenanbetung und Parodie komplizierte Gesten erfinden, die in keiner Beziehung zum Subjekt stehen. Angelegenheit ihrer Bilder. Ihre Werke dürfen in einer Geschichte, die auf ein gewisses Maß an Objektivität abzielt, nicht ignoriert werden. Wenn konzentriert auf Porträtkunst Bronzino (1503-1572) hat einige der absurden Histrioniken seiner Ordensleute verloren Freskenmalerei . Seine Porträts sind hart und meist menschenleer, aber sie haben eine feine Würde und verraten den Einfluss von Michelangelo nur in einer leichten Unruhe in den Händen und einer künstlichen Hochmütigkeit in der Drehung eines Kopfes oder des Mundes. Dem vollendeten, aber überängstlichen Parmigianino (1503-40) gelingt es fast, uns von seiner Aufrichtigkeit zu überzeugen, wenn er stolz seine Figuren verlängert, aber er sieht traurig hohl aus, wenn er neben El Greco (1541-1614) – dem größten Manieristen der USA – steht Spanische Malerei Schule – die eine Generation später die gleichen Dehnungen benutzte und sie zu Symbolen der Ekstase machte.
In Venedig war die Situation nicht ganz so verzweifelt. Tizian hatte bei seinem Tod sicherlich nicht das letzte Wort auf dem Gebiet gesagt, das er zu erforschen begonnen hatte. Noch Ende des 19. Jahrhunderts baute Renoir auf den Fundamenten auf, die er gegen Ende seines Lebens gelegt hatte. Und Tintoretto hatte eine neue Dynamik angedeutet, die Rubens nutzen sollte, und eine neue Lichtwelt, die Rembrandt ausnutzen sollte. In der Tat zögern einige Kunsthistoriker, den Begriff "Manierist" zu verwenden Venezianische Malerei des späten sechzehnten Jahrhunderts. Insbesondere Tintoretto vollzog durch die Kraft seines eigenen Genies einen natürlichen Übergang zwischen den Venezianern Malerei der Hochrenaissance und die vollwertigen Barockmalerei des siebzehnten Jahrhunderts. (Siehe auch Kunst der Renaissance in Venedig .)
Manieristischer Stil
Es wäre jedoch falsch, die Manieristen, die Italien Ende des 16. Jahrhunderts mit unruhigen Gemälden erfüllten, als ohnmächtig und unfruchtbar anzusehen. Die Tatsache, dass man ihre Bilder nicht betrachten kann, ohne sich ihrer Unruhe bewusst zu sein, ist ein Beweis dafür, dass sie etwas Neues geschaffen und eine bisher unentdeckte Ader menschlicher Emotionen erschlossen haben. Ich habe sie als Männer beschrieben, die sich in einer Sackgasse befanden und daher der vollen Bewegungsfreiheit beraubt waren, die ihre Vorgänger genossen hatten. Aber Bewegungseinschränkungen wie die eines Käfigtiers haben ihre eigene Faszination, und Kunsthistoriker werden immer sensibler dafür. Manierismus kann nicht einfach dadurch erklärt werden, dass eine Reihe kleinerer Künstler beschlossen hat, die Stiltricks ihrer Vorgänger zu übertreiben. Überall außer in Venedig hatte sich eine neue politische Situation ergeben. Kleine, hochzivilisierte Gerichte, die von Familien regiert wurden, die einen großen Teil ihrer politischen Macht, aber keine intellektuelle Arroganz verloren hatten, setzten den Künstlern, die ihnen dienten, ihren Willen auf. Man kann sich einen Parmigianino in Rom und Parma vorstellen – siehe Parmaschule – oder ein Tibaldi in Bologna, der auf die raffinierte Kostbarkeit einer solchen Atmosphäre reagierte und ihr exaktes formales Äquivalent reproduzierte, während Tintorettos wilde Erhabenheit und die höfliche Urbanität von Paolo Veronese kein Anzeichen des Makels zeigten.
Es war ein Moment in der Geschichte, der nicht verlängert werden konnte, und es war gegen Ende, im letzten Viertel des sechzehnten Jahrhunderts, als die ganze Tradition von Renaissance-Kunst Es schien in der Gefahr des Zusammenbruchs, dass die Ankunft einer neuen Persönlichkeit, die mutig genug war, das alte Hochplateau der Hochrenaissance zu verlassen und einen völlig neuen Aufstieg in Angriff zu nehmen, den Teint der italienischen Kunst und danach die Haltung vieler veränderte Italienische Barockkünstler .
Caravaggio lehnt Schönheit zugunsten der Wahrheit ab
Caravaggio (1571-1610) war weder ein Heldenanbeter noch ein Parodist. Sein Aufkommen war noch unerwarteter als das von Correggio und sein Einfluss unmittelbarer und revolutionärer. Während der langen Reise von Masaccio nach Tizian hat die Kunstgeschichte hatte sich von einer Reihe von Prinzipien leiten lassen, die manchmal instinktiv befolgt wurden, manchmal bewusst wie in den Schriften von Alberti und Leonardo. Das Kunst der Malerei vereinbart wurde, bestand darin, das Aussehen der Natur zu reproduzieren; Alberti vergleicht sogar das Verhältnis eines Gemäldes zu den Objekten, die es darstellt, mit dem Verhältnis zwischen der Spiegelung in einem Spiegel und der darin reflektierten dreidimensionalen Welt. Da "Natur" jedoch voller Mängel ist, müssen Anpassungen durch den Künstler im Interesse der "Schönheit" vorgenommen werden. Auf diese Weise muss eine ständige Versöhnung erreicht und ein Gleichgewicht zwischen Realismus und Schönheit hergestellt werden. Es war Raphael, der zuerst das Gleichgewicht störte. Überall in Mittel- und Süditalien war seine Formel für „Schönheit“ so obsessiv geworden, dass Kunst drohte, selbst zur bloßen Suche nach formaler Vollkommenheit und Schönheit zu werden, was bisher ein Nebenprodukt des Wunsches der Künstlerin war, seine Bedeutung zum Ausdruck zu bringen, und unterging, weil sie eher ein Zweck als ein Mittel geworden war.
Es war daher ein gewagter Schritt, den Caravaggio unternahm, als er beschloss, auf die Schönheit ganz zu verzichten und sich ganz auf die Wahrheit zu konzentrieren. Tizians Breite und Meisterschaft im Umgang mit Farbe und seine Konzentration auf das Spiel des Lichts auf Oberflächen waren jedem Künstler vertraut Italien, als Caravaggio seinen ausgereiften Stil entwickelt hatte. Es war daher unvermeidlich, dass Caravaggio Realismus sollte ein Realismus des Lichts sein. Aber während Tizians Lichteinsatz „poetisch“ war und sein ganzes Ziel wie das seiner venezianischen Landsleute darin bestand, eine Welt zu erschaffen, die sinnlicher und idealer ist als die Welt des Alltags, benutzte Caravaggio sein Kommando von Chiaroscuro und seine ungeheure technische Fähigkeit, die Welt uns so zu präsentieren, wie sie ist, nicht der Schönheit beraubt – das wäre eine vorsätzlich parteipolitische Politik gewesen -, aber sicherlich nicht künstlich von ihr besamt.
Einfluss von Caravaggism
Das raue Licht, in dem Caravaggios Figuren zu sehen sind, ist dramatisch genug, um den Betrachter zu beeindrucken und sogar eine unangenehme Geste signifikant zu machen. Seine Figuren tauchen unruhig beleuchtet auf einem dunklen Hintergrund auf, den der Begriff beschreibt Tenebrismus . Aber was ihn für seine Zeitgenossen als besonders revolutionär erscheinen lassen musste, war seine Wahl der Figuren selbst und seine Betonung dessen, was die Hochrenaissance ihre physischen Mängel genannt hätte. Für uns, die wir an den sachlichen Realismus von Velazquez, Rembrandt oder Goya gewöhnt sind, ist diese offene Akzeptanz von Männern und Frauen, wie sie sind, überhaupt nicht störend; aber sich am Ende des 16. Jahrhunderts zu weigern, die Menschheit zu adeln oder zu idealisieren, wie es Tizian und Raphael getan hatten, und ihnen die gemächliche veronesische Opulenz oder die heroische tintoretteske Dynamik zu verweigern, muss sowohl schockierend als auch respektlos gewirkt haben. Bauern mit knorrigen Händen und runzligen Brauen – mit aller Aufrichtigkeit gemalt, denn das war sicherlich die wahre physische Erscheinung der einfachen Männer, die Christus als seine Jünger auswählte – oder junger Männer, deren Eleganz eher die eines Modeschildes als die eines Modeschildes war Held, tritt an die Stelle der Halbgötter einer früheren Generation. Es ist eine demokratische Invasion, ein unvermeidliches Zeichen der Zeit. Kaum erschien es in Caravaggios Werk, begann es seine unvermeidliche Wirkung auf die nächste Künstlergeneration zu entfalten. Tenebrist-Bilder voller Figuren von unangenehmem Realismus tauchen nicht nur in Italien, sondern auch in Spanien und Nordeuropa auf. Velazquez selbst sollte vorübergehend in den Bann von fallen Karavaggismus . Sogar Rubens, der von Natur aus ein Maler von Überschwang und Ausstrahlung war, fühlte sich vorübergehend von dem dunklen karawaggischen Drama angezogen. Diese unvermeidlichen Hinweise auf Caravaggios Einfluss auf die Künstler des 17. Jahrhunderts zeigen jedoch, dass Caravaggio, der seinen Zeitgenossen als Rebell erschien, tatsächlich ein Prophet war.
Unten finden Sie eine alphabetische Liste von Alte Meister und andere Künstler der Manierismusbewegung.
Adriaen de Vries (1560-1626) Niederländischer Bildhauer
Alessi, Galeazzo (1512-72) Architekt
Allori, Alessandro (1535-1607) Maler
Ammanati, Bartolommeo (1511-1592) Bildhauer
Anguissola, Lucia (1540-1565) Maler
Anguissola, Sofonisba (1532-1625) Maler
Arcimboldo, Giuseppe (1530-1593) Maler
Aspertini, Amico (1474-1552) Maler
Bandinelli, Baccio (1493-1560) Bildhauer
Barocci, Federico (1526-1612) Maler
Bassano, Francesco (1549-1592) Maler
Bassano, Jacopo (1515-1592) Maler
Bassano, Leandro (1557-1622) Maler
Becerra, Gaspar (1520-1570) Spanischer Maler / Bildhauer
Bedoli, Girolamo Mazzola (1500-1569) Maler
Berruguete, Alonso (1488-1561) Spanischer Bildhauer / Architekt
Bronzino, Agnolo (1503-1572) Maler
Cambiaso, Luca (1527-1585) Maler
Campi, Vincenzo (1536-1591) Maler
Caravaggio (1571-1610) Italienischer Maler. Siehe auch Caravaggio in Neapel
Caron, Antoine (1520-1598) Französischer Maler
Carracci, Annibale (1560-1609) Maler
Cattaneo, Danese (1509-1573) Bildhauer
Cellini, Benvenuto (1500-1571) Bildhauer / Goldschmied
Cioli, Valerio (1529-1599) Bildhauer
Clouet, Francois (1510-1572) Französischer Maler
Cornelis van Dalem (1530-1573) Niederländischer Maler
Daniele da Volterra (1509-1566) Malerin / Bildhauerin
Danti, Vincenzo (1530-1576) Bildhauer
Diego de Siloe (1495-1563 Spanischer Bildhauer / Architekt
Dumonstier, Pierre (1545-1625) Französischer Maler
El Greco (1541-1614) Griechisch / Spanischer Maler
Farinati, Paolo (1524-1606) Maler
Figino, Giovanni Ambrogio (1551-1608) Maler
Fiorentino, Rosso (1494-1540) Maler
Francavilla, Pietro (1548-1615) Bildhauer
Gerhard, Hubert (1540-1620 Niederländischer Bildhauer
Ghisi, Giorgio (1520-1582) Kupferstecher
Giacomo della Porta (1533-1602) Architekt
Giambologna (1529-1608) Flämisch / Bildhauer
Giovane, Palma (1548-1628) Maler
Goujon, Jean (1510-1568) Französischer Bildhauer
Hans Speckaert (gestorben 1577) flämischer Maler
Hans von Aachen (1552-1615) deutscher Maler
Jan Sanders van Hemessen (1500-1566) Niederländischer Maler
Juan de Juni (1507-1577) Französisch / Spanisch Holzschnitzer
Karel van Mander (1548-1606) Niederländischer Schriftsteller / Maler
Leoni, Leone (1509-1590) Bildhauer
Leoni, Pompeo (1533-1608) Bildhauer
Ligorio, Pirro (1510-83) Architekt
Ligozzi, Jacopo (1547-1627) Maler
Lomazzo, Giovan Paolo (1538-1600) Maler
Luis de Morales (1520-1586) spanischer Maler
Martin de Vos (1532-1603) Flämischer Maler
Michelangelo (1475-1564) Maler / Bildhauer
Moroni, Giovanni Battista (1520–1578)
Niccolo dell’Abbate (1512-1571) Maler
Nosadella, Il (1549-1571) Maler
Otto van Veen (1556-1629 flämischer Maler)
Palladio, Andrea (1508-80) einer der größten Architekten der Zeit
Parmigianino (1503-1540) Maler, Radierer
Passerotti, Bartolomeo (1529-1592) Maler
Perino del Vaga (1501-1547) Maler
Peter de Witte (1548-1628) Niederländischer Maler
Pilon, Germain (1529-1590) Französischer Renaissance-Bildhauer
Polidoro da Caravaggio (1500-1543) Maler
Pontormo, Jacopo (1494-1556) Maler
Porta, Giuseppe (1520-1575) Maler
Prieur, Barthelemy (1536-1611) Französischer Manierist
Primaticcio, Francesco (1504-1570) Maler / Bildhauer
Romano, Giulio (1499-1546) Maler
Roncalli, Cristoforo (1552-1626) Maler
Salviati, Francesco (1510-1563) Maler
Sansovino, Jacopo (1486-1570) Bildhauer / Architekt
Scamozzi, Vincenzo (1548-1616) Architekt
Schiavone, Andrea (1500-1563) Maler
Scultori, Diana (1547-1612) Kupferstecher
Spranger, Bartholomeus (1546-1611) Flämischer Maler
Sustris, Lambert (1510-1560) Niederländischer Maler
Tibaldi, Pellegrino (1527-1596) Maler
Tintoretto (1518-1594) Maler
Tribolo, Niccolo (1500-1550 Bildhauer
Vasari, Giorgio (1511-1574) Maler, Kunsthistoriker
Veronese, Paolo (1528-1588) Maler
Vignola (1507-1573) Architekt; sehen: Renaissance-Architektur
Vittoria, Alessandro (1525-1608) Bildhauer
Zuccaro, Federico (1542-1609) Maler
Zuccaro, Taddeo (1529-1566) Maler
Zucchi, Jacopo (1540-1596) Maler
Größte Gemälde im manieristischen Stil
Die Eigenschaften von Manieristische Malerei werden durch die folgende Auswahl an Gemälden gut illustriert.
Giuseppe Arcimboldo (1527-93)
Winter (1573) Louvre, Paris.
Kaiser Rudolf II. Als Vertumnus (1591) Skoklosters Slott, Schweden.
Hans Baldung Grien (1484–1545)
Krönung des Jungfrauenaltars (1512-16) Frieburg im Breisgau.
Die drei Lebensalter des Menschen mit dem Tod (um 1540) Prado, Madrid.
Jacopo Bassano (1517-92)
Das letzte Abendmahl (1547) Galleria Borghese, Rom.
Agnolo Bronzino (1503-72)
Porträt von Lucrezia Panciatichi (1540) Uffizien, Florenz.
Annibale Carracci (1560-1609)
Farnese Galerie Fresken (1597-1608) Rom.
El Greco (1541-1614)
Das Begräbnis des Grafen Orgaz (1586-88) Kirche von Santo Tome, Toledo, Spanien.
Die Entkleidung Christi (1577) Kathedrale von Toledo.
Blick auf Toledo (1595-1600) Metropolitan Museum of Art, NY.
Christus vertreibt die Händler aus dem Tempel (1600) National Gallery, London.
Porträt eines Kardinals (1600) Metropolitan Museum of Art, NY.
Porträt von Fray Felix Hortensio Paravicino (c.1605) MFA, Boston.
Michelangelo (1475-1564)
Jüngstes Gericht Fresko (1535-41) Sixtinische Kapelle, Vatikan.
Parmigianino (1503-40)
Madonna vom langen Hals (1535) Uffizien, Florenz.
Jacopo Pontormo (1494-1556)
Cosimo de ’Medici Il Vecchio (1518-19) Uffizien, Florenz.
Tintoretto (Jacopo Robusti) (1518-1594)
Adam und Eva (1550) Gallerie dell’Accademia, Venedig.
Die Kreuzigung (1565) Scuola Grande di San Rocco, Venedig.
Geburt Christi (1579-81) Scuola Grande di San Rocco, Venedig.
Das letzte Abendmahl (1592-4) St. Giorgio Maggiore, Venedig.
Giorgio Vasari (1511-1574)
Die Hochzeit von Esther und Ahasveros (1548) State Museum, Arezzo.
Paolo Veronese (1528-88)
Hochzeitsfest in Cana (1563) Louvre, Paris.
Fest im Hause Levi (1573) Akademie Galerie, Venedig.
Caravaggio (1571-1610)
Abendessen in Emmaus (1601) National Gallery, London.
Die Bekehrung des hl. Paulus (1601) Kirche Santa Maria del Popolo.
Der Tod der Jungfrau (1602) Louvre.
Der ungläubige Thomas (1602-3) Sanssouci, Potsdam.
Die Ablehnung von Saint Peter (1610) Metropolitan Museum of Art, New York.
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