Manieristische Malerei, Italien Automatische übersetzen
Einführung
Die erste Reaktion gegen die führenden Exponenten von Malerei der Hochrenaissance – Leonardo, Michelangelo, Raphael und Andrea del Sarto – ereigneten sich zwischen 1515 und 1524 in Florenz, als die Maler Rosso Fiorentino (1494-1540) und Jacopo Pontormo (1494-1556) sich vom Naturalismus und der Harmonie des Hohe Renaissance Idiom. Einige Kunsthistoriker des 20. Jahrhunderts, darunter Max Dvorak in seinem Buch Uber Greco und der Manierismus (1921), behandelten diese nonkonformistischen Maler des frühen 16. Jahrhunderts als Manieristen. Neuere wissenschaftliche Meinung hat jedoch den Begriff angewendet Manierismus einen ganz anderen Stil beschreiben cinquecento Malerei, die erstmals um 1520 in Rom auftauchte. Dieser in Rom geborene Manierismus, der sich zu gegebener Zeit in ganz Europa ausbreitete, war keine revolutionäre Neuentwicklung, sondern eine Transformation von Renaissance-Kunst verbunden mit einer veränderten Mentalität der Zeit. An der Oberfläche zeichnete es sich durch eine gewisse Künstlichkeit, eine bewusste und ausgeprägte Kultivierung des Stils und eine raffinierte Freude am Bizarren aus. Das Konzil von Trient (1545-63) startete seine Kampagne von Katholische Gegenreformationskunst so wie der Manierismus in Italien Einzug hielt. Die vatikanischen Behörden haben den manieristischen Stil durchgegriffen Christliche Kunst das war den meisten Kirchgängern unverständlich, wie (man vermutet) Parmigianinos Madonna vom langen Hals .
Ursprünge
Das eigentliche Wort Manierismus leitet sich vom italienischen Wort " maniera " (wörtlich "Stil") ab und wurde erstmals in der Kunstkritik des 16. Jahrhunderts verwendet, um eine definierbare Qualität zu beschreiben – die der Stilsicherheit . Der Maler und Kunsthistoriker Giorgio Vasari (1511-1574) – bekannt für seine biografische Abhandlung Lives of The Artists (1550) – identifizierte die Quelle dieser Eleganz als das Werk von Leonardo da Vinci (1452-1519) Raphael (1483-1520) und Michelangelo Buonarroti (1475 & ndash; 1564). Wenn die manieristischen Tendenzen von Leonardos Werken vielleicht übertrieben sind, dann Raffaels Verklärung (1520, Pinacoteca Apostolica, Vatikan, Rom) zeigt zweifellos deutliche Anzeichen für den Expressionismus, der mit dem Manierismus in Verbindung gebracht werden sollte. In der Tat einige Kunst Experten glauben, dass die dramatische Spannung und die übertriebenen Formen in der Arbeit vorausgesehen haben Barockmalerei , egal Manierismus. Michelangelos Fresko des Jüngsten Gerichts (1534-41) an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle war ein weiteres Beispiel für Kunst der Hochrenaissance mit manieristischen Tendenzen.
Aber während Leonardo, Raphael und Michelangelo die Quelle gewesen sein mögen, waren es laut Vasari ihre Anhänger, die die Gelegenheit hatten, die Entdeckungen von zu verdauen Malerei der Frührenaissance und Hochrenaissance Ästhetik – hatte die Modelle dieser großen Meister verfeinert. Diese späteren Anhänger, dachte Vasari, verstanden das Geheimnis des wahren künstlerischen Stils – die Maniera . Im Übrigen ist anzumerken, dass sich der Manierismus vor allem in… manifestierte Gemälde , schon seit Skulptur weiterhin ziemlich ungehindert von irgendwelchen Zwängen, und es gab praktisch keinen Manieristen die Architektur .
Merkmale der manieristischen Malerei
Zunächst war das Wort "Manierismus" nicht negativ. Es beschrieb eine Art stilistische Eleganz und spiegelte eine allgemeine Faszination für diese Eleganz sowie den besonderen Stil oder die Manier eines solchen und eines solchen Künstlers wider. Zu gegebener Zeit bezeichnete es die "großartige Art", die um 1520 in Rom zur Mode wurde.
Obwohl es fast unmöglich ist, eine präzise Definition des Manierismus zu liefern – abgesehen von der Bezeichnung "Triumph der Vorstellungskraft über die akademischen Regeln der Malerei" -, müssen wir Folgendes berücksichtigen, um ihn zu verstehen:
(1) Obwohl in figurative Malerei Die formalen Maßstäbe waren von Michelangelo gesetzt worden, und die von idealisierter Schönheit von Raphael. Vasaris Zeitgenossen legten tendenziell einen höheren Wert auf den Stil als auf das Thema. Einfacher ausgedrückt, als weiterhin das Ideal der Hochrenaissance des Harmonischen zu beachten Naturalismus , der manieristische Maler wollte mehr Gestaltungsfreiheit und wollte so ein künstliches Naturbild schaffen, um seinen Wunsch nach größerer Virtuosität zu befriedigen. (Anmerkung: Ob dieser vermeintliche Wunsch nach kreativer Freiheit aus der Erkenntnis hervorgegangen ist, dass die von Leonardo, Raphael und Michelangelo gesetzten naturalistischen Maßstäbe niemals erreicht oder gar übertroffen werden konnten, ist eine interessante Frage.)
(2) In ihrem Wunsch nach kreativer Freiheit, Manieristische Künstler Überarbeitung der Proportionen des klassischen Kanons der Hochrenaissance. Die ideale Größe der menschlichen Figur wurde von der siebeneinhalbfachen Höhe des Kopfes auf die neuneinhalbfache geändert. Neben dieser stilistischen Ausdehnung des menschlichen Körpers, die manchmal auf einzelne Merkmale angewendet wurde, siehe zum Beispiel Parmigianinos Madonna vom langen Hals (1534-40, Uffizien), zeigten die manieristischen Gemälde auch neue Formen des Hintergrunds Perspektive , in dem der Bildraum vollständig von Vordergrundfiguren ausgefüllt war: siehe zum Beispiel The Deposition (1526, Santa Felicita, Florenz) von Jacopo Pontormo. Die Verwendung von Licht aus einer einzigen Quelle wurde manchmal zugunsten kontrastierender Effekte von Licht und Dunkelheit aufgegeben; ebenso wie die Verwendung unnatürlicher Farben wurde eine grelle Beleuchtung eingeführt.
(3) Einige Vertreter der Maniera schufen nicht nur künstliche Naturbilder, sondern griffen auch auf einen Stil namens disegno fantastico zurück , der aus Launen, Erfindungen, Exzentrizitäten und anderen Kuriositäten bestand Arcimboldo bestehend aus Obst und Gemüse.
(4) Aus diesem Grund sollte der Manierismus den Kenner ansprechen – den kenntnisreichen Kunstliebhaber, der seine Komplexität und Virtuosität zu schätzen wusste. Katholische Gönner der Gegenreformation empfanden den neuen Stil jedoch als ziemlich unbefriedigend – zumindest in Bezug auf religiöse Kunst , so wie die Altarbild – weil seine sehr stilvolle Art dazu neigte, seine biblische Botschaft zu überschatten. Sogar Michelangelos Fresko des Jüngsten Gerichts wurde von einigen Beobachtern bitter kritisiert, weil es (hauptsächlich) männliche Akte während er selbst als "der Erfinder der Obszönitäten" bezeichnet wurde, der Kunst auf Kosten der Hingabe kultivierte.
Dieses allgemeine Gefühl der Unzufriedenheit – oder zumindest der Skepsis – seitens der katholischen Kirche, Europas führendem Förderer von Kunst Als der französische Architekt Freart de Chambray 1662 das Wort "Manieriste" (später vom englischen Schriftsteller John Evelyn als "Mannerist" übersetzt) erfand, benutzte er es, um Vasari und seine Zeitgenossen herabzusetzen, die wesentlichen Praktiker der Maniera . Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts .
Anmerkung: Ein früher Experte für die Zuschreibung von Gemälden aus der Zeit des Manierismus war der Gelehrte der Renaissance Bernard Berenson (1865-1959), der den größten Teil seines Lebens in der Nähe von Florenz verbrachte und eine Reihe von einflussreichen Büchern über die italienische Kunst dieser Zeit veröffentlichte.
Geschichte und Künstler
Jacopo Pontormo (1494-1556)
Während des Zeitraums um 1510-20, Andrea del Sarto (1486-1530) war der führende Vertreter des Naturalismus der Hochrenaissance in Florenz. Die emotionale Spannung unter der Harmonie von Andrea’s Farben und Formen wurde von einem seiner frühreifsten Schüler aufgegriffen und akzentuiert. Jacopo Pontormo , der als Jugendlicher von Michelangelo selbst gelobt worden war. In Pontormos berühmtem Visdomini-Altar (1518) erreicht die emotionale Spannung fast ihren Höhepunkt; Die Komposition ist vertikal und hat kein Raumgefühl, während eine Vielzahl ähnlicher, aber nicht übereinstimmender Aktionszentren ein spürbares Gefühl der Erregung hervorruft. Pontormo beharrte auf diesem Expressionismus und wurde immer mehr von den kantigen Formen von Albrecht Durers Drucken und einigen der gequälteren Aspekte von Michelangelos Figuren beeinflusst.
Rosso Fiorentino (1494-1540)
Ein weiterer talentierter Schüler von Andrea, der anspruchsvolle, aber unberechenbare Rosso Fiorentino reagierte in einem ähnlichen Geist der Ausdruckskraft. Abgesehen von seinen zwei Engeln kehrt seine unkonventionelle Jungfrau und ihr Kind, die mit vier Heiligen thronen (Johannes der Täufer, Anthony Abbot, Hieronymus und Stephanus) (1518, Uffizien), die für Santa Maria Nuova geschaffen wurden, dem Naturalismus der Hochrenaissance den Rücken und ist mehr Bilderstürmer als alles andere von Pontormo. Drei Jahre später produzierte er die ebenso außergewöhnliche Deposition (1521, Pinacoteca Communale, Volterra) für die Kathedrale von Volterra. Seine disjunkte Komposition, seine aufgeblähten und überproportionalen Figuren und seine unnatürlich kühlen Farben machen es zu einem hervorragenden Beispiel des frühen florentinischen Manierismus. Auf der Suche nach Aufträgen des neuen Papstes Clemens VII. Reiste Rosso Fiorentino 1523 nach Rom, wo ihn drei Erlebnisse überwältigten: Michelangelos Fresken der Sixtinischen Kapelle , der späte ( Verklärungs- ) Stil Raffaels und die Kunst des kürzlich eingetroffenen Girolamo Francesco Maria Mazzola, besser bekannt als Parmigianino.
Parmigianino (1503-40)
Geboren und ausgebildet in Parma, Parmigianino brachte drei Beispielbilder mit nach Rom, um seine künstlerischen Fähigkeiten unter Beweis zu stellen. Sein Stil, beeinflusst von dem von Correggio , hatte bereits viel von der abgeschwächten Eleganz, für die er berühmt wurde. Rom liebte ihn und er wurde als der neue Raffael gefeiert, der die subtile Anmut der späten Werke des letzteren wie St. Michael (Louvre) reproduzieren konnte. Obwohl Raffael 1520 gestorben war, wurden seine dekorativen Fresken in der Vatikanstanze ( Raphael Zimmer ) wurde von seinen wichtigsten Schülern fortgesetzt, Giulio Romano (1499-1546) und Perino del Vaga (1501-47). Ihr Malstil beruhte auf einer raffinierten Verwendung klassischer antiker Formen und einer komplizierten Ausnutzung verschiedener Ebenen der Bildwirklichkeit.
Der Sack von Rom (1527)
Rosso Fiorentinos Begegnung mit Michelangelo Genesis Fresko und Parmigianinos Arbeit führte zu einem radikaleren und raffinierteren Stilwechsel. Sein toter Christus mit Engeln (1526, Museum of Fine Arts, Boston), ein Bild, das er zuvor vielleicht mit außergewöhnlicher Winkelform ausgeführt hat, ist leiser, mit subtileren Emotionen und einem überraschenden Sinn für Schönheit ausgestattet. Raphaels Schüler und die Neuankömmlinge Rosso und Parmigianino beeinflussten sich zweifellos in der Mitte der zwanziger Jahre, doch 1527 wurde Rom von plündernden Truppen des Kaisers Karl V. geplündert, die den Papst zwangen, den Vatikan zu verlassen und nach Orvieto zu fliehen. Parmigianino floh nach Bologna und kehrte vier Jahre später in seine Heimatstadt Parma zurück, wo er seine persönliche Maniera ( Madonna des langen Halses ) weiterentwickelte. Perino del Vaga trat in den Dienst der herrschenden Familie in Genua, während Rosso Fiorentino mehrere Jahre unruhig zwischen Arezzo, Città di Castello, San Sepolcro und Perugia wanderte, bevor er vor das französische Gericht geladen und für die Innenausstattung der Villa verantwortlich gemacht wurde Chateau de Fontainebleau. [Anmerkung: Weitere Einzelheiten zu dieser Mini-Renaissance der französischen Kunst finden Sie unter: Fontainebleau Schule (1528-1610).] Hier schuf er sein Meisterwerk, die Galerie von Franz I. , mit Fresken und Zierputz.
Spätere Manieristen: Giorgio Vasari, Francesco Salviati
Der raffinierte Stil der manieristischen Kunst, der sich vor 1527 in Rom durch Parmigianino und seine Kollegen entwickelte, prägte den individuellen Stil einiger bedeutender jüngerer Künstler. Vasari und Francesco Salviati (1510-63), die beide in Andrea del Sartos Florenz in der Lehre waren, trennten sich 1527, nahmen aber in Rom (1531) wieder Kontakt auf, wo sie versuchten, das formale und narrative System von Raffaels späten Fresken mit dem zu kombinieren figurativen Stil von Michelangelo. In Vasaris Fall war das Ergebnis etwas unzusammenhängend, aber Salviati gelang es, eine individuelle Maniera von enormem Erfindungsreichtum zu produzieren – siehe zum Beispiel seine Wandmalerei Frieden (1544-48, Palazzo Vecchio, Florenz).
Während Salviatis Karriere eine peripatische war – er malte in Rom, Florenz, Venedig und Frankreich – kehrte Vasari an den Florentiner Hof von Cosimo I de Medici zurück, der 1537 den ermordeten Alessandro de ’Medici ablöste. Cosimo im Konzert mit seiner spanischen Frau Eleonora de Toledo startete eine kluge Reihe von Projekten, um seine politische Position zu stärken, für die Vasari Bühnenmanager wurde. Bemerkenswert war sein künstlerischer Erfolg als Maler und Architekt nach 1555, aber sein wichtigster Beitrag zum Manierismus war das Eintreten für manieristische Ideale in seinem Leben der Künstler (1550). Der talentierteste Maler am Hofe von Cosimo de Medici war Agnolo Bronzino, ein Schüler und Adoptivsohn von Pontormo.
Agnolo Bronzino (1503-72)
Von Anfang an Agnolo Bronzino hatte den emotionalen Gehalt, der ein so wichtiges Element von Pontormos Stil war, reduziert und sich in den 1530er Jahren einen Ruf als Hofporträtmaler erarbeitet. Sein reifer Porträtkunst ist elegant, akribisch, formell und wunderschön poliert und spiegelt die spanische Etikette des Medici-Hofes wider. Tatsächlich wurde Bronzino bald Eleonoras Lieblingsmaler und erhielt den Auftrag, ihre private Kapelle im Palazzo Vecchio zu schmücken. Die resultierenden Fresken sind zwar nicht spirituell ausdrucksvoll, aber schillernd stilvoll, mit Verweisen auf klassische Formen – eine Anspielung auf das Wissen sowohl des Künstlers als auch des Subjekts – sowie auf Raphael und Michelangelo. Nach den Auswirkungen der katholischen Gegenreformation nahm Bronzino einen bescheideneren Erzählstil an, behielt aber sein manieristisches Wesen bei. Siehe auch: Eine Allegorie mit Venus und Amor (1540-50), Bronzinos mythologisches Meisterwerk.
Die Gegenreformation wirkte sich auch auf einige andere manieristische Maler aus, allerdings nur auf die in Urbino geborenen Federico Barocci (1526-1612) verließ die Maniera , um sich mit frommer religiöser Malerei zu befassen. Baroccis flüssiger und zart gefärbter Stil, der weitgehend von Correggio beeinflusst wurde, kann ausnahmsweise als Vorläufer der Barockmalerei angesehen werden. Barocci gab um 1575 seinen manieristischen Stil auf, aber die meisten seiner Zeitgenossen in Florenz und Rom entwickelten die vielseitigen Aspekte der ursprünglichen Maniera weiter . Der in Siena ausgebildete Daniele da Volterra (1509-66) und der in Lugano geborene Pellegrino Tibaldi (1527-96) malten offen nach Michelangelo, während am Ende des Jahrhunderts Giuseppe Cesari (Cavaliere d’Arpino) (1568-1640)) und Federico Zuccaro (1540-1609) erkundeten die komplexen intellektuellen Werte des Raphael-Atelierstils. Zuccaro ist das beste Beispiel dieser späten Phase, und seine Reisen (nach Rom, Venedig, Spanien, England, Frankreich und Flandern) weisen auf den Internationalismus des späten Manierismus hin.
Manieristische Malerei außerhalb von Florenz und Rom
Abgesehen von Florenz und Rom wurden Künstler in mehreren italienischen Städten nach 1527 vom Manierismus beeinflusst Sienesische Malschule entwickelte unter Domenico Beccafumi (1485-1551) eine seltsame Art emotionalen Manierismus, und es gab andere Varianten der Maniera anderswo. Aber nur in der Stadt Venedig wurde der Manierismus als konsequente, unabhängige Redewendung aufrechterhalten. Obwohl Tizian (um 1488-1576) nach 1530 Paolo Veronese (1528-1588) Jacopo Bassano (1515-1592) und Jacopo Tintoretto (1518-1594) nahmen in einigen Gemälden manieristische Formen und Ideale an. Die gesamte venezianische Kunst war weiterhin in beiden von nicht-manieristischen Praktiken geprägt colorito und Ausdruck. Vasaris abfällige Kommentare zu Tintorettos Mangel an Gutem disegno deutet klar darauf hin, dass die Unterschiede zwischen Romano-Florentine und Venezianische Malerei blieb grundlegend. Siehe auch: Tizianische und Venezianische Farbmalerei (c.1500-76).
Zur manieristischen Altarbildkunst in Venedig siehe: Venezianische Altarbilder (1500-1600), Porträts: Venezianische Porträtmalerei (c.1400-1600). Zu den allgemeinen Auswirkungen auf die europäische Kunst siehe auch: Vermächtnis der venezianischen Malerei (nach 1600).
Paolo Veronese (1528-1588)
Paolo Veronese ist berühmt für seinen reichen Kolorismus und die riesigen Kompositionen voller Figuren: siehe: Hochzeitsfest in Cana (1562-3, Gemäldegalerie, Dresden) und Fest im Hause Levi (1573; Galerie der Akademie von Venedig ). Allerdings ist der Reichtum von ihm Farbpigmente Beispiele dafür sind Werke wie Mars und Venus United von Love (Metropolitan Museum, New York) und die Hochzeit der heiligen Katharina (Gallerie dell’Accademia di Venezia).
Jacopo Tintoretto (1518-1594)
Tintoretto er verfolgte Tizians Einsatz von dramatischem Licht und emotionaler Intensität. 1548 etablierte ihn der heilige Markus, der den Sklaven befreit (1547-8, Gallerie dell’Accademia di Venezia), als den führenden Maler der jüngeren Generation in Venedig. Danach war ein großer Teil seiner Karriere der Fertigstellung von 66 prächtigen Wand- und Deckengemälden gewidmet, die Szenen sowohl aus dem Alten als auch aus dem Neuen Testament für die Dekoration der Großen Schule von San Rocco in Venedig (1564-1588) darstellten Die Kreuzigung (1565). Seine Krönung war das Abendmahl (1591-94), eine riesige Leinwand, die für die Kirche San Giorgio Maggiore in Venedig gemalt wurde. Wie es sich für den wichtigsten Vertreter des venezianischen Manierismus gehört, bediente sich Tintoretto in diesem Werk der dramatischen Diagonalen Verkürzung und andere manieristische Methoden. Ein Vergleich dieses Bildes mit dem von Leonardo Das letzte Abendmahl (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Mailand) zeigt die Unterschiede zwischen der venezianischen Malerei der Hochrenaissance und des ausgehenden 16. Jahrhunderts, obwohl letztere weiterhin von nicht manieristischen Praktiken in beiden geprägt war Farbe und Zusammensetzung.
Manieristische Malerei außerhalb Italiens
Die Ideen der Italienische Renaissance Verbreitung in ganz Europa durch Mundpropaganda sowie durch Gravuren und Radierungen. Zur gleichen Zeit besuchten die meisten großen nichtitalienischen Maler Florenz, Rom oder Venedig, um das zu sehen und zu kopieren größte Renaissance-Gemälde für sich selbst. Es wäre jedoch falsch, sich vorzustellen, dass der italienische Renaissancestil die gesamte europäische Malerei beherrschte. (In der Tat Italienisch Künstler der Frührenaissance wurden stark beeinflusst von flämischen Ölgemälden und von bestimmten Werken wie dem Portinari – Altar (1475) von Hugo Van Der Goes .) Einige nordische Künstler (z. B. Albrecht Dürer, Michael Pacher und andere) setzten die malerischen Techniken der Renaissance mit Zuversicht ein. andere benutzten sie auch, jedoch nur stückweise, ohne die italienischen Kompositionsmethoden richtig zu verstehen. Nach 1520 wurden jedoch beide Künstler der nördlichen Renaissance (z. Hans Baldung Grien ) und spanische Maler (z. El Greco ) kamen zunehmend dazu, manieristische Ideen in ihren Arbeiten zu verstehen und anzuwenden. Die größten manieristischen Meisterwerke von El Greco – eine Mischung aus Tintoretto, Parmigianino, Bassano und Michelangelo in einem byzantinischen Rahmen – finden Sie unter: Christus entkleiden (1577); Beerdigung des Grafen Orgaz (1588); Christus vertreibt die Händler aus dem Tempel (1600); Porträt eines Kardinals (1600); Felix Hortensio Paravicino (1605); und Blick auf Toledo (1600). In der Tat entstanden eine Reihe einzelner Manierismusschulen in verschiedenen Zentren außerhalb Italiens.
Manieristische Gemälde sind in den meisten Ländern zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt, vor allem die Pitti Palace und das Uffizien in Florenz.
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