Nowgoroder Schule für Ikonenmalerei Automatische übersetzen
Einführung
Ein herausragendes Zentrum von Christliche Kunst Die Nowgoroder Schule brachte so viele hervor Tafelbilder von solch hoher Qualität, zwischen dem zwölften und sechzehnten Jahrhundert, dass seine Produktion verdient, mit dem feinsten und wichtigsten in der Geschichte von zu rangieren Ikonenmalerei . Gewisse byzantinische Ikonen, wie die Jungfrau von Wladimir (um 113), übertreffen jeden von der Nowgoroder Schule hergestellten; es gibt aber viele einzelne meisterwerke von Russische Kunst Es gibt zwar nicht genügend byzantinische Ikonen, um eine gerechte Vorstellung von dem allgemeinen Standard zu bekommen, den die byzantinischen Maler in einem bestimmten Zeitraum erreicht haben. Bis mehr Byzantinische Kunst wird aufgedeckt, muss die novgorodianische Schule der Ikonenmalerei daher als die reichste und produktivste anerkannt werden. (Siehe auch: Christliche Kunst, byzantinische Zeit .)
Viele Produkte von Novgorod zählen zu den besten mittelalterliche Malerei der italienischen Primitiven des 14. Jahrhunderts – wie der Sienesische Malschule oder die vollendeten Beispiele der Bibel Flämische Malerei .
Icon Painting 1300-1400: Ein spiritueller Ansatz
Der grundlegende Ansatz des Ikonenmalers unterscheidet sich jedoch von dem, was wir im Westen sehen, und eine Ikone aus Novgorod aus dem frühen 14. Jahrhundert, die den Propheten Elijah zeigt, zeigt deutlich die Haltung des Mittelalters Russische Künstler zur religiösen Malerei. Für Novgorodian Maler dargelegt, um den Glauben des Mannes zu entfachen, indem er seine Augen als die Straße zu seinem Verstand und zu Seele benutzt. Der Prophet wird daher als ein Mann dargestellt, der sich ausschließlich mit dem Geistigen befasst, und die Ikone enthält absichtlich keine Verzierungen und Verfeinerungen, die sie attraktiv machen könnten. Stattdessen ist seine Intensität überwältigend. Ein Großteil seiner Kraft beruht auf dem absolut glatten, flachen, hellroten Hintergrund, der der Grobheit irgendwie entgeht, und der in der Tat dadurch zur Unterscheidung gelangt, dass er als Reflexion des grellen Lichts erscheint, das die unflexiblen Augen des Propheten beleuchtet.
Icon Painting 1400-1500: Größere Verwendung von Linien und Farben
Im fünfzehnten Jahrhundert blieb die Spiritualität dieses Ansatzes ebenso rein und inspiriert wie im vierzehnten, aber sie drückte sich in einer feineren Komposition, in einem fließenden linearen Rhythmus, in einem hervorragenden Gleichgewicht neuer Proportionen und in einer unübertroffenen Lieblichkeit und Sicherheit aus von Farbe – Siehe zum Beispiel das Melchisedekische Freskengemälde (1378) von Theophanes dem Griechen in der Kathedrale der Verklärung in Novgorod. Diese Eigenschaften scheinen heute die besten Leistungen der Schule zu sein. Sie sind in einer Ikone der Kreuzabnahme (um 1430) zu sehen, die früher in der Sammlung Ostrukhov und heute in der Sammlung Ostrukhov ausgestellt war Tretjakow-Galerie . Die novgorodianische Malerei zeichnet sich durch eine intensive Dehnung der Figuren aus. In dieser Ikone ist es in der hervorragenden Linie der gebogenen Figuren und der Eleganz der Krümmung des leblosen Leibes Christi zu sehen. Diese Formen werden durch die klaren, geradlinigen Umrisse des großen Kreuzes hervorgehoben, das das Auge durch seine Größe vernietet, aber den Geist frei lässt, auf die rhythmische Konzeption der Szene zu reagieren. Der stark symmetrische Hintergrund wirkt jeder der geschwungenen Linie innewohnenden Nachgiebigkeit in der gleichen Weise entgegen, wie die ausdruckslosen Gesichter der Trauernden das zentrale Thema auf eine ganz eigene Ebene stellen. Als Mitarbeiter Christi sind sich die Trauernden ihrer einzigartigen Position bewußt und greifen ungeachtet ihrer allzu menschlichen Trauerneigung auf eine strengere Selbstbeherrschung zurück als die der normalen Menschen. Obwohl sie wie jeder Laie Schmerzen erleiden, wird ihr Leiden abstrakt dargestellt und durch eine vorgeschriebene Gruppierung und Haltung und einen rhythmischen linearen Effekt ausgedrückt, anstatt durch einzelne, von Trauer geplagte Gesten.
Die Schaffung von Rhythmus
Der für Novgorodian so charakteristische Rhythmus Gemälde war bereits im zwölften Jahrhundert präsent religiöse Kunst in Russland. In Nowgorod wurde es jedoch erheblich weiterentwickelt und von da an zu einem grundlegenden Element der russischen Malerei. Besonders auffällig ist die interessante Ikone einer Schlacht zwischen Nowgoroder und Susdaler im Jahr 1170. Das Gemälde stammt aus der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts und wurde im Nowgoroder Museum aufbewahrt. Das Symbol ist horizontal in drei Abschnitte unterteilt, von denen der niedrigste den Zusammenprall zwischen den beiden Rittergruppen veranschaulicht. Hier tauchen Realismus und historische Aufzeichnungen zum ersten Mal in der Ikonenmalerei auf, unterliegen aber weiterhin der strengsten Stilisierung. Obwohl es sich bei den Rittern um echte Kämpfer handelt, handelt es sich nicht um Einzelpersonen, und die Kampfszene ist völlig unwirklich – und daher ohne jede Geradlinige Perspektive oder Naturforscher Verkürzung – Vor allem, weil es dem gotischen Stil des 15. Jahrhunderts entspricht und auf Rhythmus und dekorative Symmetrie Wert legt. In dieser Ikone leitet sich der Rhythmus von den Kurven der flatternden Wimpel ab, von den gebogenen Hälsen der Ladegeräte und von den geneigten Köpfen und zwiebelförmigen Helmen der Reiter sowie von ihren abgerundeten Schilden, die man im Gegensatz zu den geradlinigen Speeren sieht erhobene Arme und balancierte Pfeile.
Diese Tempera Die Ikone ist im Gegensatz zur traditionellen byzantinischen Komposition praktisch das einzige erhaltene Beispiel für mittelalterliches russisches Dekor , aber es ist ein so vollendetes Werk, dass man kaum glauben kann, dass es zu seiner Zeit so einzigartig war wie heute. Es ist interessant, es mit dem praktisch Zeitgenössischen zu vergleichen Frühe Renaissance Kampfstück – Die Schlacht von San Romano (1438-55) von Paolo Uccello . Letzteres zeigt uns einen italienischen Künstler
Der erstere ist ein anonymer Russe, der sich mit der Natur beschäftigt und sich auf lineare Effekte einlässt. wo Uccello sich aufmachte, Bewegung durch individuelle Gesten und Handlungen vorzuschlagen, versuchte der Ikonenmaler, sie durch rhythmische Komposition und Gruppierung auszudrücken. Während der Italiener nach dem Porträt strebte, betrachtete der Russe, der in der byzantinischen Tradition arbeitete, die menschliche Gestalt als Symbol für Rittertum und Rechtschaffenheit. Obwohl sich jeder der Künstler an so unterschiedlichen Punkten orientierte, erzielte jeder ein sehr ähnliches Ergebnis, denn beide vermitteln in etwa den gleichen klaren und eindeutigen Eindruck von der Prahlerei mittelalterlicher Ritterlichkeit und Kriegsführung, und beide ordnen den Realismus dem Malerischen unter wertvolle Beweise für die Bedeutung, der Europa des 15. Jahrhunderts, ob katholisch oder orthodox, westlich oder östlich, beigemessen wird dekorative Kunst . Eine Bedeutung, die im Falle Westeuropas für die Popularität der Internationale Gotik Stil.
Pskow und Twer
Dieser dekorative Sinn und dieses scharfe Gespür für Rhythmus sind in den Gemälden von Novgorods Satellitenstadt Pskov und seinen Außenposten wie Tver gleichermaßen ausgeprägt. Diese Städte teilten das sichere Auge von Novgorod für Farbe und waren fast so erfolgreich wie Novgorod, wenn es darum ging, unerwartete Töne in harmonische und merkwürdig aufregende Kompositionen zu mischen. In Novgorodian religiöse Gemälde Die Auswahl und Gegenüberstellung von Farben ist so gewagt und die Qualität so leuchtend, dass man sie sehen muss, um sie sich vorstellen zu können. Eine Schwarz-Weiß-Reproduktion kann zum Beispiel keine Vorstellung von ihrer Reichweite und ihren Variationen geben. es kann nur einen Eindruck von der Firma vermitteln, die dennoch gewunden ist Zeichnung , der zarte Geist, die religiöse Leidenschaft und der etwas naive Naturalismus des Werkes. Dass diese Reproduktionen bisher erfolgreich waren, ist ein Beweis für die hervorragende Qualität der Bilder; Trotzdem ist das novgorodianische Bild ohne seine Farbe kaum besser als eine üppige Sommerlandschaft, die nur im Mondlicht zu sehen ist.
Nereditsa Murals
Novgorodian Wandmalerei ist von demselben Geist durchdrungen und von denselben Eigenschaften wie die Symbole gekennzeichnet. Zahlreiche schöne Beispiele blieben bis zum Zweiten Weltkrieg erhalten, wie zum Beispiel die Kirche Mariä Himmelfahrt in Bolotowo (1362) oder die St. Theodor-Strateliten-Kirche (1370) in Nowgorod oder die Hauptfriedhofskirche in Nowgorod (1390). Dieses wunderbare Aufblühen der Wandmalerei wurde am Ende des 12. Jahrhunderts durch eine Reihe von Fresken in der Erlöserkirche von Nereditsa passend eingeführt, die sowohl für ihre frühe Datierung als auch für ihre hohe Qualität bemerkenswert waren. Die Gemälde wurden innerhalb weniger Jahre nach dem Bau der Kirche im Jahr 1199 fertiggestellt, und ihre Zerstörung im letzten Krieg war ein schwerwiegender Verlust. Die Bilder nahmen den gesamten Wandraum des Innenraums ein, mit Ausnahme eines breiten Streifens auf Bodenhöhe, der farblich an Marmorverkleidung erinnerte. Der den Fresken zugewiesene Raum war so viel größer als üblich, dass die an der Arbeit beteiligten Künstler neue Szenen und Zyklen entwickeln mussten, um sie zu füllen. Infolgedessen war die Kirche sowohl ikonografisch als auch ästhetisch interessant.
Die konventionellen Szenen besetzten die von der byzantinischen Tradition vorgegebenen Räume. So erschien der Pantokrator in der Kuppel, die Jungfrau Orans und die Kommunion der Apostel an der Ostwand, mit dem Jüngsten Gericht an der Westwand. Ein Porträt des Spenders, Fürst Jaroslaw Wladimirowitsch, wurde ebenfalls aufgenommen, wie dies manchmal in Konstantinopel und häufig in Serbien, Bulgarien und Zypern der Fall war, obwohl Beispiele in diesen Gebieten meistens von späterer Bedeutung sind. Die ikonografischen Besonderheiten der Nereditsa Fresken sind wichtig, aber da ikonografische Details für Wissenschaftler interessanter sind als für Kunstliebhaber, werden hier nur vier Beispiele angeführt.
So wird zuerst die Jungfrau gezeigt, die ein Medaillon Christi auf ihrer Brust trägt. Das früheste bekannte Beispiel dieser Art ist das von Bethlehem aus dem Jahr 1169; Dies wurde laut Myasoedov, dem Restaurator dieser Gemälde, erst im 14. und 15. Jahrhundert in Russland üblich. Zweitens folgt die Szene, in der der Prophet Elia von Raben gefüttert wird, einer Variante, die für die serbische Kunst des 14. Jahrhunderts typisch wurde. Drittens ist die Szene, in der die Erde ihre Toten preisgibt, hier im Jüngsten Gericht enthalten . Schließlich tauchen zum ersten Mal die bekannten russischen Heiligen Boris und Gleb auf.
Myasoedov hat in diesen Gemälden sieben Hauptstile nachgezeichnet. Der vorherrschende Stil, ähnlich dem der schönen Wandgemälde im alten Ladoga, war lokal. Eine andere, die Myasoedov als archaisch bezeichnete, erinnert in ihren gröberen Farben und geschwungenen Linien an die Ikonen des neunten und zehnten Jahrhunderts auf dem Sinai. Ein dritter, in dem modellierte Effekte erzeugt wurden, erinnert an die Mosaike in St. Sophia in Saloniki. Die Arbeit im reinen konstantinopolitischen Stil erschien neben einem schwereren orientalischen Stil und erinnerte an die Fresken in der St.-Georgs-Kirche in Ani. Eine noch schwerere syrische Art war auch vertreten, und westlicher Einfluss war offensichtlich, besonders in der Behandlung einiger der Vorhänge und in bestimmten Gesichtern, die einigen in den Fresken in Santa Croce in Gerusalemme in Rom ähnelten; andere Gesichter erinnern an die Gemälde der Kirche des Quattro Coronati , ebenfalls in Rom. Abgesehen von dem vorherrschenden Einfluss Novgorods – und es sei darauf hingewiesen, dass bis auf ein Beispiel alle Inschriften auf diesen Wandgemälden slawisch waren – fand der Restaurator nur wenige Spuren des Einflusses der Konstantinopäer, aber viel von Syrien, Kleinasien und Syrien der Westen. Dies verwundert nicht mehr, wenn wir daran erinnern, dass der Herrscher von Nowgorod, die Frau von Fürst Jaroslaw, Maria, von Geburt an Kaukasier war und Jaroslaw im Jahr 1199 – also im selben Jahr – Russlands ersten Freundschaftsvertrag mit Deutschland unterzeichnet hat was die Kirche datiert ist. Eine solche Vermischung ausländischer und nationaler Elemente entsprach vollkommen der russischen Praxis. Ungeachtet der Fülle von Stilen, die in Nereditsa zu beobachten waren, bildeten die Fresken mit Sicherheit eine einzige, im Wesentlichen russische Einheit.
Fresken im Mizhorski-Kloster
Die etwas früheren Fresken in der Erlöserkirche des Mizhorski-Klosters in Pskow (1156) waren weniger weltoffen. Bis vor kurzem glaubte man, dass Pskow nicht mehr als eine Untergruppe der novgorodianischen Malschule darstellte. Jüngste Entdeckungen haben jedoch erhebliche Unterschiede zwischen den beiden aufgezeigt. Wie so oft in einer Provinzstadt, war Pskow weitaus weniger raffiniert als Nowgorod, und obwohl sie die gleichen Zutaten verwendete, mischte sie sie auf andere Weise, und der Einfluss des Ortes war in der Regel vorherrschend. Infolgedessen sind in Pskow eher einheimische Tendenzen zu beobachten, und der spirituelle Ansatz ist rein russisch. Es basiert auf dem Glauben, dass Heilige und Heilige Menschen, obwohl sie Laien überlegen sind, im Wesentlichen menschlich sind. Als solche leiden sie wie ihre Mitmenschen unter Schmerz und Glück und unterscheiden sich von ihnen nur in ihren Reaktionen. Diese Konzeption durchdringt Pskovs Gemälde und verleiht ihm eine ansprechende Intimität und Aufrichtigkeit. Im fünfzehnten Jahrhundert wurde es mit großem technischem Geschick ausgedrückt. Ein neuer linearer Rhythmus verstärkte den spirituellen Ernst, indem er Haltung und Geste streng zurückhielt. Nichtsdestotrotz wird die byzantinische Sparpolitik in Pskow vielleicht mehr als irgendwo sonst in Russland durch den Humanismus gemildert, den wir als typisch für Russland betrachten, obwohl er in der byzantinischen Ikone der Jungfrau von Wladimir erscheint . Novgorods hervorragende Farbschemata waren vielleicht ebenso verantwortlich wie alles andere für die Einheit und die Schönheit der Nereditsa-Fresken. Pskov teilte diesen Farbsinn, drückte ihn aber etwas anders aus. So wurden bei Mizhorski die Gesichter stark in tief, intensiv modelliert Farbpigmente Überwiegend olivgrün mit ockerfarbenen bis weißen Reflexen und rotbraun umrandeten Augen, Nase und Händen. Während Nowgorod seine Figuren auf hellem Grund aufstellte, vorzugsweise auf weißem oder hellem Ocker, stellte Pskow sie lieber auf einen hellblauen Grund und sah in der Ferne gern die schwachgrünen oder hellgelben Umrisse einer Landschaft. Helle Vorhänge, wie zum Beispiel Weiß oder Grün mit hellblauen Schatten oder zwei Grüntönen oder Weiß mit gelben Schatten, waren die bevorzugten Ergänzungen zu solchen Hintergründen.
Wandgemälde im Snetogorski-Kloster
Eine emotionalere Herangehensweise kennzeichnet die feinen Wandmalereien im Snetogorski-Kloster in der Nähe von Pskov aus dem Jahr 1312. Sie wurden durch eine größere Vielfalt an Gesten und Posen sowie durch die Variation der Neigungswinkel der Heiligenköpfe vermittelt. Ihre Gesichter waren länglich und ihre Augen in tiefen Hohlräumen starrten mit einer solchen Absicht, dass die Wandbilder eine ganz eigene Spiritualität besaßen. Die Roben waren aufwendiger drapiert als es in der russischen Kunst üblich war, die Farbvielfalt wurde durch die Farbvielfalt ersetzt, die zum Beispiel von Pink über Hellrot bis Gelb reichte. Auf der anderen Seite tauchten Grau-, Veilchen- und Blautöne selten auf, und in den Szenen, die vor dem letzten Krieg gereinigt und restauriert worden waren, war keine Spur von Grün zu sehen. Die im Wesentlichen russische Liebe zum Kontrast wurde durch die Betonung von Licht- und Schatteneffekten befriedigt, die dafür verantwortlich waren, dass praktisch alle Rottöne mit Weiß gesprenkelt wurden, während die Fleischtöne entweder sehr dunkel, rot oder violett oder fast weiß waren.
Größte Vertreter der Schule der Ikonenmalerei in Nowgorod
Der Reichtum und die Vielfalt der novgorodianischen Malerei sind unendlich, aber praktisch alle Schöpfer dieser zahlreichen Meisterwerke sind anonym geblieben und nur die Namen der drei größten Alte Meister Bei Liebhabern russischer Kunst als Inbegriff herausstechen. In Russland, wie im Westen, praktisch alle Exponenten von mittelalterliche christliche Kunst waren Mönche, die eher für die Ehre Gottes und ihres Klosters arbeiteten als für die persönliche Bekanntheit. Diese mittelalterliche Künstler Selten signierten sie ihre Tafelbilder, und die drei Männer, deren Namen in ganz Russland bekannt sind, machten keine Ausnahme von dieser Praxis, aber sie waren Künstler von solch herausragendem Verdienst, dass ihr Genie ihnen Ruhm in ihrer Zeit und Ansehen in unserer Zeit einbrachte. Weitere Einzelheiten finden Sie unter:
In einigen von ihnen sind Werke zu sehen, die den Stil der Novogoroder Malschule widerspiegeln beste Kunstmuseen in Russland, darunter das Vladimir & Suzdal Museum, das Novgorod Museum, das Museum für westliche und orientalische Kunst, Kiew (auch bekannt als Bogdan und Varvara Khanenko Museum of Art) und die Tretyakov Galerie.
Adblock bitte ausschalten!
Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!
Sie können nicht kommentieren Warum?