Kubismus: Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Einleitung: Revolutionäre abstrakte Kunst

In der bildenden Kunst beschreibt der Begriff Kubismus den revolutionären Malstil von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) in Paris im Zeitraum 1907-12. Ihre kubistischen Methoden – zunächst beeinflusst von den geometrischen Motiven in den Landschaftskompositionen des postimpressionistischen Malers Paul Cezanne – Art und Umfang von Malerei der schönen Kunst und, in geringerem Maße, die Skulptur, wie sie früher praktiziert wurde, läutete völlig neue Wege ein, die Realität darzustellen. Insofern markiert der Kubismus das Ende der von der Renaissance geprägten Ära und den Beginn von moderne Kunst .

Weitgehend eine Art Semi abstrakte Kunst – obwohl es manchmal fast voll ist nicht-objektive Kunst – Der Kubismus wird traditionell in drei Stadien eingeteilt:

(1) Frühe kubistische Malerei (1907-9)
(2) Analytischer Kubismus (1909-12)
(3) Synthetischer Kubismus (1912-14)

Neben Braque und Picasso waren auch die Maler Juan Gris (1887-1927), Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) und Albert Gleizes (1881-1953) mit der Bewegung eng verbunden), Andre Lhote (1885-1962), Roger de La Fresnaye (1885-1925), Jean Metzinger (1883-1956), Francis Picabia (1879-1953), der vielseitige Künstler Marcel Duchamp (1887-1968) und die Bildhauer Jacques Lipchitz (1891) -1973), Alexander Archipenko (1887-1964). (Sehen Kubistische Maler , und Bildhauer des 20. Jahrhunderts .) Kubismus war der Ausgangspunkt für oder ein wesentliches Element in einer Reihe von anderen moderne Kunstbewegungen , einschließlich Futurismus (1909-14), Orphismus (1910-13), Vortizismus (1914-15), russischer Konstruktivismus (ca. 1919-1932) und Dada (1916-1924).

Was waren die Ursprünge der kubistischen Kunst?

Nach drei Jahrzehnten impressionistisch inspirierter Kunst, die in der fauvistischen Koloristenbewegung gipfelte (zu der übrigens auch Braque gehörte), begann Picasso sich Sorgen zu machen, dass diese Art von Malerei eine Sackgasse mit immer weniger Potenzial für intellektuelle Erkundungen sei. In dieser Geisteshaltung und vor kurzem zu afrikanischen ausgesetzt Stammeskunst Während seiner Zeit in Spanien begann er mit der Malerei von Les Demoiselles D’Avignon (1907, MoMA, New York), seinem bahnbrechenden Meisterwerk, dessen flache, zersplitterte Ebenen die traditionelle lineare Perspektive und abgerundete Bände ersetzten und damit seinen Bruch mit den naturalistischen Traditionen der westlichen Kunst signalisierten. Zur gleichen Zeit, Georges Braque, ein ehemaliger Student an der renommierten Ecole des Beaux-Arts in Paris, war gerade von der Ausstellung von Cezannes Gemälden im Pariser 1907 überwältigt worden Salon d’Automne und die Bernheim-Jeune-Galerie – insbesondere Cezannes Meisterwerk Die großen Badenden (Les Grandes Baigneuses) (1894 & ndash; 1905). Das Paar traf sich dann im Oktober 1907 und entwickelte in den nächsten zwei Jahren den sogenannten Kubismus – eine völlig neue Methode zur Darstellung der Bildwelt.

HINWEIS: Um zu sehen, wie nicht-naturalistische impressionistische Malerei zu abstrakter Kunst wie dem Kubismus führte, siehe: Realismus zum Impressionismus (1830-1900). In unserem Artikel erfahren Sie, warum Kubismus mit Klassizismus zusammenhängt: Die klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst (c.1900-30).

Der Ursprung des Begriffs "Kubismus"

Im Sommer 1908 malte Braque während seines Aufenthalts in L’Estaque bei Marseille eine Reihe von Landschaften, die später in diesem Jahr in einer Galerie in Paris gezeigt wurden, die dem Kunsthändler gehörte Daniel-Henri Kahnweiler . Bei der Überprüfung dieser Ausstellung, der berühmte Kunstkritiker Louis Vauxcelles kommentierte Braques Art, alles – Sehenswürdigkeiten, Figuren und Häuser – auf geometrische Umrisse, auf Würfel zu reduzieren. Im folgenden Jahr benutzte Vauxcelles den Ausdruck "bizarreries cubiques" (kubische Exzentrizitäten) – eine Phrase, die angeblich zuerst von Henri Matisse verwendet wurde – und bis 1911 war der Begriff "Kubismus" in die englische Sprache eingetreten. Die Beschreibung ist ziemlich passend für die blockartigen Formen in einigen frühen Landschaften von Braques und in einigen ähnlichen Werken von Picasso, die in Horta del Ebro in Spanien gemalt wurden, jedoch nicht für ihre späteren kubistischen Bilder, in denen die Formen eher in Facetten zerlegt werden als Würfel. Der Begriff wurde von zwei praktizierenden Kubisten, Gleizes und Metzinger, in ihrem einflussreichen Buch Du Cubisme von 1912 aufgegriffen .

Kubismus verstehen

Zunächst einmal ist es sehr schwierig, den Kubismus zu würdigen, ohne seine Gemälde zu untersuchen. Ein guter Anfang ist es, frühe kubistische Stillleben mit traditionellen Stillleben aus der Barock- oder der holländischen Realistenschule zu vergleichen. Sie werden die radikale Natur des Kubismus im Vergleich zur traditionellen westlichen Kunst zu schätzen wissen. Beachten Sie auch, dass der Kubismus kein einziger Malstil war: Der analytische Kubismus unterscheidet sich grundlegend vom späteren synthetischen Kubismus . Ersteres dreht sich alles um Struktur – wie das Bild das Objekt darstellen soll, das gemalt wird; Letztere befasst sich ausschließlich mit der Oberfläche des Bildes und dem, was darin enthalten sein kann. Ein letzter Ratschlag: Lassen Sie sich nicht von seiner Fremdartigkeit abschrecken. Kubismus ist symbolisch, herausfordernd und voller Ideen, aber es ist keine schrecklich schöne Form von Visuelle Kunst .

Was sind die Merkmale des Kubismus?

Spätestens seit der Renaissance malten Künstler Bilder aus einem Blickwinkel, als würden sie fotografieren. Die Illusion der Hintergrundtiefe wurde mit Standardkonventionen von erstellt Geradlinige Perspektive (zB Objekte wurden kleiner dargestellt, als sie zurückgingen) und indem Figuren und Objekte mit abgerundeten schattierten Oberflächen gemalt wurden, um einen 3-D-Effekt zu vermitteln. Außerdem wurde die Szene oder das Objekt zu einem bestimmten Zeitpunkt gemalt.

Im Gegensatz dazu waren Braque und Picasso der Ansicht, dass die volle Bedeutung eines Objekts nur erfasst werden kann, wenn es aus mehreren Blickwinkeln und zu verschiedenen Zeiten gezeigt wird. Also gaben sie die Idee eines einzelnen festen Standpunkts auf und verwendeten stattdessen eine Vielzahl von Standpunkten. Das Objekt wurde dann aus Fragmenten dieser verschiedenen Ansichten wieder zusammengesetzt, ähnlich einem komplexen Puzzle. Auf diese Weise wurden viele verschiedene Ansichten eines Objekts gleichzeitig im selben Bild dargestellt. In gewissem Sinne ist es so, als würde man 5 verschiedene Fotos (zu verschiedenen Zeiten) desselben Objekts aufnehmen, sie dann zerschneiden und auf einer ebenen Fläche überlappend wieder zusammensetzen.

Eine solche Fragmentierung und Umgestaltung der Form bedeutete, dass ein Gemälde nun weniger als eine Art Fenster zur Welt, sondern vielmehr als ein physisches Objekt betrachtet werden konnte, auf das eine subjektive Reaktion auf die Welt entsteht. In Bezug auf die künstlerische Technik zeigte der Kubismus, wie ein Gefühl von Solidität und Bildstruktur ohne traditionelle Perspektive oder Modellierung geschaffen werden kann.

So konzentrierte sich der kubistische Stil auf die flache, zweidimensionale Oberfläche der Bildebene und lehnte die traditionellen Konventionen und Techniken der linearen Perspektive, Helldunkel (Verwendung der Schattierung zur Darstellung von Licht und Schatten) und die traditionelle Idee der Naturnachahmung ab. Anstatt natürlich aussehende 3D-Objekte zu schaffen, boten kubistische Maler eine brandneue Reihe von Bildern an, die aus 2D-Fragmenten zusammengesetzt waren und die Objekte von mehreren Seiten gleichzeitig zeigten. Wenn Fauvisten und Impressionisten bestrebt waren, ihre persönliche Empfindung für ein bestimmtes Objekt oder eine bestimmte Szene zum Ausdruck zu bringen, versuchten die Kubisten, die intellektuelle Idee oder Form eines Objekts und seine Beziehung zu anderen darzustellen.

HINWEIS: Weitere wichtige Stilrichtungen, die dem Kubismus ähneln, finden Sie unter Kunstbewegungen, Perioden, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).

Kubistische Ausstellungen

Der Kubismus hatte zwei Identitäten, eine öffentliche und eine private. Der Stil wurde gemeinsam von Pablo Picasso und Georges Braque auf der Grundlage von Beobachtungen entwickelt, die von Cezanne und in gewissem Maße auch von ethnografischen Quellen abgeleitet wurden Primitivismus wie das, was Picasso während seines Afrikanische Kunst Zeitraum. Es gab sein öffentliches Debüt mit der von Kahnweiler im November 1908 organisierten Braque-Einzelausstellung. Danach gingen er und Picasso mehr oder weniger zu Boden, und das kubistische Banner wurde von anderen – den sogenannten "Salon-Kubisten" – hochgehalten. darunter Robert Delaunay, Albert Gleizes, Fernand Leger, Henri Le Fauconnier und Jean Metzinger im Salon des Independeants im Jahr 1911.

Im Jahr 1912 nannte sich eine Gruppe von Kubisten die Abschnitt d’Or mit Delaunay an der Spitze in der Galerie La Boetie ausgestellt . Als er diese Show rezensierte, war der Kunstkritiker Guillaume Apollinaire (1880-1918) prägte den Begriff ’ Orphismus Dies gilt insbesondere für Delaunay. Die erste veröffentlichte Aussage der kubistischen Theorie war Du Cubisme von Metzinger und Gleizes, veröffentlicht 1912; Es folgte Apollinaires Les Peintres Cubistes aus dem Jahr 1913. Das Jahr 1913 war auch Zeuge des berühmten Waffenschau Die Veranstaltung fand im Februar / März in der Lexington Avenue in Manhattan, New York, statt. Marcel Duchamps Nude Descending a Staircase (Nr. 2) (1912) war die umstrittene, sogar skandalöse Attraktion. (Das Werk wurde später vom Philadelphia Museum of Art gekauft.)

Um den Beginn des Jahres 1912 wechselten Picasso und Braque vom analytischen Kubismus zum synthetischen Kubismus – einem neuen, dekorativeren und oberflächenorientierten Stil, der mit neuen Techniken wie z Collage und papier colles. Die Einbeziehung von alltäglichem Abfall in ihre Bilder kann als der Anfang von gesehen werden Junk-Art . Zu diesem Zeitpunkt schloss sich Juan Gris ihren Erkundungen an.

Während des Ersten Weltkriegs führte die erzwungene Abreise von Daniel-Henry Kahnweiler zu Leonce Rosenberg (1879-1947) wird zum Haupthändler für kubistische Maler in Paris. Sein Bruder Paul Rosenberg (1881-1959) war Picassos wichtigster Händler in den Zwischenkriegsjahren.

Symbol für künstlerische & intellektuelle Mode

Kubismus war ein Kunststil mit Haltung! Es war ikonoklastisch, herausfordernd, intellektuell. Es ging eher um Ideen als um schöne Bilder. Aber es hat den Zeitgeist eingefangen – das Zeitalter herausfordernder französischer Musiker Claude Debussy (1862-1918), Erik Satie (1866-1925) und Maurice Ravel (1875-1937), und insbesondere der analytische Kubismus entsprach den Ideen des Der französische Philosoph Henri Bergson (1859-1941), dessen Konzept der Gleichzeitigkeit besagte, dass sich die Vergangenheit mit der Gegenwart überschneidet, die selbst in die Zukunft fließt. Inzwischen war die bildende Kunst an einem Scheideweg angelangt. Der Impressionismus war gestern Mode, die Belle Epoque der Pariser Plakatkunst war vorbei, Toulouse-Lautrec war tot, der Jugendstil war im Niedergang und selbst dem farbenfrohen Fauvismus ging der Dampf aus. Gleichzeitig stieg die politische Temperatur in ganz Europa und deckte schreckliche Möglichkeiten für Krieg und Chaos auf. In seinem Angriff auf die alten Gewissheiten der Renaissancekunst spiegelte der Kubismus die Forderung nach Veränderung in vielen anderen Disziplinen und in der ganzen Welt wider. Hinweis: Für eine Erklärung einiger der großen kubistischen Werke Picassos und anderer siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Kubistische Skulptur

Kubistische Skulptur, wie Konstruktivismus , war zu radikal, um ein fester Bestandteil des künstlerischen Mainstreams zu werden. Gleichwohl wurden kubistische Ideen auch von jenen aufgegriffen und adaptiert, die in anderen Disziplinen arbeiteten, wie z abstrakte Skulptur , ebenso gut wie die Architektur und angewandte Kunst . Die kubistische Skulptur entwickelte sich aus Collage und Papiercollege und speiste sie ein Montage . Die neuen Techniken haben nicht nur die Bildhauer dazu gebracht, sich neuen Themen zu widmen, sondern sie haben sie auch dazu veranlasst, Skulpturen als gebaute, nicht nur modellierte Objekte zu betrachten. Die mathematischen und architektonischen Qualitäten von Gris waren hier sehr einflussreich, wie die Arbeiten von Archipenko und Ossip Zadkine, Raymond Duchamp-Villon und Henri Laurens, des Litauers Jacques Lipchitz und des in Ungarn geborenen französischen Bildhauers Joseph Csaky (1888-1971) zeigen) und die tschechischen Bildhauer Emil Filla (1882-1953) und Otto Gutfreund (1889-1927).

Picasso (1881-1973)
Frauenkopf (1909) MoMA, New York.
Gitarre (1912) Musee Picasso, Paris.

Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Das große Pferd (1914) Musee National d’Art Moderne, Paris.

Henri Laurens (1885–1954)
Kopf einer Frau (1915) MoMA, New York.

Alexander Archipenko (1887-1964)
Woman Walking (1912) Privatsammlung.
Marching Soldier (1917) Privatsammlung.

Naum Gabo (1890-1977)
Kopf einer Frau (1917-20) MoMA, NY.

Jacques Lipchitz (1891-1973)
Mann mit Gitarre (1915) MoMA, NY.
Seemann mit Gitarre (1915) Musee National d’Art Moderne, Paris.
The Bathers III (1917) Barnes-Stiftung.

Kubistisches Design in der Tschechoslowakei

Kubistische Theorien von Design wurden in der Tschechoslowakei von Künstlern, Bildhauern, Designern und Architekten begeistert aufgegriffen, die die Merkmale der kubistischen Malerei (vereinfachte geometrische Formen, Hell-Dunkel-Kontraste, prismenartige Facetten, eckige Linien) in Architektur und Architektur übersetzten dekorative Kunst einschließlich Möbel Schmuckkunst Geschirr Keramik und Landschaftsbau. Prominent waren die Mitglieder der Gruppe der bildenden Künstler , die 1911 von Filla gegründet wurde, um sich auf den Kubismus zu konzentrieren. Die Gruppe war bis 1914 in Prag tätig und umfasste die Bildhauer Filla und Gutfreund sowie die Architekten und Designer Pavel Janak, Josef Gocar (1880-1945), Josef Chochol (1880-1956), Vlastislav Hofman (1884-1964) und Otokar Novotny. Gutfreund veröffentlichte einflussreiche Artikel im monatlichen Journal der Gruppe.

Das House of the Black Madonna (1911-12), ein von Gocar entworfenes Kaufhaus, war das erste Stück kubistischer Architektur, das gebaut wurde. Das im ersten Stock gelegene Grand Cafe Orient mit kubistischem Interieur und kubistischen Leuchten entwickelte sich bis zu seiner Schließung Mitte der 1920er Jahre rasch zu einem Treffpunkt der Avantgarde. Das Gebäude ist heute Teil des Tschechischen Museums der Schönen Künste und beherbergt das 1994 eröffnete Tschechische Kubismus-Museum mit einer ständigen Ausstellung kubistischer Gemälde, Möbel, Skulpturen und Porzellan. Das tschechische Kubismusmuseum enthält auch eine Ausstellung mit Collagen des tschechischen Künstlers und Dichters Jiri Kolar, der auch in Frankreich tätig war. Seine Ideen führten später die Collage in einen weiteren Kontext ein. Paris war vielleicht der Geburtsort des Kubismus, aber in Prag wurden seine Möglichkeiten als Ganzes des Lebens am umfassendsten erforscht.

Erbe

Letztendlich ist der Kubismus an sich weniger wichtig – als künstlerischer Stil – und wichtiger als ein Indikator dafür, was in der bildenden Kunst möglich ist. Es erweiterte die Grenzen von Kunst Alternativen zur traditionellen Single-Point-Perspektive aufzunehmen; es zeigte, dass bildende Kunst aus irgendetwas gemacht werden konnte, sogar aus Schrott; und es wurden wichtige Fragen zur Natur der Wirklichkeit in der Kunst aufgeworfen. Es war eine der wichtigsten Bewegungen im Zusammenhang mit der Ecole de Paris und leistete zu Beginn des 20. Jahrhunderts bedeutende Beiträge zur Avantgarde-Kunst. Insbesondere der Kubismus hatte einen weit verbreiteten und anhaltenden Einfluss auf eine Vielzahl von Malbewegungen, vor allem auf Futurismus (c.1909-14) – siehe zum Beispiel Frau auf dem Balkon (1912, Privatsammlung) von Carlo Carra (1881-1966). Andere Bewegungen und Stile, die von kubistischen Motiven beeinflusst werden, sind: Französischer Orphismus (um 1910-13), Englisch Vortizismus (um 1913-19), russisch Rayonismus (c.1912-15) und Konstruktivismus (c.1914-25), die niederländische Designgruppe De Stijl (1917-31) sowie amerikanische Stile wie Synchronisation (c.1913-18) und Präzisionismus (1920er Jahre). Seine Anti-Kunst-Elemente stimulierten die Entstehung von Dada im Jahr 1916 und Surrealismus im Jahr 1924.

Größte kubistische Gemälde

Pablo Picasso
Häuser auf dem Hügel (1909) Museum of Modern Art, New York.
Frau mit Fächer (1909) Puschkin-Museum.
Porträt von Ambroise Vollard (1910), Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste.
Mädchen mit einer Mandoline (Fanny Tellier) (1910) Museum of Modern Art, New York.
Stillleben mit Stuhl-Caning (1911-12) Picasso Museum, Paris.
Drei Musiker (1921) Museum of Modern Art, New York.
Guernica (1937) Kunstmuseum Reina Sofia, Madrid.
Schluchzende Frau (1937) Tate Collection, London.

Georges Braque
Häuser in L’Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Großer Akt (Nu) (1908) Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou.
Stillleben mit Heringen / Fisch (1909-11), MoMA, NY.
Das portugiesische (1911) Kunstmuseum, Basel.
Obstschale und Glas (1912) Privatsammlung.

Juan Gris (1887-1927)
Porträt von Maurice Raynal (1911) Privatsammlung.
Porträt von Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Violine und Gitarre (1913) Privatsammlung.
Stillleben mit Früchten, eine Flasche Wasser (1914) Kroller-Müller-Museum Otterlo.
Kaffeepackung (1914) Ulmer Museum, Ulm.

Fernand Leger (1881-1955)
Akte im Wald (1909-11) Kroller-Müller, Otterlo.
Die Hochzeit (1911) Musee National d’Art Moderne, Centre Pompidou.
Soldaten, die an den Karten spielen (1917) Kroller-Müller-Landesmuseum, Otterlo.

Marcel Duchamp (1887-1968)
Akt beim Treppenabstieg (Nr. 2) (1912) Philadelphia Museum of Art.
König und Königin von schnellen Akte mit hoher Geschwindigkeit (1912) Philadelphia überquert.

Robert Delaunay (1885-1941)
Fenster (1912) Sammlung Morton G Neumann, Chicago.
Kreisformen: Sonne und Mond (1912) Kunstmuseum, Zürich.

Francis Picabia (1879-1953)
Udnie, junges amerikanisches Mädchen (1913) Musee National d’Art Moderne.

Albert Gleizes (1881-1953)
Porträt von Jacques Nayral (1911) Tate Modern, London.
Frau mit Tieren (1914) Sammlung Peggy Guggenheim, Venedig.

Jean Metzinger (1883-1956)
Tea Time (Frau mit Teelöffel) (1911) Philadelphia Museum of Art.
Tänzerin in einem Cafe (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

Lyonel Feininger (1871-1956)
Franziskanerkirche (1924) Staatsgalerie, Stuttgart, Deutschland.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Metropolitan Museum of Art, New York City).