Hochrenaissance-Malerei: Merkmale, Ästhetik Automatische übersetzen

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Gemälde der Hochrenaissance: Merkmale (um 1490-1530)

Der Stil der italienischen Malerei bekannt als " Hohe Renaissance "repräsentiert den Gipfel von Renaissance-Kunst und der Höhepunkt aller Erkundungsaktivitäten der quattrocento . Es zeichnet sich vor allem durch die Qualitäten der Harmonie und des Gleichgewichts aus. Obwohl Bewegung notwendig und wichtig ist, ist sie immer würdevoll und ruhig, und das Auge des Betrachters ist immer mit einem Fokus versehen. Das Bild ist ausnahmslos vollkommen ausgewogen und in sich geschlossen, so dass es der Definition von Schönheit entspricht, wie sie von angeboten wird Leon Battista Alberti (1404-72) in seiner Abhandlung Della Pittura : "Eine solche völlige Harmonie von Teilen, zu denen nichts hinzugefügt oder entfernt werden kann, ohne das Ganze zu zerstören." Die Malerei der Hochrenaissance ist weder so intensiv noch so selbstbewusst wie die der Frührenaissance. Es ist auch nicht so erfunden wie so viel von Manieristische Malerei war zu sein. In Bezug auf seine offensichtliche Ruhe und Monumentalität wird es häufig mit eingeklammert Hochklassische griechische Skulptur des 5. Jahrhunderts v.

Größte Maler der Hochrenaissance

Die größten Vertreter waren die Florentiner Genies Leonardo da Vinci und Michelangelo , zusammen mit dem Urbino Meister Raffaello Santi – bekannt als Raphael – und der venezianische Kolorist Tiziano Vecellio – bekannt als Tizian . Weitere bedeutende Maler der Hochrenaissance sind Andrea del Sarto (1486-1530) und Fra Bartolommeo (1472-1517) in Florenz, Giovanni Bellini (1430-1516), Giorgione (1477-1510) und Sebastiano del Piombo (1485-1547) in Venedig. Die Geschichte der Hochrenaissance ist jedoch eng mit der Geschichte der. Verbunden Renaissance in Rom , wo ehrgeizige Päpste wie Julius II. (1503-13) und Leo X. (1513-21) ein breites Spektrum finanzierten öffentliche Kunst Projekte, um sicherzustellen, dass die Stadt Florenz als das größte kulturelle Zentrum in Italien übertraf. In der Tat wurden sowohl Florenz als auch Rom wichtige Zwischenstopps in Europa große Tour des 18. Jahrhunderts. Wichtige Künstler, die außerhalb der großen Zentren tätig sind, sind Antonio Allegri da Correggio (1489-1534), der Schöpfer des einflussreichen Freskos Mariä Himmelfahrt (Kathedrale von Parma) (1526 & ndash; 30).

Leonardo Da Vinci (ab ca. 1490)

Der fortschrittliche Stil von Gemälde Der von Leonardo da Vinci in Mailand praktizierte Prozess wurde in der Lombardei von seinem wichtigsten Mailänder Anhänger Bernardino Luini (um 1480-1532) und anderen modifiziert. Es fanden sich jedoch keine unmittelbaren Bekehrten in seiner Heimat Florenz, obwohl seine noch unvollendet waren Tafelmalerei " Anbetung der Könige " blieb in der Nähe der Stadt, im Kloster San Donato a Scopeto. Einige Zeitgenossen von Leonardo, wie Botticelli, Domenico Ghirlandaio und Filippino Lippi imitierte zwar die Grundzüge des Bildes, versäumte es jedoch, seine tieferen und innovativeren Merkmale zu erfassen. Die wirkliche Wirkung von Leonardos Malerei wurde erst sichtbar, als er 1500 nach Florenz zurückkehrte. In der Kirche der Santissima Annunziata strömten Künstler und Mitglieder der Öffentlichkeit zusammen, um seine umfassende Studie für die Jungfrau und das Kind mit der heiligen Anna zu sehen . Sein großes Wandgemälde über die Schlacht von Anghiari (1503-06) trat gegen die Arbeit seines Rivalen Michelangelo in einem Bürgerwettbewerb an, um die Geschichte von Florenz festzuhalten. Weder die Tafel noch das Wandgemälde wurden jemals fertiggestellt. Trotzdem hinterließ seine Kunst einen bleibenden Eindruck in seiner Heimatstadt. Es sollte noch mehr kommen. Sein Meisterstück Mona Lisa (La Gioconda), jetzt im Louvre, revolutionierte die Porträtmalerei mit ihrer innovativen Schattierungstechnik – sfumato . (Siehe auch sein früheres Dame mit einem Hermelin 1490, Czartoryski Museum, Krakau.) Unter denjenigen, die stark von Leonardos Umgang mit Licht und Schatten beeinflusst wurden, war Fra Bartolommeo (1472-1517), der spätere Führer der Florentiner Hochrenaissance.

Außerdem sein Renaissance-Zeichnungen ermutigte beide Künstlerkollegen, ähnliche Vorstudien für ihre Bilder anzufertigen, und die Gäste, sie zu sammeln. Vor allem sein Ruf als Künstler – der auch Wissenschaftler und Gelehrter war – hat seine Künstlerkollegen geschwächt, was zu besseren Möglichkeiten und einem besseren Status für alle führte.

Raphael (1483-1520)

Der Künstler, der sich am meisten an Leonardo orientierte, war zweifellos Raffael. Sohn des Malers und Schriftstellers Giovanni Santi, wurde er in seinen frühen Tagen stark beeinflusst von Perugino (1450-1523). Im Alter von 21 Jahren kam er als angesehener Künstler nach Florenz, nur um zu seiner Bestürzung festzustellen, dass alles, was er gelernt hatte, altmodisch und letztendlich provinziell war. Seine unmittelbare Antwort war es, den neuen Stil von den Florentiner zu lernen, einschließlich der in Florenz tätigen Provinzkünstler wie Luca Signorelli (1450-1523). Raus ging sein alter Stil von Zeichnung mit seinen engen Konturen und der inneren Schraffur; kam der fließendere Stil von Leonardo. Aus einer genauen Studie von Leonardo Jungfrau der Felsen Er entwickelte eine neue Art von Madonna in einer sanften Landschaft ( Die Madonna des Goldfinken , Uffizien). Er lieh sich das Format von Leonardos Mona Lisa für seine Porträtmalereien aus und studierte Michelangelos gründlich Skulptur . Innerhalb von fünf Jahren, als Raphael 1509 nach Rom reiste, hatte er alles aufgenommen, was Florenz zu bieten hatte, und war bereit, sein eigenes künstlerisches Statement abzugeben.

Die Stanza della Segnatura befand sich im Obergeschoss des Vatikanischen Palastes und wurde vom alternden Papst genutzt Papst Julius II (1503-13) als Bibliothek. Hier malte Raffael zwischen 1509 und 1511 sein berühmtes Fresko Die Schule von Athen . Es war der zweite Raum Wandmalerei Nach La Disputa an der gegenüberliegenden Wand fertigzustellen und gilt als eines der deutlichsten und schönsten Beispiele des Stils der Hochrenaissance. In diesem Werk schafft Raphael, wie schon Leonardo zuvor, ein Gleichgewicht zwischen der Bewegung der Figuren und der Ordnung und Stabilität des Bildraums. Er bevölkerte die Komposition mit zahlreichen Figuren in den unterschiedlichsten Posen, manipulierte diese Posen jedoch, um den Blick des Zuschauers schließlich auf das zentrale Paar aus Platon und Aristoteles zu lenken, aus dem er den Konvergenzpunkt seines Systems machte Geradlinige Perspektive . Ein meisterhaftes Beispiel für die malerische Technik der Hochrenaissance. Siehe auch sein wunderbar harmonisches Sixtinische Madonna (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden).

Raffaels Stil beeinflusste weiterhin Generationen von Künstlern in Rom und anderswo. Siehe zum Beispiel die Arbeit von Carlo Maratta (1625–1713), der führende katholische Künstler nach Bernini.

Michelangelo (1475-1564)

Während der 26-jährige Raffael die vatikanischen Gemächer mit Fresken ausmalte, schmückte der 33-jährige Michelangelo Buonarroti (gegen seinen Willen) mit seinen Fresken die Decke der Sixtinischen Kapelle (1508-12) Genesis Fresko . Obwohl trainiert in Freskenmalerei von Domenico Ghirlandaio – und beeinflusst von anderen wie Luca Signorelli – und obwohl Michelangelo mehrere hochwertige Tafeln (z. B. Tondo Doni , 1504-06) gemalt hat, sah er sich wirklich als Bildhauer. Er begann tatsächlich, sein Genesis-Fresko in Zusammenarbeit mit einer Reihe anderer zu malen Künstler der Hochrenaissance Den er aus Ghirlandaios Werkstatt kannte, entließ ihn aber bald und malte die gesamte Decke alleine. In den nächsten vier Jahren (1508-12) verzierte er eine Decke von etwa 1.000 Quadratmetern mit einer Masse von bunten Figuren, die Szenen aus dem biblischen Buch Genesis sowie aus dem Alten Testament und der klassischen Mythologie illustrierten. Einer von diesen religiöse Gemälde – berechtigt Die Erschaffung Adams – in der die kinetische Energie Gottes, des Schöpfers, in lebhaftem Kontrast zur schlaffen leblosen Form Adams steht – wird von vielen Gelehrten als das größte Bildwerk des Christentums angesehen. Die Sixtinische Decke wurde zu ihrer Zeit als Meisterstück anerkannt, und ihr Schöpfer hieß fortan Michelangelo " Il divino ", der göttliche Michelangelo. Zeitgenossen sprachen von seiner unglaublichen Kraft (" Terribilita ") und seinem göttlichen Genie. Diese drei Künstler – Leonardo, Raphael und Michelangelo – spielten eine entscheidende Rolle bei der Aufwertung des Status des Malers (und seines disegno ) auf ein neues Niveau, das Architekten und ähnlichen Experten ebenbürtig ist. Ihre enormen Leistungen setzten Maßstäbe, die nicht zu übertreffen waren – ein Faktor, der zur Entstehung des antiklassischen Stils von beigetragen hat Manierismus (c.1530-1600).

Zerstreuung des Hochrenaissance-Dreier

Im Jahr 1513, dem Jahr des Todes von Julius II. Und dem Beitritt von Papst Leo X., beschäftigten sich die drei größten Maler der italienischen Hochrenaissance mit neuen Projekten, die sie von ihren bisherigen Wegen ablenkten. Leonardo war am französischen Hof in Mailand, wo er sich der Verfeinerung der Mona Lisa widmete, seine Abhandlungen verfasste und an Aufgaben für den französischen Monarchen arbeitete. Die italienischen Gönner waren seiner unerbittlichen Neugierde inzwischen besorgt – eine zweischneidige Eigenschaft, die dazu führte, dass die meisten seiner Projekte unvollendet blieben. Michelangelo hat das Grab von Julius II. In Rom gemeißelt; 1516 kehrte er nach Florenz zurück, um eine Reihe von bildhauerischen und architektonischen Arbeiten für die Medici-Familie . Raphael wurde als Architekt, der den Bau des neuen Petersdoms überwachte, mit Verwaltungsaufgaben überlastet. Als seine Arbeitsbelastung zunahm, begann er sich immer mehr darauf zu verlassen Giulio Romano (c.1499-1546) und seine anderen Assistenten. Infolgedessen wurden in der Zeit von 1514 bis 20 nur eine Handvoll Gemälde von ihm selbst angefertigt. Eines davon war die prächtige Sixtinische Madonna (1513-14, Gemäldegalerie Alte Meister Dresden), sicherlich eines seiner größten Gemälde.

Hinweis: Ein Großteil der Pionierarbeit zur Zuordnung von Gemälden in der Hochrenaissance wurde vom Kunsthistoriker geleistet Bernard Berenson (1865-1959), der den größten Teil seines Lebens in der Nähe von Florenz lebte und eine Reihe von einflussreichen Werken über die Italienische Renaissance in Florenz und anderswo.

Manieristische Tendenzen (ab ca. 1512)

Raphaels spätere vatikanische Fresken in der Stanza d’Elidoro (1512-14) weisen bereits manieristische Tendenzen auf – siehe zum Beispiel Die Vertreibung von Heliodor aus den Tempeln und die Befreiung des heiligen Petrus . Eine seiner letzten (unvollendeten) Arbeiten, Die Verklärung (1518-20, Pinacoteca Apostolica, Vatikan, Rom) weist ebenfalls unverkennbare Zeichen des manieristischen Expressionismus auf. In der Tat glauben einige Kunsthistoriker, dass die dramatische Spannung in Raffaels Figuren mit seiner starken Verwendung von verbunden ist Chiaroscuro antizipiert Barockmalerei .

Der Tod von Leonardo im Jahr 1519, gefolgt von dem des 37-jährigen Raffael im Jahr 1520, hinterließ Il Divino Michelangelo als einziges überlebendes Genie der italienischen Renaissance. Bis 1527, als die mächtige Familie aus Florenz vertrieben wurde und dann von 1530 bis 1534, war er voll mit Medici-Angelegenheiten beschäftigt. Erst 1534 ließ er sich in Rom nieder. In der Zwischenzeit hatte sich die Welt der Hochrenaissance, in der er als Künstler gereift war, überproportional verändert. Rom war 1527 von Truppen Kaiser Karls V. geplündert worden, die den Papst gezwungen hatten, den Vatikan zu verlassen und nach Orvieto zu fliehen, und Florenz wurde belagert. Darüber hinaus waren die Prinzipien der humanistischen Philosophie der Hochrenaissance vom Aufstieg des nördlichen Protestantismus überholt worden, und es zeichnete sich ein Zusammenstoß mit der militanten katholischen Gegenreformation ab. Es überrascht nicht, dass sich dieser Zusammenbruch des Idealismus der Hochrenaissance in den dramatischen Inhalten, der wirbelnden Bewegung und den verzerrten Formen von Michelangelos widerspiegelt Fresko des Jüngsten Gerichts (1534-41) auf der Altarwand der Sixtinischen Kapelle – heute als das größte Meisterwerk von religiöse Kunst des 16. Jahrhunderts. Sobald das Fresko 1541 enthüllt wurde, wurde es zum Vorbild für junge Künstler. [1586 erinnerte sich der Maler Armenini daran, wie er als junger Mann beim Zeichnen in der Sixtinischen Kapelle Diskussionen über winzige Details von Michelangelos Werk belauscht hatte. Es wurde eine Schule für Anatomie, der beste Ort in Rom, um das zu studieren männlicher Akt figur.] Nachdem Michelangelo die Stimmung des Augenblicks mit seinem donnernden „Jüngsten Gott“ eingefangen hatte, der mehr mit der Verurteilung der Menschheit zu tun zu haben schien als mit der Begrüßung des gesegneten Himmels, fertigte er zwei letzte Fresken für die private Kapelle des Farnese-Papstes Paul III. an ( Cappella Paolina ) – die Bekehrung des heiligen Paulus und die Kreuzigung des heiligen Petrus . Die Figuren in diesen Werken sind noch manieristischer als die im Jüngsten Gericht. Angesichts seiner ästhetischen und spirituellen Zweifel ist es vielleicht keine Überraschung, dass Michelangelo in seinen letzten 20 Jahren die Malerei und Skulptur weitgehend aufgegeben hat, um sich darauf zu konzentrieren die Architektur .

Ideale der Hochrenaissance außerhalb Roms und Florenz

Die Ideale oder Ästhetik der Hochrenaissance – wie die Kompositionen von Leonardo, Raffael und Michelangelo belegen – entwickelten sich außerhalb der beiden großen Zentren Rom und Florenz weiter. In Parma zum Beispiel, Correggio (1489-1534) wurde stark beeinflusst von Andrea Mantegna (1430-1506) und Leonardos Mailänder Anhänger. Seine Pause auf der Flucht nach Ägypten (Uffizien, Florenz) und die Madonna von der Schüssel (1525, Nationalgalerie, Parma) sind eindeutig in der Redewendung der Hochrenaissance ausgeführt. Trotzdem ist Correggio wahrscheinlich am bekanntesten für seine hoch aufragenden Fresken am Dom von Parma (1524-30) und in der Kirche San Giovanni Evangelista, die ein perfektes Modell für Illusionisten darstellten Quadratura und andere trompe l’oeil Geräte der späteren Barockmalerei – und für seine späte Serie sinnlicher Gemälde im manieristischen Stil wie Jupiter und Io (1532-3, Kunsthistorisches Museum, Wien). Sehen Parma Schule der Malerei , für mehr Details.

Venezianische Malerei der Hochrenaissance

Während des späten Quattrocento folgte die Malerei in Venedig einem ähnlichen Weg wie der Renaissance in Florenz , wenn auch mit einem venezianischen Touch. Die Madonnen von Giovanni Bellini von 1505-10 ähneln etwa zeitgleich stilistisch den von Raffael in Florenz gemalten Madonnen . Sein Altarbild von San Zaccaria (" Thronende Madonna mit vier Heiligen ") (1505) verleiht dem Thema der sacra conversazione einen ausgeprägten Charakter der Hochrenaissance. Giovanni Bellini (1430-1516) war die dominierende Kraft in Venezianische Malerei in den 1490er Jahren, und sein Stil hatte einen großen Einfluss auf jüngere Maler wie Giorgione und Tizian sowie Lorenzo Lotto (1480-1556). In jedem Fall legten die venezianischen Maler traditionell mehr Wert auf Leuchtkraft der Farben (teilweise aufgrund ihrer Erfahrung mit Ölfarben) sowie auf kompositorische Ausdruckskraft – im Gegensatz zu dem eher seltenen klassischen Malstil, der in Rom praktiziert wird. Weitere Informationen zur Altarbildkunst der Hochrenaissance finden Sie unter: Venezianische Altarbilder (c.1500-1600); Für Porträtaufnahmen siehe: Venezianische Porträtmalerei (c.1400-1600). Siehe auch: Tizianische und Venezianische Farbmalerei (c.1500-76). Siehe auch: Vermächtnis der venezianischen Malerei zur europäischen Kunst.

Giorgione (1477-1510)

Giorgione lernte eine enorme Menge von Bellini, übertraf dann aber seinen Meister bei weitem, um eine Art Lyrik zu schaffen Landschaftsmalerei das kann man nur mit pastoraler Poesie vergleichen. In seiner kurzen Karriere bot der innovative junge Maler seinen Zeitgenossen eine Meisterleistung darin, das Medium Ölfarbe zu nutzen, um die Illusion von Texturen und Licht in ihren Gemälden zu erzeugen. Sein frühestes Werk, die Madonna und das Kind mit den Heiligen Franziskus und Liperale (um 1504, Kathedrale von Castelfranco), ist stark von Bellini geprägt. Doch innerhalb weniger Jahre wechselte Giorgione von diesem Malstil über das Geheimnisvolle und Ahnungsvolle Sturm (c.1505, Galerie der Akademie von Venedig ), zum lyrischen Schlafende Venus (1510, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden) und das verträumte Pastoralkonzert (um 1510, Louvre). Das letztgenannte Bild zeigt die venezianische Liebe zur Textur, da er genau die kontrastierenden Texturen von Fleisch, Stoff, Stein, Holz und Laub wiedergibt. Giorgiones weiches, diffuses Licht schafft zusammen mit seiner sanften Landschaft – Hügel, die sich in die Ferne erstrecken, und allen harten Konturen, die entfernt werden, eine vollkommen pastorale Stimmung: eine Technik, die für die venezianische Malerei des 16. Jahrhunderts charakteristisch und für die Entwicklung von von großer Bedeutung wurde Barocke Kunst .

Tizian (c.1488-1576)

Die Wirkung von Giorgione auf die venezianische Kunst war unmittelbar spürbar, und niemand anders als Tizian. Obwohl er kein Schüler von Giorgione ist, arbeitete er mit ihm an einem Projekt zusammen und fertigte eine Reihe seiner Gemälde an. In seiner Heiligen und Profanen Liebe (1512-15, Galleria Borghese, Rom) zeigt sich Tizian in der Lage, Giorgione mit Giorgiones eigenen Maltechniken zu konkurrieren. Wenn der Einfluss des Giorgione in Titians profanen Gemälden besonders deutlich wird, ist Bellinis in den religiösen Gemälden sichtbar, und er trat weiterhin als Tizians Lehrer und Rivale auf, bis er 1516 starb – etwa 6 Jahre nach dem Tod von Giorgione – als Tizian selbst auftauchte die führende Figur in der venezianischen Malerei.

Tizians Inspiration Mariä Himmelfahrt (1516-18, S. Maria Gloriosa dei Frari, Venedig) etablierte ihn als Bellinis Nachfolger. Die venezianische Liebe von Farbe in der Malerei Sein Gleichgewicht und seine Bewegung sind – trotz gewisser offensichtlicher manieristischer Elemente – sowohl in ihrer Konzeption als auch in ihrer Größe mit dem der Raffaels- Schule von Athen vergleichbar. Die Himmelfahrt – zusammen mit der Heiligen und Profanen Liebe (1512-15), der Grablegung Christi (1523-26, Louvre, Paris) und der Pesaro-Madonna (1519-26; Santa Maria dei Frari) – ist ein Beispiel für den Beitrag Tizians zur Kunst der Hochrenaissance. Einmal in seinen 40ern – mit Ausnahme von gelegentlichen ruhigen Kompositionen wie Venus von Urbino (1538, Uffizien, Florenz) – Tizian entfernte sich immer mehr von der Hochrenaissance.

Tizians Porträt war abgeleitet, aber ausgesprochen venezianisch. Sein Meisterstück Papst Paul III. Mit seinen Enkeln (Kardinäle Alessandro, Ottavio Farnese) (1546, Capodimonte Museum, Neapel) – die absichtlich Raphaels Konkurrenz machen Papst Leo X. mit Kardinälen (Giulio de ’Medici und Luigi de’ Rossi) (um 1518, Galleria Palatina, Pitti-Palast, Florenz) – zeigt deutlich, dass die venezianische Malerei der florentinisch-römischen Tradition ebenbürtig war. Seine Danae mit dem Kindermädchen (um 1553, Prado, Madrid) stellt den sinnlichen Kolorismus der venezianischen Malerei der skulpturalen Tradition Michelangelos gegenüber, über die die späteren Historiker urteilen sollen.

Tizians Spätwerke bringen das Ölmedium in neue Höhen. Zu seinen malerischen Methoden gehörten: vollständiger Einsatz von Vorstudien und Zeichnungen, um Gemälde zu schaffen, die aussehen, als wären sie in der Hitze der Inspiration frisch gemalt worden; die Verwendung von lose nebeneinander angeordneten Farbflecken; farbe mit dem pinsel frei und locker auftragen und dann mit den fingern nacharbeiten.

Vor allem zwei Spätwerke belegen das Genie Tizians. Das Martyrium des hl. Laurentius (um 1548-50, Jesuitenkirche, Venedig), gemalt als der Künstler 60 Jahre alt war, zeigt die ganze Begeisterung der Jugend. Beachte den Manieristen Verkürzung und Übertreibung sowie sein Umgang mit Licht, mit denen der dramatische und emotionale Gehalt des Gemäldes betont wird. Die gleiche Intensität von Drama, Licht und Farbe zeigt Rape of Europa (um 1559-62; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston) – ein Stil, der die Arbeit von Rubens und dem Barock vorwegnahm. Tizians lange und richterliche Karriere hatte einen enormen Einfluss auf Manieristische Künstler in Venedig. Die anderen beiden großen Maler der Stadt des 16. Jahrhunderts, Paolo Veronese und Tintoretto Jeder von ihnen konzentrierte sich auf einen anderen Aspekt des Malstils von Tizian und entwickelte ihn weiter.

Sammlungen

In den meisten von ihnen sind Fresken und Ölgemälde aus der Hochrenaissance zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt, vor allem die Uffizien, Florenz ; die Vatikanischen Museen in Rom und die Pitti Palace , Florenz.