Impressionistische Malerei Entwicklungen in Stil, Pinselführung, Farbschemata Automatische übersetzen
❶ Ursprünge und Einflüsse
❷ Frühe Geschichte
❸ Impressionist Edouard Manet
❹ Der Impressionist Claude Monet
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne
❻ Monet & Pissarro in London
❼ Anstrichentwicklungen
❽ Impressionistische Ausstellungen
❾ Gruppensplits
❿ Vermächtnis des Impressionismus
Monet: Auf dem Weg zur 1. Ausstellung: Farben "Impression: Soleil Levant"
Mit Frieden nach Frankreich zurückkehren, Monet denkt daran, England zu verlassen. Auf Anregung von Charles Daubigny beschließt er, über Holland zurückzukehren. Er verlängert seinen Aufenthalt in diesem Land bis Ende 1871, so groß ist für ihn die Anziehungskraft des perlmuttfarbenen Himmels und so vieler zu malender Motive: der unermessliche Himmel, Städte, die in die melancholischen Gewässer der Kanäle zurückweichen, die Mühlen mit ihren große rote Flügel. Die Fülle und Zartheit der Grautöne, der zwingende Zuschnitt der Formen, die freie und ruhige Behandlung dieser Werke, die sie mit den 1870 in Trouville gemalten Seestücken verbinden.
Aber, wie in "Moulins en Hollande" oder mehr in "Moulins a Zaandam" dargestellt, ist Monets Arbeit das Feld für eine Art Kampf zwischen Impression und Organisation. Über fließende und leuchtende Motive überlagert er eine geometrische Struktur, bei der das Dreieck die dominierende Figur ist. Deckkraft und Transparenz, Dichte und Fließfähigkeit stehen sich gegenüber und ergänzen sich wie die Endbegriffe eines zu lösenden grundsätzlichen Widerspruchs.
Zwischen diesen verschiedenen Elementen baut er greifbare und rationale Beziehungen auf und hält sie im Gleichgewicht. Das Licht, das seine Formen umgibt, ist manchmal zitternd. Seine Behandlung, seine Technik, die immer freier wird, scheint unter dem Einfluss der Niederländischer Realist Meister dieses Landes oder noch mehr von der Macht der niederländischen Landschaft.
Bis zum 1872 alle Impressionistische Maler sind nach Paris oder in die unmittelbare Umgebung zurückgekehrt.
Monet geht nach seiner Rückkehr nach Argenteuil und bleibt dort sechs Jahre. Sein Haus, begraben im Grünen, im Gebüsch und in den Blumen, wird zum Lieblingsort seiner Freunde. Die Treffen sind ungezügelt, belebt vom Charme junger Frauen, Gefährten oder Freunden der Künstler. Malen wird nie vergessen. Sein Teil ist großartig, wie die Anekdote des Porträts von Camille Monet beweist, das gleichzeitig von Renoir und Manet gemalt wurde. Jetzt steigt Monet über alle anderen schnell auf. Wenn in den Jahren vor dem Krieg die Bewegung, die sie zusammenführten, ihre ersten großen Früchte in den Werken von fand Manet Jetzt kristallisiert es sich um Monet. Seine einnehmende Persönlichkeit drängt sich den anderen Malern auf; Sie sind beeindruckt von der Energie, die er einsetzt, um sein Ziel zu erreichen, trotz der Nachteile und Unglücke, die ihm das Schicksal in den Weg stellt. Eine seltsame Kraft, die größtenteils aus seinem eigenen großen Vertrauen in sich selbst herrührt, und eine Überzeugungskraft entwickeln sich in ihm. Seine erste Eroberung ist Manet. Manet ist bis jetzt zögernd und widersetzt sich sogar der Überzeugung und dem Beispiel von Berthe Morisot, dessen charmante Persönlichkeit ihn gefesselt hat. Er beschließt, im Freien zu malen. Fast von Anfang an taucht Manet, wie sein Gemälde "Claude Monet in seinem Atelier" zeigt, seine Formen in Szintillation und Lichtschwingung. Durch das Vermeiden einer präzisen Kontur gelingt es ihm mit großartiger Leichtigkeit, im Wesentlichen durch Farbe, eine Atmosphäre zu schaffen, die von Licht funkelt.
Manet, der nach Gennevilliers gekommen ist, um seine Ferien zu verbringen, muss nur den Fluss überqueren, um sich Monet anzuschließen. Er zeigt seinen Freund im malerischen schwimmenden Atelier, das Monet wie einst Daubigny an der Seine benutzt. Es war eine riesige Rinde, auf der der Maler im Schatten einer Markise vor der Hütte, unter der manchmal seine Frau und seine Freunde saßen, leise neben dem Wasser arbeiten konnte. Monet bewegte sich zwischen den Ufern unter den Bögen, die das Schimmern des Wassers widerspiegeln, und fühlte sich wirklich im Herzen dieser Welt der fließenden Formen, deren Evolution er unter der Drehbewegung der Sonne festhalten wollte.
Zweifellos lernte er zu dieser Zeit einen jungen Nachbarn kennen, der gerne Boot fährt und malt. Gustave Caillebotte, der 1873 ein Vermögen geerbt hatte, das es ihm ermöglichte, seinen Geschmack für die Künste zu verfolgen. Nach dem Eintritt in die Kunstschule in der Klasse von Bonna verlässt er nach kurzer Zeit die Schule, um mit Monet und Renoir zusammenzuarbeiten, die seine Freunde geworden sind. Er beginnt, Werke zu kaufen, die er mag, und baut in einigen Jahren eine bedeutende Sammlung impressionistischer Gemälde auf, um sie dem Staat für die Museen der Zukunft zu überlassen. In seinem edlen und großzügigen Charakter und der Ernsthaftigkeit seiner Überzeugungen erinnert er sich in gewissem Maße an Bazille, dessen Wohltäterrolle er einnimmt.
Die Prozesse von Monets Denken sind reich und komplex, seine Motivationen immer bewusst. Von 1872 bis 1874 verwendet er gezackte Flecken, die breit gestreut sind, wie in "Bateaux de Plaisance", oder kühn mit einer freien und einfühlsamen Hand gezeichnete Striche, wie in "Regates par Temps gris a Argenteuil". 1872 malt er in Le Havre " Impression au Soleil Levant " in einer extrem spontanen und fließenden Behandlung. Diese Leinwände, die als Vorwand dienen, um die Bewegung zu taufen, wenn die Gruppe ihre erste Ausstellung zeigt, bestimmen Monets Schicksal. In der schnellen Abschrift der Empfindung nimmt Monet seinen Formen alles Gewicht. Er konzentriert seine Aufmerksamkeit auf Variationen des Lichts, die dann zur einzigartigen Realität der Dinge werden, dem idealen Mittel, um das Bild, das er sieht, zu reproduzieren. Schließlich malt er 1873 erneut mit Renoir "Mare aux Canards" (Ententeich) in der Nähe von Argenteuil. Wie in La Grenouillere sind die beiden wieder zusammen, um an demselben Thema zu arbeiten. Zusammen studieren sie Töne und scheuen keine Mühe, selbst die kleinste Nuance zu bemerken. Bei der Darstellung des schillernden Laubs und des sprudelnden Wassers des Teiches nehmen sie eine Note in winzigen Kommas an, die es ihnen ermöglicht, jeden Farbstoß, jede Änderung des Lichts zu notieren und eine leuchtende Resonanz über die gesamte Oberfläche zu verbreiten. Weitere Informationen zu diesem Thema finden Sie unter: Merkmale der impressionistischen Malerei 1870-1910.
Diese Bilder von Renoir und Monet, die zusammen gemalt wurden, zeigen die Spuren einer verzweifelten Anstrengung und einer außergewöhnlichen Spannung des Geistes. Wie in Kunstkreisen üblich, sind sie "müde". Die sukzessiven Sinnesänderungen, Korrekturen und Anpassungen im Pigment hinterlassen ein gewisses Gefühl der Schwere. Später soll sich Monet vielleicht daran erinnern, als er seine berühmte Reihe von Kathedralen im Studio wieder aufnimmt. Angesichts der gegen ihn gerichteten Kritik, die Form im Licht zu verdünnen, gelingt es ihm, mit einer dicken, körnigen Paste das Äquivalent der Materiedichte zu finden. Die Lichteffekte gleiten darüber. Das Objekt nimmt einen porösen Charakter an und wird so etwas wie eine Leinwand; und wenn es nicht wirklich gelingt, sein Gewicht zu zeigen, nimmt es eine physische Präsenz an.
Im Sommer 1874 werden die kreativen Prozesse von Monet beschleunigt. Seine Aktivität erreicht fast Fieber. Eine kurze Zeit, aber von großer Bedeutung für seine Malerei. In einer Reihe von Leinwänden, die vor Frische erblühen ("Die Brücke in Argenteuil", "Die Eisenbahnbrücke in Argenteuil", "Die Seine in Argenteuil" und "Segelboote in Argenteuil"), macht er sich auf die Suche nach Reflexionen und Wellen Wasser, von Lichtblitzen. Er variiert seine Technik mit kräftigen Pinselstrichen, breit oder spitz oder in Form von großen oder kleinen Kommas, zersetzt Töne und bringt lokale Töne zum Platzen, nutzt den Raum optimal aus und zerlegt Massen und Oberflächen das Phänomen Licht und seine vielfältigen Facetten. Aber hinter dem Licht und der anmutigen Wirkung, die er erzeugt, liegt eine ernstere Frage. Betrachtet man das Experiment als Ganzes, so zeigt sich, dass es weniger darum ging, dass Monet das Vergängliche einfängt, als vielmehr, dass er seine Dauer ausdrückt, eine entwickelte Dauer, die dynamisch ist, wie sie sich aus der Erfahrung der Empfindung ergibt. Nach den Worten von Rene Berger nähern sich die Impressionisten der Welt "im Entwicklungsprozess".
Siehe auch Impressionismus ’bester Unterstützer: der Kunsthändler Paul Durand-Durel.
Renoir: Fokussiert auf Figurenlandschaften
Diese Assoziation von Renoir und Monet in zwei entscheidenden Momenten zeigt die Rolle, die Renoir bei der Ausarbeitung der impressionistischen Technik spielte. Wenn Monet der Gründungsvater der Gruppe bleibt, der die Idee zu ihrem endgültigen Abschluss nach Hause treibt, ist es fair, im Vorbeigehen den Teil zu betrachten, der Renoir spielte auf der Ebene der Klarsichtforschung und auch der Suche nach notwendigen Mitteln, um anderen Sensationen über die Medien der Malerei zu vermitteln.
Seine Arbeit ist immer gekennzeichnet von der Suche nach Einheit, die seine Palette bestimmt, und von der systematischen Verwendung von Komplementären. Ab 1872, als seine Behandlung bereits gründlich ist, wie zum Beispiel in "Pont Neuf" in der Marshall Field Collection in New York, in der kleine Silhouetten die Klarheit von Emaille haben, bringt das Licht die Farben in Schwingung und das gesamte Werk wird gebadet in einer allgemein bläulichen Harmonie. In seiner Arbeit in Argenteuil leiht Renoir Monets langgestreckten Strich, der einen wunderbaren Wasserschwall hervorruft. Für Pflanzenformen wird jedoch eine sehr feine, enge Pinselführung verwendet, die einen Eindruck von Fülle vermittelt. Hier wird Monet der Schüler. Schaumige Mischungen aus Weiß und heller Farbe erhellen und geben den Massen des Grüns Leben und bringen eine Art Blumenzauber mit sich. Die außergewöhnlichsten Effekte erzielt Monet, wenn er die roten Mohnflecken (und etwas später die roten Flaggen in den gepflasterten Straßen seiner Stadtlandschaften) multipliziert.
Monet taucht unwiderruflich in Naturschauspiele ein, die ihm ein Handlungsfeld unendlichen Reichtums bieten, in dem Menschen nur noch als seltene, kaum eingezeichnete Silhouetten auftreten, deren Kleidung oder Regenschirme wahre Lichtfallen sind. Im Gegenteil, Renoir achtet immer noch auf Volumen und Dichte und ist leidenschaftlich auf die menschliche Form, egal ob er malt oder nicht Porträts von seinen Freunden oder ob er Gesichter und Figuren von Frauen malt, die ihm mit sichtbarer Freude und gesunder sinnlicher Freude am Herzen liegen. Man kann jedoch kaum über psychologische Fragen sprechen, außer über das "Portrait of Chocquet", das mit einer technischen Finesse gerendert wurde, die zweifellos eine sehr seltene spirituelle Intimität übersetzt. Meistens geht Renoir nicht unter die Oberfläche seines Modells, auch nicht aus Respekt vor der Persönlichkeit des anderen. Er versucht lediglich, eine Darstellung zu geben, die sinnliche Erscheinung und die Freude zeigt, die er daran hat, darüber nachzudenken. Ein Gesicht oder ein Körper ist für ihn eine ganze Wirkung von Volumen, eine Fülle, die ein gewisses Bild von Wohlbefinden vermittelt. Die durch dunkle Flecken von Augen und Augenbrauen hervorgehobenen Haarfarben wirken fast unpersönlich und künden bereits von den Fabelwesen der letzten Werke des Malers.
In seinen Kompositionen von 1875 und 1876 verwendet er die menschliche Figur auf sehr originelle Weise, wie ein Motiv, das Teil einer Landschaft ist, auf der Licht mit größerem Reichtum und Phantasie spielen kann. Zu dieser Zeit hat Renoir einen riesigen Garten in der Rue Cortot in Montmartre, wo er im Freien malt. Für seine Modelle, als Toulouse-Lautrec Zehn Jahre später soll er im Garten des älteren Waldes die Blumenmädchen und Näherinnen der Nachbarschaft mit ihren Kameraden und Freunden mitnehmen. In einer Art bläulicher Halbdunkelheit erscheint das Licht in Form von großen runden Flecken, ein wenig rosa, gleichgültig auf Gesichtern und Kleidungsstücken platziert und erzeugt eine Phantasmagorie von Farben, insbesondere auf charmanten Kleidern mit ihren mit Streifen und Bändern verzierten Trubeln. In diesem Sinne produziert er "La Balancoire" (Die Schaukel) und die großartige Komposition von " Tanzen Sie im Le Moulin de la Galette ", in dem er als erster die Tagesaspekte dieses berühmten Tanzlokals zeigt, dessen nächtliche Atmosphäre später Toulouse-Lautrec so sehr inspirieren sollte. Renoir hatte seine Skizzen aufgeteilt und zögert dann nicht, während er das Werk malt Bringen Sie die gesamte Leinwand mehrmals zum Schauplatz dessen, was er malt. Dies ist keine Bestätigung im eigentlichen Sinne des Wortes, da es sich um eine sehr komplexe Komposition handelt, die sich aus einer phantasievollen Kombination von Gruppen zusammensetzt, die getrennt betrachtet werden das er entwickelt hat, schafft eine art illusion von farbe, es kombiniert eine abwechslung von massen, die licht und schatten in einem breiten und reichlichen tachismus nach den gesetzen der ergänzungen ausdrücken. eines der glücklichsten werke von renoir, eines der rhythmischsten und belebt in der gesamten Geschichte des Impressionismus.
Sisley, Pissarro und Cezanne
In diesen Jahren spielt Pissarro kaum weniger als Monet. Er überlässt letzteren die Herrschaft über die Gewässer und ist der Maler der Erde und auch eines gewissen unanimistischen Stadtlebens. Nach seiner Rückkehr nach Louveciennes im Jahr 1871 lässt sich Pissarro kurz darauf in der Nähe von Pontoise nieder, wo er bis 1884 bleibt. Er nimmt das einfache rustikale Leben wieder auf, lässt sich von Landschaften inspirieren und hält engen Kontakt zu seinen Kameraden, indem er regelmäßig nach Paris fährt, um daran teilzunehmen ihre Versammlungen. Diese frühen Szenen von Louveciennes und den umliegenden Dörfern sind noch immer in der Nähe derjenigen, die er 1870 gemalt hat Geradlinige Perspektive die in den Horizont sinkt, gesäumt von Bäumen mit hohen, schlanken Stämmen, die mit einer leichten Mischung aus Laub und Zweigen gekrönt sind.
Für einige Zeit Sisley Der ebenfalls in Louveciennes und später in Port-Marly lebende Künstler malt im selben Geist. Zum Beispiel können wir seine "Straße vom Chemin de Sevres aus gesehen" (1873) und Pissarros "Dorfeingang" (1872) vergleichen. Dieselbe Durchgangsstraße schlanker Bäume, dasselbe helle Laub und dieselben Zweige, dieselbe hellblonde Harmonie, dasselbe Lichtfleckchen. Pissarro ist fester und meisterhafter, in seinem kleinen sicherer
Silhouetten mit lebenden Farben animiert. Sisley ist poetischer, ein bisschen verloren vor der Unermesslichkeit des Himmels und auch von der Magie des Wassers angezogen.
Nach diesem Moment der idealen Konjunktion (der Sammler Ernest May konnte drei zeitgenössische Werke von Pissarro, Sisley und Monet sehr angenehm in einer Triptique montieren), divergiert die Herangehensweise der beiden Maler. Sisley setzt seine Arbeit mit Beharrlichkeit fort, aber auch mit einer Art Lässigkeit, die seine Themen eher blumig als tiefgreifend erscheinen lässt. Ein einfacher Mann, bescheiden, schüchtern und sanftmütig, er weicht den Schatten des Himmels und des Wassers. Seine Produktion bleibt sehr gleichmäßig und entwickelt sich langsam. Sie umfasst weite Landschaften, in denen er das gesamte Detail erfassen muss, um eine Harmonie zu schaffen, eine subtile Rangfolge der Elemente Land, Meer und Himmel, die er in einer einfachen und harmonischen Weise verbindet natürliche Art und Weise auf seiner Leinwand. Seine Malerei bleibt im Wesentlichen hauttief, mit Zeichen eines exquisiten Charmes und manchmal etwas zu eindringlichen perlmuttartigen Akzenten. So ist es mit seinen Landschaften am Ufer der Seine bis zur gefeierten "Überschwemmung von Port-Marly", in der trotz der Schwere des Themas, des dramatischsten Himmels und des langen Rauschens des schlammigen Wassers das Ganze vibriert ein dunkles Licht, das durch ein paar helle Töne aufgelockert wird: so sein blaues Dach unter einem düsteren Himmel.
Pissarro Im Gegenteil, nachdem er sich mit seinen umgebenden Landschaften vollständig vertraut gemacht hat, kann er wichtige Teile davon ablösen und diese für separate Themen verwenden (Degas verfolgte das gleiche Verfahren bei seiner Interpretation menschlicher Charaktere, die auf ihre wesentlichen Gesten reduziert wurden). So verleiht Pissarro seinen leichtesten Eindrücken eine Festigkeit und sogar einen epischen Ton und erweitert sein Register. Er verleiht seinem Landleben eine Art Majestät in Bezug auf Gärten, Obstgärten und die Figuren darin. Er hat keine Angst davor, auf seiner Leinwand einen Haufen von Notizen anzuhäufen, die ihm einigermaßen gleiche Ausmaße verleihen, aber er hebt die Solidität seiner Gebäude hervor, indem er sie im Raum jenseits von Baumvorhängen oder leuchtenden Obstgärten anordnet, was auch ihre Monotonie lindert. Seine Architekturen mit stattlichen Farben gewinnen an Brillanz, indem sie hinter diesen hellen Arabesken auftauchen. Seine Komposition ist immer sehr dicht und gefüllt, mit manchmal kaum oder gar keinem Himmelswinkel, aber mit immer mehr leuchtenden Abständen. Die Farbe ist körnig, ein wenig langweilig und die Farben sind weiß getönt.
Pissarros menschliche Rolle ist beachtlich. Er hatte eine Art Genie für den Unterricht. Der amerikanische Impressionist Mary Cassatt sagte: "Er war so ein Lehrer, dass er Steine lehren konnte, richtig zu zeichnen." Er glaubt an diejenigen seiner Kameraden, die die größten Schwierigkeiten haben, sich auszudrücken, und von denen die anderen schüchtern, Cezanne und Guillaumin kämpfen, und tut alles, um ihnen zu helfen, ihre Schwierigkeiten zu überwinden. Er ermutigt sie, ihren eigenen Stil zu finden: Guillaumin, um seine Streicheleinheiten in Strömen extravaganter Farben zu verlängern, was ein Zeichen ist Fauvismus ; Cezanne soll in weiten Ebenen malen, was er ihm beibringt zu leuchten. Seine Freunde waren sich dessen immer voll bewusst. "Pissarro war demütig und kolossal, so etwas wie Gott."
In dieser Hommage an ihn Cezanne Ich dachte höchstwahrscheinlich an die Monate 1872 und 1873, als er in Pontoise unter der Leitung seines Freundes arbeitete, mit dem er in gewisser Weise in die Schule zurückgekehrt war. Aus diesem Arbeitsaufenthalt geht seine Kunst transformiert hervor. Pissarro hat seit langem die immensen Gaben Cezannes erkannt. Das Vertrauen, das er ihm entgegenbringt, ermutigt den empfindsamen Mann aus Aix, seine dramatische, düstere Art, seine allegorischen und literarischen Neigungen zu vergessen und sich der reinen Malerei hinzugeben. Sehr demütig beginnt Cezanne damit, ihm eine Leinwand von Pissarro vorzulegen und eine sehr genaue Kopie davon anzufertigen. Dies ermöglicht ihm, sich mit der neuen Farbtechnik vertraut zu machen, die mit kleinen Pinselstrichen in Flecken aufgetragen wird, aber auch tief in das Geheimnis des Reliefs einzusteigen. Er findet, dass sich Spannungen ausdrücken lassen, ohne auf Heftigkeit zurückgreifen zu müssen. Sein Charakter, der eher zur Meditation als zur Erfindung neigt, findet einen unerschöpflichen Frieden und einen Ausgangspunkt in der Betrachtung der Natur. Diese lange Verbindung, die fast zwei Jahre dauerte, war für die beiden Freunde eine sehr lohnende. Beide hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf den anderen, den beide gerne erkannten. In Erinnerung daran haben einige Historiker keine Angst davor, den Begriff "Mutation" für die Werke des Aix-Malers zu verwenden. Cezanne, der sich seiner Schuld gegenüber Pissarro bewusst ist, sagt sogar: "Vielleicht sind wir alle Produkte von Pissarro." Letzterer seinerseits erwirbt von seinem Begleiter ein Gefühl für das Monumentale.
Die gesammelten Erfahrungen bringt Cezanne in Auvers-sur-Oise ein, wo er Ende 1873 bei Dr. Van Gogh). Wie "Maison du Docteur Gachet" und vor allem der berühmte "Alaison du Pendu" in Auvers-sur-Oise beweisen, ist die Atmosphäre von Auvers, das zu dieser Zeit ein kleines rustikales Dorf war, die Freundlichkeit und Höflichkeit seines Gastgebers war auch sein Vertrauter und sein erster Sammler, der es ihm erlaubte, sich mühsam seiner Arbeit zu widmen. Vor der Natur verlässt er seine lebende Behandlung, die schwer und oft undurchsichtig ist, sucht eine gewissenhafte Genauigkeit bei der Beobachtung und setzt sich für die Übersetzung aller Farbtöne ein. Seine Seele ist leichter und er findet eine gleichmäßigere Form der Arbeit; Seine Farbe ist aufgehellt und sein Pinselstrich ist sehr deutlich und gleichmäßig verteilt. Oft muss er jedoch seine Arbeit noch einmal wiederholen und seine Leinwände sind mit aufeinanderfolgenden Schichten bedeckt. Diese Anstrengung bei der Ausführung macht das Werk manchmal etwas schwer, verändert aber nie den neuen Rhythmus seiner Komposition. Seine Farbe sieht grobkörnig aus, aber seine Palette ist definitiv aufgehellt. Von da an kann er seinen fabelhaften Versuch, die Welt zu rekonstruieren, beginnen.
Degas: Systematische Studie
Zu dieser Zeit hat jeder der Maler seinen Weg gefunden. Edgar Degas Nach einer Reise nach New Orleans, die zeigt, dass er für den exotischen Charme des kolonialen Lebens empfänglich ist, wird er definitiv von den Mechanismen des täglichen Lebens erfasst und beginnt eine systematische Untersuchung dieser Mechanismen. Es ist die Welt des Tanzes, beobachtet in den Flügeln der Oper, der Wäscherinnen oder der Rennbahn, die seine ganze Aufmerksamkeit auf sich zieht.
Trotz seiner seltsamen Persönlichkeit, seines Partikularismus, darf Degas nicht von seinen Freunden getrennt werden, wie man es oft versucht. Seine Methoden sind unterschiedlich; Er ist vorsichtig im Freien und besteht auf den Rechten der Imagination, aber es soll ein besseres Repertoire der Merkmale des Subjekts schaffen und sie vor allen offensichtlichen Veränderungen bewahren. Er wird in der Realität als treuer Beobachter gezeigt, sogar als Verrückter der Realität; er verschönert es nur so, wie es seine Vision vorschreibt. Sein Auge ist scharf und sein Gedächtnis so gut trainiert, dass es ihm gelingt, das Motiv in seiner vollen Spannung wiederzugeben, begleitet von einer Atmosphäre und einem Licht, das von Farben überwältigt ist. Auch wenn er im Studio anhand von Zeichnungen und Skizzen mit sehr detaillierten schriftlichen Notizen arbeitet, erweckt dies vielleicht den Eindruck, dass er das pochende Leben in feinster Fließfähigkeit festgehalten hat. Er nutzt die gewaltsame Direktbeleuchtung einer Bühne, meist jedoch im Kontrast zu Schatten, Halbschattierungen und unbestimmter Beleuchtung, um Reichweiten unterschiedlichster Intensität zu schaffen.
Der Bühnenmaler, der im Scheinwerferlicht brilliert, bevorzugt Übungen, Proben, die Räume, in denen die Bedeutung einer Kunst in der täglichen Arbeit zum Ausdruck kommt. Seine Figuren, niemals statisch, sind in ihrem beweglichsten Aspekt gefangen, oder besser noch in der Vorbereitung oder in einer Geste, wie die Tänzerin, die auf ihr Stichwort lauscht, während das Pferd vor dem Start des Rennens seine Kraft sammelt. Verschiedene aus dem Fernen Osten entliehene Techniken der Einstellung und des Layouts, die Draufsicht und die Diagonale geben Degas die Möglichkeit, markante Variationen desselben Motivs vorzunehmen. Indem er der Vergrößerung nachgeht, neugierigen oder interessanten Details Werte verleiht, die wiederum zu einem Mikrokosmos, einer Verdichtung von Gefühlen werden, gelangt er zu einer Art Depersonalisierung des Subjekts, das allmählich aufgehoben, auf seine grundlegenden Funktionen und Merkmale reduziert wird Einstellungen.
Seine Technik ist nicht weniger bemerkenswert. Farben lösen sich in strahlenden Pulverwolken auf und der Raum zwischen den Figuren nimmt eine undefinierbare Lebendigkeit an. Er beginnt mit Pastellfarben, die eingemischt werden Gouache und mit Dampf aus kochendem Wasser angefeuchtet und Schicht für Schicht aufgetragen und fixiert, verleiht ihm ein Material von schillernder, perlmuttartiger Fülle.
Die Goncourts, die 1874 sein Atelier besuchten, bezeichneten Degas als krank und neurotisch und sahen in seinen Nachforschungen nichts als das Ergebnis von Schwierigkeiten, die er mit den Augen zu haben begann (genauso wie einige versuchten, die Deformation der Form zu erklären) praktiziert von El Greco). In Wirklichkeit hatte Degas einen ängstlichen und leidenschaftlichen Verstand, war nie zufrieden mit dem Ergebnis seiner Arbeit und führte wohlüberlegte und sehr gelehrte Experimente durch. Er arbeitete eine wahre Chemie der Farben aus. Als wilder Hasser der Menschheit widmete er sich mit der Distanz eines Entymologen dem Studium der menschlichen Maschine, die in ihre grundlegenden oder intimsten Teile zerlegt war. Auf dem einen und dem anderen Gebiet brachte seine Arbeit nach 1872 einige wichtige Entdeckungen hervor.
Weitere Informationen finden Sie unter: Beste impressionistische Gemälde.
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