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Eine kurze Einführung in die architektonischen Aspekte dieses Kunststils finden Sie unter: Rokoko-Architektur .

Einführung

Mitten in Frankreich und als Reaktion auf die barocke Größe des königlichen Hofes König Ludwigs XIV. Am Schloss von Versailles , die Rokoko-Bewegung oder Stil von Französische Malerei war besonders mit Madame Pompadour, der Geliebten des neuen Königs Ludwig XV, und den Pariser Häusern der französischen Aristokratie verbunden. Es ist ein skurriler und kunstvoll dekorierter Kunststil, dessen Name sich vom französischen Wort "Rocaille" ableitet, das "Felsarbeit" nach den Formen von Muscheln bedeutet.

In der Welt des Rokoko sind alle Kunstformen, einschließlich Malerei der schönen Kunst , die Architektur, Skulptur , Innenarchitektur, Möbel, Stoffe, Porzellan und andere " Kunstgegenstände " werden in einem Ideal von eleganter Schönheit zusammengefasst.

Die Rokokokunst zeigt sich in Werken von berühmte Maler wie Jean-Antoine Watteau (1684-1721), insbesondere seine "Fete Galante" -Partys mit Außenwerbung; Jean-Honore Fragonard (1732-1806) mit seinen Bildern von Liebe und Verführung; Francois Boucher (1703-70) mit seinen üppigen Gemälden opulenter Selbstvergnügen; der venezianische Giambattista Tiepolo (1696-1770) bekannt für seine fantastisch dekorativen Würzburger Residenzfresken (1750-3); und die Skulptur von Claude Michel Clodion (1738-1814), Bildhauer des Arc de Triomphe in Paris, am bekanntesten für seine Terrakotta-Skulptur von Nymphen und Satyrn. In Großbritannien erreichte die Rokoko-Malerei ihren Höhepunkt in den Frauenporträts von Thomas Gainsborough (1727-88). Rokoko wurde schließlich ersetzt durch Neoklassizistische Kunst Dies war der visuelle Stil, den Napoleon in Frankreich und die amerikanische Revolution ausmachten.

Rokoko: Ursprünge

Rokoko ist das leichtfertige, eigensinnige Kind von Adligen, Großen Barock- . Der Elternteil wurde in Italien geboren, das Kind in Frankreich. Der Barock (barocco, eine raue Perle) entwickelte sich im frühen 17. Jahrhundert und verbreitete sich rasch in ganz Europa. Zunächst vorwiegend ein skulpturaler und architektonischer Stil, dessen größter Exponent und Genie es war Gianlorenzo Bernini (1598-1680), der wie Michelangelo vor ihm in erster Linie Bildhauer war, sich aber bei der Umgestaltung Roms ganz natürlich der Malerei, der Theaterdekoration und der Architektur zuwandte und gleichzeitig mehreren Päpsten diente. Seine " Ekstase der heiligen Teresa "und die kleine Kirche von S. Andrea al Quirinale in Rom verdeutlichen die Tendenzen, die zum Rokokostil führen: eine brillante Verwendung von Licht und Schatten auf teuren und aufwändigen Materialien wie farbigem Marmor und Bronze.

Das siebzehnte Jahrhundert war ein Zeitalter der Größe, der starken religiösen Gefühle, die in den Gemälden von Caravaggio und Cortona, den Skulpturen von Bernini und der Architektur von Caravaggio und Cortona deutlich und gewaltsam in auffälligen visuellen Formen zum Ausdruck kamen Francesco Borromini (1599 & ndash; 1667). Seine wichtigsten Manifestationen waren italienisch, und es war wirklich das Schwanenlied Italiens als schöpferische Kraft, denn bereits beim Tod von Papst Urban VIII., Berninis Schutzpatron, tauchte der neue Stern auf – Frankreich, das seine Meteorik fortsetzen sollte im Laufe des Jahrhunderts aufsteigen und im folgenden Jahrhundert das modische und künstlerische Europa beherrschen. Siehe auch: Rokoko-Künstler .

Der Rokoko-Stil in Frankreich – Merkmale

Im Jahr 1651 wurde der junge Ludwig XIV. Erwachsen und in den 1660er Jahren wurden alle Meinungsverschiedenheiten in Frankreich völlig unterdrückt, so dass Ludwig seine Aufmerksamkeit dem Bau und der Dekoration seines Schlosses in Versailles widmen konnte. Hier wurde der italienische Barockstil von Louis ’allmächtigem Künstler, Designer und Innenarchitekten übernommen und modifiziert. Charles Lebrun , um nicht die Heiligen der katholischen Kirche, sondern den König von Frankreich zu preisen: "Le Roi Soleil". Louis ’absolute Herrschaft beinhaltete nicht nur einen visuellen Beweis seiner Vormachtstellung, sondern auch eine aufwändige Gerichtsetikette, die so steif und unnatürlich war wie die Gärten, die Le Notre rund um den Palast angelegt hatte. Diese extreme Formalität war in Wohnungen wie der berühmten Spiegelhalle und der bunten Botschaftertreppe zu spüren, und vor diesem Hintergrund spielt das Rokoko. Frankreich demonstrierte, dass es bereits Geschmacksentscheider und eifrig nach Neuem war.

Französische Rokoko-Architektur, Innenarchitektur und Dekoration

Das Rokoko ist in Frankreich zu Recht mit dem 18. Jahrhundert verbunden, aber auch in den letzten Jahren des vorigen Jahrhunderts tauchen Hinweise auf den neuen Stil auf, wie in der Arbeit des Hofarchitekten: Jules-Hardouin Mansart (1646-1708), am Trianon in Versailles und in Marly, einer weiteren königlichen Residenz. In diesen beiden Gebäuden löste sich Mansart von der lähmenden Verwendung von Marmor und Bronze und wandte sich eher Holzvertäfelungen und blasseren Farben zu. Die Größe des Trianon lässt den Wunsch erkennen, dem grandiosen Palast zu entfliehen, der im 18. Jahrhundert zu einer Reihe bedeutender Werke führte. [Beachten Sie auch den Einfluss der früheren Fontainebleau Schule (1530-1610) über die Entwicklung des Rokokostils, insbesondere seiner verspielten Stuckschnitzereien und anderer rokokoähnlicher Motive.]

Ludwig XIV. Scheint diese Reaktion sehr ermutigt zu haben, wie seine berühmte einstweilige Verfügung gegen Mansart in Bezug auf die Dekoration des Zimmers der sehr jungen Herzogin von Burgund im Chateau de la Menagerie zeigt: "Sie müssen überall das Gefühl der Jugendlichkeit verbreiten". Dies war im Jahr 1699, und der König hatte noch weitere 16 Jahre zu leben, Jahre, die den Weg der Kunst und Dekoration zumindest für die nächste Generation bestimmen sollten, nicht nur in Frankreich, sondern auch in Sizilien und Österreich.

Wenn das Rokoko speziell eine französische Kreation war, beeinflussten und förderten viele Faktoren aus der Ferne den Stil, wie zum Beispiel die grafischen Arbeiten von italienischen Künstlern des 17. Jahrhunderts wie Stefano delia Bella , die lange Zeit in Paris waren. Zarte, federleichte Linien umschließen in seinen Entwürfen Formen, die oft rein dekorativ sind, so wie es Rokokokunst sein sollte.

Viele gravierte Bücher aus den letzten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts enthüllen den Rokokostil in embryonaler Form. Das für die flämische und deutsche Renaissance-Dekoration und sogar für die Fontainebleau-Schule so charakteristische enge Rollwerk wurde befreit, wodurch es weniger streng und symmetrisch wurde und fantastische Elemente eingeführt wurden, die in den Originalen unbekannt waren. Dies zeigt sich in Frankreich in den Möbeln von Andre-Charles Boulle und in Venedig in den Möbeln von Andrea Brustolon , wo um die Jahrhundertwende geschwungene, komplizierte Barockformen modifiziert wurden.

Einer der ersten Auftritte des neuen Stils in einer äußerst wichtigen Umgebung ist das Schlafzimmer von Ludwig XIV. In Versailles. Diese wurde um 1701 hauptsächlich in Weiß und Gold neu dekoriert, wobei der Effekt ausschließlich auf den klaren Kontrasten fein geformter Pilaster gegenüber reichen Bereichen mit vergoldeten Schnitzereien und auf den Schornsteinen aufgestellten großen Spiegeln mit abgerundeten Spitzen beruhte. Weite Bereiche aus venezianischem Spiegelglas waren natürlich schon bei der Schaffung der Galerie des Glaces und auch des Spiegelzimmers im Grand Trianon wichtige dekorative Merkmale: Sie wurden oft fälschlicherweise nur mit dem Aufkommen des Rokoko identifiziert Stil, in dem sie tatsächlich eine wichtige Rolle spielen sollten. Die Gestaltung von Louis ’Schlafzimmer zeugt jedoch immer noch von einer starken Vorliebe für die klassischen Orden mit Pilasterdekorationen in der für das 17. Jahrhundert typischen akademischen Tradition.

Eines der Probleme bei jeder Untersuchung von Rokokodekorationen ist, dass wir uns nicht sicher sind, wie viel davon von der kleinen Armee von Zeichnern stammt, deren führende Persönlichkeiten wie Mansart sich hinter den Kulissen hielten, und wie viel von den großen Architekten selbst. Während ein Gebäude oder ein Interieur als Werk von Mansart oder De Cotte gilt, könnten die darin enthaltenen neuartigen Details ebenso einem "Geister" -Designer mit einem gewissen Sinn für Fantasie und einer Originalität entsprungen sein, die der königliche Architekt ausstrahlte als sein eigenes.

Diese Zeichner waren höchstwahrscheinlich mit Büchern dekorativer Muster vertraut – abgeleitet aus der Zeit von Renaissance-Kunst – illustriert die berühmten Grotesken von Raphael in der Villa Madama und der Vatikanischen Loggia. Grotesken , die von den Stuckreliefs und Gemälden in römischen Gräbern abstammen (oder Grotten, daher "Grotesken"), spielten bereits in den 1650er Jahren eine wichtige Rolle in der französischen Dekoration und traten später in einigen von Lebruns eigenen Dekorationen auf, wie zum Beispiel in denen in der Galerie d’Apollon im Louvre. Sie bestanden aus geschwungenen Pflanzen- und Rollenformen, die oft aus einer Urne oder einem Topf stammten und sich in einem regelmäßigen Muster nach oben bewegten und von verspielten Affen, Insekten und anderen Kreaturen bewohnt waren, die eine leichte asymmetrische Note aufwiesen. Die Leichtigkeit dieser Art von Dekoration wurde von Pierre Lepautre in Betracht gezogen, als er 1699 die Suite der Zimmer des Königs in Marly dekorierte.

Die Innenräume von Lepautre in Marly sind uns tragischerweise nur anhand von Zeichnungen bekannt. Sie zeigen, dass er auf die schweren, rechteckigen Rahmen um Türen und Spiegel verzichtete und sie durch Miniatur-Rundungen ersetzte, die in die Ecken der Leisten integriert waren, die selbst feiner und eleganter wirkten als je zuvor. Anstelle der traditionellen bemalten und vergoldeten Decke artikulierte Lepautre einfach die große weiße Gipsfläche mit einer zarten vergoldeten Rosette in der Mitte – dies sollte während der gesamten Rokokozeit sowohl an den Decken als auch an den Vertäfelungen nachgebildet werden.

Der Rokokostil entwickelte sich am stärksten während der Regentschaft der Duc d’Orleans (1715-23), deren Stadtresidenz das Palais Royale war. Lizenz war hier die Regel und der Ton der Rokoko-Gesellschaft war vorgegeben: eine Gesellschaft, die ständige Neuheit, Witz und Eleganz forderte – genau die Qualitäten des Rokoko-Stils. Die Gesellschaft öffnete ihre Türen für Menschen, die Ludwig XIV. Niemals akzeptiert hätte: die neuen reichen und zunehmend wichtigen Intellektuellen. Während der Regentschaft kehrte ein Großteil der Aristokratie, die sich während der Regierungszeit Ludwigs XIV. Auf Versailles beschränkt hatte, nach Paris zurück und gab neue Stadthäuser in Auftrag, wie am Place Vendome, wo der Übergangsstil noch deutlich zu erkennen ist.

Ihr Interieur verlangte nicht nach den aufwendigen Deckengemälden des vorigen Jahrhunderts, und an ihrer Stelle entstand eine neue Malerschule, die sich auf die sanft geschwungenen Trumeaux (Über-Türen) und kleinformatigen bemalten Tafeln spezialisierte, die einen großen Teil davon ausmachen die Ausgabe von (zB) Francois Boucher (1703-70). Ebenfalls in ständiger Beschäftigung von dieser Zeit bis zur Revolution waren die Scupteure, die die oft minutiösen Schnitzereien auf den Boiserien, die verzierten Tafelrahmen, ausführten.

Um 1720 begann der Übergangsstil einem klaren Rokokostil Platz zu machen. Der Begriff "Rokoko" leitet sich wahrscheinlich von der französischen "Rocaille" ab, die ursprünglich auf eine Art skulpturale Dekoration in der Gartengestaltung hinwies. Die führenden Designer des Rokokostils, Gilles-Marie Oppenordt , Nicolas Pineau und Juste-Aurele Meissonnier , waren sich dessen sehr bewusst. Die Grotesken des 17. Jahrhunderts wurden nun unter Claude Audran , Watteaus Lehrer, in Arabesken verwandelt, voll neuer Fantasie und Zartheit.

Die wichtigsten Fortschritte wurden bei der Innendekoration und der Malerei erzielt, während das äußere Erscheinungsbild von geringer Bedeutung war, mit der Ausnahme, dass eine gewisse leichte Raffinesse die Schwere des Louis XIV-Stils ersetzte und sich nicht auf die klassischen Orden stützte, sondern auf Architekten wie Jean Courtonne und Germain Boffrand schufen Gebäude, deren Hauptwirkung in der subtilen Behandlung von Steinmetzarbeiten und der geschickten Disposition von feiner Skulptur gegen raffinierte Rostbildung lag. In Paris sind zwei der besten Beispiele das berühmte Hotel de Matignon von 1722-23 und das Hotel de Torcy von 1714.

In der Innendekoration zeigt sich während der Regentschaft ein stetiger Fortschritt in Richtung extremer Kunstfertigkeit, wie das Palais Royale und das Hotel d’Assy beweisen, die in so triumphierend raffinierten Räumen wie dem Salon Ovale des Hotel de Soubise in Paris (1738-39) gipfeln Boffrand, dessen Einfluss auf die deutsche Rokokoarchitektur erheblich sein sollte.

Eine Tendenz, die riesige Reihe sehr formeller Wohnungen, die in der Zeit Ludwigs XIV. Bevorzugt wurden, durch kleinere, intimere Räume zu ersetzen, zeigt sich auch in den Petites Appartements in Versailles, wo die Form der Funktion enger folgt. Leider sind diese zusammen mit vielen der größten Rokokoräume spurlos verschwunden. Abgesehen von Paris wurde in Nancy, wo der entthronte König von Polen lebte, viel Feines an Architektur und Dekoration im ausgereiften Rokokostil ausgeführt.

HINWEIS: Weitere wichtige Kunst- und Designtrends, die dem Rokoko ähneln, finden Sie unter Kunstbewegungen und Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).

Französische Rokoko-Malerei

Paradoxerweise wurde der Rokokostil in der Malerei viel früher als in den anderen Künsten von einem flämischen Maler eingeläutet. Jean-Antoine Watteau (1684 & ndash; 1721). Um 1702 zog er nach Paris und begann als Theatermaler zu arbeiten, bevor er bei Claude Audran, einem Künstler, der im dekorativen Stil des Spätbarocks malte, studierte. Es war die Reihe Rubens ’Leben der Marie de Medicis’ im Luxemburger Schloss, die Watteau am meisten beeindruckte und durch ihn den Verlauf der französischen Rokoko-Malerei beeinflusste. Er studierte diese zusammen mit den großen venezianischen Malern und, wie Michael Levey sagte, obwohl er "keine öffentliche Karriere hatte, keine großen Aufträge von der Kirche oder der Krone; selten großformatige Bilder ausgeführt hatte: kein Interesse daran, historische Themen zu malen", Er wurde der größte französische Künstler der ersten Hälfte des Jahrhunderts.

Watteaus Bilder – Siehe: Pilgerfahrt nach Cythera (1717) Louvre, Paris; Charlottenburg, Berlin – mit ihrer Kombination aus Rubens ’Farbe und seiner eigenen zarten Erotik, war immer mehr als ein wenig melancholisch. Die lyrische Qualität seines Gemäldes mit dem Hinweis auf eine raffinierte Amoralität entsprach genau der, die die französische Gesellschaft in den Regentschaftsjahren suchte: Watteau sorgte nicht nur für einen Geschmack, sondern schuf auch einen. Weitere Informationen zur Nacktheit in der Rokokomalerei finden Sie unter: Weibliche Akte in der Kunstgeschichte .

Die beiden anderen großen Maler des französischen Rokoko Francois Boucher (1703-70) (auch als Direktor der Gobelin-Wandteppich Fabrik) und Jean-Honore Fragonard (1732-1806), die beide eine völlig andere Stilvielfalt aufwiesen als Watteau, und von denen man oft glaubt, sie hätten dort vulgarisiert, wo Watteau sie verfeinert hatte. Während Watteau eine alles umhüllende Aura der aristokratischen Distanzierung erreichte, erzeugten Boucher und Fragonard eine intimere und offensichtlichere Wirkung.

Bezeichnenderweise begann Bouchers Karriere als Kupferstecher von Watteaus Bildern und nahm fortan das Muster des traditionellen Erfolgs an. Er gewann den Prix de Rome und arbeitete von 1727 bis 1731 in Italien. 1734 wurde er Akademiker und mit Hilfe seiner Freundin und der Geliebten Ludwigs XV., Madame de Pompadour , zum gefragtesten Maler Frankreichs Art des Bildes, aber insbesondere für seine lebendige mythologische Malerei klassischer Fächer. In diesen, oft in einer etwas unsauberen erotischen Art wiedergegebenen Werken zeigte Boucher wie Watteau eine starke Verbundenheit mit Rubens und der venezianischen Kunst, insbesondere mit Paolo Veronese, seinem besten Vorgänger in der Malerei mit brillant gekleideten und gezeigten Mythologien. Boucher wurde 1765 Direktor der Akademie und leistete mit seinen zahlreichen Gemälden und Entwürfen für Wandteppiche und andere Dekorationen insgesamt einen wichtigen Beitrag zur Rokokobewegung.

In der Unwirklichkeit der meisten seiner späteren Formen erinnert man sich an die Empörung von Sir Joshua Reynolds, als er entdeckte, dass Boucher Modelle verlassen hatte. Im Vergleich zur unwirklichen Welt von Watteau sind Bouchers Einstellungen noch weniger real, während der Kontrast zu Thomas Gainsborough , der seine Landschaften mit Spiegeln, Zweigen und Moosstücken komponierte, noch extremer ist. Miniaturbäume umgeben rustikale Gebäude, die aus Puderzucker gemacht zu sein scheinen, und Wasser sieht aus, als bestünde es aus Glas. Es gibt kein wirkliches Licht und keinen wirklichen Schatten, vielleicht, um nicht zu stark mit der umgebenden blassen und flachen Rokoko-Boiserie-Dekoration in Kontrast zu treten, in die es eingesetzt wurde.

Während es eine Reihe großer Einzelkünstler gab, gab es auch Malerfamilien, die einer nahezu unveränderlichen Stiltradition folgten. Darunter sind die Coypels , die die Kapellendecke in Versailles ausgeführt haben, die Van Loos und die De Troys , die durchweg amüsante Bilder für die Oberschicht und für die aufstrebende Mittelschicht gemalt haben, die zum ersten Mal in der Rokokozeit auftauchen als wichtige Gönner und zum Teil für die gestiegene Nachfrage nach Porträtaufnahmen verantwortlich. Einige der köstlichsten Erinnerungen an die Kultiviertheit der Gesellschaft finden sich in den Porträts von Nattier, Drouais, Roslin und natürlich Boucher selbst, deren zarte Darstellungen von Madame de Pompadour zu den schönsten Porträts einer Frau in diesem Jahrhundert gehören. Siehe auch die Rokokoporträts von Elisabeth Vigee-Lebrun (1755–1842), Hofporträtistin der französischen Königin Marie-Antoinette.

Neben der Porträtmalerei entstanden viele andere spezialisierte Bereiche der Malerei, wie das Stillleben, in dem Jean Baptiste Oudry (1686-1755) und Francois Desportes (1661-1743) die Hauptrolle spielten.

In diesen "kleineren" Bereichen ist ein Mann hervorragend: Jean Chardin (1699 & ndash; 1779). Seine wunderbar einfachen und zutiefst aufrichtigen Genre-Motive und seine Stillleben-Gemälde haben eine Qualität, die auf den ersten Blick näher zu sein scheint Niederländischer Realismus – mit einem zusätzlichen Schuss französischer Präzision und Sensibilität – als auf den vorherrschenden Rokokostil. Ein Meisterwerk könnte aus einem winzigen Bild einer Delfter Vase mit ein paar Blumen oder aus einer einfachen zweistelligen Studie entstehen. Es ist ihre Zartheit und Raffinesse, die sie mit dem Rokoko verbindet. Ein weiterer herausragender Maler des Rokoko-Genres war der "moralistische" Jean-Baptiste Greuze (1725 & ndash; 1805).

Französische Rokokomöbel und dekorative Künste

Die gleiche Delikatesse zeichnet sich aus Französische Möbel und ein guter Teil der Französische dekorative Kunst der Zeit. Zwischen ungefähr 1715 und 1770 Französische Designer schuf Möbel, die in ihrer Schönheit der Linie und des Details, der winzigen Ausführung und der kostbaren Materialien, die fachmännisch verwendet wurden, beispiellos sind. Auch in dieser Zeit entstanden die meisten uns heute bekannten Möbeltypen: der Schreibtisch (Büroteller), der Sekretär (vieler verschiedener Typen, insbesondere der Klapp- und Zylindertyp) und der Sofa in vielen Formen (Canapes, Lits de Repos).

Die schweren Stücke aus dem späten 17. Jahrhundert, die mit Messing und Schildpatt in der Art von Boulle eingelegt waren, wurden ab dem Regency durch kleinere, leichtere Stücke ersetzt, eine Entwicklung, die mit der Verringerung der Größe der Räume und der abnehmenden Formalität zusammenfiel. Die Kommode wurde auf zart geschwungenen Beinen vom Boden gehoben, und die Bombenfronten waren mit gewundenem Ormolu überzogen, das oft über das gesamte Stück floss und in dem sich ein Großteil der feinsten Dekoration des Rokoko befindet. In diesem Rokoko-Handwerk wurden hervorragende Verwendungen von eingelegten Hölzern aller Art vorgenommen, die oft aus dem Orient importiert wurden. Dies trug sowohl zu den hohen Kosten des Stücks als auch zu der Begeisterung für die Exoten bei, die in die französische Gesellschaft eindrangen und zur Verwendung führten (oftmals vollständig) verlegt) von Begriffen wie "a la polonaise", "a la grecque" und "a la chinoise". Bei Möbeln zeigte sich dieses Interesse am Orient vor allem in der Verwendung von Import- oder Imitationslacken, wobei viele gute orientalische Lackstücke beim Zerlegen und Umformen stark darunter litten.

Der Luxus des Rokoko-Kunsthandwerks war natürlich nicht auf Möbel beschränkt, und das starke Auftreten vieler Rokoko-Ensembles ist heute irreführend. Die Leichtfertigkeiten und Verzierungen – Rüschen, Bänder, kunstvolle Behänge an Betten, Türen und Fenstern, Girlanden aus Fransen, Kiemen und Kugeln -, die oft nur mit den Viktorianern in Verbindung gebracht wurden, verstärkten die Atmosphäre von Luxus und Komfort, eine Qualität, die im siebzehnten Jahrhundert wenig bekannt war Französisches Interieur.

Trotz der äußersten Strenge des Gildensystems, möglicherweise sogar dank dessen, erreichten die französischen Möbel im 18. Jahrhundert einen Zustand der Perfektion, nach dem sie in ganz Europa gesucht wurden. Das Gildenreglement förderte die Spezialisierung und spornte die Söhne der Handwerksmeister an, im Handel ihrer Väter fortzufahren, um wirtschaftliche Vorteile zu erzielen. Das Ergebnis war eine außergewöhnliche Fachkompetenz und der Aufstieg von Schreiner- und Tischlerdynastien, die die Geheimnisse ihres Handwerks von Vater zu Sohn weitergaben.

So übte der Menuisier nur die Schaffung der eigentlichen Form des Möbels; die ebeniste schuf die aufwändigen einlegearbeiten und oberflächendekorationen und ein weiterer handwerker war für die montage der goldbronzedekoration über dem vorbereiteten rahmen verantwortlich; Keine Gilde durfte in das Gebiet einer anderen eindringen. Wie bei den anderen Künsten entstanden in jedem Bereich große Namen: Foliot , Lelarge , Sene , Cressent und eine zunehmende Anzahl von Deutschen: Oeben , Riesener , Weisweiler . Sie erreichten Positionen von großem Einfluss und ein signiertes Stück von einem dieser Handwerker war ebenso gefragt wie jedes Gemälde von Boucher oder Fragonard.

Das Rokoko war ein Stil, in dem das Weibliche vorherrschte, was sich in den geschmeidigen und oft sinnlichen Kurven, der fragilen Erscheinung und sogar in der Terminologie des Möbels zeigte: Herzogin (Duchesse) und Sultanin (Sultana). Die Blumen schmückten einen Großteil der Wandverkleidungen und Möbel der damaligen Zeit, und in vielen Rokoko-Boiserien finden sich kunstvolle Trompe d’oeils aus Girlanden und Blumensprays, die von winzigen Vögeln und Tieren bewohnt werden, den direkten Nachfahren des Grotesken. Der geringe Umfang eines Großteils der Möbel, insbesondere der zum Schreiben entworfenen Möbel, schließt die Verwendung durch einen Mann fast aus, obwohl es sich paradoxerweise um eine der schönsten Kreationen dieser Zeit handelt, bei der es sich um Louis XVs eigenen Schreibtisch handelt, der zwischen 1760 und 1769 von Oeben und Riesener ausgeführt wurde groß und überraschend männlich.

Porzellan wurde manchmal in das französische Möbeldesign integriert, meist in Form von bemalten Tafeln oder Scheiben, die in Bronzerahmen eingefasst waren. Ein Großteil davon stammt aus der Fabrik von Sevres. Ludwig XV. Hatte selbst Gelder zur Unterstützung eines Porzellanunternehmens in Vincennes bei Paris zur Verfügung gestellt, um insbesondere das Meissener Porzellan nachzuahmen, das 1756 nach Sevres übersiedelte. Vincennes-Sevres war zwar nicht die erste Fabrik in Frankreich, in der Porzellan hergestellt wurde (Rouen und Saint-Cloud waren beide in den letzten Jahren des 17. Jahrhunderts in Betrieb) als Boucher unter seinen Designern.

Die Wertschätzung des Sevres-Porzellans wird durch die Anzahl der Einzelstücke oder Sets belegt, die 1758 von Ludwig XV. Als diplomatische Geschenke für die Kaiserin Maria Theresia angefertigt wurden. Andere berühmte Sets sind die Dienste für Katharina die Große und Madame du Barry. Die in Sevres perfektionierten Farben unterscheiden sich nicht so sehr von denen in Bouchers Gemälden – grünlicher Blues und ein wundervolles Rosa, bekannt als Rosen-Pompadour. Die Art der hergestellten Objekte reichte von Wandleuchten über Tintenfassungen bis hin zu Potpourri-Vasen, von denen einige der besten Beispiele in der Wallace Art Collection, London, zu finden sind.

Lesen Sie mehr über Rokoko-Porzellan und Rokoko-Skulpturen über zwei wichtige französische Bildhauer Jean-Baptiste Pigalle (1714-1785) und Etienne Maurice Falconet (1716 & ndash; 1791).

Der Rokokostil in Frankreich stellte seinen größten künstlerischen Beitrag vor dem Aufkommen des Impressionismus im neunzehnten Jahrhundert dar und umfasste alle Künste in einem Ausmaß, das es in Europa nur in Deutschland gibt. Die erstaunliche Qualität des französischen Rokokos beruht auf der Aufrechterhaltung höchster Standards. Es hat den zusätzlichen Anreiz der Schirmherrschaft von Persönlichkeiten wie Madame de Pompadour, mit der der Stil identifiziert wird, und es stand am Ende einer langen Tradition feinster französischer Handwerkskunst.

Der Rokoko-Stil in Italien – Merkmale

Ein großer Teil der Geschichte des Rokoko in Italien handelt von der Malerei in Venedig – insbesondere von der Malerei des großen Genies Giambattista Tiepolo (1696-1770) – da sich dort die wichtigsten Produkte des Stils in seiner ursprünglichsten Form befinden. Mit Ausnahme einiger Gebäude von Juvarra und Bernardo Yittone geht die italienische Architektur der ersten Hälfte des Jahrhunderts ziemlich direkt vom spätbarocken Stil zum frühen Neoklassizismus über, ohne dass ein eindeutiger Rokokostil erkennbar ist.

Italienische Rokoko-Architektur, Innenarchitektur und Dekoration

Architektur und dekorative Kunst wurde um die Jahrhundertwende von zwei Männern dominiert, Bernini und Borromini, insbesondere aber von letzterem. Der führende Architekt in Rom war jedoch bald Ferdinando Fuga (1699-1782), ein Florentiner, dessen größte Werke der Palazzo delia Consulta (1732-37) und die Fassade von Santa Maria Maggiore (1741-43) waren. Im ersteren wurde ein feiner Rhythmus nicht durch massive Reihenfolgen, sondern durch subtil proportionierte und leicht vertiefte Tafeln erzeugt. Gegen diese wurden hochdekorative Fenster gesetzt, und das Ganze wurde von einer großen zentralen Skulptur von Engeln gekrönt, die eine Kartusche trugen. Es wirkt viel skulpturaler als jedes französische Gebäude des gleichen Datums und knüpft eher an das deutsche Rokoko an. Der gleiche Schwerpunkt liegt in der Fassade von Santa Maria Maggiore, aber dort ist die gesamte Fassade als offene Loggia konzipiert, die nur durch eine Lichtskulptur entlastet wird. In anderen Teilen Roms näherten sich andere architektonische Unternehmungen dem Geist des Rokoko an, wie zum Beispiel in der Spanischen Treppe (1723-25) von Francesco de Sanctis .

Während französische Architekten wie Boffrand nach einem wirtschaftlichen Mittel suchten, um die Raffinesse ihres Interieurs im Außenbereich zum Ausdruck zu bringen, gaben italienische Architekten dem Außenbereich als Vehikel für einen unmittelbaren Eindruck noch mehr Gewicht. Oft widmeten sie sich auf Kosten der Innenräume dieser Aufgabe und gelang dies nur intern, wo es sich um riesige Räume handelte, wie in einigen Werken von Filippo Juvarra (1678-1736).

Juvarra wurde in Messina in eine Familie von Silberschmieden geboren und in Rom bei Carlo Fontana ausgebildet. Seine ersten Erfolge als Designer von kunstvollen und dekorativen Bühnenbildern waren eine Erfahrung, die ihm später zugute kam. Nachdem er 1714 zum Ersten Architekten des Königs am Hof ​​von Savoyen ernannt worden war, reiste er nach Portugal, London und 1719-20 nach Paris, wo er wahrscheinlich das französische Rokoko in seinen frühesten Stadien erlebte. Nach seiner Rückkehr entwickelte er sich zu Italiens engster Parallele zum französischen Architekten und Designer, der sich nicht nur mit Architektur, sondern auch mit Inneneinrichtung, Möbeln und angewandter Kunst befasste. Seine herausragenden Leistungen sind das Jagdschloss, das er zwischen 1729 und 1733 für den Hof des Schlosses von Stupinigi, die Kirche des Karmins (1732-35) in Turin und das Heiligtum der Superga bei Turin (1717-31) entwarf. Von diesen ist Stupinigi seine aufregendste Kreation. Riesige Flügel strahlen von einem gewölbten zentralen Kern aus. Überragt von einem bronzenen Hirsch, bereitet das weiße Äußere die unglaubliche räumliche Akrobatik und Farbe in der zentralen Großen Halle vor, die vielen architektonischen Fantasien und Theaterzeichnungen Juvarras nahe kommt. Viel Gebrauch wird von illusionistischer Malerei gemacht, trompe l’oeil Urnen füllen riesige Nischen, die über den vielen Schornsteinen in der Halle gemalt sind, während eine sanft schwankende Galerie um die Wände herumläuft und die großen Pfeiler zu durchbohren scheint. Es ist eine Theatertour de Force. Im Vergleich dazu wirken der Superga und der Carmine ein wenig pedantisch, aber ersterer liegt sensationell auf einem Hügel, der die Umgebung mit seinem eleganten Portikus und der hohen Kuppel, die von Zwiebeltürmen flankiert wird, dominiert.

Mit Juvarra vergleichbar war Bernardo Yittone (1704-1770), der ausschließlich im Piemont arbeitete, wo er geboren wurde und zu dem er nach seinem Studium in Rom und der Herausgabe von ’Architettura Civile’ des großen Barockarchitekten Guarini zurückkehrte. Seine wichtigsten Werke befinden sich in obskuren Dörfern im Piemont und vereinen Guarinis räumliche Komplexität mit Juvarras Leichtigkeit und Brillanz. In diesem Sinne sind seine Meisterwerke das Heiligtum in Vallinotto (1738-39) und die Kirche von Santa Chiara in Bra von 1742.

Während Vittones Innenarchitektur in der Fußgängerzone liegt, ist dies bei Juvarra nicht der Fall, und sein Rokoko-Interieur gehört zu den schönsten Italiens. Im Gegensatz zu Frankreich wurde Italien nicht von einem einzigen Monarchen regiert, sodass die Schirmherrschaft normalerweise auf einen bestimmten Bereich des Landes beschränkt war, wie im Fall von Juvarra. Sein Gönner, Vittorio Amadeo II. Von Savoyen, hatte das Glück, einen so fähigen Hofarchitekten zu haben, und Juvarra entwarf für ihn die Fassade des Palazzo Madama in Turin (1718-21) und einige der wenigen Innenräume, die sich der französischen Qualität nähern; Dies ist der Chinesische Saal des Königspalastes in Turin mit seiner lackierten und vergoldeten Boiserie, der möglicherweise von JA Meissonniers 1734 veröffentlichtem Ornamentenbuch beeinflusst wurde. Ein Vergleich der Innenräume von Juvarra mit anderen in Italien zeigt, dass er allein auf gleicher Augenhöhe stand mit anderen europäischen Designern.

Italienische Rokokomöbel und dekorative Künste

Leider folgt die Geschichte der italienischen Rokokomöbel keinem so einfachen Muster wie die der Franzosen. Der Stil des siebzehnten Jahrhunderts überlagerte sich mit dem des achtzehnten Jahrhunderts, und Stücke, die vor der Jahrhundertwende angeblich datierbar waren, wurden oft erst viel später hergestellt. Ein Großteil der Möbel von Juvarra ist nach wie vor recht schwer und verwendet natürliche Formen auf eine ganz andere Weise als französische Designer wie Nicolas Pineau oder Meissonnier.

Die vom Barock übrig gebliebene Pracht war nach wie vor die vorherrschende Stimmung für alle großen Einrichtungsgegenstände, und es gab kein Gefühl wie in Frankreich oder sogar in Deutschland für das Kleine. So wurden anspruchsvollere, aber ebenso imposante Möbel und Einrichtungen hergestellt. Während der französische Geschmack nach ständiger Neuheit bestand, änderte sich das italienische Interieur wenig, nachdem der erste Umschwung ins Rokoko akzeptiert worden war. Wie in Frankreich und in größerem Umfang auch in England versuchten die neuen Reichen oder gemäßigten Wohlhabenden, sich über die aktuellen Entwicklungen auf dem Laufenden zu halten.

Was die meisten ausländischen Reisenden nach Italien überraschte, war die Leere der großen Suiten, die hinter den Fassaden der meisten großen Paläste lagen. Abgesehen von den wenigen prächtigen Wohnungen, die zu sehen waren, enthielten die Paläste viele unscheinbare Räume, deren Inhalt nicht mit französischen Möbeln und dem Chic des Pariser Stils zu vergleichen war, für den die Italiener geschmacklose Extravaganz ersetzten. Die Bilder von Pietro Longhi im venezianischen Interieur erinnern an die spärlich eingerichteten Räume vieler italienischer Rokokohäuser.

Die Figuren von Andrea Brustolon und Antonio Corradini dominierten zu Beginn des Jahrhunderts das venezianische Design, und ihre schweren Barockformen wurden von den nachfolgenden Handwerkern noch lange nach ihrem Tod hergestellt, fast bis zum Ende des Jahrhunderts. Die Venezianer waren jedoch die einzigen Italiener, die den Rokokostil ernst nahmen und den Franzosen nachahmten. Sie produzierten übertriebene Bomben-Kommoden, die oft auf winzigen, zerbrechlichen Beinen schwankten. Auf dem Gebiet der italienischen Möbel des 18. Jahrhunderts sind nur wenige große Namen bekannt, und man denke vor allem an wichtige Einzelstücke wie GM Bonzanigos bemalte und vergoldete Feuerschutzwand im Königspalast von Turin. In Italien, noch mehr als in Frankreich, entstand eine scheinbar unstillbare Nachfrage nach merkwürdigen oder ungewöhnlichen Stücken, die kunstvoll im venezianischen Stil mit rustikalen Szenen oder Blumen bemalt waren, die eingelegt waren, aber nie mit der intimen Kompetenz der französischen Ebenisten. Lack, schwere Vergoldungen, Spiegel, bemaltes Glas und Kombinationen anderer Materialien führten zu einer verwirrenden und nicht immer fröhlichen Stilmischung.

In der Kunst des Inlays herausragend war Pietro Piffetti (1700-77), der für das Haus Savoyen in Turin arbeitete und hochindividuelle Möbel schuf, die Holz- und Elfenbein-Inlays mit Metallveredelungen wie Masken an den Ecken und Halterungen für Beine kombinierten. Der Königspalast in Turin enthält einige atemberaubende Stücke, die buchstäblich mit Elfenbein bedeckt sind und gelegentlich nur durch Zufall getragen zu werden scheinen. So zerbrechlich sind die Beine unter ihren kunstvollen Oberteilen. Im Museo Civico in Turin befindet sich ein Kartentisch von Piffetti, gestempelt und datiert 1758, mit einer völlig überzeugenden Trompe l’oeil von Spielkarten in Elfenbein und seltenen Hölzern.

In den kleinen Künsten wurde in Italien nichts von größerer Bedeutung produziert als anderswo in Europa, und mit Sicherheit schien keine Keramikfabrik mit der von Sevres mithalten zu können. Aber zwei Fabriken stellten Porzellan her, von denen viele sicherlich sehr schön sind – Vinovo im Piemont und Capodimonte außerhalb von Neapel. Capodimonte-Porzellan zeichnet sich durch die Brillanz seiner Farbgebung aus, oft in unerwarteten Kombinationen, wie im berühmten Porzellansaal aus dem Palast von Portici (1754-59) zu sehen.

Italienische Rokoko-Malerei

Zusammenfassung

Rokoko ist in Italien etwas später entstanden als in Frankreich. Frühe Spuren sind im helleren Stil der spätbarocken Malerei zu sehen, der in Rom und auch in Neapel von Künstlern wie Luca Giordano (1634-1705) und Francesco Solimena (1657 & ndash; 1747).

Dann, innerhalb von 25 Jahren, produzierte Venedig Giambattista Tiepolo (1696-1770), sein Sohn Giandomenico (1727-1804), Antonio Canaletto (1697-1768), Pietro Longhi (1701-85), Francesco Guardi (1712-93), Giovanni Battista Piranesi (1720-78) und Canaletto Neffe Bernardo Bellotto (1720–1780). Mit Ausnahme der letzten beiden verbrachten alle ihre berufliche Laufbahn in Venedig, obwohl Canaletto 1746 England besuchte. Longhi und in geringerem Maße der jüngere Tiepolo schilderten das tägliche Leben Venedigs, ersterer in kleinen Leinwänden, letzterer in Zeichnungen; Während Canaletto, Guardi und Bellotto auf den Kanälen und der Piazza Szenen im Freien malten. Piranesi, obwohl in Venedig geboren, kam 1738 nach Rom. Es sind keine Gemälde von ihm bekannt, und sein Ruhm beruht ausschließlich auf seinen Radierungen von Architektur und Ruinen. Der Älteste Tiepolo ist bekannt für seine außergewöhnliche Freskenverzierung des staatlichen Speisesaals ( Kaiseraal) ) und die Decke des Trepenhauses in der Würzburger Residenz des Fürstbischofs Karl Philipp von Greiffenklau, das zweifellos das größte und einfallsreichste Meisterwerk seiner Karriere war. Im Mittelpunkt stand das hochfliegende Fresko von Apollon, der die Braut bringt (1750-1), im Zentrum des Trepenhauses, ein Werk, das die von Giotto (1270-1337) vor vierhundert Jahren initiierte italienische Tradition der Freskenmalerei zu einem majestätischen Abschluss bringt.

Tiepolo

Im älteren Tiepolo und nur in ihm kann man von einem reinen Rokokostil sprechen, der in vielerlei Hinsicht mit dem Spätbarock verwandt ist, aber eine völlig neue Art visueller Erfahrung schafft. Es überrascht nicht, dass in seinem Werk viele der größten venezianischen Qualitäten der Vergangenheit vorhanden sind: die Farbe und die ursprüngliche Vorstellungskraft von Tizian ; Die Figurentypen und luxuriösen Materialien von Paolo Veronese zusammen mit seiner Liebe zur opulenten klassischen Architektur als Kulisse für reiche Festzüge der Geschichte und Mythologie.

Die Künstlichkeit der Atmosphäre in seinen frühen Fresken verbindet Tiepolo sofort mit dem Mainstream der Rokokokunst, aber zu einer Zeit, als er nicht viel über die zeitgenössische französische Malerei wissen konnte. Von da an war seine Karriere ein voller Erfolg, bis seine Finsternis in Madrid am Ende seines Lebens von den Neoklassikern unter Vertrag genommen wurde Mengs (1728 & ndash; 79).

Sein größter Auftrag kam 1750, als er nach Würzburg ging, um dort Fresken für das neu fertiggestellte Schloss zu malen, und bis 1753 blieb, um das Treppenhaus (das größte) zu schmücken Wandmalerei in der Welt), der Kaisersaal und die Kapelle. Tiepolo hatte kurz vor seiner Abreise nach Würzburg den Palazzo Labia in Venedig mit der Geschichte von Anthony und Cleopatra geschmückt, einer seiner eindrucksvollsten Nachbildungen der klassischen Geschichte.

Ein Vergleich von Tiepolos Stil mit dem seines Zeitgenossen Boucher zeigt ein anderes und vielleicht intellektuelleres Temperament. Seine eiseleganten, aber immer noch üppigen Akte und seine subtile Gegenüberstellung von Typen, wie im Würzburger Treppenhaus, wo die Kontinente in brillantem Kontrast zueinander stehen, sind origineller und komplexer als alles, was Boucher zu bieten hat. Es war kein Zufall, dass Boucher Tiepolo über alles bewunderte; "Seine Kunst ist viel mehr als die Watteaus, sie ist die des Theaters, mit einer Bühne, die sich bewusst über uns erhebt, und Schauspielern, die Abstand halten", sagt Michael Levey. In der Tat ist seine Kunst die letzte, die wirklich repräsentativ für aristokratische Ideale ist und bald durch die republikanischen Werte der Französischen Revolution ersetzt wird.eine Kunst, die nur in einem Stadtstaat, der so dekadent war wie Venedig, im achtzehnten Jahrhundert gedeihen konnte

Ansichtsmaler

Während Tiepolo, Vater und Sohn, die besten Dekorateure der Stadt waren, gab es die Vedutisten oder Ansichtsmaler wie Canaletto (1697-1768), deren großer Ruhm ihn zwischen 1746 und 1756 nach England brachte Neffe Bernardo Bellotto (1720 & ndash; 80).

Die Bilder von Francesco Guardi (1712-93) ist der Triumph des atmosphärischen Studiums und des Verständnisses der einzigartigen Auswirkungen des venezianischen Lichts auf Wasser und Architektur. Mit einer minimalen Palette, die sich in einigen Fällen fast ausschließlich auf einfache Grün- und Grautöne reduziert, erinnert Guardi an Landschaften und Ansichten der Kanäle, ähnlich wie Tiepolo Figuren ausführt, und mit magischen Farbpunkten, die darauf hindeuten, dass Menschen sich beeilen oder Gespräche führen Piazza San Marco oder einer der vielen Plätze von Venedig, die er so sehr liebte.

Im Gegensatz dazu spezialisierte sich Pietro Longhi (1702-85) auf etwas gauche Darstellungen des zeitgenössischen Lebens; in ihrer Frechheit liegt jedoch ihr großer Charme und in der oft wunderbar unerwarteten Wahl des Themas wie dem ’Rhinoceros’ (National Gallery, London) oder dem ’Maurischen Boten’ (Ca ’Rezzonico, Venedig).

Aber Italien war mit dem Rokokostil nie so zufrieden wie mit dem vorhergehenden Stil des Barocks oder des Neoklassizismus, die beide schwerer und fähiger waren, die Grandezza der italienischen Kunst nach der Renaissance auszudrücken. Dies erscheint jedoch in modifizierter Form in Tiepolo, und es ist sein Name, der herausragend bleibt.

Der Rokoko-Stil in England – Eigenschaften

Von allen europäischen Ländern, die den Barockstil übernommen oder dazu beigetragen hatten, war England das Land, das dem Rokoko am wenigsten Beachtung schenkte.

Englische Rokoko-Architektur, Innenarchitektur und Dekoration

Zumindest in der Architektur wandelte sich England direkt vom Barockstil von Wren und Vanbrugh zum Palladianismus, ein Übergang, der so schnell erfolgte, dass er keine Zwischenentwicklung zuließ. Mit Gebäuden wie Walpoles Strawberry Hill, Twickenham, erbaut ab 1748, und Arbury, Warwickshire, vom selben Datum und den anderen Gothick-Gebäuden, die während der Ära der Architektur des späten achtzehnten Jahrhunderts errichtet wurden , ist es ein Gefühl, das diese Werke eher in die Rokokokategorie einordnet als eine Beziehung mit der Rocaille.

Tatsächlich wird der englische Gothick in zwei verschiedene Kategorien unterteilt – "Assoziations" und "Rokoko", wobei letzteres eine leichtherzige Form der Dekoration ist, die lose auf mittelalterlichen Präzedenzfällen basiert, aber leichtfertig genug ist, um in seinem Sinn des Verlassens fast ein Gegenstück zum kontinentalen Rokoko zu werden und Oberflächlichkeit. William Kent (1684-1748), Architekt und Dekorateur, entwickelte sein eigenes Vokabular der Gothick-Dekoration, das sich in England genauso schnell und effektiv verbreitete wie die Arabesken des Kontinentalen Rokokos. Abgesehen davon berührte Rocaille in England nur eine Handvoll Interieurs, einige hochwertige Möbel, bestimmte Gemälde und etwas Porzellan, insbesondere die Produkte von Chelsea und Bow.

Das früheste Beispiel für Rocaille in England war der Auftrag an den großen französischen Designer Meissonnier von dem Herzog von Kingston im Jahre 1735 für eine Reihe von Tischmöbeln in Silber. Dies war jedoch ein ziemlich seltener Fall, und das Rokoko-Design beschränkte sich im Allgemeinen auf gravierte Verzierungen auf schlichten Formen, die vom Stil fast völlig unberührt blieben. Die neuen Tendenzen wurden vorwiegend durch Musterbücher wie Matthias Locks oder Jones "The Gentleman’s or Builder’s Companion" von 1739 verbreitet, die jedem Handwerker, der sich das Volumen leisten konnte, Rokoko- oder Quasirokokodetails zur Verfügung stellten. Die Tatsache, dass es sich nur um Details handelte, die von ihrer Umgebung losgelöst waren, erklärt die häufig miese Qualität vieler englischer Rokokomöbel. denn vom handwerker war nicht zu erwarten, dass er die organische natur des stils aus bloßen fragmenten schätzte.

Wie in Italien und Frankreich hat sich der Geschmack des Mäzens aus dem 18. Jahrhundert oft auf die eine oder andere Art auf den Orient ausgeweitet. die wenigen bedeutenden Rokoko-Räume in England, wie das Schlafzimmer im Nostell Priory, Yorkshire, von 1745, oder das wichtigste. Claydon House in Buckinghamshire (um 1768), wo eine Reihe von Räumen von einem gewissen Lightfoot dekoriert wurden, über den wenig bekannt ist. In diesen Räumen ist der Stil jedoch keineswegs so puristisch wie im Continental-Rokoko.

Rokoko-Dekorationskunst taucht in anderen englischen Innenräumen von Stadt- und Landhäusern auf und ist zuweilen von höchster Qualität – insbesondere in der Halle in Ragley, im nahe gelegenen Hagley und im wirbelnden Putz der Francini-Brüder. die in Irland viel Stuck gearbeitet haben und vor allem für ihre Arbeit in Russborough berühmt sind. Diese attraktive lokale Handwerkskunst ist jedoch weit entfernt von den umfassenden Konzepten des Kontinents.

Englische Rokokomöbel und dekorative Künste

Anders als die Franzosen haben die englischen Schreiner ihre Stücke normalerweise nicht signiert, und so ist vergleichsweise wenig über Männer wie John Linnell , John Cobb , Benjamin Goodison und William Vile bekannt , die offenbar alle weitgehend auf die neue Art und Weise gearbeitet haben. Der Name Chippendale ist jedoch nicht nur wegen der Qualität seiner Stücke herausragend, sondern auch wegen seiner Veröffentlichung "The Gentleman and Cabinet-Maker’s Director" (1754).

In seinen Entwürfen für Spiegel und Überreste, die oft von der Chinoiserie inspiriert werden, sieht man exotische Beispiele des Rokokostils, die genauso akribisch sind wie die französische Boiserie, aber als isolierte Elemente und selten als Teil eines ganzen dekorativen Schemas gedacht sind. Ebenso sind die kunstvollen und fantastischen Schnitzereien in der Halle von Claydon in einem ansonsten klassischen Rahmen isoliert.

Englische Rokoko-Malerei

In der Malerei haben zwei englische Künstler dem Rokoko gewisse Zugeständnisse gemacht – William Hogarth (1697-1764) und Thomas Gainsborough (1727-88). Hogarth reagierte stark auf die von den "Amateuren" so begehrte Art der barocken Geschichtsmalerei und führte in sein eigenes Werk die sogenannte "Line of Beauty" ein, die er in seiner "The Analysis of Beauty" (1753) erklärte. und das war eine Serpentinenlinie eher wie ein längliches "S". Dies war natürlich genau die Form vieler Rokokodekorationen.

Auf der anderen Seite begann Gainsborough sein Leben als Maler kleiner, auf Stelzen stehender Porträts. Später entwickelte er nach seinem Umzug in das modische Bath einen verfeinerten Stil. Er malte einige Porträts im Rokokostil, die Boucher überraschend nahe standen, mit schwebenden Pinselstrichen und federleichten Landschaften, hellen Rosa und silbrigen Grautönen, die ausgesprochen rokokoartiger waren als alle zeitgenössischen englischen Gemälde. Siehe auch den Porträtisten der Regency Society Thomas Lawrence .

Der Neoklassizismus eroberte England von der Rückkehr von Robert Adam ins Land im Jahr 1758, aber selbst sein keuscher und epizänischer Stil erinnert an die zierliche, akribische Qualität der meisten französischen Rokokodekorationen, und sein Gothick ist so rokokoartig wie jede andere Dekoration jener Zeit in England. Der Schweizer Porträtist und Historienmaler, Angelica Kauffmann (1741-1807), von Sir Joshua Reynolds für ihre Porträtmalerei sehr bewundert, arbeitete mit Robert Adam an einer Reihe seiner architektonischen Dekorationen.

Der Rokoko-Stil in Deutschland – Merkmale

Im Gegensatz zu der hervorragenden Zurückhaltung des besten französischen Rokokos bietet Deutschland eine atemberaubende Auswahl einiger der empörendsten und großartigsten Rokokoarchitekturen und Innendekorationen in der Geschichte der europäischen Kunst.

Deutsche Rokoko-Architektur, Innenarchitektur und Dekoration

Dieser hohe Qualitätsstandard verbreitete sich von Architektur bis angewandte Kunst – Möbel, Einrichtungsgegenstände und Porzellan – obwohl diese nur selten die von Frankreich übertrafen. Nichts in Frankreich, Italien oder England des 18. Jahrhunderts kann mit dem bloßen Überfluss an architektonischen Meisterwerken wie Melk oder dem Dresdner Zwinger mithalten, und allein in der Zahl der erstklassigen Kirchen und Paläste übertrifft Deutschland die anderen. Dies mag darauf zurückzuführen sein, dass das, was wir heute Deutschland nennen, im 18. Jahrhundert in verschiedene Fürstentümer, Königreiche und Bistümer aufgeteilt wurde, so dass eine gewisse Rivalität die Schaffung von Gebäuden von größerer Bedeutung bestimmt haben muss – im Gegensatz zu Frankreich oder England wo die wirklich wichtigen Kommissionen ausnahmslos auf eine kleine Anzahl von Gönnern beschränkt waren.

Das deutsche Rokoko geht auf römische Kirchen des Barocks zurück, wie beispielsweise Berninis Sant ’Andrea al Quirinale, in dem Farbe, Licht und kunstvolle Skulptur kombiniert sind. Dies zeigt sich zum ersten Mal in Deutschland in der Abteikirche von Weltenburg, die nach 1714 erbaut wurde und deren ovale Kuppel innen weggeschnitten ist, um eine Freskenvision des Himmels von oben zu enthüllen.

Farbe war die Hauptsaite des deutschen Rokokobogens – Rosa, Flieder, Zitrone, Blau – alle wurden kombiniert oder einzeln als Aussagekraft verwendet, wie in der Amalienburg bei München. Die schwereren, geschwungenen Formen des Barocks verwandeln sich im deutschen Rokoko in mehr Staccato-Rhythmen, und man findet den Einfluss eines bedeutenden Barockdenkmals wie Berninis Baldacchino in St. Peter in Rom, verwandelt von Balthasar Neumann (1687-1753) in eine Konfektion der Ordnung des Hochaltars in Vierzehnheiligen, der vielleicht komplexesten und befriedigendsten deutschen Kirchen.

Während sich in Frankreich im 18. Jahrhundert die Raumformen nicht wesentlich änderten und sich der Plan der Kirchenbauten kaum änderte, erkundeten deutsche Rokoko-Architekten jede Möglichkeit. Die Wände scheinen nicht nur trotz ihrer enormen Ausmaße zu schwanken, sondern ganze Abschnitte scheinen weggeschnitten worden zu sein, so dass die riesigen Deckenfresken, die die meisten dieser Kirchen vollständig beherrschen, über dem Anbeter zu schweben scheinen.

Eines der aufregendsten Merkmale der deutschen Rokokoarchitektur ist die äußerst dramatische Lage einiger der wichtigsten Beispiele, wie der 1702 begonnenen Abtei von Melk von J. Prandtauer Zwei große Türme dominieren einen Innenhof, der von einem großen palladianischen Bogen nach außen geöffnet wird. Ein solches Gefühl für das Drama und für die totale Einbeziehung der Gläubigen nach außen und nach innen findet sich auch in Ettal in umgekehrter Rolle, wo das Kloster von den umliegenden Bergen dominiert wird.

Das weltliche Bauen erreichte ebenfalls ein hohes Maß an Perfektion. Die vielleicht raffiniertesten Beispiele finden sich in und um München, wo als Hofzwerg und Architekt Francois Cuvillies (1695-1768) war an vielen Bauwerken beteiligt, am schönsten vielleicht die Amalienburg. Dieser kleine Pavillon, der zwischen 1734 und 1739 erbaut und nach der Frau des Kurfürsten benannt wurde, hat nach Hugh Honours Worten „eine leichte Eleganz und eine hauchzarte Delikatesse“. Die sanft schwankende Front, das flache Rosten und die ungewöhnlichen Giebel künden von einem der schönsten Räume Europas – dem berühmten Spiegelsaal mit silbernem Rocaille vor puderblauem Hintergrund und funkelndem Glas. Am gegenüberliegenden Ende der Skala umrahmt das Cuvillies Residenz-Theater in München (1751-53) das gesamte Auditorium mit reich vergoldeten Figuren und Musikinstrumenten und kontrastiert lebhaft mit dem roten Damast und Samt der Wände und Sitze.

Potsdam und Dresden haben niemals einen so raffinierten Rokokostil hervorgebracht wie den Münchner, Gebäude wie der Zwinger (1709-19) von Poppelmann in Dresden besticht durch ihre Größe und den Überfluss an dekorativen Details. Die Wirkung dieser Art von Architektur ist auch in dem kleinen Palast von Sans Souci in Potsdam (1745-51) zu spüren, der für Friedrich den Großen erbaut wurde.

Das Rokoko in Deutschland ist in Bezug auf Größe, Opulenz und überwältigende Detailgenauigkeit europaweit führend.

Weitere Informationen zu Rokoko-Innenräumen in Russland finden Sie in der Arbeit von Bartolomeo Rastrelli (1700-71).

Spätere Rokoko-Varianten

Der Rokoko-Stil ist in Frankreich nie wirklich ausgestorben. Mit der Ankunft des Historismus in den 1820er Jahren fiel es vielen Handwerkern vergleichsweise leicht, ganze Innenräume und Gebäude im von Louis Phillipe und seiner Königin so beliebten "zweiten Rokoko" -Stil zu fertigen. Beispiele dafür gibt es in ganz Paris.

Die Wiederbelebung der Rokoko-Architektur und des Designs kam bereits 1828 mit Wyatvilles Waterloo-Kammer im Apsley House, den Innenräumen des Lancaster House und dem Elizabeth Saloon im Belvoir Castle nach England. Es gefiel den Reichen des Tages auf natürliche Weise, und die Rothschilds schmückten mehrere Häuser im Stil, einschließlich der tatsächlichen Innenausstattung aus dem 18. Jahrhundert in Waddesdon Manor in den 1880er Jahren.

Der Stil wurde von Ludwig von Bayern in seinem gleichnamigen Schloss Linderhof und Herrenchiemsee königlich bestätigt. Es wurde der anerkannte Geschmack in der Dekoration der vielen neuen Hotels des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts und "Le Gout Ritz" sollte ein Synonym für Luxus und Eleganz sein.