Geschichte der expressionistischen Malerei Automatische übersetzen
Einführung
Man kann zwar sagen, dass die expressionistische Malerei vom britischen Maler stammt JMW Turner (1775-1851) – siehe zum Beispiel sein außergewöhnliches Werk Interior at Petworth (1837, Tate) – die Geschichte von Expressionismus als Bewegung beginnt in Paris. Insbesondere im Jahr 1905 entstand eine neue Generation von Künstlern des 20. Jahrhunderts. Im Herbstsalon veranstaltete eine Gruppe eine Ausstellung, die Akademien in ganz Europa rocken sollte. Die Gruppe hatte sich gebildet Henri Matisse (1869-1954), seine anderen Mitglieder sind Albert Marquet (1875-1947), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Manguin (1874-1949), Kees van Dongen (1877-1968), Charles Camoin (1879-1965), Othon Friesz (1879-1949), Georges Rouault (1871-1958), Andre Derain (1880-1954) und Jean Puy (1876-1961). Die Werke, die sie ausstellten, erschreckten das Publikum aufgrund der starken Schlichtheit des Stils und der Art und Weise, wie sie aus hellen Farbkontrasten aufgebaut waren. Die Büste eines Kindes der herkömmlichsten Art stand unter ihren Gemälden und veranlasste eines der Kunstkritiker , der sehr einflussreiche Louis Vauxcelles , zu bemerken: "Donatello unter wilden Tieren" ("Donatello chez les Fauves"). So war der Name Fauvismus geboren. Merkwürdigerweise zeigten sowohl Kandinsky als auch Jawlensky ihre Bilder in derselben Ausstellung und strebten dieselben Ziele an wie die französischen Künstler, ohne von den Kritikern als fauvistische Maler bezeichnet zu werden.
Inzwischen hatte sich in Dresden ein Kreis von Architekturstudenten zu einer Gruppe von Künstlern zusammengeschlossen, die als Die Brücke bekannt waren und sich von denselben Modellen inspirieren ließen wie die Fauves: Van Gogh, Paul Gauguin und Georges Seurat. Die Brücke verkörperte die frühe Ästhetik von Deutscher Expressionismus Eine Bewegung, die sowohl abstrakte als auch gegenständliche Kunst umgestalten würde.
Eine Unzufriedenheit mit der traditionellen Auffassung der Realität, wie sie von dargestellt wird Impressionismus war das, was diese neue rebellische Generation auszeichnete. Diese Modernisten waren sich bewusst, dass die Darstellung äußerer Erscheinungen nur einen Aspekt der Realität umfasst und nicht zum Wesen der Dinge vordringen kann. Sie hatten erkannt, dass sowohl die sorgfältigste Analyse ihrer Beobachtungen als auch die Darstellung der mentalen Prozesse nicht ausreichten, um das gesamte Wesen auszudrücken.
Matisse formulierte es so: "Was ich vor allem erreichen will, ist Ausdruck. Ausdruck liegt für mich nicht in der Leidenschaft, die plötzlich ein Gesicht belebt oder die sich in einer heftigen Bewegung manifestiert. Es liegt vielmehr in der gesamten Organisation eines jeden Gemäldes Der Raum, den die Objekte einnehmen, die Leere um sie herum und die Proportionen spielen eine Rolle. " Und er fügte hinzu: "Der Hauptzweck der Farbe muss darin bestehen, den Ausdruck so gut wie möglich zu unterstützen." Matisses Ziel war es, die durch die Sinne erlebte äußere Realität mit der Realität der inneren Erfahrung des Künstlers in Einklang zu bringen. Dies war der Kampf um die künstlerische Synthese, auf den sich auch Kandinsky bezog.
Pioniere des Expressionismus
Die Räumlichkeiten, auf denen die Entwicklung der expressionistische Bewegung gegründet wurde, deutlicher hervortreten, wenn wir an Seurat, Gauguin und Van Gogh denken.
Georges Seurat (1859-1891) hatte einen kraftvollen und logischen Verstand, der von der Spontaneität von Claude Monet (1840-1926) und seiner Analyse des Lichts allein aufgrund des Instinkts nicht befriedigt wurde. Also versuchte er eine neue Art von Impressionismus zu kreieren – Neoimpressionismus – durch ein Verfahren zur Befreiung der Farbe von der Substanz, wobei die reinen Farben des Spektrums verwendet werden, um eine „Lichtmalerei in Farbe“ zu erzielen. Seine systematische Erforschung der Wissenschaft Farbtheorie in der Malerei Lichtanalysen und das Studium simultaner Farbkontraste führten ihn zu einer überraschenden Lösung: Auf der Palette waren keine Farben mehr gemischt; stattdessen wurde dies im Auge des Zuschauers erreicht. Die reinen Farben des Spektrums wurden daher als kleine Punkte nebeneinander auf die Leinwand gemalt – eine so genannte Technik Pointillismus . Sie verschmelzen auf der Netzhaut des Betrachters, der weit genug vom Bild entfernt ist. Die Bedeutung für die folgende Generation des Neo-Impressionismus war die Verwendung von reiner Farbe als Ausdrucksmittel.
Paul Gauguin (1848-1903) hatte auch eine neue kreative Route eröffnet. Sein Ausgangspunkt, der Impressionismus, blieb ihm zu naturnah. Er schrieb, dass die Impressionisten "die geheime Bedeutung des Denkens vernachlässigen. Kunst ist Abstraktion; ziehen Sie es aus der Natur, wie Sie davon träumen." Gauguin versuchte, der Malerei in seinen Figurenbildern eine Bedeutung zurückzugeben, die als universelles Bild der menschlichen Existenz interpretiert werden konnte. Beide im Pont-Aven Schule In der Bretagne, wo er eine Gruppe von Primitiven bildete, und später in der Südsee, suchte Gauguin die Urerfahrung, um einen wahrheitsgemäßen Ausdruck zu erreichen. Aus diesem Grund interessierte er sich sehr für primitive Kunst und Folklore und studierte die Japaner Ukiyo-e Farbholzschnitte die waren dann in Mode.
Infolge dieser Anregungen entwickelte er einen Stil der dekorativen Kunst, bei dem zweidimensionale illusionistische Techniken größtenteils aufgegeben wurden, um Erfahrungen darzustellen. In Pont-Aven er und Emile Bernard (1868-1941) entwickelten zwei Techniken, Synthetismus (c.1888-94) und Cloisonnismus (c.1888-94), bei dem die Farbe flach aufgetragen wird (dh mit wenigen schattierten Bereichen oder jeder Art von 3-D-Modellierung) und sorgfältig auf den abgebildeten Bildbereich aufgeklebt wird. gezeichnete Konturen im Stil von Glasmalereien. Eine Flachheit und ein rhythmisch dekorativer Zeichenstil waren die aktiven Elemente sowie Gauguins Überzeugung (ähnlich wie Kandinsky und Kupka), dass die Farbtonharmonien in der Malerei ihr Gegenstück zu den Harmonien der Musik hatten. Daher diese Berücksichtigung der psychologischen Bedeutung der Farbe, die es ermöglichte, auf eine Bedeutung hinzuweisen, ohne dass eine "literarische" Beschreibung erforderlich wäre. (Gauguins Ruf profitierte maßgeblich von seiner wichtigen Retrospektive, die er 1906 am Salon d’Automne in Paris.)
Vincent van Gogh (1853-90) wurde 1886 von seinem Bruder Theo sowohl Seurat als auch Gauguin vorgestellt. Er verdankte ihnen viel grundlegendes Wissen über die Ausdruckskraft reiner Farben und Linien. Sein Ausgangspunkt war jedoch nicht eine künstlerische Berechnung, sondern eine existenzielle Notwendigkeit. Für Van Gogh Gemälde erwies sich als die einzige Möglichkeit, seine ekstatische Liebe zum Menschen und zu Dingen zum Ausdruck zu bringen. Er setzte sich direkt der Gemeinschaft mit Gegenständen aus, um in die Blendung der Außenwelt und der Hölle einer anderen Realität einzudringen, die man in der intensivsten Erregung entdeckte. Diese Botschaft wird durch den verstärkten Ton seiner leuchtenden Farben und die dynamischen Pinselstriche wie Flammenzungen vermittelt, deren spontane Bewegungen die mentale Verfassung des Künstlers direkt widerspiegeln. Van Goghs Zwang, sich ungeschützt der Welt hinzugeben, um ihre Wahrheit zu erfahren, verbrauchte seine Kraft in kurzer Zeit. Die Art und Weise, wie er Kunst schuf – als Antwort auf existenzielle Qualen und um sein Leben zu opfern, wenn die Spannung unerträglich wurde – wurde für die Künstler, die im folgenden Jahrzehnt das Leben und die Kunst zu vereinen suchten, zu einem tragischen Schicksal. Sehen Sie seinen außergewöhnlichen gestischen Stil expressionistischer Malerei im Van Gogh Museum in Amsterdam und im Kroller-Müller-Museum in Otterlo.
Die Pariser Fauves
Die Schlussfolgerungen, die die Fauvistische Maler fortgeschritten im Jahr 1905 hatte sich langsam entwickelt. Die Gruppe um Matisse stellte keineswegs eine Schule dar und stellte kein verbindliches Programm auf. Im Gegenteil, es wurde von jedem Maler verlangt, dass er seine Individualität ausdrückt. Ihr gemeinsames Ziel war es, eine neue Form von Avantgarde-Kunst das würde als Kontrast zum Naturalismus der Impressionisten wirken. Während Matisse jedoch davon träumte, eine Kunst der Reinheit und Ruhe ohne Mehrdeutigkeiten zu schaffen, die geistige Beruhigung und Beruhigung der Seele bietet, betrachtete Vlaminck den Fauvismus als eine Art zu leben, zu handeln und zu malen. Die erstere Position impliziert die logische Perfektion formaler Methoden, die letztere eine spontane, auf Instinkt basierende Kreativität. Sie demonstrieren die ganze Bandbreite der verschiedenen künstlerischen Möglichkeiten, die der Begriff Fauvismus umfasst. Dies gilt umso mehr für den Expressionismus : Es ist die Summe der einzelnen Persönlichkeiten, die durch die besondere intellektuelle Stimmung einer Generation miteinander verbunden sind.
Die Fauves-Gruppe hatte sich aus Beziehungen zwischen Freunden entwickelt. Matisse und Marquet hatten sich 1892 während des Nachtunterrichts an der Kunstgewerbeschule in Paris kennengelernt. Matisse wechselte 1895 an die School of Fine Arts, wo sich Marquet ihm später anschloss. Hier trafen sie Kommilitonen Rouault, Manguin und Camoin im Atelier von Gustave Moreau (1826 & ndash; 98). Nach Moreaus Tod musste Matisse 1899 die School of Fine Arts verlassen und ging an die Academie Carrfere, wo Derain und Puy bereits arbeiteten. Derain, der wie sein Freund Vlaminck in Chatou bei Paris lebte, stellte letzteren Matisse 1903 bei der berühmten Van Gogh-Ausstellung vor. Während Matisse und seine Freunde in Manguins Atelier zusammenarbeiteten, malten Derain und Vlaminck in Chatou im selben Atelier. Zur gleichen Zeit hielten die Maler aus Le Havre – Othon Friesz, Raoul Dufy (1877-1953) und Georges Braque (1882-1963) – engen Kontakt.
Im Jahr 1901 hatte der Kreis um Matisse begonnen, in der Ausstellung Salon des Independants und ab 1903 im neu gegründeten Salon d’Automne . Bei beiden zeigten Van Dongen, Friesz und Dufy ihre Bilder. Sie entdeckten Gemeinsamkeiten und traten 1905 als Gruppe auf. Georges Braque war der letzte, der sich ihnen 1906 anschloss, aber kaum zwei Jahre später hatte er sich in Zusammenarbeit mit Picasso bereits dem Kubismus und der Abstraktion zugewandt.
Die Inspirationsquellen für die fauvistische Malerei waren Landschaften, Menschen und Gegenstände in ihrer alltäglichen Umgebung. Der Reiz war eigentlich fast gleichgültig, denn es ging nicht mehr darum, die Natur zu imitieren, das Auge zu täuschen, sondern durch subjektive Emotionen und Wahrnehmungen eine Interpretation zu ermöglichen. Künstler konnten sich nicht mehr mit der geordneten Welt der schönen Erscheinungen identifizieren und sie auch nicht mehr als wahr akzeptieren. Phantasie sollte den Platz der Beobachtung einnehmen.
Die Mittel für diesen Übergang standen bereits zur Verfügung: das Reine Farbpigmente der Neoimpressionisten, die ungebrochenen Oberflächen von Gauguin und die gesteigerte Ausdruckskraft von Van Gogh. Die Methode von Seurat erhielt jedoch eine neue Bedeutung. Es wurde zu einem Mittel, der Oberfläche des Gemäldes Rhythmus und Dynamik zu verleihen, was durch die Spontaneität der Pinselstriche gekennzeichnet ist. Die Konturen der Objekte wurden im Detail auf eine ornamentale Anordnung von Linien reduziert, die durch ihre starke Vereinfachung das Ausgedrückte verdichten und segmentieren. Infolge der Einführung des Anti-Naturalismus und einer sehr großen Intensität, die mit Hilfe von positiv aggressiven Kontrasten erreicht wurde, wurden Farben zum wahren Medium der neuen künstlerischen Realität. Diese Methoden wurden mit unkontrollierter Übermut, manchmal mit explosiver Kraft – ein Delirium, eine Orgie von Farbe wurde von da an ein wiederkehrendes Merkmal des Fauvismus.
Französischer Expressionismus und die Ecole de Paris
Die Erhöhung, die auf diese Weise aus jugendlicher Energie gewonnen worden war, dauerte jedoch nur einige Jahre, da man, wie Braque sagte, "nicht im ewigen Anfall bleiben kann". 1908 trat unter dem Einfluss von Cezanne das Bedürfnis nach Klarheit in der Konstruktion in den Vordergrund. Einige der Fauves folgten seinem Weg; andere kehrten zu einer Art spätem Impressionismus zurück. Ein individueller Weg wurde von Rouault beschritten, der als der einzige echte französische Expressionist gilt. Er war mit den Fauves verbunden und stellte mit ihnen aus, aber sein Gemälde ist voller menschlicher Probleme. Es ist eine Antwort auf existenzielle Qualen und eine Anklage gegen die Gesellschaft. Mit christlichem Mitgefühl offenbarte er die schreckliche Seite der Realität, die nur durch den Glauben erobert werden kann. Infolgedessen wurde Rouault mit seiner pastosen Technik und der unterdrückten Leidenschaft seiner Visionen zum wichtigsten religiösen Maler des 20. Jahrhunderts.
Die Arbeit von Picasso (1881-1973), der Anführer der Ecole de Paris entstand auch aus Mitgefühl und menschlichem Mitgefühl, denn in seinen frühesten Gemälden dramatisierte er das Elend mit kräftigen Farben. Anschließend gab er den Farbkontrast auf und konzentrierte diese Gefühlsgewalt nur auf eine Farbe – blau: siehe zum Beispiel – das Leben (1903, Cleveland Museum of Art) und Das Begräbnis von Casagemas (1901, Musee d’Art Moderne, Paris). Er erreichte die leidenschaftlichste Steigerung des Ausdrucks im Bild Les Demoiselles d’Avignon 1907 durch seine radikale Verzerrung der Objektform: Dieses Gemälde ist gleichzeitig die größte Errungenschaft des Expressionismus und das Schlüsselwerk des Kubismus. Siehe auch: Schluchzende Frau (1937, Tate, London).
In dem Orphismus des französischen Malers Robert Delaunay (1885-1941), ein weiteres wichtiges Mitglied der Pariser Schule, verwendete die Verzerrung als Mittel des dynamischen Ausdrucks zusammen mit dem aufgeregten Rhythmus seiner Farbe, um eine expressionistische Vision hervorzubringen, die aufgrund ihrer zersplitterten Wirkung und stürzenden Linien entstand das populärste Beispiel expressionistischer Malerei zu sein und ihren Einfluss insbesondere auf die deutsche Kunst bis in die 1920er Jahre auszudehnen.
Der glitzernde Beitrag von Modigliani (1884-1920) war notwendigerweise kurz. Als er 1906 in Paris ankam, kam er bald mit dem Kunstschriftsteller Max Jacob (1876-1944), dem Dichter und Kunstkritiker, in Kontakt Guillaume Apollinaire (1880-1918) und Picasso. Von Anfang an machte er sich das Porträtgenre zu eigen und später das weiblicher Akt und verschmelzen den Primitivismus von Afrikanische Skulptur mit expressiver Verzerrung und Dehnung. Noch heute sind seine expressionistischen Porträts und Akte aufgrund ihrer lyrischen Qualität und ihrer gedämpften Farben sofort erkennbar und bilden einen Teil der größte Gemälde des 20. Jahrhunderts der expressionistischen Schule.
Henri Le Fauconnier (1881-1946) benutzte wie Delaunay die kubistische Formzerlegung, um das Objekt zu analysieren und nicht als Ausdrucksmittel, und war in den Niederlanden besonders einflussreich. Dies gibt einen Hinweis auf das Spektrum des Expressionismus Französische Malerei , das von bedeutenden Malern, insbesondere aus Osteuropa, bereichert wurde, darunter – der in Paris lebende tschechische abstrakte Künstler Frank Kupka (1871-1957); Marc Chagall (1887-1985), der große jüdische Symbolist und surrealistische Maler; und Chaim Soutine (1893-1943), der intensive in Minsk geborene jüdische Expressionist mit seiner emotionalen Pinselführung; Alle waren bekannte Mitglieder der Ecole de Paris .
Die Anfänge des deutschen Expressionismus
Die Entwicklung in Deutschland verlief parallel zu der in Frankreich. Hier war 1905 mit der Gründung der Brucke in Dresden ein kritisches Jahr. Die Aktivitäten konzentrierten sich jedoch nicht wie in Paris auf einen Ort, sondern waren auf Einzelpersonen an verschiedenen Orten verteilt. Sie entwickelten sich unabhängig voneinander und waren dennoch mit der Situation in Europa verbunden. Dies bedeutete die Anpassung nativer Trends wie Jugendstil sowie lyrischer Naturalismus und das Kennenlernen einiger der in Frankreich entwickelten Grundsätze. Darüber hinaus lieferten die düsteren Leinwände des norwegischen Meisters Edvard Munch und die Symbolik des belgischen Malers James Ensor spezifisch deutsche Zutaten.
James Ensor (1860-1949) schilderten die abscheulichen Züge von Masken und fantastischen Geisterwelten mit recht realistischen, ja sogar impressionistischen Methoden. Als Introvertierter, von Mensch und Welt entfremdet, war er nicht in der Lage, die Realität zu erfassen. An seiner Stelle tauchte in seinen halluzinatorischen Phantasien eine Welt der Angst auf: skelettartig, versteckt hinter Masken und Verkleidungen und immer vom Verfall und Tod bedroht. Ensor malte nicht mit dem Ziel, seine Ausdruckskraft zu verstärken, sondern wurde von inneren Phantomen getrieben, die den mentalen Zustand des Künstlers direkt widerspiegeln. Diese schicksalhafte Entfremdung verband Ensor mit Van Gogh, aber auch mit Munch.
Edward Munch (1863-1944) hatte im Kreis von Van Gogh, Gauguin und Toulouse-Lautrec in Paris entscheidende Impulse erhalten. Er machte diese Eindrücke sinnlich und intensivierte seine Malerei zu einer für Nordeuropa typischen expressionistischen Kunst, die von Heuchelei und Melancholie genährt wurde. Er malte Landschaften mit mysteriösen Kräften; Männer geformt durch dunkle Impulse; Angst, Hass, Eifersucht, Einsamkeit und Tod; Gemälde, die zunehmend pessimistische Visionen des eigenen Schicksals des Künstlers waren.
Diese Offenbarung des Selbst, der innere Schrei, der sowohl Klarheit als auch Qual verstärkt, der neurotische und unterdrückte Geist von Munchs Kunst, war zu Beginn des Jahrhunderts ein Wegweiser. Gleichzeitig gab Munch der Wiederbelebung der Holzschnitte wichtige Impulse, die später durch Emil Nolde und Schmidt-Rottluff eine neue Bedeutung im deutschen Expressionismus erlangten.
Paula Modersohn-Becker, Christian Rohlfs und Emil Nolde
Am Anfang standen drei norddeutsche Künstler, die an verschiedenen Orten arbeiteten und ihre entscheidenden Erfahrungen aus der Heimat bezogen: Paula Modersohn-Becker, Christian Rohlfs und Emil Nolde.
Paula Modersohn-Becker (1876-1907) war 1898 als Zweiundzwanzigjähriger in die Künstlerkolonie nach Worpswede gekommen. Dieses Dorf in der Nähe von Bremen war einer der Orte, an denen sich Künstler zurückgezogen hatten, um die Harmonie zwischen Mensch und Natur in Worpswede wiederzufinden Abgeschiedenheit. Paula Modersohn-Becker ist der Lyrik schnell entwachsen Landschaftsmalerei was hier geübt wurde. Sie reduzierte das Erscheinungsbild von Objekten auf ihre formale Essenz, ein Verfahren, das in Worpswede als falsch angesehen wurde. Mehrere Aufenthalte in Paris ab 1900 bestätigten sie in ihrem Streben nach "einer großen Einfachheit der Form". Für sie entsprach es ihrer Liebe zum einfachen Leben, zu den einfachen Menschen, die sie malte. Sie hatte nur sechs Jahre, von 1901 bis 1907, um eine strenge und unsentimentale Form für den Ausdruck ihrer Gefühle zu entwickeln, die sich oft um Liebe und Mutterschaft drehten. Dabei hatte sie sich von der Kontingenz der Natur befreit und aus ihrer Gefühlsstärke allegorische Bilder geschaffen.
Die Kraft dieser neuen Richtung wird durch Christian Rohlfs (1849-1938) deutlich. Dreißig Jahre lang hatte er Landschaften in der intimsten Tradition des Realismus gemalt. Jetzt, im Alter von fast sechzig Jahren, packte er die künstlerischen Probleme der Zeit in einem Entwicklungsschub an. Schließlich trennte er Farbe von Substanz, verteilte sie dünn auf der Oberfläche – oft in Aquarellfarbe: Er gab ihr den Rhythmus durch eine unterbrochene Pinsellinie, die in ausdrucksstarken Arabesken spirituelle Erregung und lyrisches Gefühl vermittelt.
Der wichtigste der norddeutschen Maler war Emil Nolde (1867-1956), in dem sich die Verbundenheit mit dem Land am stärksten widerspiegelt. Nolde war wie Rohlfs der Sohn eines Bauern. Er wuchs in einer einsamen Landschaft auf, die ständig vom Sturm und einem heftigen Meer bedroht war. Die Formen der Natur wurden in seiner Vorstellung oft als groteske Geister und Dämonen lebendig. Dieses Naturerlebnis und eine Einfachheit, die auf dem Wort der Bibel basiert, bestimmten Noldes Kunst. Jede Beobachtung, sogar der Schrei von Tieren, nahm in seiner kreativen Phantasie die Form von Farbe an und verlangte, in Farbe umgewandelt zu werden, was aufregend vollbracht wurde. Dabei vertraute Nolde wie Vlaminck allein auf seinen Instinkt. Als er mit dem Malen anfing, begnügte er sich mit einer vagen Vorstellung von den Farben, aus denen sich das Bild im Verlauf des Malens frei entwickeln konnte. Es gelang ihm, die Natur durch Hinzufügung seiner eigenen mentalen und spirituellen Wahrnehmungen in eine expressionistische Vision zu verwandeln. Diese ekstatischen Farbstürme, in denen es Nolde gelang, seinen persönlichen Ausdruck zu intensivieren, übten einen starken Einfluss auf Die Brücke und ihre Mitglieder aus.
Die Brücke (c.1905-13)
Im Jahr 1905, wie wir gesehen haben, vier Studenten der Architektur, Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Fritz Bleyl (1880-1966), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976) und Erich Heckel (1883-1970), hatte in Dresden eine Künstlervereinigung gegründet, bekannt als Die Brücke , der alle revolutionären und innovativen Elemente anziehen wollte, um die Freiheit zu gewinnen, für die neue Generation zu schaffen.
1906 schlossen sich neben Nolde der Schweizer Cuno Amiet (1868-1961) und der Finne Axel Gallen-Kallela (1865-1931) der Gruppe an, beschränkten sich jedoch auf die gelegentliche Teilnahme an ihren Ausstellungen. Max Pechstein (1881-1955) trat ebenfalls 1906 bei; Er hatte eine Ausbildung an der Dresdner Akademie hinter sich und hatte bereits den Prix de Rome gewonnen . Außerdem war ab 1908 der ausdrucksstarke niederländische Maler Kees van Dongen (1877–1968) ein Sympathisant, während Otto Müller (1874-1930) wurde 1910 in den Kreis aufgenommen. Der an der Dresdner und der Münchner Akademie studierte und gelernte Lithograf hatte seinen persönlichen Stil, der mit den brillanten Farben wenig gemein hatte, bereits fast vollständig ausgearbeitet und flacher Stil von Die Brucke . Dennoch entsprach die sinnliche Harmonie zwischen Kunst und Leben, die er erreicht hatte, den Absichten der Freunde so perfekt, dass eine Partnerschaft die offensichtliche Schlussfolgerung war. Schließlich trat der Prager Maler und Grafiker Bohumil Kubista (1884-1918) 1911 in die Gruppe ein, obwohl kein enger Kontakt zustande kam.
Sie arbeiteten mit der Gewandtheit der Besessenen in einer Metzgerei in einem Dresdner Arbeiterviertel zusammen. Das Thema der Bilder wurde aus ihrem alltäglichen Umfeld übernommen: Landschaften, Straßenszenen, Porträts, Szenen in ihrem Atelier und Lebensmodelle.
Die Bilder sollten direkt mit Leben und Erfahrung gefüllt werden können. Sie entstanden aus "dem ganz naiven und unverfälschten Bedürfnis", zu bringen Kunst und Leben in Harmonie "(Kirchner). Künstlerische Impulse gingen zu einem großen Teil von Ausstellungen aus, die nach Dresden reisten: 1905 – Van Gogh; 1906 – Munch, Nolde, Seurat, Gauguin und Van Gogh; 1908 – Van Gogh, wiederum in über hundert Gemälden 60 der Fauves, darunter auch Kees Van Dongen, der aus diesem Grund zu Ausstellungen der Brucke eingeladen wurde: Was zunächst intuitiv in Kunst verwandelt wurde, wurde zu einer ausdrucksstarken Kunst verfeinert, die sich aus einem vereinfachten Linienmuster zusammensetzt. Komposition über große Flächen und reine Farbe. Holzschnitte Als Mittel zur Klärung der Form waren sie dabei von großer Bedeutung.
Eine weitere Inspirationsquelle war die Tatsache, dass sich die Freunde normalerweise in den Sommermonaten trennten, um das, was sie im Nachhinein unter gegenseitiger Aufsicht gelernt hatten, zu perfektionieren. Sie arbeiteten entweder im Dresdner Umland, in Goppeln oder an den Moritzberger Seen, in Dangast an der Nordsee, auf der Ostseeinsel Fehmarn oder an der Ostseeküste in Nidden und so weiter. Landschaft, der Akt und der Akt in einer Landschaft als Naturform waren wichtige Themen für Die Brücke . Der Zirkus und die Musiksäle waren ebenfalls beliebte Themen.
Natürlichkeit und Übertreibung boten die Möglichkeit, traditionelle bürgerliche Verhaltensweisen zu überwinden. Sie waren Straßen in Richtung des "neuen Mannes", den die Expressionisten mit optimistischem Eifer anriefen. Um die Universalität und Objektivität, auf die sie sich bezogen, abbilden zu können, wurde die Farbe unabhängig gemacht, von ihrer Funktion der Beschreibung des Objekts befreit und lediglich als Medium des Ausdrucks verwendet; seine Wirkung wurde durch einen Zeichenstil verstärkt, der das Objekt zu einer Chiffre reduzierte.
Im Jahr 1911 ließen sich die Maler der Brucke in Berlin nieder, wo in den letzten Jahren vor dem Ersten Weltkrieg die Anstrengungen dieser moderne Kunst wurden konzentriert. Kirchner reagierte am stärksten auf die Umweltveränderungen und stellte die hektischen, bösen und künstlichen Elemente der modernen Stadt in spannungsgeladenen und eindrucksvollen Gemälden dar.
Im Laufe ihrer sechsjährigen Zusammenarbeit waren die Persönlichkeiten der Künstler so ausgeprägt geworden, dass ihre Assoziation keiner inneren Notwendigkeit mehr entsprach. Pechstein war der erste, der ging, und 1913 löste sich Die Brucke auf, und jedes Mitglied arbeitete unabhängig weiter. Dennoch blieb für jeden das Ideal der absoluten Integrität, Beständigkeit und Verantwortung sowohl in der Kunst als auch in den menschlichen Beziehungen verbindlich.
Münchner Künstlervereinigung (1909-11)
Die Avantgarde-Künstler in München hatten sich relativ spät zu einer Gruppe organisiert. 1909 trat eine solche Körperschaft unter dem Namen Neue Kunstlervereinigung München NKV zusammen. Seine Gründungsmitglieder waren Alexei von Jawlensky (1864–1941), seine Begleiterin Marianne von Werefkin (1870–1938), Alexander Kanoldt (1881–1939), Adolf Erbsloh (1881–1947), Wassily Kandinsky (1866-1944) und sein Begleiter Gabriele Munter (1877-1962). Sie konnten sich auf die Ergebnisse stützen, die an anderen Orten erzielt wurden, als sie in ihrem Programm feststellten: "Wir gehen von der Idee aus, dass der Künstler kontinuierlich Erfahrungen in seiner inneren Welt sammelt, getrennt von den Eindrücken, die er von der Natur, dem Äußeren, erhält Die Suche nach künstlerischen Formen, die die gegenseitige Interpretation all dieser Erfahrungen zum Ausdruck bringen – nach Formen, die von allem Nebensächlichen befreit werden müssen, um das Existenzielle scharf in den Hintergrund zu rücken – kurz, der Kampf um eine künstlerische Synthese scheint wir sind ein banner, das derzeit wieder eine wachsende anzahl von künstlern vereint. "
Das Ziel der Neuen Künstlervereinigung war es, international zu sein. Ihre treibende Kraft kamen von den Russen, die sich intensiv mit der künstlerischen Entwicklung in Paris befasst hatten. 1906 hatte Kandinsky im Salon d’Automne ausgestellt und war während seines einjährigen Aufenthalts in Paris Mitglied der Jury geworden. Jawlensky hatte im Salon 1905 zehn Bilder mit den Fauves montiert und Matisse kennengelernt, in dessen Atelier er 1907 arbeitete. Als Gegenleistung erscheint es logisch, dass der Henri Le Fauconnier auch Mitglied der Münchner Gruppe geworden sein sollte.
Die starke internationale Ausstrahlung der Gruppe wurde auf der Gruppenausstellung im Jahr 1910 deutlich. Der Katalog enthielt Beiträge von Le Fauconnier, den Brüdern Burlyuk, Kandinsky und Odilon Redon (1840-1916), während die Ausstellung unter anderem auch Gemälde von Braque, Picasso, Rouault, Derain, Vlaminck und Van Dongen enthielt. Diese Ausstellung verursacht Franz Marc (1880-1916) und August Macke (1887-1914), um Kontakt mit der Gruppe aufzunehmen.
Der Blaue Reiter (1911-14)
Bis 1911 gab es jedoch bereits Risse in der New Artists Association und im Dezember 1911 eine Splittergruppe namens Der Blaue Reiter (The Blue Horseman) wurde von Kandinsky, Marc und Munter gegründet. Im selben Monat wurde hastig eine Ausstellung organisiert. Diese Ausstellung mit dem Titel "Erste Ausstellung der Redaktion des Blauen Reiters" zeigte 43 Werke von 14 Künstlern, darunter Delaunay, Heinrich Campendonk (1889-1957), Henri Rousseau (1844-1910), die Burlyuk-Brüder und Macke sowie die Organisatoren. Eine etwas größere Version der Ausstellung wurde 1912 in Berlin als Eröffnungsausstellung der Sturm Gallery eröffnet, die im Besitz von Herwarth Walden (1879-1941), mit weiteren Gemälden von Paul Klee (1879-1940), Alfred Kubin (1877-1959) und Jawlensky.
Die zweite und letzte Ausstellung der Gruppe Der Blaue Reiter wurde im März 1912 gezeigt. Sie enthielt grafische Arbeiten der Münchner Künstler sowie eine Sammlung von Modernisten wie Nolde, Jean Arp (1886-1966), Kasimir Malevich (1878-1966). 1935) und andere. Daraus wurde deutlich, dass hinter diesen Aktivitäten keine einheitliche Gruppe steckte – tatsächlich gab es keinen Versuch mehr, eine zu bilden.
Die Notwendigkeit dieser kleineren Allianzen war bereits von einer europäischen Bewegung überholt worden, die sich jetzt überall manifestiert. Der neue, den Expressionismus vorantreibende Impuls stammte vor allem von Kandinsky, aber auch von denjenigen um ihn herum – Jawlensky, Marc und Klee -, die alle die totale Befreiung des Bildes vom Objekt anstrebten. Kandinskys Problem, für das er ab 1912 Lösungen fand, bestand darin, einen Weg zu finden, eine Harmonie in der Farbe zu schaffen, die der in der Musik gleicht. Der Inhalt eines Gemäldes war von nun an die Orchestrierung von Farbe und Rhythmus der Formen, eine Schlussfolgerung, die auch Delaunay in Frankreich zog.
Tragischerweise hat der Erste Weltkrieg dieser Entwicklung ein Ende gesetzt. Kandinsky kehrte nach Russland zurück, Jawlensky wanderte in die Schweiz aus, Macke und Marc starben in den Schützengräben.
Expressionismus im Rheinland und in Berlin
Im Rheinland bildete sich ein kleineres Zentrum, das mehr für die Verbreitung und Anerkennung der neuen Kunst als für deren wesentlichen Beitrag von Bedeutung war – obwohl Macke, Campendonck, Nauen, Rohlfs und Morgner hier arbeiteten, um nur einige zu nennen. 1902 hatte Karl Ernst Osthaus aus privaten Mitteln ein Museum in Hagen eingerichtet; Dies brachte sehr schnell eine wichtige Sammlung von expressionistische Malerei und die Arbeit von Vorläufern, wodurch ein Beispiel mit bleibender Wirkung. 1909 wurde die Sezession westdeutscher Künstler und Kunstliebhaber gegründet, die eine gemeinsame Ausstellung französischer und deutscher Kunst veranstalten sollte. Dies gipfelte 1912 in der berühmten Ausstellung der Sezessionisten in Köln, die erstmals die postimpressionistische europäische Kunst unter dem Titel "Expressionismus" umfassend präsentierte.
Die neue Kunst war auch in der wichtigsten deutschen Kunstszene in Berlin erfolgreich. Die 1898 gegründete Berliner Sezession ließ den expressionistischen Bildhauer zu Ernst Barlach (1870–1938), Grafiker Max Beckmann (1884–1950), der Kubist Lyonel Feininger (1871–1956), Kandinsky, Munch, Nolde und Rohlfs sowie Nabis wie Pierre Bonnard (1867–1947), Maurice Denis (1870–1943) und der fauvistische Führer Henri Matisse (1869–1954) als Mitglieder und stellten Ausstellungsmöglichkeiten für die Fauves, die Gruppe Die Brucke und die Mitglieder der New Association of Artists . Nach Noldes Ausschluss im Jahr 1910 bildete sich eine Neue Sezession, in der sich junge Künstler versammelten.
Sturm Magazin und Bildergalerie
Im selben Jahr gründete Herwarth Walden das Wochenmagazin Der Sturm , ein polemisches Kampforgan für die neue expressionistische Literatur und Malerei, das bald eine erstaunliche Auflage von 30.000 Exemplaren erreichte. Im Jahr 1912 die Sturm Galerie wurde mit der ersten Ausstellung des Blauen Reiters gegründet und eröffnet und arbeitet von Oskar Kokoschka (1886-1980). Die italienischen Futuristen haben zur zweiten Ausstellung beigetragen. Es folgten Ausstellungen französischer Grafik, ’Französischer Expressionismus’, Werke des führenden belgischen fauvistischen Malers Rik Wouters (1882-1916) sowie Ensor, Delaunay, Kandinsky, Macke, Marc und der Prager Künstler Emil Filla (1882-1916). 1953) und Otto Gutfreund (1889-1927).
Walden hat die europäische Sphäre nie aus den Augen verloren, und der Höhepunkt der Aktivität bei der Ausstellungstätigkeit war der erste deutsche Herbstsalon von 1913, in dem er Werke von 85 Künstlern aus zwölf Ländern zusammenführte. Walden war ein hervorragender Veranstalter, der trotz bescheidener Mittel zahlreiche Ausstellungen nicht nur in Deutschland, sondern auch in Skandinavien, London und Tokio auf Tournee gehen ließ.
Italienischer Expressionismus: Futurismus
Italiens Beitrag zum Aufstand der künstlerischen Jugend Europas wurde 1912 durch die Italiener bekannt Futurismus Bewegung, deren Werke in Paris, Berlin, Moskau und Madrid ausgestellt wurden. Die Artisten Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carra (1881-1966), Luigi Russolo (1885-1947), Giacomo Balla (1871-1958) und Gino Severini (1883-1966) waren die wichtigsten Maler dieser Bewegung. Sie hatten 1910 das Futuristische Manifest unterzeichnet, das in einem Turiner Theater vor 3000 Zuschauern verkündet worden war. Unter der Führung des Dichters Filippo Marinetti (1876-1944) entstand eine äußerst radikale Kunstszene, die ihre Ideen bei Massenkundgebungen bekannt machte.
Italienische Schriftsteller und Maler fühlten sich gedemütigt, dass ihr Land in den vergangenen hundert Jahren in einen künstlerischen Provinzialismus verfallen war. Ihr nationales Bewusstsein, das dem Chauvinismus gleichkam, verlangte im politischen Bereich ein neues Reich, eine Hegemonie, auf die sie sich auch im Bereich der Kunst berufen hatten. Der künstlerische Imperativ wurde so zu einer nationalen Frage, die nur durch einen radikalen Bruch mit aller Tradition durch eine Kulturrevolution gelöst werden konnte. "Italien war lange genug ein Gebrauchtmarkt", lautete Marinettis Aussage in seinem ersten futuristischen Manifest, das 1909 in der Pariser Zeitung Le Figaro veröffentlicht wurde. "Wir wollen es von den unzähligen Museen befreien, die es wie unzählige Friedhöfe bedecken. "
Der Futurismus, die Kunst der Zukunft, die gegen die Tradition war, die jede Kreativität erstickte, war fasziniert vom Rhythmus des modernen Stadtlebens, vom Rausch der Geschwindigkeit und der Maschine.
"Ein Rennwagen mit Geschwindigkeit ist schöner als der Nike von Samothrace", kündigte Marinetti an, der das entscheidende Kriterium für den künstlerischen Ausdruck in der Dynamik der modernen Zivilisation sah. Anstelle der Darstellung eines statischen Objekts ging es fortan darum, dass durch Bewegung die Welt um uns herum, das Vorher und das Nachher, als wesentliche Bestandteile der Existenz des Objekts in das Bild einbezogen werden kann. Das Erscheinungsbild des Objekts wurde durch Vorwissen, durch Emotionen und durch Erinnerungen zu einer komplexen Realität erweitert, deren Elemente gleichzeitig abgebildet wurden. Mit Hilfe von Bewegung und Gleichzeitigkeit ist es ihnen gelungen, die unterschiedlichsten Ebenen der Realität durchdringen zu lassen und eine neue gestalterische Möglichkeit in der Kunst zu entdecken, die es ihnen erlaubt, die Macht der Straßen und des Lebens darzustellen.der Ehrgeiz und die Angst, die man in der Stadt sehen kann; das Gefühl der Besorgnis, das durch sein Geräusch erzeugt wird.
Die Futuristen hatten mit dem Neo-Impressionismus begonnen und sich auch ausgeliehen Kubismus ; sie wiederum lieferten jedoch ein Konzept für die Dynamik, die durch ihre Bewegungsanalyse erreicht wurde – die auch nach dem Ende des „klassischen“ Futurismus mit dem Ausbruch des Krieges weiterhin Einfluss auf Frankreich und Deutschland hatte.
Russischer Expressionismus
Ohne die Arbeit der Russische Künstler Die Kunst des Blauen Reiters wäre unvorstellbar und die der Pariser Szene umso ärmer. Die Entwicklung des russischen Expressionismus begann 1906 in Moskau mit der Gründung des gemeinsamen Vereins Die Himmelblaue Rose , dessen führende Mitglieder Michail Larionow (1881-1964) und Natalia Goncharova (1881-1962) waren. David Burlyuk (1882-1967) und sein Bruder Vladimir. Diese Künstler waren noch im selben Jahr in der Ausstellung von Russische Kunst im Pariser Salon d’automne . Sie entwickelten ihre Kunst in ständigem Kontakt mit Westeuropa.
Insbesondere die moderne französische Kunst war in Moskau seit der Ausstellung von 1907 kontinuierlich präsent, nicht zuletzt durch die großen Sammlungen von Ivan Morozov (1871-1921) und Sergei Shchukin (1854-1936). 1910 wurde in Moskau die Knave of Diamonds Artists Group gegründet, um die avantgardistische Kunst zu fördern, während die Burlyuks bereits eine futuristische Gruppe bildeten. Trotzdem betrachteten sich die Russen nicht als abhängig, sondern als verwandte Geister, wie sie im Almanach Der Blaue Reiter eindeutig feststellten. Als Inspiration für ihre expressionistische Kunst nannten sie Volkskunst, alte Kirchenfresken und Ikonenmalereien der Heiligen. Insbesondere der einflussreiche Larionov nutzte die naiven, lapidaren Gesten der Populärkunst und formte daraus den "Primitivismus" Donkey’s Tail Artist Group in dem Prozess.
Kontakte zum Kubismus und Futurismus führten Larionov und Goncharova zu Rayonismus . Dabei wurden Objekte und Figuren in Strahlendiagramme aufgeteilt, in Farbbündel, aus denen schließlich rein abstrakte Formen entstanden. Trotz ihrer Zugehörigkeit zum "traditionalistischen" und nicht zum "internationalen" Flügel der russischen Kunstszene verließen Larionov und Goncharova 1914 Russland und ließen sich in Paris nieder.
Verbreitung in ganz Europa
Im gleichen Moment das Gemälde des tschechischen Künstlers, Frank Kupka (1871-1957) entwickelten sich rasant vom Neoimpressionismus zu Bildern, die nur aus Farben ohne Bezug auf ein Objekt aufgebaut waren. Die tschechische Kunst, deren Zentrum Prag war, versuchte sich mit Frankreich zu verbinden, da Frankreich für diese Künstler ihre Opposition gegen die österreichisch-ungarische Monarchie symbolisierte. 1907 und 1908 zeigte die Gruppe Acht , zu der die bedeutendsten Maler der tschechischen Avantgarde wie Emil Filla, Bohumil Kubista und Antonin Prochazka gehörten, Werke, die sich bereits mit den Ideen der Fauves und der Expressionisten befasst hatten. Die Prager Künstler pflegten enge Kontakte. Sie waren Teil der europäischen Szene; ab 1911 nahmen sie an allen wichtigen ausstellungen in deutschland teil und organisierten andere, an denen die französische avantgarde und die brücke teilnahmen Maler nahmen teil.
Bald bildeten sich in Prag infolge der Risse verschiedene Gruppierungen; sie gingen von sehr ähnlichen Prinzipien aus, griffen sich aber wegen Problemen der theoretischen Interpretation und der kreativen Entwicklung des Kubismus heftig an. Die kubistische Methode wurde jedoch in jedem Fall von expressionistischer Emotionalität überlagert und mit der einheimischen Barocktradition verschmolzen; eine starke Vorliebe für allegorische und visionäre Szenen schuf damit einen ganz bestimmten kubo-expressionistischen Stil.
Die Niederlande, Belgien und Skandinavien, die mit Van Gogh, Ensor und Munch den Weg für den europäischen Expressionismus gewiesen hatten, wurden von diesen künstlerischen Entwicklungen zu Beginn des Jahrhunderts kaum berührt. Tatsächlich produzierten sie erst in den 1920er und 1930er Jahren expressionistische Werke, als der Stil schließlich von Belgiern aufgegriffen wurde expressionistische Maler wie Frits Van Den Berghe (1883-1939), Constant Permeke (1886-1952), Albert Servaes (1883-1966) und Gustave de Smet (1877-1943).
Expressionistische Kunst nach dem Ersten Weltkrieg
Die künstlerischen Ziele haben sich infolge der verheerenden Folgen des Krieges grundlegend geändert. Für die Generation der um 1880 geborenen Künstler, die nun in das mittlere Leben eintraten, war eine jugendliche und revolutionäre Haltung nicht mehr glaubwürdig. Die Visionen, die sie aus ihrer jugendlichen Begeisterung gewonnen hatten, verblassten vor dem Schrecken der Wirklichkeit: Das rasend berauschte Ego des Künstlers konnte seine überwältigenden und schrecklichen Empfindungen nicht kontrollieren, geschweige denn die Form durch verstärkten Ausdruck begreifen. Die Veränderung der Realität verlangte mehr Ruhe in der Form, erforderte ein Objekt als Ausdrucksgrundlage.
Besonders die jüngere Generation in Deutschland Otto Dix (1891-1969), George Grosz (1893-1959) und Ludwig Meidner (1884-1966), für den der Expressionismus Revolution und Öffnung bedeutete, verfolgten ihn kurze Zeit als Nachkriegskonzept, insbesondere in der Die Neue Sachlichkeit Stil der "Neuen Sachlichkeit". Der expressionistische Eifer, der nach Kriegsende als Mittel zur politischen Aktion eingesetzt wurde, war jedoch erschöpft.
"Der Expressionismus hat nichts mehr mit den Bestrebungen aktiver Menschen zu tun", kündigte der Dada Manifest 1918 etwas verfrüht. Tatsächlich entwickelte sich der expressionistische Impuls weiter: entweder durch Wahrhaftigkeit (Dix, Grosz, Beckmann), Landschaftsmalerei (Kokoschka), Neoklassizismus (Picasso), Surrealismus (Joan Miro, Yves Tanguy, Arshile Gorky) und Kubismus (Picassos Porträts von Dora Maar).
Später, mit Beginn des Zweiten Weltkriegs, ging die expressionistische Fackel in die Neue Welt über, in der die Amerikaner lebten New Yorker Schule erfand einen ganz neuen Stil von Abstrakter Expressionismus , der nach Europa als zurückkehrte Art Informel .
In einigen von ihnen sind frühe Werke des französischen und des deutschen Expressionismus zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt.
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