Gotische Bilderhandschriften, Psalter Automatische übersetzen

Mittelalterliche Buchmalerei
(1) Mittelalterliche Handschriftenbeleuchtung (c.1000-1500)
(2) Romanische Bilderhandschriften (c.1000-1150)
(3) Gotische Bilderhandschriften (um 1150-1350)
(4) Internationale gotische Buchmalereien (c.1375-1450)

Für einen Überblick über christliches Kunsthandwerk während
Das Mittelalter finden Sie unter: Mittelalterliche Kunst (c.450-1450).

Von der Romanik bis zur Gotik

Wenn wir ein Manuskript aus dem zwölften Jahrhundert wie das dritte Leben von St. Amand mit einem Buch aus der Mitte des dreizehnten Jahrhunderts wie dem Psalter von St. Louis vergleichen , können wir sehen, dass eine große Veränderung im Stil von stattgefunden hat mittelalterliche Malerei in der ersten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts. Die vollständige Änderung der Einstellung kann nicht auf einem einfachen Weg verfolgt werden. Vorher kann man den neuen gotischen Stil von Gemälde In seiner Gesamtheit muss ein halbes Jahrhundert komplexer Ideen und Widersprüche entwirrt werden.

Zum Teil ist der Rückgang von Romanische Malerei und die Entstehung des neuen Stils von Gotische Kunst ist in Frankreich, wie in England, auf neuen Kontakt mit Byzantinische Kunst entweder über Sizilien oder von Konstantinopel aus. Ein neuer Naturalismus macht sich insbesondere in einem Buch wie der Souvigny-Bibel (Paris, Bibliotheque Nationale) bemerkbar, in dem die Szenen von einem neuen Sinn für Form und Komposition durchdrungen sind. Die Frage, wo diese neue Bewegung zum ersten Mal auftauchte, wird durch die Tatsache erschwert, dass Canterbury eine Gruppe von Büchern übergeben wurde, die wahrscheinlich während des Exils von St. Thomas Becket in Frankreich verfasst wurden. Ein Mönch von Canterbury, Manerius, war der Schreiber einer dreibändigen Bibel (Paris, Bibliotheque Ste Genevieve). Die Bibel von Saint-André-au-Bois (Boulogne, Bibliotheque Municipale) enthält Initialen mit Kämpfern von außergewöhnlicher Gewalttätigkeit. Diese beiden Bücher können zusammen mit mehreren anderen aufgrund des Stils ihrer Initialen zusammengefasst werden. Alle sind mit dichtem Akanthuslaub verziert, das aus einem geordneten Stängelmuster hervorgeht, und alle haben eine kräftige Färbung.

In diesen frühen Übergangsbüchern wird die Bedeutung von Mosan hervorgehoben Metallarbeiten muss nochmal betont werden. Viele der kleinen Werke von Bronzeskulptur aus der zweiten hälfte des zwölften jahrhunderts haben bemerkenswert naturalistische vorhänge mit dem stoff von den knien in einer reihe von parallelen falten zurückgezogen. Die Tafeln auf dem Klosterneuburger Altar, hergestellt im Jahr 1181 von Nikolaus von Verdun – der führende Exponent von Mosanische Kunst – Figuren eines Stils haben, die sich in einem Buch wie Ingeborg Psalter (Chantilly, Musee Conde) widerspiegeln. Dieser Psalter wurde für die dänische Königin von Philip Augustus, König von Frankreich, geschrieben und wahrscheinlich um 1200 hergestellt. Die Bilder haben die metallische Qualität ihrer Prototypen angenommen und die Vorhänge haben die schwingenden, horizontalen Falten der Arbeit von Nicholas von Verdun. Dieser Stil tritt in einigen Fällen in einem anderen Medium wieder auf Steinskulptur in der Kathedrale von Reims.

Das Skizzenbuch von Villard d’Honnecourt passt nicht ohne weiteres in eine Einführung zu illuminierte Manuskripte , aber trotzdem ist es erwähnenswert. Architekturentwürfe müssen in Musterbüchern von einem Zentrum zum anderen getragen worden sein. Leider galten diese nicht als wichtige Gegenstände und wurden von späteren Generationen zerstört. Das Skizzenbuch von Villard hat sich jedoch erhalten und erzählt viel über die Verbreitung künstlerischer Ideen. Er zeichnete Strebepfeiler, Rosettenfenster und Grundrisse vor allem aus der Sicht eines Architekten. Es ist jedoch sehr wahrscheinlich, dass Maler auch Skizzenbücher verwendeten, und das finden wir schließlich auch Mittelalterliche Künstler , Maurer und Metallarbeiter teilten alle das gleiche Grundrepertoire an Formen. Abgesehen von der Zeichnung wurde der neue Stil maßgeblich von der Kunst der Glasmalerei . Obwohl die romanische Kunst der Glasmalerei große Aufmerksamkeit schenkte, war der Bereich, der ihr in den romanischen Kirchen gewidmet war, vergleichsweise klein, und die Dekoration bestand hauptsächlich aus Wandmalerei , denen große Flächen gewidmet sein könnten. Aber gotische Architektur perfektionierte die Technik des Steinhochsprungs und konnte die Last mit Hilfe von fliegenden Strebepfeilern erleichtern und weitaus größere Fensteröffnungen herstellen. Diese wurden mit Buntglas gefüllt. Dieses neue Medium eröffnete den bildenden Künstlern, die wiederum das Bildgeschehen beeinflussten, einen großen Spielraum Herstellung von illuminierten Manuskripten , sowohl in der Zusammensetzung als auch in der Farbe.

HINWEIS: Einzelheiten zum ältesten bekannten beleuchteten biblischen Text finden Sie in: the Garima-Evangelien (390-660) aus dem äthiopischen Kloster Abba Garima.

Französische gotische Illuminationen

Es ist kein Zufall, dass dieser neue Stil von Christliche Kunst wurde in Frankreich geboren. Die Universität von Paris war im 13. Jahrhundert das geistige Zentrum Europas, und seit der Zeit von St. Louis (1226-70) gewann der französische Hof zunehmend an Bedeutung. Studenten und Wissenschaftler aus allen Teilen des Kontinents strömten nach Paris, um wissenschaftliche Angelegenheiten zu lernen und zu diskutieren. Ritter, die von den Kreuzzügen zurückkehrten, brachten Theorie und Wissenschaft des Ostens ein. Mit dem Aufstieg der Universität, die Bedeutung der Klöster als Zentren der Buchillustration und die Beleuchtung nahm ab. Kommerzielle Zünfte wurden gegründet und Bücher für den privaten Gebrauch hergestellt. Große Zeremonienbücher, reichlich beleuchtet und mit Ornamenten verziert Schmuck , wurde seltener und wir müssen den stilistischen Entwicklungen hauptsächlich in Psalters folgen, die die hochgeborenen Laien sich zu eigen machten. Schließlich machte der Psalter noch kleineren Stundenbüchern Platz , aber erstere waren im 13. Jahrhundert populärer.

ANMERKUNG: Muster und Motive, die in gotischen Beleuchtungen und Illustrationen verwendet wurden, hatten einen starken Einfluss auf die dekorativen Merkmale, die in verwendet wurden Extravagante gotische Architektur (1375-1500).

Die Entwicklung in Französische Malerei während der ersten Hälfte des Jahrhunderts kann in einer Folge von Psaltern für das Königshaus in Paris geschrieben verfolgt werden. Der erste dieser Gruppe wurde bereits erwähnt; es ist die Ingeborg Psalter (Musee Conde, Chantilly), die für die Königin von Philip Augustus geschrieben wurde. Zweitens gibt es den Psalter von Blanche von Kastilien , ein Buch, das wahrscheinlich von ihrem Ehemann Louis aus York mitgebracht wurde. Es ist unwahrscheinlich, dass eines dieser Bücher in Paris geschrieben wurde. Der Ingeborg-Psalter hat eindeutig mosanische Merkmale und der von Blanche von Kastilien hat viele englische Merkmale. Im Gegensatz dazu scheint ein Psalter, der um 1230 für die norwegische Prinzessin Christine geschrieben wurde, in Paris geschrieben worden zu sein. Zum selben Zeitpunkt stammt ein weiterer Psalter aus Paris, der immer mit dem Namen Blanche von Kastilien in Verbindung gebracht wurde (Paris, Bibliotheque de l’Arsenal). Es zeigt in Medaillons eingeschlossene Szenen, die wie Glasmalereien ineinander greifen. In den skulpturalen Falten des Madonna-Gewandes bleibt eine Erinnerung an den Ingeborg-Stil erhalten, aber dieser Manierismus wird in den kleineren Figuren aufgegeben. Das reichhaltige, fleischige Akanthus-Laub in der Bordüre erinnert noch immer an Bibeln des späten 12. Jahrhunderts, mit ihren gewellten Rändern und der merkwürdigen Methode, eine Blattfalte durch eine Reihe weißer Punkte anzuzeigen. Beliebige Elemente von Romanische Kunst fehlen völlig in einem Psalter um 1250 (Paris, Bibliotheque Nationale). Hier sind die Szenen unter den Trilobat-Architraven farbenprächtig. Die Figuren, die sich auf einem Grund aus gemustertem Gold befinden, werden mit einer neuen Einfachheit behandelt. Vorhangkonventionen weichen einem neuen Interesse an weichen vertikalen Falten und aufgeräumten Konturen.

Diese letzten beiden Psalter bilden die Bühne für den aufwendigsten Psalter von allen: den Psalter von St. Louis (Paris, Bibliotheque Nationale). Diese exquisite Arbeit von Biblische Kunst , entstand zwischen 1253 und dem Tod des Königs im Jahr 1270. Es enthält achtundsiebzig ganzseitige Abbildungen von Szenen aus dem Alten Testament. Das Buch steht in engem Zusammenhang mit anderen künstlerischen Aktivitäten von St. Louis, wie dem die Architektur es enthält eine exakte Kopie von Sainte Chapelle (1241-48), erbaut von seinem Architekten Pierre de Montreuil. Reich bemalt Farbe Die Figuren stehen vor einem Hintergrund aus schimmerndem Gold, das sie in herrlichem Sonnenlicht zu tauchen scheint. Sie haben ein äußerst elegantes Design mit kleinen Köpfen und großen, dünnen Körpern, die sich mit Leichtigkeit bewegen. Dies ist vor allem eine ’Edition de Luxe’, die des großen Königs würdig ist.

Die Typologie der Bibel Moralisee war ein Produkt des dominikanischen Gelehrten Hugo von St. Cher aus dem 13. Jahrhundert. Es enthält Szenen aus der Bibel, denen Szenen von moralischer Bedeutung gegenüberstehen. Es wurden mehrere Exemplare dieses großartigen Werks angefertigt, von denen das wichtigste die Bibel Moralisee de St Louis (Paris, Bibliotheque Nationale, London, British Museum und Oxford, Bodleian) ist. Dabei werden die Texte durch die Verwendung von Abbildungen untermauert und jedes biblische Ereignis mit seinem moralisierenden Gegenstück dargestellt. Die Seiten wirken wie Glasmalereien, die auf Pergament übertragen werden. Jedes Folio hat Medaillons, die in vertikalen Reihen von vier mit dazwischenliegenden Textstreifen angeordnet sind, die die Pfosten der Fenster ersetzen. Die Farbe hat eine Leuchtkraft, die normalerweise mit Glasmalerei und Glasmalerei assoziiert wird figur malerei zeichnet sich durch starke Konturen aus, die an die Leads erinnern. Manchmal variiert die tatsächliche Qualität, aber die Künstler müssen bis zu einem gewissen Grad entschuldigt werden, da das gesamte Buch über fünftausend Medaillons enthielt.

Gegen Ende des dreizehnten Jahrhunderts sehen wir die Entstehung des Manuskriptillichters als eine eigenständige künstlerische Persönlichkeit. Mehr als ein Hinweis bezieht sich auf einen Master Honore der Rue Boutebrie in Paris. Sein Name kommt in den Geschäftsbüchern des Königs und in einem Manuskript, Decretals of Gratian (Tours, Bibliotheque Municipale), vor. Auf der Grundlage eines stilistischen Vergleichs können andere Bücher Meister Honore zugeschrieben werden, insbesondere das Brevier von Philipp dem Schönen (Paris, Bibliotheque Nationale). Es handelt sich um ein weiteres Buch für das Königshaus, das historische Initialen und eine ganzseitige Illustration von Szenen aus dem Leben Davids enthält. Die Erzählung ist leicht zu folgen, wobei die Namen der Hauptfiguren unter den Figuren stehen. Diese Arbeit markiert den Höhepunkt der Trends, die zu Beginn des Jahrhunderts eingesetzt wurden. Die Szenen sind voller Leben und die Bewegung der Figuren ist deutlich unter den Vorhängen zu sehen. Der Künstler behält weiterhin die gemusterten Hintergründe bei, hat jedoch in der unteren Szene Elemente von eingeführt Landschaftsmalerei , wie Hügel, die mit Bäumen verstreut sind, um eine naturalistische Umgebung zu suggerieren.

Jean Pucelle (c.1290-1334), der im zweiten Viertel des vierzehnten Jahrhunderts in Paris arbeitete, war ein weiterer professioneller Illuminator wie Master Honore. Pucelle war zweifellos der Künstler der Belleville Breviary (1326) und die Billyng – Bibel (beide in der Bibliotheque Nationale, Paris) sowie seine Hand lassen sich auch in mehreren anderen Stundenbüchern nachweisen, insbesondere in seinem Meisterwerk Stunden von Jeanne d’Evreux (1324-28, The Cloisters, Metropolitan Museum of Art, New York). Der Künstler verwendete die in Nordfrankreich und England so beliebten Randverzierungen und füllte die Ränder mit rustikalen Szenen aus dem Alltag. Schmetterlinge und Schnecken hängen an reifen Erbsenranken, und Libellen gleiten zwischen den Blättern, während der Bauer die Ernte sammelt. Sein Interesse an Naturalismus ist ein Beispiel für die Arbeiten der Monate, in denen die üblichen Szenen wie Holzhacken oder Säen durch einen Baum ersetzt werden, dessen Zweige die Laubveränderung zu verschiedenen Jahreszeiten zeigen. Obwohl Jean Pucelle der Nachfolger von Meister Honore und im Wesentlichen ein Pariser Künstler ist, ist er wichtig, weil er auch Kenntnisse des Italienischen aufweist Sienesische Malschule , ein wichtiger Schwerpunkt von Trecento Art . Der päpstliche Hof übersiedelte 1309 von Rom nach Avignon, und der große sienesische Künstler Simone Martini (1285-1344), arbeitete dort in den letzten Jahren seines Lebens. Trotz eines etwas oberflächlichen Verständnisses der italienischen Art konnte Pucelle noch nicht begreifen Geradlinige Perspektive und die plastische Behandlung von Volumen und Raum. Um diese Lektionen in Italien vollständig zu meistern, müssen wir auf eine andere Generation warten, deren Erfolge im Allgemeinen unter der Überschrift des Internationaler gotischer Stil der Kunst. Darunter waren Künstler wie Jacquemart de Hesdin (c.1355-1414) und das als Brüder Limburg (alle starben 1416), sowie der provenzalische Schöpfer des Wundervollen Avignon Pieta (1454-6) – Enguerrand de Quarton (c.1410-1466).

Englische gotische Illuminationen

In unserem Artikel über romanische Buchmalerei haben wir die Zeichen einer Veränderung festgestellt, die durch die Winchester-Bibel (um 1170) belegt ist, aber es wird in den nächsten fünfzig Jahren kein besonderes Werk geschaffen, das man als ein wirklich gotisches Manuskript bezeichnen kann. Die Übergangsphase ist ein langwieriger Prozess von Experiment und Veränderung. Die engen stilistischen Ähnlichkeiten zwischen in Frankreich und in England verfassten Manuskripten wurden bereits erwähnt. Ihr Ziel kann oft durch die Aufnahme oder den Ausschluss bestimmter Heiliger in den Kalender bestimmt werden, aber in der Regel sagt auch dies nicht viel über die Nationalität des Künstlers aus, da es sicherlich französische Künstler gab, die in englischer Schrift arbeiteten, und Engländer, die in Frankreich arbeiteten. Die Pariser Kopie des Utrecht-Psalters scheint ein typisches Beispiel zu sein.

Weitere Informationen zu früheren englischen und irischen Beleuchtungen im Inselstil finden Sie unter: Book of Durrow (c.680), Lindisfarne Evangelien (c.700), Echternacher Evangelien (c.700), Lichfield-Evangelien (c.730) und Buch von Kells (c.800), insbesondere seine Monogramm-Seite (Chi / Rho).

Gegen Ende des zwölften Jahrhunderts weicht die Mode für große Bibeln, die für zeremonielle Zwecke bestimmt sind, kleineren Werken für theologische Studien und Psalters für die privaten Andachten von Laien. Mit der Änderung des Maßstabs der Bücher, der Qualität der religiöse Kunst in ihnen neigten dazu, zarter und winziger zu werden, und ebneten den Weg für die Miniaturmalerei der internationalen Gotik. Die monastic scriptoria überlebte jedoch in England länger als in Frankreich, und zumindest bis zur Mitte des 13. Jahrhunderts gab es in St. Albans und Winchester große Aktivitäten.

Die Übergangszeit ist in einem Werk wie dem Huntingfield Psalter (New York, Pierpont Morgan Library) gut illustriert. Ein Buch, das ähnliche Tendenzen zeigt, ist der Psalter von Imola . Der Anfang des ersten Psalms ist auf einer doppelseitigen Öffnung dargestellt, wobei das anfängliche „B“ von „Beatus“ einer verzierten Seite mit dem ersten Vers des Psalms gegenübersteht. Das ’B’ enthält den Traum von Jesse. Eine ruhige, ausgeglichene Ordnung durchdringt die Illustration, in der Könige und Propheten symmetrisch an den Zwischenräumen von Initiale und Grenze stehen und die durch Geschichten aus dem Leben Davids bereichert sind. Die Anordnung des Textes auf farbigem Grund war zu diesem Zeitpunkt sehr beliebt und von nüchterner Schönheit.

Die De-Bello-Bibel (London, British Museum) wurde von 1224 bis 1253 für Robert de Bello, Abt von Canterbury, geschrieben. Sie ist größer als die meisten Bücher dieses Datums und hat zu Beginn des Buches Genesis eine große Initiale, die mit Szenen gefüllt ist von der Schöpfung. Um Platz für Szenen der Erbsünde zu schaffen, wurde das anfängliche T unten in eine L-Form erweitert, sodass nur eine Textspalte Platz findet. Jede Szene ist in einem Medaillon enthalten, wie in den zeitgenössischen französischen Büchern, aber die Blattprojektionen vom Rand der Initiale sind ein neues Merkmal und werden in späteren Büchern viel ausführlicher behandelt.

Einige der besten Bücher des zweiten Viertels dieses Jahrhunderts sind mit der Schattenfigur W de Brailes verbunden . Nur der Name des Künstlers ist bekannt. Woher er kam, ob er ein Mönch oder ein weltlicher Geistlicher war, ein reisender Künstler oder in einem einzigen Skriptorium beheimatet, sind Fragen, auf die Antworten nur spekulativ sein können. Sein Name kommt in zwei Manuskripten vor und mehrere andere werden aus stilistischen Gründen zugeschrieben. W. de Brailes hat alle Fähigkeiten eines guten Geschichtenerzählers. Er ist in der Lage, die Ideen seiner lebhaften Vorstellungskraft in lebendig gemalte Geschichten umzusetzen. Mit einer bemerkenswerten Kenntnis der Details der biblischen Ereignisse zögerte er nicht, sie in seine Erleuchtungen einfließen zu lassen. Die Blätter eines Psalters (Cambridge, Fitzwilliam Museum) enthalten eine Instanz von W de Brailes ’Autogramm; es wird auf charmante Weise auf einer kleinen Figur gezeigt, die aus dem Verdammten im Jüngsten Gericht hervorgegangen ist, anscheinend in der Hoffnung, dass seine Arbeit durch Erlösung belohnt wird.

Eine weitaus greifbarere Persönlichkeit ist Matthew Paris . Paris wurde um 1200 geboren und trat 1217 in das Kloster von St. Albans ein. Es ist bekannt, dass es Kontakt mit dem König und anderen Adligen hatte. Im Jahr 1235 wurde er zum Historiker der Abbey of St Albans ernannt und komponierte zwei Chroniken, die jetzt zwischen dem British Museum und dem Corpus Christi College in Cambridge aufgeteilt sind. Eine der separaten Seiten, die in die Chroniken eingebunden sind, hat eine Zeichnung der Madonna und des Kindes. Dieses berühmte Blatt, das Paris zeigt, wie es am Fuße der Madonna niedergeworfen ist, ist ein monumentales Kunstwerk. Die Qualitäten von Paris als Zeichner werden reichlich gezeigt und geben dem figur zeichnung eine feste, ausdrucksstarke Form. Die Figuren haben eine königliche Ausgeglichenheit, werden aber durch den lebhaften Umgang mit den Vorhängen, die mit blassen Farbtupfern getönt sind, zum Leben erweckt. Der Text der Chronik ist reich illustriert mit relevanten Szenen, die am Rand und am Fuß der Seiten skizziert sind, und gibt uns einen lehrreichen Überblick über historische Ereignisse zwischen 1230 und 1251. Nicht alle Illustrationen in einem Werk dieser Größenordnung stammen von Der Meister selbst, aber eine Konsistenz des Themas legt nahe, dass Matthew Paris für das Design der gesamten Serie verantwortlich war.

Der Einfluss von Matthew Paris ist stark in einer Gruppe von Apokalypsen zu spüren, die aus St. Albans stammen. Eine große Gruppe dieser Art aus dem romanischen Spanien wurde bereits erwähnt, aber die plötzliche Popularität der Apokalypse in der Mitte des 13. Jahrhunderts in England ist schwer zu erklären. Zu den besten gehört das Trinity College in Cambridge, dem Szenen aus dem Leben des heiligen Johannes vorangestellt sind. Eine weitere interessante Apokalypse wurde von einem englischen Adligen in St. Albans in Auftrag gegeben. Französisch war die akzeptierte Sprache des Aristokraten, und dementsprechend ist dieses Buch in dieser Sprache und zufällig nicht in England, sondern in der französischen Hauptstadt (Bibliotheque Nationale) aufbewahrt. Oben auf den Textseiten befinden sich zweiundneunzig Abbildungen, und dem Text sind wiederum ganzseitige Szenen aus dem Leben des hl. Johannes vorangestellt, die in zwei Ebenen angeordnet sind. Die Abbildungen umfassen wie die in den Chroniken Federzeichnungen mit Farbwäschen. Diese Vorliebe für das Umrisszeichnen, die im angelsächsischen Winchester zu spüren ist, hält bis in die Gotik an. Szenen sind mit animierten Figuren gefüllt, aber jetzt wird die Bewegung der Figuren in festeren Formen ausgedrückt, wobei Schatten helfen, den Körper zu formen. (Siehe auch: Englische gotische Skulptur c.1150-1250.)

Mit der Änderung der Schirmherrschaft änderte sich auch die Auswahl der Themen. Darstellungen der Madonna und des Kindes sind in romanischen Büchern vergleichsweise selten, aber mit dem Aufkommen einer sanfteren, menschlicheren Herangehensweise sind Gemälde der Jungfrau und des Kindes in vielen gotischen Psaltern enthalten . Die Zeichnung von Matthew Paris wurde bereits erwähnt. Ein berührendes Beispiel findet sich auch im Amesbury Psalter (Oxford, All Souls College), wo eine Nonne, wahrscheinlich die Besitzerin des Buches, zu Füßen der Madonna gesehen wird, die ihr Kind säugt. Die Nonne erscheint wieder zu Füßen Christi in Majestät, wo die Kulisse mit aufwändigen architektonischen Details arrangiert ist. Der Amesbury Psalter fasst die Errungenschaften der Mitte des 13. Jahrhunderts zusammen. Eine gekonnte Auswahl an satten Farben hallt vor goldenem Hintergrund wider. Elegante Weidenfiguren wiegen sich in zarten Kurven, und dennoch behalten die Vorhänge eine nervöse Energie, die intensive Hingabe suggeriert.

Im Allgemeinen bekräftigt die Beleuchtung der zweiten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts seine Verbindungen zu Frankreich. Dies zeigt sich besonders deutlich in einem Buch wie dem Tenison Psalter (London, British Museum), das nicht weniger für eine Person als für einen Sohn von König Edward I bestimmt war Szenen sind exquisit elegant geworden. Die Ränder der Seiten sind mit einer Bordüre verziert, die Vögel und Tiere und seltsame kleine Grotesken sowie Szenen aus dem Alltagsleben enthält. Randverzierungen sollten eines der Markenzeichen der ostanglischen Schule werden . Ab etwa 1300 gewann die Schule von East Anglia aus Gründen, die nicht leicht zu verstehen sind, zunehmend an Bedeutung, und in diesem Bereich können wir die wichtigen stilistischen Entwicklungen der nächsten dreißig oder vierzig Jahre nachvollziehen.

Aus einer Gruppe von Psaltern von sehr hoher Qualität können der Ormesby Psalter (Oxford, Bodleian) und der Gorleston Psalter (London, British Museum) ausgewählt werden. Hier sind die traditionellen biblischen Szenen neben allen Arten von fantastischen und weltlichen Bildern angeordnet. Die Ränder sind gefüllt mit Schmetterlingen und Marienkäfern, mit Zentauren und Drachen, Affen und Männern. Babewyn ist der Name, der diesen Marginalien gegeben wird, und obwohl er im engeren Sinne vom italienischen Wort für Pavian abgeleitet ist, werden jetzt alle Arten von Grotesken genannt. Allmählich überwiegt die Betonung der Randverzierung den erzählerischen Inhalt der Psalter. Zum Beispiel wird im Gorleston-Psalter, der einige Jahre später als der Ormesby-Psalter ist, die Beschäftigung mit der weltlichen Dekoration von größter Bedeutung. Der Stil dieser Arbeit ist humorvoller und sogar satirischer – die Künstler zeigen Kaninchen, die eine Beerdigung durchführen! Dies ist weit entfernt von den Bestiarien des zwölften Jahrhunderts, die für den Unterricht bestimmt sind.

Diese Marginalien waren auf beiden Seiten des Kanals beliebt und reich an Manuskripten dieses Datums aus dem Nordosten Frankreichs und den Niederlanden, aber auch die ernsteren Merkmale dieser Bücher sind bemerkenswert. Wir haben gesehen, dass Jean Pucelle in Frankreich zu einem überraschend frühen Zeitpunkt einige Kenntnisse über die großen Bildentwicklungen in Italien gezeigt hat. Die Geschwindigkeit, mit der sich der künstlerische Einfluss von einem Land zum anderen ausbreitet, ist für eine parallele Kenntnis der italienischen Sprache nicht zu unterschätzen Kunst der Protorenaissance erscheint zu dieser Zeit in England. Es gibt keine sicheren Beweise dafür, dass Italiener in England arbeiteten, aber wenn man sich die Gemälde ansieht, wird klar, dass englische Künstler die Werke der großen italienischen Meister gekannt haben müssen, wie z Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302), Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319) und Giotto (1267 & ndash; 1337). Der Ormesby-Psalter war im Wesentlichen vor 1325 fertiggestellt, aber zu diesem Zeitpunkt wurden einige Ergänzungen vorgenommen, und hier zeigt sich der italienische Einfluss. Es wird wirklich versucht, in der Bildebene an Tiefe zu gewinnen, und den Figuren wird ein bestimmtes Gewicht gegeben. Dieser Italienismus macht sich in etwas späteren Büchern wie dem Douai Psalter (jetzt stark beschädigt) und dem Psalter von St. Omer (London, British Museum) noch deutlicher bemerkbar. Die Künstler dieser Bücher interpretierten die italienische Behandlung von Vorhangformen ähnlich wie Jean Pucelle, indem sie schwere, schwingende Falten aus weichen Materialien verwendeten. Der Psalter von Robert de Lisle (London, British Museum) ist besonders interessant, da er das spätere Stadium der ostanglischen Schule sowie den Stil von etwa 25 Jahren zuvor zeigt. In den späteren Illustrationen dieses Buches ist der Künstler, der die Perspektive zu verstehen beginnt, in der Lage, seine Figuren ziemlich zufriedenstellend in einer Gruppe zusammenzutragen.

Diese besondere Phase des italienischen Einflusses war jedoch in England nicht schlüssig. In dem Luttrell-Psalter , der um 1340 für Sir Geoffrey Luttrell aus Irnham in Lincolnshire in East Anglia geschrieben wurde, sehen wir bereits, wie es verblasst. Figuren werden wieder flacher und werden durch lineare Rhythmen beschrieben. Der Luttrell-Psalter wird in seiner Dekadenz nicht zu Unrecht als Prunkstück der ostanglischen Schule bezeichnet. Die frische Originalität weicht einer härteren, mechanischeren Technik, aber dieses Buch enthält eine berühmte Reihe von Bauern bei der Arbeit, Szenen, die für den Sozialhistoriker von Interesse sind, obwohl der tatsächliche Umgang grob und ziemlich schwer ist.

Queen Marys Psalter (London, British Museum) ist eines der schönsten englischen gotischen Manuskripte. Obwohl der Künstler kein Produkt der ostanglischen Schule ist, verdankt er seinem Beispiel etwas. Es enthält sechsundsechzig Szenen aus dem Alten Testament sowie weitere ganzseitige Abbildungen und unzählige Randdekorationen von höchster Qualität. Wenn dieses Buch, wie es wahrscheinlich erscheint, das Werk eines einzigen Künstlers ist, dann ist es umso bemerkenswerter. Seine Merkmale sind die der englischen Schule – feine Umrisszeichnungen und dünne Farbtupfer.

Der Schwarze Tod (1348-1349) war wahrscheinlich für die etwas dürftige Produktion englischer Manuskripte zwischen 1350 und 1370 verantwortlich. Es gab jedoch keinen vollständigen Bruch, und eine kleine Anzahl von Manuskripten half, die Lücke zu schließen. Das interessanteste davon ist die Egerton Genesis (London, British Museum), die vielleicht die einzige englische Episode in der zeigt Geschichte der Bilderhandschriften wo der Künstler ernsthafte Versuche unternahm, sich mit der tieferen Bedeutung von zu arrangieren Renaissance-Kunst das fing an, in Italien zu erscheinen. Der eigentliche Gegenstand dieses Buches enthält keine englischen Prototypen, und obwohl die Illustrationen in charakteristischen englischen Umrissen gezeichnet sind, muss der Stil teilweise aus Italien stammen.

Die Hand des Meisters der Egerton-Genesis ist auf zwei Seiten der Fitzwarin-Stunden (Paris, Bibliotheque Nationale) zu sehen, obwohl der Rest des Buches weitaus englischer ist. Das auffälligste Merkmal der Fitzwarin-Stunden ist die Einführung fantastischer Zinnen im architektonischen Umfeld und im Rahmen der Miniaturen.

Dieselben Phantasien von Architektur, Strukturen, die niemals hätten gebaut werden können, bilden die Verbindung zu einer wichtigen Gruppe von Büchern, die für Humphrey de Bohun, Earl of Leicester, geschrieben wurden. Sein Tod wird 1373 verzeichnet und ist ein ungefähres Datum für die Gruppe, aber seine Familie setzte die Schirmherrschaft fort. Der Psalter in Brescia mag mit dieser Werkgruppe lose verbunden sein. Die englische Tradition hat im Layout der Seite stark überlebt, aber die fremden Tiere und Grotesken sind weit weniger auffällig. Inzwischen sehen wir eine erneute Bestätigung des Einflusses Frankreichs. Während des nächsten Jahrzehnts werden weitere neue Ideen in die englische Miniatur eingeführt, und Manuskripte in England wie auch anderswo sind Teil des europäischen internationalen Stils.

Deutsche gotische Illuminationen

Wie früher Deutsche mittelalterliche Kunst , die Entwicklung von Deutsche Gotik wurde nicht wie in Frankreich zentralisiert. Es gab keinen stabilisierenden Einfluss, der mit dem königlichen Haus in Paris vergleichbar wäre, und die monastische scriptoria überlebte viel länger. In dieser Atmosphäre entwickelten verschiedene Landesteile ihre individuellen Ideen weiter. Schon aus diesem Grund erscheint es für die Diskussion der gotischen Malerei in dieser Region sinnvoller, die heutigen Grenzen Deutschlands außer Acht zu lassen und die mitteleuropäische Malerei als Ganzes zu betrachten.

Handschriften der ersten Hälfte des dreizehnten Jahrhunderts stellen in Deutschland ein besonderes Problem für die Klassifizierung dar. Sind sie romanisch oder gotisch? Alles in allem sollten sie zu den gotischen Werken zusammengefasst werden, da sie einen weiteren Aspekt der Bedeutung von Byzanz für die Entstehung des neuen Stils darstellen. Das Berthold Missal (New York, Pierpont Morgan Library) aus Weingarten wurde kurz nach 1200 geschrieben und zeigt deutlich frische Ideen. Anstelle der üblichen Strichzeichnungen aus dem späten zwölften Jahrhundert haben wir Bilder in kräftigen Farben. Die Schuld an byzantinischen Beispielen steht an erster Stelle, und eine kompetente Erzählfähigkeit wird mit einem guten Gespür für Komposition kombiniert. Die Figuren haben die Eigenschaften von Deutsche gotische Skulptur und wieder erinnert man sich an die Kunst der Metallarbeiten.

Ein auffälliges Merkmal dieser zweiten Welle des Einflusses aus dem Osten ist, dass sie bald unter die nationalen Merkmale der Künstler gerät. Dies macht sich insbesondere bei den Landgraf Hermann Psalters bemerkbar, die in den ersten Jahrzehnten des 13. Jahrhunderts für Landgraf Hermann von Thüringen geschrieben wurden. Unter diesen befindet sich der Psalter von St. Elizabeth jetzt in Cividale. Dies ist ein üppiges Buch, das in satten Rot-, Blau- und Goldtönen illustriert ist und sowohl einzelne Ereignisse aus dem Alten Testament als auch Szenen aus dem Leben Christi enthält. Wieder Elemente von Christliche byzantinische Kunst Die Gesichter und das Gewicht der Figuren sind deutlich zu erkennen, aber die Vorhänge sind scharf und eckig und in eine Reihe gezackter horizontaler Falten unterteilt. Dieser besondere Manierismus scheint im Norden Deutschlands entstanden zu sein, breitete sich aber bald nach Süden und Osten nach Bayern, Österreich und Böhmen aus. Es wurde immer übertriebener, wie wir in einem Psalter aus Tirol (New York, Pierpont Morgan Library) sehen. Später bestimmt dieses Merkmal den gesamten Geist der Illuminationen und verleiht den Gemälden einen nervösen, aufgeregten Expressionismus, der uns an die großen Porträts der Evangelisten erinnert Ottonische Kunst . Es erreicht seinen Höhepunkt in Büchern wie den Mainzer Evangelien (München, Staatsbibliothek) und dem Bonmont Psalter (Besançon, Bibliotheque Municipale) in einem Stil, der die expressionistische Ausdrucksweise des Deutsche Renaissance des fünfzehnten Jahrhunderts. In solchen Werken sehen wir jedoch gleich die ersten Anzeichen von Einfluss aus Frankreich. Der Bonmont Psalter hat rein französische Initialen mit gotischem Laub.

Wie der französische Stil zu diesem Zeitpunkt um 1250 nach Deutschland kam, ist schwer zu beurteilen, muss aber teilweise auf die Mönchsorden der Zisterzienser und Dominikaner zurückgeführt werden. Allmählich breitete es sich nach Osten aus und erreichte Böhmen vor 1300. Kleine Stundenbücher kamen in Deutschland nie wirklich in Mode, so dass es selten direkte Kopien von Gegenständen aus französischen Büchern gibt. In juristischen Lehrbüchern, Chroniken und weltlichen Werken sehen wir zuerst den Einfluss des französischen Stils.

Eines der schönsten weltlichen Bücher des Mittelalters ist das Minnesanger-Manuskript der Familie Manesse (Heidelberg, Universitätsbibliothek). Dies ist eine Sammlung von Gemälden von Dichtern, Liebhabern und Troubadouren, die für den 1304 verstorbenen Zürcher Rudger Manesse von Maneck angefertigt und von seinem Sohn Johannes vervollständigt wurden. Unter den Untertanen finden wir König Wenzel von Böhmen (1278-1305), den Dichter Wolfram von Eschenbach (1170-1220) und Heinrich Frauenlob, der sein Orchester dirigiert. Plötzlich sind wir in eine neue Welt von dekorative Kunst voller feiner höfischer Details. Sorgfältige Aufmerksamkeit wird den Einzelheiten des Kostüms geschenkt; Über die Schultern des Dirigenten ist ein Hermelinumhang gehüllt, und Pelzbesätze säumen das Fell des Zentralmusikers. Das ganze Buch ist voller lebendiger, aktueller Erzählungen und ein äußerst dekoratives Kunstwerk.

Eine Kopie von Wolfram von Eschenbachs Gedicht, Willehalm von Oranse , wurde 1334 für Landgraf Heinrich II. Angefertigt und gehörte einst zu den wertvollen Besitztümern der Kasseler Bibliothek. Das Manuskript ging während des Zweiten Weltkrieges auf tragische Weise verloren, aber Fotografien zeugen von seiner Schönheit. Künstlerisch waren die Gemälde von höherer Qualität als das Manuskript von Minnesanger und zeigten einen Künstler von großer Statur. Er stammt wahrscheinlich aus Köln, und seine Hand ist im Gradual of Wettingen (Aarau, Kantonsbibliothek) wieder zu sehen, wo die eleganten Figuren mit schweren, fließenden Vorhängen beschwert zu sein scheinen. Man fragt sich, ob der Künstler das Werk von Jean Pucelle kannte.

Böhmische gotische Illuminationen

Vor dem Beitritt der Luxemburger Dynastie (1311) wurde der Eingeborene Kunst von Böhmen zeigt deutlich die verschiedenen ausländischen Einflüsse, aus denen es seine Inspiration bezieht. Aus dem Norden sehen wir die typischen bewegten Vorhänge der sächsisch-thüringischen Schule, aus Venedig im Süden starke Spuren von Byzanz und Italien und aus dem Westen französische Einflüsse, die das Ganze verfeinern. Nach dem Beitritt von Johannes von Luxemburg treten diese letzteren Einflüsse stärker in den Vordergrund. Zu den Aufträgen des Prager Königshauses aus dem frühen 14. Jahrhundert zählen Bücher nach dem Vorbild franziskanischer Manuskripte, die die schöne Tradition der böhmischen Manuskriptenbeleuchtung in die internationale Gotik des frühen 15. Jahrhunderts einleiten.

Die Passion der Äbtissin Kunigunda (Prag, Universitätsbibliothek) wurde für Kunigunda, die Tochter des böhmischen Königs, geschrieben. Die Prinzessin starb 1321 und das Buch muss vor diesem Datum geschrieben und illustriert worden sein. Das Passional ist unvollendet, aber die Illustrationen sind von bester Qualität. Dazu gehört die bewegende Szene, in der Christus sich von seiner Mutter verabschiedet. Intensive, tiefe Emotionen verbinden die beiden und scheinen den Betrachter auszuschließen. Die Gruppe ist in einem Umriss eingeschlossen und die vertikalen Linien des Gewandes führen den Blick zu den beiden ausdrucksstarken Köpfen. Stilistisch spiegelt das Gemälde etwas von der Kunst Frankreichs wider, was sich auch in der Velislav-Bibel (Prag, Nationalbibliothek) widerspiegelt, die etwa zwanzig Jahre später illustriert wurde. Die Typologie dieser Bildbibel basiert auf Büchern des Franziskanerordens; Es ist ein vergleichsweise großes Buch mit über siebenhundert Abbildungen und einem erläuternden Text. Es wurde für Velislav gemacht, der später Kanzler von Kaiser Karl IV. Wurde. Die linearen Qualitäten des Passional werden in diesem Manuskript weiterentwickelt, in dem die Szenen mit Feder und Tinte gezeichnet und nur leicht gefärbt sind.

1348 gründete Karl IV. Die große Universität Prag und öffnete damit die Tore Böhmens für ausländische Künstler und Handwerker, die nach Prag strömten. In dieser internationalen Atmosphäre sollte der neue einheitliche Stil geschaffen werden.

Italienische gotische Illuminationen

Zu einer Zeit, als Matthew Paris und Master Honore in England und Frankreich die Kunst der Manuskriptbeleuchtung auszeichneten, kämpften die Illuminatoren in Italien immer noch um einen individuellen Stil. Die italienische Manuskriptenmalerei des späten 13. Jahrhunderts gilt bis heute als eine im Wesentlichen untergeordnete Kunst, die von den Errungenschaften von Cimabue, Duccio und Giotto völlig überschattet wird. Diese Tatsache ist für sich genommen von Bedeutung, und es ist wichtig zu bedenken, dass in Italien immer neue künstlerische Entwicklungen daraus hervorgingen Tafelbilder und von Wandgemälde Freskenmalerei In Nordeuropa kamen die ersten Fortschritte über Bilderbücher.

Bologna ist eine der ältesten und berühmtesten Universitätsstädte und hier befindet sich das erste Zentrum der gotischen Buchdekoration. Hier scheint es eine echte Werkstatt gegeben zu haben, die nicht nur weltliche Lehrbücher und Bücher für theologischen Unterricht, sondern auch Servicebücher für kirchliche Stiftungen produziert. Gesetzliche Kodizes waren zahlreich; Ein gutes Beispiel ist das illustrierte Buch des Bürgerlichen Rechts (Turin, Biblioteca Nazionale), das Szenen in leuchtenden Farben enthält. In einer Illustration, die Justice bei der Arbeit zeigt, werden die Zahlen mit einem starken Hinweis auf behandelt plastische Kunst Ohne Zweifel aufgrund des allgegenwärtigen Einflusses von Giotto, und die Szenen sind mit einer lebendigen Vitalität ausgestattet.

Die Bologna Schule der Buchmalerei – nicht zu verwechseln mit dem Barock, Bologneser Schule Gegründet von Annibale Carracci – mit seiner festen Konstruktion von Figuren und dem nüchternen Einsatz von Dekoration findet Niccolo da Giacomo seinen größten Vertreter. Dieser Künstler, der in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts arbeitete, leitete eine große Werkstatt und eine Reihe von Manuskripten enthalten seine Unterschrift. Niccolo da Giacomo war ein hochbegabter Individualist. Die Kopie von Lucans Pharsalia (Mailand, Biblioteca Trivulziana) ist typisch für sein bestes Werk und zeigt viele seiner charakteristischen Merkmale. Keine ideale Schönheit hält ihn zurück; die Gesichter haben merkwürdig helle Gesichtszüge; knallige Farben und eine auffällige Oberflächlichkeit unterstreichen den weltlichen Charakter des Meisters.

Florenz zeigt wie keine andere Stadt die Unterordnung der Manuskriptbeleuchtung unter die monumentaleren Kunstformen. Reflexionen der Gemälde von Cimabue sind in den großen Chorbüchern von San Marco zu sehen , und Pacino da Buonaguida stützte sowohl seine Ikonographie als auch seinen Stil auf die von Giotto. Seine Arbeiten sind roh und ziemlich schwer, fast so, als ob er nicht gewillt wäre, die Größe seiner Prototypen auf die winzigen Verzierungen von Büchern zu reduzieren. Der Biadaiolo (Florenz, Biblioteca Laurenziana) ist eine Art "Spiegel des Lebens" und enthält Szenen, die sich auf alltägliche Ereignisse beziehen. Es wurde von einem Florentiner Getreidehändler als eine Art Tagebuch geschrieben. Die Geschichte wird einfach mit ein paar Zahlen erzählt; Es ist farbenfroh und im Wesentlichen ein beliebtes Manuskript, aber auf seine Weise ein Meisterwerk.

Die frühgotischen Manuskripte von Siena weisen Verbindungen zur Scriptoria von Bologna auf, der Stil wird jedoch unter dem Einfluss des großen Duccio geändert. Der beste Illuminator der sienesischen Schule war zweifellos Simone Martini . Nur noch eine Seite zeugt von seiner Fähigkeit als Illuminator. Dies ist das Titelbild einer Kopie von Virgil, die Petrarca gehörte (Mailand, Biblioteca Ambrosiana). Simone freundete sich während seines längeren Aufenthalts in Avignon mit Petrarca an, und zweifellos ist der humanistische Charakter der Illustration auf Petrarcas eigene Anweisungen zurückzuführen. Der Stil des Gemäldes zeigt eine wunderbare Verschmelzung der linearen Rhythmen, die Simone in Frankreich gelernt hatte, und der brillanten Farben der byzantinischen Tradition Italiens. In gewisser Hinsicht war Simone seiner Zeit wirklich ein Künstler voraus. Er starb 1344 in Avignon, und sein unmittelbarer Einfluss ist schwer einzuschätzen, aber die Kunst von Simone war sicherlich eine treibende Kraft bei der Herausbildung des internationalen Stils eine Generation später, und zu dieser Zeit betrachteten ihn die Siena als ihren größter Künstler.

In Venedig und Mailand erscheinen die wichtigsten Manuskripte erst in der Schlussphase des 14. Jahrhunderts, und wir werden diese in unserem nächsten Artikel über den internationalen gotischen Stil erörtern .

In einigen von ihnen sind gotisch beleuchtete Texte zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt, vor allem die Musee Conde, Chantilly , das British Museum und das Metropolitan Museum of Art, New York.