Merkmale der impressionistischen Malerei Automatische übersetzen
HINWEIS: Zu den wichtigsten französischen Impressionisten gehörten: Claude Monet (1840-1926), Renoir (1841-1919), Alfred Sisley (1839-99), Camille Pissarro (1830-1903), Berthe Morisot (1841-95), Paul Cezanne (1839-1906), Entgasen (1834-1917) und Edouard Manet (1832 & ndash; 83).
Einführung
Realismus nach und nach entstand Impressionismus : Details zu dieser Entwicklung finden Sie unter: Realismus zum Impressionismus (1830-1900). Auf ihrer Suche nach der Wahrheit Impressionistische Maler zielte auf den optischen Eindruck dessen, was leuchtend und vergänglich war, und infolgedessen wurde die Form vernachlässigt. Obwohl der Impressionismus vom Mann auf der Straße nicht verstanden wurde, stimmte er mit der Entwicklung zeitgenössischer Ideen überein. Sobald der anfängliche Widerstand überwunden war, breitete sich die Bewegung unwiderstehlich auf der ganzen Welt aus. Der Erfolg des neuen Stils war so groß, dass er schnell Reaktionen hervorrief. Der Gedanke des Künstlers wurde zugunsten seiner Vision vereitelt. Die Reaktion hatte die Form von Symbolismus, der die Kunst des 20. Jahrhunderts noch stärker beeinflussen sollte als der Impressionismus, denn er befreite die Kunst von ihrer Sklaverei für den Schein.
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Im Laufe der Jahrhunderte, seit der Malerei der Römer, in den leuchtenden Landschaften der illuminierten Manuskripte von Jean Fouquet, bis zum 18. Jahrhundert von Largillierre und Jean-Honore Fragonard (1732-1806), hatten Künstler versucht darzustellen, was sie sahen. Sie hatten nacheinander die verschiedenen Elemente der Realität oder die Erscheinungen der Dinge studiert. Das, was sie am meisten interessierte, war das Licht, seine Quelle und seine Wirkung, aber erst gegen Ende des 19. Jahrhunderts gelangten sie nach langem Zögern und nach vielen Irrwegen zu einem vollständigen Verständnis des Lichts. Das Problem von Geradlinige Perspektive, der zu absurden Längen gedrückt wurde, lenkte sie ab und versteckte eine Zeit lang die anderen Probleme der Luftperspektive. Durch den Einsatz künstlicher Beleuchtungsquellen konnte der Lichteinfall so gelenkt werden, dass er eine konstruktive Rolle spielte und die Form durch Licht und Schatten, reflektiertes Licht und Schatten enthüllte. (Siehe auch Chiaroscuro und Tenebrismus.) Tatsächlich war Licht zu einem Handelsgut des Künstlers gemacht worden, um in engen Grenzen verwendet zu werden.
Es musste jedoch passieren, dass der Maler eines Tages die visuelle Wahrheit der Realität sah, die er von Zeit zu Zeit erahnt hatte, als er Objekte mit ihrer Umgebung in Beziehung setzte. Für die Maler war es notwendig geworden, die wahre Erscheinung der Natur zu betrachten, die durch das wissenschaftliche visuelle Verständnis der Renaissance verfälscht worden war. Sie mussten die Natur neu betrachten und die Techniken vergessen, die ihnen in den Studios beigebracht worden waren.
Impressionismus erbte die Naturalismus des Barbizon Schule und das Realistische Malerei von Gustave Courbet (1819 & ndash; 77). Die neue Bewegung gehörte zur positivistischen Sichtweise von Auguste Comte und entstand in der Atmosphäre, die durch die Forschungsarbeit von Claude Bernard und seine Einführung in die experimentelle Medizin geschaffen wurde. Es wurde ein wesentlicher Bestandteil der folgenden Periode und trug so viel wie die fortschrittlichste Wissenschaft zum gesamten Charakter des Fin de Siecle bei, wo Physik und Physiologie als von größter Bedeutung anerkannt wurden. Während des 19. Jahrhunderts begannen Wissenschaftler mit dem Experimentieren mit Materie und kamen zu den atomaren Entdeckungen der Physik. Die Maler kamen intuitiv an den gleichen Punkt. Von der jahrhundertealten Suche nach taktilen Werten (taktile Werte befähigen den Zuschauer, die Form mental zu "fühlen") wandten sich die Impressionisten dem Versuch zu, das Unmögliche zu versuchen – das zu erfassen, was flüchtig, fließend, unfühlbar und bewegend war. Sie wandten sich von den Felsen von Fontainebleau ab und achteten nicht mehr auf das Drama der Elemente.
Stattdessen bemalten sie die Flüsse und andere Wasserszenen. Sie bevorzugten Momente der Umwandlung, Dampf, der im warmen Schein der untergehenden Sonne aufstieg, oder das Gefrieren des Wassers im Winter; und sie haben es immer genossen, Nebel zu malen. Sie liebten die Londoner Nebel, die die Architektur verhüllten, und den Rauch von Zügen, die Eisen- und Backsteingebäude schwerelos erscheinen ließen. Die Realität der Impressionisten war eine Lösung aus Flüssigkeit und Licht, in die alles getaucht war. Man kann den Impressionismus als eine Linie der großen künstlerischen Strömung betrachten, die oft tief unter der Erde auftaucht und die Ufer des orthodoxen Klassizismus bedroht, manchmal überwältigt, wie es zur Zeit des Barocks und später der Romantik der Fall war.
Auch der Barockkunst ist es gelungen, mit ihrer komplexen Komposition, ihrer dynamischen Konstruktion und ihren schwungvollen diagonalen Bewegungen die Essenz der Zeit unaufhaltsam vergänglich und ewig auszudrücken. Barockkünstler übersetzten die Idee der Zeit in ein plastisches Äquivalent, sinnlicher als intellektuell organisiert, aber dennoch bewusst. Puristische impressionistische Maler versuchten, den Flug der Zeit durch eine unvernünftige Nachahmung seiner Wirkungen zu reproduzieren; Diese kindliche Unverschämtheit führte letztendlich zu einer Katastrophe. Sie dachten, sie versuchten lediglich, flüchtige Momente des Lichts einzufangen, sondern unterminierten stattdessen die Grundlage der Malerei. Sie haben diese ästhetische Katastrophe kaum bemerkt. Sie waren sich weder der entmaterialisierten Bilder bewusst, die sie produzierten, noch der allgemeinen Unsicherheit, die sie hervorriefen. Stattdessen sangen sie weiter ihre freudige Hymne an die Schönheiten der Natur, malten Zeit und Licht und vernachlässigten die Form vollständig. So wurde die Komposition heruntergespielt, das Zeichnen wurde vergessen: Alles, was zählte, waren Licht und Farbe.
Darstellung des Lichts
Sie haben gemalt, wie ein Vogel singt, wie Renoir sagte, und wie eine Nachtigall nur eine silberne Kehle ist, so war der impressionistische Maler nur ein Auge. Zu den historischen und ästhetischen Möglichkeiten, die die Geburt des Impressionismus ermöglichten, sollten die Qualitäten des menschlichen Auges hinzugefügt werden. Obwohl die Impressionisten nicht wie Jan van Eyck von ihrer Fähigkeit zum scharfen Sehen Gebrauch machten, machten sie dennoch von ihrer außergewöhnlichen Fähigkeit zur Unterscheidung Gebrauch. Sie fassten eine Vielzahl von Nuancen und ihre Komplexität der Fusion zusammen. Es entstand eine absolute Tyrannei des Sehnervs von der Zeit Courbets bis zur Zeit Claude Monets, von dem Cezanne sagte: "Er ist nur ein Auge, aber was für ein Auge!" Das impressionistische Sehen pendelte zwischen zwei Polen, zwischen dem Auge von Manet und dem von Monet, zwischen dem gesunden und dem anormalen. Das Auge von Manet war gesund, traditionell und französisch, so Mallarme, der behauptete, Manets Vision stamme aus dem 18. Jahrhundert und sei von ihm geformt worden Jean-Antoine Watteau (1684-1721) und Jean-Honore Fragonard (1732 & ndash; 1806). Manet erbte ihre Finesse, Intuition und bezaubernde Klarheit des Sehens. Im Gegensatz dazu wirkte Monets Sehvermögen abnormal, als ob er einige Teile einer Szene mit Überempfindlichkeit sah, während andere verschwommen blieben.
Im Laufe des Jahrhunderts stellte die Physik viele der optischen Gesetze in Bezug auf Licht und Farbe auf. Die impressionistischen Maler kamen an den Ufern der Seine und der Oise zu denselben Gesetzen.
Sie liebten es, in Wasser reflektiertes Licht und durch Nebel dringende Lichtstrahlen sowie die Art und Weise, in der Licht in die Spektralfarben von Regenbogen und Spray gebrochen wird, zu beobachten. Sie bemerkten, dass das Licht die Form verändern konnte und der große Unterschied die Atmosphäre zu allem ausmachte. Die Maler machten diese Entdeckungen nach und nach mit ihren Augen und kamen zu einem neuen Blick auf die Welt, der vom Tageslicht immer wieder aufgedeckt und verändert wurde. Diesem Idol des Lichts opferten die Impressionisten nun alles. Sie wählten Licht als einziges Element und legten alle Heuchelei des Tenebrismus und alle zweifelhaften Versuchungen des Helldunkels beiseite.
Licht war das kreative Prinzip, das den Erscheinungen zugrunde lag. Licht war Farbe, Bewegung, Zeit und Leben. Licht fand sein plastisches Äquivalent ganz natürlich in Wasser, das flüssig, löslich und transparent war. Wasser teilte sich mit Luft die Elternschaft des Impressionismus, der an der Kanalküste zwischen Rouelles und Frileuse geboren wurde. Es war an diesem einen Tag hier Eugene Boudin (1824-98) brachte die junge Monet (damals 17 Jahre alt) zum Malen. An dieser Küste, in Le Havre, Honfleur und Trouville, entwickelte sich Monet künstlerisch. Das Meer sollte eines der Lieblingsthemen der Impressionisten sein. Sie mochten den sich ständig ändernden Rhythmus der Wellen, die Unbeständigkeit ihrer Substanz, ihre unterschiedlichen und unterschiedlichen Farben, ihre Reflexion und Absorption von Licht und ihre zerstörerische Kraft, langsam oder plötzlich, die die Klippen von Etretat aushöhlt oder die Felsen der Bretagne erodiert. Das Thema der impressionistischen Kunst war also nicht die Emotion, die durch die Anwesenheit oder Schönheit eines Objekts hervorgerufen wird, sondern die Beobachtung seines unterschiedlichen physischen Verhaltens in der Umgebung, die es einschließt, zersetzt oder auflöst. Formen gab es nicht mehr, es sei denn, ihre visuellen Außenflächen wurden zu Flächen für das Spiel von Licht und Farbe. Objekte wurden nicht mehr durch Linien und Konturen beschrieben, sondern durch die Durchdringung von Farben, die in ihre Bestandteile fragmentiert wurden. Das ganze Bild wurde durch Lichtverhältnisse vereinheitlicht und das Licht sollte durch rein bildliche Mittel hergestellt werden. Somit ergab sich eine doppelte Änderung der Techniken von Gemälde : Erstens verwendeten Maler eine neue Palette; und zweitens erfanden sie eine neue Methode zur Handhabung der Bürste.
Beachten Sie auch zwei wichtige Vorteile, die impressionistischen Malern geboten werden: erstens das Aufkommen von Fotografie Dadurch konnten momentane Lichteffekte für immer eingefangen werden. Zweitens die Erfindung der zusammenlegbaren Farbtube aus Zinn im Jahr 1841 durch den amerikanischen Künstler John Rand (1801-73). Diese bequeme Quelle von Farbpigmente von immensem Wert für alle Exponenten von Freilichtmalerei, die eigentliche Grundtechnik des Impressionismus.
Impressionistische Meisterwerke des Lichts
Verwendung von Farbe
Die Impressionisten stellten fest, dass die Farben von Eugene Delacroix (1798-1863) und der andere Romantische Maler des frühen 19. Jahrhunderts waren zu dunkel für ihre Zwecke. Sie zogen es vor, ihren Bereich mehr oder weniger auf die Spektralfarben zu beschränken und wählten Gelb, Orange, Zinnoberrot, Purpur, Violett, Blau und Grün. Diese stimmten mit den wissenschaftlichen Studien von Chevreul zu Beginn des Jahrhunderts überein, die Delacroix bekannt waren, und mit den Studien von Maxwell, Young und Lambert, die die Farbchemie transformiert hatten. In bildlicher Hinsicht war diese Änderung die wichtigste seit der Einführung von Jan van Eyck und Antonello da Messina Ölgemälde im 15. Jahrhundert. (Siehe auch: Farbpalette des 19. Jahrhunderts.)
Nach Chevreuls Theorie lassen sich Farben in zwei Gruppen einteilen: die Grundfarben Gelb, Rot und Blau; und die Sekundärfarben, Orange, gebildet durch Mischen von Rot und Gelb, Grün durch Mischen von Gelb und Blau und Violett durch Mischen von Rot und Blau. Eine Sekundärfarbe erscheint stärker, wenn sie sich neben der Primärfarbe befindet, die nicht in ihrer Mischung enthalten ist. Beispielsweise wird Orange verstärkt, wenn es neben Blau steht, und das Blau wird als Komplementärfarbe von Orange bezeichnet. In gleicher Weise ist Rot die Komplementärfarbe von Grün und Gelb die Komplementärfarbe von Violett. Chevreul bemerkte, dass sich Komplementärfarben gegenseitig zerstören, wenn sie in gleichen Anteilen gemischt werden, was aus Sicht des Malers bedeutet, dass sie ein neutrales Grau erzeugen. Er bemerkte auch, dass zwei Komplementärfarben, wenn sie in ungleichen Anteilen gemischt werden, eine verschlechterte Farbe ergeben, dh eine neutrale Farbe, die zu Braun, Grau oder Oliv tendiert. Daraus ergibt sich eine Reihe von optischen Gesetzen, die sich quasi-algebraisch ausdrücken lassen. Reine Komplementarität neben gebrochener Komplementarität = Dominanz von einem und Harmonie der beiden; rein komplementär in einem hellen Farbton neben rein komplementär in einem dunklen Farbton = Unterschied in Intensität und Harmonie; zwei ähnliche farben nebeneinander, eine reine, die andere verschlechtert, bilden einen subtilen kontrast zueinander. (Siehe auch: Tipps zum Mischen von Farben.)
Die Impressionisten waren in ihrer Malerei eher intuitiv als intellektuell. Sie studierten die Natur, und alle wissenschaftlichen Gleichungen wurden verwendet, um ihrem Streben nach Leuchtkraft zu entsprechen. Die Gesetze der Wissenschaft gaben dem impressionistischen Maler jedoch eine moralische Unterstützung. Er wagte nun zu tun, was Delacroix nicht getan hätte. Der Wissenschaftler untersuchte das Licht, um seine Eigenschaften zu analysieren oder nach künstlichen Mitteln zu suchen, um es zu produzieren, aber der Maler versuchte, seine poetische Qualität auszudrücken. Die negative Mischung der Farben auf der Palette verringerte ihre Reinheit, so dass der Künstler versuchte, die positive Mischung zu erzielen, die das Auge erhielt, in der die Farben ihre Reinheit behielten und zu vibrieren schienen. Aus einer geeigneten Entfernung betrachtet schienen sich die nebeneinander angeordneten reinen Farben auf der Oberfläche der Leinwand zu vermischen, um diese positive Mischung zu ergeben, die das Erscheinungsbild der Natur reproduzierte. Das impressionistische Gemälde entstand durch die Gegenüberstellung reiner Farben, die nach den optischen Gesetzen der Komplementäre angeordnet wurden, um die Natur in einer leuchtenden Atmosphäre erscheinen zu lassen. Infolgedessen impressionistische Malereien und noch mehr die Arbeiten von Neoimpressionismus (Seurats Variante von Divisionismus) bestand aus einem Konglomerat von farbigen Partikeln, Punkten oder Klecksen. Gleichzeitig mit der Interpretation des Lichts führte diese Methode zur Fragmentierung aller Formen im Bild.
Impressionistische Gruppen und ihre Stile
Der Impressionismus hat nie eine Schule im eigentlichen Sinne hervorgebracht, obwohl er das Produkt von Intuition und Experiment war und trotz seiner pseudowissenschaftlichen Analogien. Es gab kein Manifest, keine Regeln oder Code. Die impressionistischen Maler waren einfach eine Gruppe (oder vielmehr eine Reihe von Gruppen) von Künstlern. Es gab diejenigen, die als Gruppe zum Impressionismus heranwuchsen, diejenigen, die zusammen in einer Gruppe ausstellten, diejenigen, die einen ähnlichen Stil oder eine ähnliche Sichtweise hatten und diejenigen, die zusammen oder in der Nähe voneinander arbeiteten. Der Impressionismus war extrem gruppenorientiert, dennoch lebte jedes Mitglied in der Angst, seine Individualität durch die Zugehörigkeit zur Gruppe zu gefährden.
Drei Gruppen schufen den Impressionismus. Erstens die St. Simon-Schule , in der sich Boudin, Courbet und Johan-Barthold Jongkind (1819-91) in Honfleur versammelten und deren Begegnung mit dem jungen Monet das Schicksal des Impressionismus beeinflusste. Es folgten zwei weitere Gruppen, die Gruppe der Academie Suisse , darunter Cezanne, Pissarro und Armand Guillaumin (1841-1927); und die Vierergruppe, die sich im Atelier von Charles Gleyre (1806-74) traf, bestehend aus Monet, Renoir, Sisley und Frederic Bazille (1841 & ndash; 70). Die Academie Suisse und die Gleyre-Gruppe hatten jeweils einen erkennbaren und eindeutigen Charakter, der während des großen Abenteuers des Impressionismus andauerte, obwohl die beiden Gruppen so eng miteinander verbunden waren. Die Landschaftsbilder dieser beiden Gruppen waren subtil unterschiedlich. Sie verwendeten beide die gleichen impressionistischen Prinzipien, aber ihre poetischen Einstellungen waren nicht die gleichen.
Claude Monet war ein Wassermaler. Künstlerisch blieb er seiner Herkunft an der Kanalküste treu, reifte jedoch an den Ufern der Seine, in Bougival und Argenteuil. Zum Vergleich: Pissarro hat das Land gemalt. Er war gemäßigter und weniger gewalttätig. Er bevorzugte die Hügel des Oise-Tals zwischen Pontoise und Auvers und drehte sich oft absichtlich um und schaute vom Fluss weg. Sein Thema und sogar der Bezirk, in dem er arbeitete, verbanden ihn mit ihm Charles Daubigny (1817-78) und Camille Corot (1796 & ndash; 1875). Es gab eine ständige Überschneidung zwischen den Malern, die Wasser als Thema bevorzugten, und denen, die das Land bevorzugten. Sisley sollte vielleicht dem allgemeinen Geist des Impressionismus am treuesten sein. Chronologisch tendierte der Impressionismus bis 1880 zur Malerei des Wassers und danach zur Malerei des Landes nach der fünften Ausstellung der Société Anonyme des Peintres, Sculpteurs et Graveurs, wie sich die Impressionisten nannten.
HINWEIS: Wichtige Werke von Monet sind: Der Strand von Trouville (1870, Wadsworth Atheneum); Eindruck, Sonnenaufgang (1873, Musee Marmottan-Monet); Mohnfeld (Argenteuil) (1873, Musee d’Orsay); Gare Sainte-Lazare (1877, Musee d’Orsay); Wasserlilien (Nymphéas) (1897-1926, verschiedene Kunstmuseen); Der Seerosenteich: Grüne Harmonie (1899, Musee d’Orsay).
Edouard Manet war schon früher als Pissarro und Monet der Anführer der impressionistischen Bewegung. Manets ästhetischer und sozialer Hintergrund unterschied sich von dem der anderen Impressionisten. Er wurde nie vollständig in die Bewegung integriert. Für ihn war der Impressionismus kaum mehr als eine vorübergehende Erfahrung. Trotzdem fühlte er sich aufrichtig genug, und es beeinflusste das Wachstum seiner Kunst. Es wäre besser, Manet nicht als den Anführer der Impressionisten zu bezeichnen, sondern als den Anführer der revolutionären Maler, die von den USA abgelehnt wurden Salon und diejenigen, die von der Gesellschaft abgelehnt werden; Er war der Anführer einer gemischten Gruppe von Künstlern, die sich im Cafe Guerbois im Batignolles trafen. Manets berühmte Gemälde Dejeuner sur l’Herbe (1863) und Olympia (1863) hatten den Stil der Peinture Claire, waren aber noch keine Impressionisten. Manet gelangte auf eigene Faust und Schritt für Schritt zum Impressionismus: Erstens in Boulogne in einigen Seestücken und Strandszenen; zweitens und vor allem, wenn man die Stierkämpfe im vibrierenden Glanz und in den leuchtenden Farben Spaniens beobachtet; und schließlich an der Atlantikküste von Arcachon und Bordeaux. Sehen: Die Straßenarbeiter, Rue de Berne (1878) und auch sein berühmter Eine Bar im Folies-Bergere (1882). Manet wurde nie zum Impressionismus konvertiert und stellte nie mit ihnen aus; es betonte seine eigenen persönlichen Tendenzen. Er wurde von Bertha Morisot, einer Schülerin von Corot, ermutigt, die in Manets Atelier wie ein Hauch zeitgenössischer Luft wirkte. Manet drückte die Erfahrung an ihre Grenzen und ging 1874 dazu über, in Argenteuil zu bleiben und Flussszenen zu malen.
Manet überließ die Richtung des Impressionismus jedoch Monet, den er als den Hohepriester des neuen Stils betrachtete. Das Ästhetik des Impressionismus wurden aus Monets experimenteller Arbeit formuliert. Später sollte Monet seine Freunde verlassen, weil "die ausgewählte Gruppe zu einem unkritischen Gesindel geworden war, das bereit war, jemanden in seine Reihen aufzunehmen". Monet blieb der Hüter des Impressionismusideals, obwohl er schließlich vom Salon akzeptiert wurde und obwohl einige anspruchsvolle Sammler seine Werke kauften. Seine Bilder waren in bestimmten Salons des Faubourg St Germain zu sehen, die mit denen des inzwischen relativ akademischen Malers Renoir in Verbindung standen. Es ist wichtig zu wissen, dass Monet der Eckpfeiler des Impressionismus war. Dieser Stil verbreitete sich in allen Künsten auf internationaler Ebene und spiegelte den materialistischen Geist dieser Zeit so genau wider.
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Degas begann als klassischer Realist Die Familie Bellelli (1858-67) – entwickelte dann seinen eigenen Stil der impressionistischen Genremalerei, wobei er sich auf Rennpferde konzentrierte – siehe Rennpferde vor den Ständen (1866-8) – Frauen an ihrer Toilette – siehe Frau, die ihr Haar kämmt – und berufstätige Frauen – sehen Frauen bügeln (1884).
Paul Cezanne ist wohl der am schwierigsten zu klassifizierende Maler. Er begann als Realist, wechselte aufgrund von Pissarros Einfluss zum Impressionismus über – siehe zum Beispiel Das Haus des Gehängten (1873) – und entwickelte später seine eigene Redewendung des ’abgekürzten Impressionismus’, insbesondere in Porträts und Genrewerken wie: Junge in der roten Weste (1889-90), Mann, der eine Pfeife raucht (1890-2) Frau mit einer Kaffeekanne (1890-5) Die Kartenspieler (1892-6)
Dame in Blau (um 1900) und Junge Italienerin, die auf ihrem Ellbogen sich lehnt (1900).
Impressionismus im übrigen Europa
Wissenschaftliche Entdeckungen finden manchmal gleichzeitig in mehreren Ländern statt. Etwas in der gleichen Weise war der dem Impressionismus zugrunde liegende Gedanke ein Phänomen dieser Zeit, und es ist interessant zu bemerken, inwieweit er in Ländern außerhalb Frankreichs ungefähr zur gleichen Zeit auftrat. In Italien der Florentiner Macchiaioli Kunstbewegung (1855-80) und der aus den Ereignissen von 1848 stammende französische Impressionismus scheinen zu entsprechen, obwohl er nicht direkt verwandt war. Florentiner Maler des 19. Jahrhunderts hatten eine Technik, mit der sie satte und zurückhaltende Farben mit impressionistischem Griff auftragen konnten. Die Macchiaioli, unterstützt von einem ihrer Theoretiker, Adriano Cecioni, wollten den Eindruck der visuellen Wahrheit aus der Ferne erwecken. Sie malten in Farbtönen, die in Klecksen verteilt waren, und es war der Ton, der ein Gefühl der Tiefe gab. Giovanni Fattori und andere Macchiaioli versuchten eine neue Methode zur Darstellung der Form, die kein Italiener völlig ignorieren konnte. Sie verwendeten sowohl Farbe als auch Pinselarbeit; Der Pinsel wurde breit und mit gerichteten Strichen verwendet, um Volumen zu suggerieren.
Französische und italienische Künstler trafen sich beinahe in ihrem neuen Geschmack für Farbe: Der französische Künstler verwendete Farbe zur Schaffung von Bildlicht, der italienische zur Schaffung von Volumen und beide verwendeten sie, um ein Gefühl für Raum zu geben. Sie verwendeten auch ähnliche Pinselarbeiten. Das Caffe Michelangelo, Treffpunkt der Macchiaioli, unterschied sich nicht ganz vom Cafe Guerbois und den Nouvelle-Athenes. Serafino De Tivoli (1826-92) reiste viel und brachte fremde Ideen in das florentinische Denken ein, insbesondere die Betonung des Lichts. Vito D’Ancona (1825-84) blieb dem konstruktiven Volumen entschlossen treu; Telemaco Signorini (1835–1901) näherte sich der französischen Perspektive; und Vicenzo Cabianca (1827-1902) verwendete starke Pinselstriche, um heftige Kontraste zu erzielen. Giovanni Boldini (1842-1931) war einer der kühnsten der Macchiaioli. Während er in Italien war, benutzte er gebrochene Pinsel, um eine Illusion von Bewegung zu erzeugen. Wenn er nach Frankreich kam, so seltsam es auch scheinen mag, hatte er nichts mit Impressionismus zu tun. Er arbeitete in Frankreich und schuf so oberflächliche wie erfundene Fußgängerbilder. Ähnlich war der frühe Stil von Giuseppe de Nittis (1846-84) mit den Macchiaioli verwandt. Er lernte Degas in Paris kennen und wurde vom Impressionismus beeinflusst. Seine Interpretation dieses neuen Stils blieb eine ganz persönliche: Seine Konturen wurden mit präzisen Details gezeichnet, und zu diesen fügte er eine schöne Unterscheidung der Tonwerte hinzu. Federigo Zandomeneghi (1841-1917) war wahrscheinlich der impressionistischste aller Italiener, und noch in Florenz zeichnete er sich unter seinen Zeitgenossen durch sein Studium des Lichts aus. Als er nach Paris kam, traf er Manet, Degas, Renoir und Pissarro, mit denen er ausstellte, aber sein venezianischer Hintergrund war in seiner Arbeit immer sichtbar.
In Spanien entdeckten Martin Rico und Aureliano de Beruete die modernen Entwicklungen der Landschaft und die Behandlung des Lichts. Diese drei wurden sehr stark von der Barbizon-Schule beeinflusst. Weitere Maler waren der Romantiker Pedro Villaalmil, Carlos de Haes und Ceferino Araujo y Sanchez. Trotz der starken Individualität der spanischen Künstler war ihnen die französische Entwicklung nicht unbekannt. Der baskische Maler Zuloaga bediente sich in seinem frühen Stil der impressionistischen Technik. Die Befreiung von Spanische Malerei war jedoch größtenteils auf die Arbeit von Joaquin Sorolla Y Bastida (1863-1923). In Madrid war er führend in der spontanen Malerei im Freien, gefolgt von Dario de Regoyos, Joaquin Mir und Herman Anglada-Camarosa sowie jenen, die später als "Generation 1910" bekannt wurden, insbesondere Francisco Merenciano, dessen Werk darstellt das letzte Flackern des spanischen Impressionismus.
Deutsche Künstler hatten die Gelegenheit, Gemälde der französischen Impressionisten zu sehen, als 1879 eine Ausstellung ihrer Werke in München stattfand. Einige Künstler, die bereits den Realismus von Courbet und Manet kennengelernt hatten, wussten, was sie auf dieser Ausstellung zu erwarten hatten. Sie sind Wilhelm Leibl (1844-1900), Mihaly von Munkacsy und Otto Scholderer sowie die Wiener Maler Carl Schuch und Hans Thoma. Franz von Lenbach (1836-1904) und Anton von Werner, akademische Maler, erkannten ihre Bedeutung nicht. In Italien war die neue Ästhetik des Lichts auf eine Tradition der Form gestoßen; in deutschland sollte die tief verwurzelte tradition des zeichnens und der grafischen kunst aufgegriffen werden. Der Konflikt bestand zwischen ’Farbraum’ und analytischer Linie. Die deutschen Freilichtmaler blieben den realistisch inspirierten französischen Impressionisten wie Manet und Degas näher als Monet und Pissarro. (Dasselbe gilt für mehrere spätere französische Maler, darunter Jules Bastien-Lepage (1848-84), Alfred Roll und Henri Gervex.) In Deutschland hatte der Impressionismus in Berlin den stärksten Einfluss. Max Liebermann (1847-1935) ging über die Freilichtarbeit von T.Hagen hinaus. Er ließ sich vom Beispiel von Manet und Degas inspirieren und näherte sich mit den Ausstellern der Sezession impressionistischen Farben und Bewegungen. aber seine Arbeit behielt immer eine gewisse Kälte. Die späten Werke von Lovis Corinth (1858-1925) wurden mit einer gewalttätigen und brutalen Technik gemalt. In seiner Arbeit schien die Materie selbst aufgrund seines vollständigen Verständnisses von Licht und Luft zu vibrieren. Max Slevogt (1868-1932), der bayerische Impressionist, konnte sich nicht dazu durchringen, auf Linie zu verzichten; aber Emil Nolde (1867-1956) sprang mit einem Schlag über die Kluft zwischen Manet und van Gogh.
Der Impressionismus erreichte die Schweiz in den Werken von A. Baud-Bovy und dem Symbolisten Arnold Bocklin (1827-1901). Es kam nach Österreich in den Gemälden von Gustav Klimt (1862-1918) und nach Ungarn bei Pal von Szinyei Merse, Karoly Ferenczy, Etienne Csok und Jozef Rippl-Ronai. Das Picknick im Mai von Szinyei Merse stammt von Courbet und Manet. Ferenczy wurde von Bastien-Lepage beeinflusst; Rippl-Ronai war mit Mitgliedern von befreundet Les Nabis sowie Edouard Vuillard (1868-1940) und Pierre Bonnard (1867-1947); und Etienne Csok malte Bilder in Serien wie Monet.
Belgien und Holland spiegelten alle französischen künstlerischen Entwicklungen des Jahrhunderts wider und spielten ihre Rolle in der impressionistischen Bewegung. In Belgien wurde Emile Claus von Monet und Pissarro beeinflusst, H. Evenepoel war künstlerisch mit Manet und Pissarro verwandt Toulouse-Lautrec (1864-1901) und Albert Baertsoen to Roll. Holland mit seinem feuchten Klima und dem bewölkten Himmel wurde von mehreren Impressionisten besucht. Boudin ging dorthin und studierte die Werke von Ludolf Bakhuyzen und Willem van de Velde; Monet malte 1871 in Zaandam und Amsterdam und 1886 in Leyden und Den Haag. Albert Lebourg besuchte ihn 1896. Johan Barthold Jongkind (1819-1891) war Niederländer und einer der ersten Impressionisten, die sich den anderen in Frankreich anschlossen. Van Gogh war auch Holländer; seine Kunst wurde durch Kontakt mit den Impressionisten in Frankreich geschaffen; Sein Impressionismus kam dem 20. Jahrhundert näher Deutscher Expressionismus als jede französische Redewendung.
England leistete wie Holland eine Reihe von Beiträgen. Pissarro und Monet kamen hierher und fanden Inspiration in den Nebeln und Nebeln und im Regen Nordeuropas. sie entdeckten auch die Arbeit von Turner, was sie mit Begeisterung erfüllte. Sisley und Walter Sickert (1860-1942) – Anführer der Camden Town Group – waren Engländer; Dieppe zog vor allem Sickert an, dessen Kunst durch den Einfluss von Degas und Whistler ungemein bereichert wurde.
In Dänemark war der wichtigste Impressionist PS Kroyer (1851-1909), der als der Virtuose des diffusen Lichts beschrieben wurde. Wichtig war auch Vilhelm Hammershoi (1864-1916) Der intimistische Genremaler zeichnete sich durch ein gedämpftes Interieur in Blau und Grau aus. Schwedische Maler versammelten sich nicht nur in Grez sur Loing. Eine Gruppe von ihnen blickte auf das neue Paris der Batignolles. Sie enthalten Anders Zorn (1860-1920), dessen Karriere sowohl in Paris als auch international war; Ernst Josephson, der Manet als seinen Meister erkannte; Carl Larsson, der Sisley bevorzugte; und Bruno Liljefors. In Norwegen nahm der Impressionismus die Form eines großen Interesses an der Malerei bewegter Gewässer an. Christian Krohg war als norwegischer Manet bekannt, und es gab auch Fritz Thaulow. Edward Munch (1863-1944) und Erik Werenskiold waren Figurenmaler. Munch begann als Schüler in Bonnat und stand dann einige Zeit unter dem Einfluss von Cezanne, Degas und dem Symbolisten Odilon Redon (1840-1916).
Außerhalb Frankreichs kam der Impressionismus nur langsam auf. Es wurde häufig mit nachfolgenden Bewegungen wie verwechselt Pointillismus und Italienischer Divisionismus. Es gab eine allgemeine Verwechslung französischer Stile, häufig vermischt mit einem indigenen und nach Gelegenheiten suchenden Akademismus. Der Impressionismus beeinflusste die Länder außerhalb Frankreichs noch im Ersten Weltkrieg. In Polen wurde die High-Key-Malerei von Joseph Pankiewicz eingeführt, einem Freund von Renoir, Bonnard, Signac und Vuillard. Pankiewicz setzte den impressionistischen Stil bis zu seinem Tod im Jahr 1940 fort. In Russland wurde der neue Stil von Gruppen wie World of Art und der Wanderers- Gruppe von Landschaftskünstlern übernommen. Ilya Repin (1844-1930) war sein eigener Mann; Isaac Levitan (1860-1900) wurde von Monet inspiriert, Valentin Serov (1865–1911) von Manet und Maria Bashkirtsev von Bastien-Lepage; die sterbende Glut des Impressionismus zog Pavel Kusnetsov nach Frankreich, wo er 1935 starb.
Impressionismus in Amerika und Australien
Der Impressionismus war nicht auf Europa beschränkt. Es schuldete der Neuen Welt bereits eine große Schuld, denn Pissarro stammte aus Westindien. Er war in der Tat eher kosmopolitisch, da seine Vorfahren Portugiesen, Franzosen und Juden waren und sich auf einer dänischen Insel niedergelassen hatten. Bevor Nordamerika sich für impressionistische Malerei begeisterte, leistete es außerdem einen Beitrag einiger Künstler – Whistler (1834–1903), der sehr französisch wurde und stark von Courbet, Manet und Henri Fantin-Latour ; der Pittsburgh Künstler Mary Cassatt (1845-1926) ein junger Bewunderer von Degas; William Merritt Chase (1849-1916) ein früher Exponent des Impressionismus in Amerika, der vor allem als herausragender Kunstlehrer bekannt ist; Theodore Robinson (1852-96) Ein weiterer früher Impressionist, ein Freund von Monet, der vor allem für seine Landschaften und Bootsszenen in Connecticut bekannt ist. John Twachtman (1853-1902) beeinflusst von Whistler und japanischen Ukiyo-e-Drucken; J. Alden Weir (1852-1919) bekannt für seine Landschaften sowie seine konservativeren Stillleben, Blumengemälde und Porträts; Childe Hassam (1859-1935), der in Paris den Impressionismus studierte (1886-9); und natürlich der große Porträtist John Singer Sargent (1856–1925) – Bekannt für seine impressionistischen Meisterwerke Die Töchter von Edward Darley Boit (1882) und El Jaleo (1882), der eine Einladung zur Ausstellung mit der Impressionistengruppe ablehnte.
In Australien der impressionistische Stil – am Beispiel der Heidelberger Schule in der Nähe von Melbourne und praktiziert von Tom Roberts (1856-1931), Arthur Streeton (1867-1943), Charles Conder (1868-1909) und Fred McCubbin (1855-1917) – war dem Naturalismus von Bastien-Lepage viel näher als der ultralose Pinselstrich von Monet. Einzelheiten finden Sie unter: Australischer Impressionismus (1886-1900).
HINWEIS: Weitere Informationen zu den Auswirkungen des Impressionismus finden Sie in den folgenden Artikeln:
Impressionistische Ausstellungen in Paris
Spaltungen der impressionistischen Gruppe
Vermächtnis von Monets Impressionismus
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