Der Impressionist Claude Monet Automatische übersetzen
❶ Ursprünge und Einflüsse
❷ Frühe Geschichte
❸ Impressionist Edouard Manet
❹ Der Impressionist Claude Monet
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne
❻ Monet & Pissarro in London
❼ Impressionistische Malerei Entwicklungen
❽ Impressionistische Ausstellungen
❾ Gruppensplits
❿ Erbe
Der Darstellung der Natur verpflichtet
1862 wurde der zukünftige Führer von Impressionismus Claude Monet, aus Le Havre zurückgekehrt, lernt den niederländischen Maler kennen Johan Barthold Jongkind (1819-1891) und betrachtet ihn als seinen wahren Meister. "Ihm verdanke ich das endgültige Training meines Auges…"
Er ist beeindruckt von der Ungestümheit seiner Berührung, der Prägnanz seiner Vorschläge und der Dynamik seiner Bewegungen. Dieser Mann, der alters- und erfahrungsgemäß und ohne Vorbereitung oder Überarbeitung in der Lage war, das Volumen und die Vorstellung von Farbe ebenso auszudrücken ein Pinsel wie mit einem Bleistift oder einer Radierung. Monet malt an seiner Seite und verleiht seinem Bild, seinem Beispiel folgend, mehr Körper, multipliziert die Farbakzente und verwendet runde Striche (eindringlicher als die feine Schraffur von Boudin), um seine Komposition lebendiger zu gestalten.
Als Monet jedoch in Paris ankommt, tritt er auf Drängen seiner Familie in das Gleyre-Studio ein. Dass er dort wenig lernt, wird durch Museumsbesuche und die Atmosphäre von Paris kompensiert. Über den einzigen positiven Gewinn aus dem Studio ist es, sich zu treffen Sisley, Bazille und Renoir. Ihre Freundschaft wird sehr eng und diese drei Tyros sollen fortan eine strahlende Kugel und eine wahre Gruppe um ihn bilden. Seine Erfahrung mit Jongkind, seine kühne Intuition und das Wissen um die vor ihm liegenden Möglichkeiten haben Monet bereits zu einem lebhaften Kraftführer gemacht. Es ist sehr wichtig, dass seine Ideen ein Echo finden und dass jemand darauf reagiert.
Ab 1863 nimmt er seine Gefährten mit in den Wald von Fontainebleau (Heimat der Barbizon Schule der Landschaftsmalerei), um mit der Technik zu experimentieren, die er bereits an der Küste der Normandie perfektioniert hat. Sie bemühen sich nicht, ihren unmittelbaren Vorgängern, den Barbizon-Malern, zu folgen, die immer noch den Wald besuchen, deren Formeln sie jedoch verwerfen. Renoir trifft zufällig auf Diaz, der ihm mehrere Jahre lang großzügig hilft, indem er sich auf seinem Konto mit Farben eindecken kann. Der Maler dieser Generation, den Monet am meisten schätzt, ist Charles Daubigny, der es vorzieht, nördlich von Paris, insbesondere an der Oise, auf einem kleinen Boot zu arbeiten, das als schwimmendes Studio ausgelegt ist und von seinem Sohn betreut wird. Monet bewundert die Offenheit seiner Technik, die Klarheit seiner Skizzen, die er aus dem Thema gemacht hat. Daubigny seinerseits hört nie auf, die zukünftigen Impressionisten zu fördern, besonders wenn er Mitglied der Salon-Jury wird.
1864 wird das Gleyre-Atelier geschlossen und die Maler haben ihre Zeit für sich. Nach erneuten Besuchen in Chailly-en-Biere fährt Monet im Sommer mit Bazille nach Honfleur, und die beiden Freunde arbeiten auf der Farm Saint-Simeon. Boudin und Jongkind werden sich demnächst anschließen. Zu Beginn des Jahres 1865 teilt sich Monet das Atelier von Bazille in der Rue Furstenberg in Paris. Pissarro und Cezanne Besuche sie. Aber Monet hat es eilig, nach Chailly zurückzukehren, um ein riesiges Projekt durchzuführen, das er sich vorgenommen hat. Es handelt sich um ein riesiges Bild direkt unter freiem Himmel, das etwa zehn Personen umfasst und den Titel "Dejeuner sur l ’Herbe" trägt. Monet ist noch nicht bekannt Manet aber war tief beeindruckt von der Ausstellung des letzteren in der Martinet Galerie und blieb nicht gleichgültig gegen die Empörung auf " Dejeuner sur l’Herbe " Bei der Salon des Refuses. Wollte er mit Manets Thema und Titel mit seinem Ältesten konkurrieren? Es ist wahrscheinlicher, dass er den Schlagstock aufheben und dort Erfolg haben wollte, wo der andere gefallen zu sein schien. Monet will das Spiel so loyal wie möglich spielen und versucht, seine Leinwand vollständig im Freien zu malen, um die Gefahr eines Studio-Looks seiner Arbeit zu vermeiden (Manet war dem nicht ganz entkommen). Wenn er feststellt, dass die gigantischen Dimensionen der Leinwand zu groß sind, um sie nach Belieben in den Wald zu stellen, stellt er sie in der Nähe des Gasthauses auf und überprüft anhand der Natur alle Motive, die er ins Bild setzen möchte. Bezüglich der Figuren ruft er Camille, der kürzlich sein Begleiter geworden ist, und Bazille an, die beide für mehrere Figuren posieren. Monet verwendet auch Fotografien, die er in verschiedenen Positionen aufgenommen hat.
Solch ein Unternehmen kommt nicht ohne aufregende Neugierde, Erstaunen und gewisse Zweifel auf den Weg, weil so viele Risiken und Kosten damit verbunden sind. Courbet kommt zu Chailly, um Monet zu beraten, aber es gelingt ihm anscheinend nur, ihn zu verärgern. Monet hatte damit gerechnet, die Arbeiten im auszustellen Salon von 1866 und zwang so eine öffentliche Anhängerschaft für sich, doch das Unglück verfolgte ihn. Da er bereits in unlösbare finanzielle Schwierigkeiten geraten ist, muss er die Arbeit an dem Projekt einstellen und das Gemälde dem unbezahlten Hausverwalter überlassen. Später holt er sein Gemälde zurück, aber es liegt in der Ecke eines Raumes, schwer verletzt darüber, dass er es in Stücke schneiden muss, um die besten Teile zu erhalten. In Eile malt er das große Porträt "Camille in einem grünen Kleid", das ihm ein gewisses Maß an Erfolg einbringt.
Trotzdem bekommen wir eine gute Vorstellung von dem verlassenen Werk, nicht von einer späteren reduzierten Version, sondern von den Fragmenten, die erhalten bleiben und von außergewöhnlicher Qualität sind. Das zentrale Stück (98 x 75 Zoll) zeigt vier Personen und das üppige Stillleben des Mittagessens, das auf einem Tuch vor ihnen ausgebreitet ist; das linke stück (164 x 59 in.), das vor einigen jahren im studio von giverny entdeckt und an den Louvre 1957 von Georges Wildenstein, zeigt vier Figuren. Das Gemälde ist von außergewöhnlicher Qualität, mit einer Fülle von Berührungen, die Monet in seinen Staffelei-Gemälden nicht noch einmal zu probieren wagte, oft etwas zu gewissenhaft ausgeführt. Und vergessen Sie nicht, dass die Arbeit unvollendet blieb. Wichtige Farbebenen werden durch entscheidende Scheiben reiner Töne entlastet, und diese großen Flächen bieten die Möglichkeit, das durch die Bäume dringende Sonnenlicht stark zu variieren. Die Figuren sind wirklich vollständig in die Natur integriert, unabhängig davon, ob sich ihre dominanten Merkmale in das Laub einfügen oder ob sie auf eine Art und Weise behandelt werden, die stärker vom Licht geprägt ist.
HINWEIS: Um zu sehen, wie Monets sogenannter "Naturalismus" paradoxerweise zur Abstraktion führte, siehe: Realismus zum Impressionismus (1830-1900).
Es ist sehr wahrscheinlich, dass diese Arbeit, wenn sie hätte abgeschlossen sein können, gegenüber der von Manet einen entscheidenden Schritt nach vorne markiert hat, der die endgültige Entwicklung des Impressionismus und insbesondere Monet in eine ganz andere Richtung hätte lenken können. Trotzdem hat es Monets Freunde tief beeindruckt. Zu diesem Zyklus gehört offenbar das, was von Bazilles Werk am würdigsten geblieben ist, das große "Familientreffen", das 1867 ganz im Freien unter den Kastanienbäumen auf der Terrasse des Wohnhauses der Malerfamilie im Languedoc gemalt wurde. Monet selbst produziert bald eine neue Leinwand im gleichen Geist, obwohl weniger ehrgeizig und nicht so groß, Frauen im Garten (1867).
Die Arbeit wird direkt im Garten von Ville d’Avray gemalt, wo er den Sommer 1866 verbringt. Es wurde ein Graben gegraben, damit die mehr als zwei Meter hohe Leinwand auf eine Rolle gesenkt werden kann, wenn der Künstler sie erreichen möchte Oberteile. Die Komposition ist viel weniger reichhaltig als die von "Dejeuner sur l’Herbe", mit nur vier weiblichen Figuren, die in Winkeln aufgestellt sind, die künstlich genug sind, um ihr Licht aus der Vegetation zu holen. Camille hatte für die vier Figuren posiert, die sich als leicht einheitliche Variationen zeigen. Die Arbeit nähert sich eher der von Manet, insbesondere bei der Behandlung von Gesichtern in Strichen und vereinfachten dunklen Flecken. Die Arbeit wurde auch durch ein Wunder gerettet, als Monet, erneut in finanziellen Schwierigkeiten, nach Le Havre fliehen musste und mehr als 200 Leinwände zurückließ, von denen er viele unkenntlich machte, um zu verhindern, dass sie von den Gerichtsvollziehern verkauft wurden.
So hatte Monet die Idee, den Menschen in seiner natürlichen Größe und in seiner Umgebung zu malen, und er war in der Lage, dies zu erreichen. Aber er musste es wegen einer unglaublichen Reihe persönlicher Enttäuschungen aufgeben, die ihn in den Jahren vor dem Krieg von 1870 dazu brachten, Selbstmord zu versuchen. Dieser Rückschlag reduzierte ihn auf kleine Staffelei-Bilder und auf die Aufgabe der Form, die ihm in diesen Dimensionen nicht mehr als ausreichende Grundlage für den Umgang mit den Problemen von Licht und Farbe erschien. Er neigt zu einer genialen Analyse von Fragmenten der Natur und erst am Ende seines Lebens gelingt es ihm, zu dieser Analyse monumentaler Proportionen zurückzukehren. Wir können uns nur vorstellen, was er hätte erreichen können, wenn er den Weg fortgesetzt hätte, den er zuerst gewählt hatte.
So ist Monet ab 1865 gezwungen, in seinen Einträgen für den Salon eher bescheidene Landschaften zu bevorzugen: Seestücke oder Waldszenen. Diese Werke sind von großer Klarheit, frei, konzentriert und gut genährt, leicht und neu. Zunächst werden sie gut aufgenommen. Im Salon von 1865 ist Manet überrascht, den Maler an seiner Seite zu finden, der fast sein Homonym ist, mit dem er noch nicht vertraut ist und dem er immer noch eine gewisse Bitterkeit bei der Verwirklichung des Erfolgs seiner Seestücke verspürt, während alle gegen "Olympia" schimpfen. " Aber kurz darauf, als er den Künstler kennenlernt, verschwindet sein Vorurteil und gewährt ihm eine unbestreitbare Freundschaft.
Aber im Laufe der Jahre wird Monet dem gleichen Hass und der gleichen Ungerechtigkeit begegnen wie der ältere Mann. Im Salon von 1866 wird er erneut mit "Route de Fontainebleau" und "Portrait of Camille" aufgenommen. Aber 1867 wird seine "Frau im Garten" abgelehnt, und das Gleiche gilt für die herrlichen Landschaften von La Grenouillere im Jahr 1869. Doch wie vielfältig ist seine studierte Eleganz und seine Vorschläge; Was für eine reiche Erfindung in Werken, in denen sich Monet immer um die Lösung eines neuen Problems kümmert! Im Jahr 1865 imitierte Jongkind, der die Apsis gemalt hatte Kathedrale Notre Dame Zu verschiedenen Jahreszeiten malt Monet vom selben Ort aus die Straße zum Bauernhof Saint-Simeon im Sommer und dann unter dem Schnee. 1866 malt er den ersten Panoramablick auf Paris vom Dach des Louvre gegenüber von Saint-Germain-l’Auxerrois. Obwohl diese Gemälde strenge Titel wie "Saint-Germain l’Auxerrois", "Le Jardin de l’Infante" und "Le Quai du Louvre" tragen, bieten sie mit mehreren Fassadenplänen der Kais ein umfassendes Bild der Stadt und der Place Dauphine, jetzt beleuchtet, jetzt getönt mit hellen Schatten, dominiert von den Kuppeln des Pantheons, des Val-de-Grace und des Clovis-Turms, die unter einem großen, marmorierten Himmel hervorstechen. Die Massen von Grün oder die Büschel von hellem Laub schaffen einen tiefen, immer transparenten Raum: Im Vordergrund ragen die animierten Silhouetten von Fiacres (Taxis) und spazierenden Menschen heraus. Sie sind die ersten jener städtischen Landschaften, jener Panoramaaussichten auf die Boulevards und den Pont-Neuf, die später alle Impressionisten bis zum Ende des Jahrhunderts zu so viel Nachforschungen anregen.
Im selben Sommer bieten seine in Le Havre gemalten Seestücke sehr unterschiedliche Kombinationen von Grundrissen, die sich in parallelen Bändern entfalten oder in die Diagonale passen. Der Künstler versucht nicht mehr Land, Meer und Himmel zu verschmelzen, sondern setzt seine Leinwand aus mehreren Elementen zusammen, die sich gut definieren: Blumengärten, verschiedene Personengruppen, Silhouetten von Booten, Segeln und anderen Meeresgegenständen. Einige sind in vollem Licht gefangen, im Allgemeinen in der ersten Reihe der Kompositionen; andere stehen in geschickt abgestuften Blau- oder Malvenfarben gegen das Licht. Die Geschmeidigkeit, die Fließfähigkeit seiner Berührung erinnert an die Atmosphäre einer Meeresbrise und, wenn wir diese vergleichen, funktioniert dies mit den großen leichten monochromen Variationen, die Whistler Monet erreicht mit unübertroffener Poesie den gleichen Ort und die gleiche Zeit und behält dennoch den Vorteil in Bezug auf Animation und Leben. Weitere Informationen hierzu finden Sie unter: Merkmale der impressionistischen Malerei (1870-1910).
Im Jahr 1868 hat Monet eine kurze Pause von seinen materiellen Sorgen. Nachdem es Boudin gelungen ist, ihn mit Courbet und Manet zu einer internationalen Seeausstellung nach Le Havre einzuladen, sieht er sein Porträt von Camille, das Arsene Houssaye, der als Inspektor der Schönen Künste in die Ausstellung gekommen ist, gekauft hat und einem reichen Künstler begegnet. Geliebter, M. Gaudibert, der ihn beauftragt, ein Porträt seiner Frau zu malen und ihm bei mehreren späteren Gelegenheiten hilft. Dieses Porträt, das dem weltlichen Typus von Alfred Stevens, einem Freund von Manet und gelegentlichem Besucher des Cafe Guerbois, etwas zu opfern scheint, kommt in seiner Behandlung und Komposition den zeitgenössischen Porträts von Manet sehr nahe, in denen die individualität des modells verschwindet hinter einer vielzahl von symbolen und reichem dekor. Zum Beispiel ist im berühmten Porträt von Zola das Profil ein fast unbedeutendes Element im Vergleich zu dem Stillleben, das durch das Tintenfass, das aufgeschlagene Buch, die farbigen Broschüren auf dem Schreibtisch oder im Vergleich mit dem japanischen Bildschirm oder mit gebildet wird die gravuren in einem rahmen montiert. In dem Porträt von Duret ist das Gesicht, das wie ein Ärmel oder ein Hut träge ist, im Vergleich zu der gewaltigen geschwollenen Silhouette so gut wie nichts. Die Animation kehrt zu den Händen zurück, und im Vordergrund steht die Intensität des Stilllebens, der Zitrone und der Karaffe: leuchtende Kugeln, die die schwere vertikale Masse des Körpers ausgleichen. In Monets Porträt von Madame Gaudibert ist der Kopf fast vollständig gedreht, und was zählt, ist die Eleganz der Robe aus Puce-Seide, die Bewegung des Schals, der Blumenstrauß, die mit großen Pinselstrichen bemalten Vorhänge und die Erleichterung durch tiefes Schwarz. Aber Manet, besser als Monet, weiß, wie man nutzloses Zubehör loswird. Er nimmt eine Lektion von spanischen Malern, in deren Werk der Gegensatz von Schwarz und lebenden Farben durch das Herausragen vor einem neutralen Hintergrund aus Licht und wolkigen Ocker verstärkt wird, und setzt seine Figuren in eine solche Umgebung. Das auffälligste Beispiel dafür vor dem Porträt von Duret ist sein "Fifer", so konkret und auffällig in den leuchtenden Farben der Uniform, aber in einer Leere aufgehängt.
Ende 1868 ist Monet mit seiner Familie in Bougival, wieder ohne Geld und verzweifelt bei seinen Freunden. Renoir, der mit seiner Mutter in Ville-d’Avray lebt, kommt neben ihn, ist aber genauso schlecht dran, und oft müssen sie wegen Farbmangels die Arbeit einstellen. Sie spüren jedoch, dass die Pinselspitzen Ideen für wundervolle Leinwände sind.
Ihre Eindrücke ergänzen sich gegenseitig und sollen bei gleicher Thematik zum ersten Mal parallele Visionen von immensem Interesse produzieren, wobei jeder seine charakteristischen Merkmale beibehält und beide versuchen, eine Malmethode zu schaffen. Erstens ist es das Thema des Bootes und des Wassers, das die Häuser und Bäume am Ufer widerspiegelt. Dann folgen Sie den unvergesslichen Gemälden von La Grenouillere. Von diesem Punkt aus kann man leicht die Geburt des Impressionismus als eine neue Technik für eine mögliche allgemeine Anwendung datieren. Dieser von De Maupassant beschriebene berühmte Ort an der Seine in der Nähe des Restaurants Fournaise bot eine außergewöhnliche Szene der Lebendigkeit, die die beiden Freunde faszinierte. Die Anlegestelle, eine kleine Insel mit einem einzigen Baum, ist ein zentraler Punkt für die Komposition, an dem die Kinderwagen und das elegante Kommen und Gehen gezeigt werden. In den Werken dieser beiden Impressionistische Maler unterschiedlich, aber gleichzeitig nahe beieinander, ist nur die Behandlung des Wassers fast die gleiche, mit langgestreckten Strichen, die einen Wechsel von Licht und Schatten erzeugen, je nachdem, ob das Wasser das volle Licht empfängt und es reflektiert oder sich vom Schatten kräuselt Seite. Bei Renoir verschmelzen die Figuren mit dem überhängenden Laub, einer fast undeutlichen Koagulation der Vegetation. Der Mensch verliert jede Individualität, eingehüllt in zarte Schatten und Lichtreflexe. Bei Monet hingegen sind die Kontraste sehr viel ausgeprägter. Magie existiert auch in seinen Leinwänden, aber die Komposition ist immer klar mit den genau geteilten Weißen. Das Dekor der Bäume entfaltet sich wie ein Fries in vollem Fokus und schafft so eine Tiefe, vor der sich die Silhouette der Insel und rechts der vordere Teil des Restaurants ablösen. Es gibt Details von erstaunlicher Kühnheit wie die Badegäste auf der linken Seite, die von den hellen Flecken auf dem Wasser durchzogen zu sein scheinen. Dieses Meisterwerk wurde von der Jury des Salons im Jahr 1870 abgelehnt, obwohl Daubigny darauf bestand, dass die Angelegenheit zurückgetreten war. Aus dieser Zeit stammen auch die bedeutenden Schneestudien, in denen Monet und Renoir die Reflexion von Sonnenlicht auf Schnee untersuchten, die mit rosa oder gelb getönt waren und bläuliche oder lila Schatten erzeugten. Sehen: Beste impressionistische Gemälde.
Müssen wir in dem Unverständnis, das Monet empfing, ein Maß für die Erosion der damaligen Gesellschaft sehen? An diesem Ende des Zweiten Reiches herrscht allgemeine Gleichgültigkeit und auch Angst; niemand glaubt mehr an etwas viel. Die Kräfte der Zukunft existieren bereits. Sie bereiten sich vor, gruppieren sich neu und werden bald ausbrechen. Aber bis jetzt gibt es nichts für sie als Unwissenheit und Verachtung. Was an Monets Kampf gegen das Unglück erbärmlich ist, ist die Tatsache, dass ein bisschen mehr Verständnis seitens seiner Familie es unnötig gemacht hätte. An Geld mangelt es seinen Eltern nicht und sie hätten nachgeben können, wenn nicht die bereits zugesicherten Eigenschaften ihres Sohnes, dann zumindest sein Mut und sein Durchhaltevermögen.
Seine Position wird fast unhaltbar, als sein Gefährte Camille, den er vor 1870 nicht heiraten konnte, 1867 einen Sohn gebar. Es gibt Zeiten, in denen Monet nicht einmal ein Feuer oder Brot hat. Seine Familie willigt nur ein, ihm zu helfen, wenn er bescheidene Kuchen isst und unter ihren Fittichen zurückkehrt. Ihm wird Essen und Unterkunft angeboten, aber nur für sich selbst und nicht für Camille und ihr Kind. Er erträgt beinahe das Martyrium, um unter so vielen Schwierigkeiten die Arbeit hervorzubringen, an die er glaubt. Seine einzige Unterstützung ist Bazille, der es nicht müde wird, um Hilfe gebeten zu werden, in dessen Atelier Monet manchmal für längere Zeit Zuflucht sucht, und der versucht, Käufer für Monets Gemälde zu finden, und manchmal selbst ein abgelehntes Werk kauft, wenn er scheitert Raten. (Aber lies über Monets nächsten Gönner, den Kunsthändler Paul Durand-Ruel.)
Verwandte Artikel
Spätere Werke von Monet umfassen:
NÄCHSTER:
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne.
- Impressionist Triumph at New York Auction
- Nach 83 Jahren kehrte Schostakowitschs mysteriöse Oper über die Kreuzung von Mann und Affe nach St. Petersburg zurück
- „Saint Joan“ by George Bernard Shaw
- "The Adventures of Huckleberry Finn", summary and analysis
- Architektur des 19. Jahrhunderts: Merkmale, Geschichte
- Fontainebleau School of Mannerist Art (c.1528-1610)
Adblock bitte ausschalten!
Wenn Sie einen grammatikalischen oder semantischen Fehler im Text bemerken, geben Sie diesen im Kommentar an. Vielen Dank!
Sie können nicht kommentieren Warum?