Primitivismus, Primitive Kunst: Definition, Eigenschaften Automatische übersetzen
Definition und Eigenschaften
Der Begriff " Primitive Kunst " ist eine ziemlich vage (und unvermeidliche ethnozentrische) Beschreibung, die sich auf die kulturellen Artefakte "primitiver" Völker bezieht, dh auf jene ethnischen Gruppen, die nach westlichen Maßstäben einen relativ niedrigen Stand der technologischen Entwicklung aufweisen.
Es enthält Afrikanische Kunst (Subsahara), Ozeanische Kunst (Pazifische Inseln), Kunst der Aborigines (Australien) sowie andere Arten von Rock Kunst aus der Vorgeschichte und auch Stammeskunst aus (zB) Amerika und Südostasien. Die Vorstellung von "primitiven" Menschen stammt aus dem Zeitalter der Entdeckung (ca. 1500) und ist größtenteils (wenn auch nicht ausschließlich) mit einer christlich-kaukasischen Weltanschauung verbunden.
Man sollte jedoch beachten, dass der Begriff "primitive Kunst" normalerweise nicht zur Beschreibung von chinesischen, indischen oder islamischen Kunstwerken oder Werken aus einer der wichtigsten Kulturen einschließlich der ägyptischen, griechischen oder römischen Zivilisationen verwendet wird.
Der Begriff " Primitivismus " entstand in Kunst wird im späten 19. Jahrhundert verwendet, um jede Kunst zu beschreiben, die sich durch Bilder und Motive auszeichnet, die mit einer solchen primitiven Kunst verbunden sind. Dieser künstlerische Primitivismus ist von ethnografischen Formen geprägt, die oft von großer visueller Kraft sind Paul Gauguin (1848-1903) und führte schnell zu einem Trend unter französischen und deutschen Künstlern der expressionistischen Avantgarde. In der Tat begannen mehrere, Sammlungen ethnologischer Artefakte zu besuchen: 1902 der britisch-amerikanische Bildhauer Jacob Epstein besuchte das Trocadero-Museum in Paris, ebenso wie Derain und Vlaminck in den Jahren 1904 bis 1905 und Picasso im Jahr 1907; 1903 und 1906 besuchte Ernst Ludwig Kirchner die ethnologische Sammlung in Dresden; 1907 sah Kandinsky in Berlin die neue Sammlung primitiver Exponate, die auch Schmidt-Rottluff, Franz Marc und andere besuchten.
Einfluss des Primitivismus auf die westliche Kunst
Ab 1906 mögen Händler Paul Guillaume Ebenso wie Künstler wie Matisse, Picasso, Derain und Braque begannen sie, afrikanische Stammesmasken und -figuren zu kaufen. Infolgedessen machte sich der Einfluss der "Negerkunst" sowohl auf die Malerei als auch auf die Skulptur in Paris nach 1907 und in Berlin, Dresden und London nach 1912 bemerkbar. 1920 war er praktisch universell und hielt bis in die frühen 1930er Jahre an, als Oceanic Die Kunst der Indianer und Eskimos wurde zu einer wichtigen Inspirationsquelle für die Surrealisten und ihre Anhänger.
Zu den am meisten vom Primitivismus beeinflussten Künstlern gehörten die deutschen Expressionisten Emil Nolde (1867-1956) und Max Pechstein (1881–1955), der Fauvist Henri Matisse (1869-1954), der moderne rumänische Bildhauer Constantin Brancusi (1876-1957), der britische Bildhauer Jacob Epstein (1880-1959), der in Paris lebende italienische Porträtist und Bildhauer Modigliani (1884-1920) und Pablo Picasso (1881-1973), unter vielen anderen. Der russische Primitivismus hatte großen Einfluss auf Natalia Goncharova (1881-1962), der eine Art calle Neo-Primitivist Kunst entwickelte. Der Einfluss afrikanischer, ozeanischer, aboriginesischer und anderer so genannter primitiver Kunst auf westliche Künstler hält bis heute an und umfasst eine Reihe von Formen, darunter Malerei, Skulptur, Assemblage, Körperkunst (sowie gesichtsmalerei und Körperbemalung ), Tätowieren, Holzschnitzen und andere.
Primitivistische Skulpturen und Gemälde
Obwohl sich die Maler als erste für den Primitivismus interessierten, wirkte er sich am stärksten auf die Skulptur aus. Der fauvistische Maler Andre Derain brachte es sich sogar selbst bei, Kalkstein zu schnitzen, um primitiv anmutende Werke herzustellen. Zu den größten primitiv geschaffenen Kunstwerken zählen:
Größte Skulpturen im primitiven Stil
Größte Gemälde im primitiven Stil
Primitive: Naiv / Außenseiter Art
Darüber hinaus wird der Begriff "Primitivismus" auch verwendet, um Kunst zu beschreiben, die von " Primitiven " geschaffen wurde – der Name, der bestimmten Künstlern gegeben wird, die normalerweise Autodidakten sind, deren Gemälde normalerweise in Form und Farbe simpel sind und denen herkömmliche Motive wie Helldunkel fehlen. Geradlinige Perspektive und andere Arten von Verhältnismäßigkeit. Diese von kindlichen Bildern geprägte Kategorie der primitiven Kunst im westlichen Stil ist auch bekannt als Außenseiter Kunst ", " Naive Kunst "oder Art Brut ("rohe Kunst") und wird durch die Arbeit von Henri Rousseau ’Le Douanier’ (1844-1910): Siehe zum Beispiel seine Meisterwerke Der schlafende Zigeuner (1897) und Der Traum (1910), beide im Museum of Modern Art, New York. Andere primitive Künstler sind: Paul Klee (1879-1940), Mikhail Larionov (1881-1964), LS Lowry (1887-1976), Jean Dubuffet (1901-85), Frida Kahlo (1907-1954), Asger Jorn (1914-73), Karel Appel (1921-2006) und andere Mitglieder der europäischen Avantgarde der 1950er Jahre. Der größte Bestand an Outsider-Kunst ist die Collection de l’Art Brut von Jean Dubuffet in Lausanne, Schweiz. Eine kleinere Sammlung ist die Musgrave Kinley Outsider Art Collection im Irish Museum of Modern Art (IMMA) mit Werken von Künstlern wie Aloise, Henry Darger, Madge Gill, Hauser, JB Murry, Oswald Tschirtner, Van Genk, Wolfli und Zemankova. und andere.
Prähistorische Kunst ist kein Primitivismus
Alle Skulpturen (zB Venus Figuren ) und Malerei (z. Höhlenmalerei ), die in der Altsteinzeit (Steinzeit), dh im Zeitraum bis 10.000 v. Chr., entstanden sind, werden als klassifiziert Prähistorische Kunst . Da alle Menschen dieser Zeit ein primitives Dasein führten, gilt der Begriff "primitive Kunst" nicht für das prähistorische Zeitalter. (Siehe auch: Prähistorische Kunst Timeline .)
Integraler Bestandteil von Geschichte und Kultur
Beachten Sie jedoch, dass Kunst kein isoliertes Phänomen ist. Es ist Teil einer Kultur, die mit der Geschichte der Kultur und der Geschichte der Menschen verbunden ist. Infolgedessen sollten wir die primitive Kunst lediglich als allgemeinen Begriff betrachten, der eine Vielzahl historischer Phänomene abdeckt. die Produkte verschiedener Rassen, Mentalitäten, Temperamente, historischer Ereignisse und Umwelteinflüsse. Jedes Volk, wie primitiv es auch sein mag, hat einen bestimmten Stil entwickelt, indem es bestimmten Objekten und Mustern oder bestimmten Anordnungen von Linien und Räumen den Vorzug gab.
Primitivismus im Gegensatz zur akademischen Kunst
Die entmenschlichenden Auswirkungen der Industrialisierung des 19. Jahrhunderts in Verbindung mit dem Gemetzel des Ersten Weltkriegs (1914-18) ließen eine Reihe von Künstlern von der Kultur und den Werten ihrer eigenen Gesellschaft desillusionieren, die sie als korrupt und moralisch bankrott betrachteten. Bildende Kunst – vor allem die offizielle " akademische Kunst "Teached in the Academies" – wurde mit diesen korrupten Werten identifiziert. Im Vergleich dazu wirkte "primitive" Kunst spontaner, ehrlicher und emotional aufgeladener.
Primitivismus und Ästhetik
Die Einstufung eines Gemäldes oder einer Skulptur als "primitiv" setzt die Existenz einer "nicht-primitiven" Kunst voraus. Wie sollen wir eine solche Kategorie von "nicht-primitiver" Kunst beschreiben? – Modernist? Fortschrittlich? Technologisch fortgeschritten? Keine dieser Beschreibungen scheint zufriedenstellend zu sein. Vielleicht, weil es keine solche Kategorie gibt. Letztendlich, Ästhetik ist keine Wissenschaft – es gibt keine "fortgeschrittene Schönheit" oder "primitive Schönheit".
Wir schätzen Kunst, die uns vertraut ist
Oft scheint es so, als ob ein völliger Genuss der Schönheit nur möglich ist, wenn wir mit einem Kunstwerk konfrontiert werden, das entweder zu unserer eigenen Kultur gehört oder zumindest oberflächlich mit unserer eigenen Ästhetik oder unseren Idealen künstlerischer Schönheit zusammenhängt. Die Kombinationen von Form und Farbe, die von fremden Zivilisationen entwickelt wurden, mögen viele Attraktionen haben, aber sie bleiben in einer mysteriösen Atmosphäre verborgen, die uns ziemlich fremd sein kann.
Werke, die den Stil des "Primitivismus" widerspiegeln, sind in einigen von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt.
Schlechte Kunst ist keine primitive Kunst
Da die erste Stufe von etwas normalerweise unentwickelt und unvollendet ist, ist eine populäre Bedeutung für das Wort "primitiv" gewachsen, die etwas Rohes bezeichnet – ohne die gewisse Übereinstimmung von Linien, Räumen oder Farben, die die Quelle unserer emotionalen Empfindung ist, wenn wir Schau dir ein echtes Kunstwerk an. Das "primitive Werk" in diesem Sinne kann einfach das Werk eines Pfuschers sein, dem sowohl künstlerische Inspiration als auch technisches Können fehlen. In diesem Fall hat es nichts mit wirklicher Primitivität zu tun, sondern ist einfach schlechte Kunst, ohne auch nur einen dokumentarischen Wert, der sie empfiehlt. Auf der anderen Seite, wenn es die Arbeit eines Wilden oder eines Kindes ist, wird es zumindest als genetischer oder psychologischer Beweis eine gewisse Bedeutung haben.
Mode diktiert Ästhetik
Ein Kunststil ist kein statisches, sondern ein dynamisches Phänomen, das mit einer bestimmten Periode kultureller Entwicklung verbunden ist und sich verändert. Es ist eine feststehende Tatsache, dass es so etwas wie eine Periodizität der Kunststile gibt, die einer Periodizität des Geschmacks entspricht. Es ist nicht sicher, inwieweit der Stil und die emotionale Reaktion aufeinander voneinander abhängen. Das offensichtlichste Merkmal des modernen künstlerischen Geschmacks ist die Einfachheit. Der Mensch des 20. Jahrhunderts lebte in einer hochkomplizierten Welt, laut und mechanisiert, und entwickelte eine starke Tendenz zur Einfachheit – Einfachheit in den äußeren Formen des täglichen Lebens, Abneigung gegen Verzierungen in Architektur, Möbeln und Gebrauchsgegenständen und Vorliebe für Primitivität und Spontanität, anstatt Raffinesse und Raffinesse. Deshalb spricht ihn die Einfachheit vieler primitiver Künste so stark an. Der Kritiker GA Stevens schrieb einmal: "Primitive Kunst ist die reinste und aufrichtigste Form von Kunst es kann sein, teils weil es stark von religiösen Ideen und spirituellen Erfahrungen inspiriert ist, teils weil es als Kunst völlig unbewusst ist; Es gibt keine Tricks, die von Unwürdigen erlernt werden können, und keine technischen Übungen, die sich als Inspirationswerk tarnen können. Ein solches Urteil ist jedoch nur durch vergleichsweise begrenzte Teile der Kunst der primitiven Rassen gerechtfertigt. Tatsächlich ist der "primitive" Künstler nicht immer so naiv, wie man denken möchte.
Was sind die Merkmale der primitiven Kunst?
(1) Technik
Unzureichende technische Mittel sind nicht unbedingt charakteristisch für "primitive Kunst". Im Gegenteil, die Materialien, in denen der primitive Künstler arbeitet – Stein, Elfenbein, Knochen, Holz, Tag und Metall – sind weitgehend dieselben wie die des europäischen Künstlers. Auch in der Malerei sind die Farbpigmente aus Mineralien, Gemüse und sogar Tieren in vielen Fällen ähnlich. Die dem primitiven Künstler zur Verfügung stehenden Mittel gehören zu seiner kulturellen Ebene und zu seiner Umgebung. In einem afrikanischen Schrein oder Tempel wäre ein Ölgemälde auf Leinwand sowohl historisch unwahr als auch ästhetisch unangenehm. Primitive Methoden variieren beträchtlich, doch finden wir ähnliche Techniken, die in insgesamt unterschiedlichen Bereichen angewendet werden. Die Methode der Holzskulptur zum Beispiel ist vorwiegend das Hacken, nicht das Schnitzen. Das Tool ist eine Art Adze. Das Ergebnis im fertigen Stück ist eine facettierte Oberfläche, die die ungehobelten Markierungen des Werkzeugs zeigt. Diese Technik ist in West- und Südafrika, Neuguinea und Nordwestamerika verbreitet. Das Ziel des primitiven Künstlers ist gute Handwerkskunst. Die Bedingungen, unter denen er arbeitet, unterscheiden sich von denen seines "zivilisierten" Kollegen. Bevor er mit einer künstlerischen Arbeit beginnen kann, muss er zuerst seine Werkzeuge und sein Material sammeln, herstellen und vorbereiten, und in der Regel muss er dies alles mit einer Hand tun. Nehmen Sie zum Beispiel den nordamerikanischen indianischen Maler. Bei den Plains Indianern sind es die Frauen, die für die geometrische Art der dekorativen Kunst verantwortlich sind. Die Männer beschränken sich auf repräsentative Gemälde. In beiden Fällen müssen Pflanzen oder Mineralien gesammelt werden, um die Farben bereitzustellen. Sie müssen dann gekocht oder gemahlen und mit Leim oder Fett gemischt werden, um das Pigment zu setzen. Anschließend muss eine Büffelhaut sorgfältig vorbereitet und die Oberfläche für die Bemalung so glatt wie möglich gemacht werden. Selbst nach einem sehr komplizierten Vorbereitungsprozess ist die Oberfläche immer noch so rau, dass Konturen zuerst in den Boden gedrückt werden müssen, bevor das eigentliche Zeichnen ausgeführt werden kann, und das Zeichnen muss mehrmals wiederholt werden, um das Pigment gründlich in die Haut zu drücken. Folglich ist ein mehrfarbiges Bild eher eine farbige Gravur als eine einfache Zeichnung. Das Befestigen erfordert einen weiteren komplizierten Vorgang, der jedoch nur bei geometrischen Konstruktionen angewendet wird. All diese Vorarbeiten erfordern handwerkliches Geschick und sind weitgehend mechanisch. So war früher die Arbeit eines europäischen Malers. Kunstmaterial jeder Art kann heute fertig gekauft werden. Es sind nur noch die Bildhauer, die in erheblichem Maße maschinell gearbeitet haben.
Generell steht der primitive Künstler vor einer schwierigen technischen Aufgabe. Das bedeutet jedoch nicht, dass er kein wahrer Künstler mit eigenen Ideen und manchmal echten künstlerischen Inspirationen ist. Vor vielen Jahren lernte Professor Franz Boas von der Columbia University einen Indianer von Vancouver Island kennen, der ein guter Maler gewesen war, obwohl seine Arbeiten im traditionellen Stil der Nordwestküste gehalten waren. Dieser Inder war so schwer krank, dass er an sein Bett gefesselt war. Aber während seiner Krankheit setzte er sich auf und hielt den Pinsel zwischen die Lippen. Er war still und schien seine Umgebung nicht zu bemerken. Er konnte kaum zum Sprechen gebracht werden, aber als er sprach, weitete er sich auf seine Visionen von Entwürfen aus, die er nicht mehr ausführen konnte. Zweifellos war er "der Geist und die Haltung eines wahrhaft inspirierten Künstlers". Diese enge Verbindung mit solider Handwerkskunst scheint der Grund zu sein, warum der primitive Künstler so häufig erfolgreich ist. Der primitive Künstler weiß nicht nur von Anfang an genau, was er will, sondern fährt mit unerschütterlicher Konstanz fort, bis es erreicht ist.
(2) Vision
Es wurde vermutet, dass die Abwesenheit von Perspektive und anderen ästhetischen Mitteln selbst primitive Künste von hoher Qualität beim ersten Kontakt mit ihnen entweder grotesk oder monoton erscheinen lässt. Dies mag für einige primitive Kunstwerke gelten, kann aber nicht für alle akzeptiert werden. In Anbetracht der großen Vielfalt von insgesamt verschiedenen Arten; Verallgemeinerungen sind gefährlich. Ebenso können gewaltsame Abweichungen von der Realität nicht als charakteristisch für ein rein primitives Sehen angesehen werden, da sie auch in der Kunst hoch entwickelter Kulturen zu finden sind. Dies gilt insbesondere für den Mangel an Perspektive, den man in der ägyptischen, byzantinischen und gotischen Kunst findet, aber es zeigt sich auch in dem willkürlichen Anteil von Gliedmaßen in Figuren, die von Botticelli oder El Greco gemalt wurden. Auf der anderen Seite haben paläolithische und südafrikanische Buschmannkünstler bemerkenswerte Versuche zur Verkürzung, Überlagerung von Farben, linearer Perspektive und Farbschattierung hervorgebracht. In der Tat haben einige primitive Künstler die höchste Stufe der realistischen Darstellung erreicht. Gemälde und Zeichnungen von Buschmännern sprechen uns sehr an, weil wir keine Schwierigkeiten haben, sie zu verstehen. Diese Art der Grafik erinnert an unsere eigene. Es ist einfach und unkompliziert. Folglich finden wir diese Arbeiten naiv und "primitiv" in einem anerkennenden Sinne. Wir müssen keine neuen oder ungewohnten Visionen anwenden, denn auf lange Sicht arbeitet der primitive Künstler wie der europäische Künstler aus dem Leben. Es ist wahr, dass ein großer Teil der primitiven Kunst offensichtlich aus dem Gedächtnis gearbeitet wurde und dass Götter, Dämonen und fantastische Kreaturen Produkte der Fantasie des Künstlers sind, auch wenn einige Details aus realen Formen stammen mögen. Aber unzählige Kunstwerke, insbesondere Skulpturen aus Afrika, der Südsee und Amerika, sind so realistisch und individuell, dass man mit Sicherheit davon ausgehen kann, dass die Künstler tatsächlich aus der Natur arbeiten. Vor allem die Bildhauer des alten Mexikos und Perus (die natürlich alles andere als primitiv waren) müssen sich direkt mit der Natur befasst haben, und ihre Werke sind tatsächlich Meisterwerke der Porträtmalerei. In Afrika sind die schönen Köpfe von Ife zweifellos Lebensporträts, obwohl ein gewisser ausländischer Einfluss für diesen außergewöhnlich hohen Standard der Skulptur verantwortlich sein könnte. Aber wir finden Lebensporträts bei noch primitiveren afrikanischen Stämmen an der Elfenbeinküste, im Park der Kameruner und im Kongobecken. Porträtmalerei gibt es auch im pazifischen Raum. Die neuseeländischen Maori haben ein sogenanntes "schematisches" Porträt entwickelt, bei dem die Muster der Tätowierung, dieses unfehlbare Identifikationsmittel, es ermöglichten, die Erinnerungen der einzelnen Vorfahren durch bildliche Darstellung zu bewahren.
Die Begriffe "realistische" oder "naturalistische" Kunst werden üblicherweise auf Arbeiten angewendet, die aus dem Leben stammen und daher der Natur entsprechen. Ihre Bedeutung in der Bildhauerei ist zwar eindeutig genug, wird jedoch in Bezug auf die grafischen Künste tendenziell mehrdeutig. Wenn wir von einem naturalistischen Gemälde sprechen, meinen wir, dass es dem optischen Eindruck des Modells entspricht, wie er zu einem bestimmten Zeitpunkt aus einem bestimmten Winkel betrachtet wird. Aber in einem anderen Sinne sprechen wir vielleicht von Naturalismus oder Realismus, wenn ein Künstler alle tatsächlich existierenden Details darstellt, nicht nur die, die er im Moment sehen kann, sondern auch die, die er kennt. In den meisten primitiven Künsten ist Realismus von dieser Art. In den Röntgenzeichnungen von Australien, Melanesien und den Küstenregionen von Britisch-Kolumbien und Süd-Alaska hat es wohl seine höchste Entwicklung erreicht. Hier zeigt der Künstler jedes Detail des Körpers, einschließlich des Rückgrats, der Rippen und der inneren Organe, weil er diese als nicht weniger wichtig ansieht als die charakteristischen Merkmale der äußeren Erscheinung eines Mannes. Diese erstaunliche Methode beruht häufig auf den materiellen Interessen des Künstlers an bestimmten Details und nicht auf einer ästhetischen Wertschätzung.
In Nordamerika gibt es monumentale Wandgemälde, die Killerwale (oder andere Tiere) darstellen und sich durch die Darstellung von Wirbeln und Rippen auszeichnen. Typisch für alle nordwestamerikanischen Grafiken ist die stilisierte Darstellung des Gelenks. Diese seltsame visuelle Methode ist auf einige Regionen im pazifischen Raum beschränkt und soll eines der Anzeichen dafür sein, dass dieser Bezirk in der Vergangenheit zu einem entfernten Zeitpunkt von westlichen Einflüssen beeinflusst worden sein könnte. Intellektueller Realismus dieser Art kann nicht behaupten, entweder naiv oder einfach zu sein. Es ist (paradoxerweise) eine raffinierte Art von Primitivität.
Das Hervorheben bestimmter Merkmale in einer Figur führt oft dazu, dass andere ignoriert werden, so dass die realistische Darstellung allmählich aufgegeben wird. Es wird schließlich durch Symbolik ersetzt, bei der einige charakteristische Merkmale ausreichen, um die Idee eines Objekts zu vermitteln, und kann stilisiert und in herkömmliche Zeichen umgewandelt werden. In einem extremen Entwicklungsstadium können eine isolierte Klaue und ein einzelner Flügel einen Raben symbolisieren. Aber hier haben wir bereits den Bereich der naturalistischen Kunst verlassen und sind in die Sphäre des abstrakten oder konventionellen Designs eingetreten.
Geometrische Formen finden sich sowohl in dekorativen Zeichnungen als auch als Muster in Textilien und Körben. Die Vielfalt dieser Muster ist endlos, obwohl einige von ihnen, wie Zick-Zack-Bänder, Bünde, Dreiecke, verschiedene Arten von Kreuzen usw., bei insgesamt verschiedenen Völkern häufig sind. Sie sind in der Tat fast universell und weisen nicht unbedingt auf eine historische Beziehung zwischen den verschiedenen Künsten hin, in denen sie vorkommen: Wir finden vierquadratische Bünde zum Beispiel nicht nur im alten Griechenland und China, sondern auch bei südamerikanischen Indianern, Melanesier, afrikanische Bantus und andere afrikanische Völker. Aber durch eine bestimmte Kombination von Mustern, wie häufig die einzelnen Elemente auch sein mögen, erzeugt der Künstler einen bestimmten Stil von ausgeprägter nationaler Farbgebung, der es uns ermöglicht, einem bestimmten Volk und oft einer bestimmten Periode ein dekoriertes Objekt zuzuschreiben. Dies gilt natürlich für das Studium der Kunst im Allgemeinen und ist nicht auf die primitive Kunst beschränkt.
In vielen Fällen sollen dekorative Muster die materiellen Objekte – Tiere, Pflanzen usw. – symbolisieren, nach denen sie benannt sind. Die Verbindung zwischen dem Muster und seiner symbolischen Bedeutung entsteht auf zwei Arten; Entweder durch die gezielte Vereinfachung eines repräsentativen Designs wie in Nordamerika oder umgekehrt durch die Beobachtung zufälliger Ähnlichkeiten zwischen dem geometrischen Muster und seiner naturalistischen Interpretation.
In den Ziermustern der Indianerstämme im oberen Xingu des Matto Grosso (Brasilien) dominieren zwei besondere Muster: ein einfaches gleichseitiges schwarzes Dreieck namens Uluri und ein Parallelogramm mit den vier Winkeln, die durch kleine gleichseitige Dreiecke markiert sind. Das letztere Muster heißt mereshu. Dies ist der Name eines Fisches, der eine fast quadratische Form wie eine Scholle hat. Die vier schwarzen Dreiecke in den Winkeln würden dann den Kopf, die Rückenflosse, die Schwanzflosse und die Bauchflosse darstellen. Uluri ist der Name des einzigen Kleides, das von den Frauen des Stammes getragen wird und eigentlich eher ein hygienischer Schutz gegen Insekten als ein Kleidungsstück ist. Es besteht aus einem gefalteten Stück Palmblatt in Form eines gleichseitigen Dreiecks, das kaum zwei Quadratzoll bedeckt und in einem Dammband endet, das an eine Schnur gebunden ist, die als Gürtel dient.
Professor Max Schmidt (Ende des Ethnografischen Museums in Berlin) hat gezeigt, dass sowohl das Uluri-Muster als auch das Mereshu-Muster zufällig in geflochtenen Körben vorkommen, was das Haupthandwerk der Xingu-Stämme darstellt. Sie entstehen insbesondere durch die Verwendung heller und dunkler Streifen von Palmblättern, die sich in verschiedenen Kombinationen kreuzen. Es ist dann klar, dass beide Namen später auf sie angewendet worden sein müssen, nachdem die Assoziation der Ideen durch das Auftreten der Muster geweckt worden war.
In gewisser Weise hat die besondere Technik, die von den Handwerkern verwendet wurde, oft zur Entwicklung symbolischer Entwürfe und eines spezifischen Zierstils geführt. Zufällige Ähnlichkeiten können leicht Assoziationen hervorrufen, die einem anfälligen Künstler den Impuls geben, entweder ein natürliches Objekt zu einer vollständigeren Darstellung von etwas zu verarbeiten, dem es bereits ähnelt, oder es einfach als Modell zu nehmen. Es wurde vermutet, dass sich die ersten Künstler der Steinzeit von seltsamen Naturformen wie kurios geformten Steinen oder Felsvorsprüngen inspirieren ließen. Eines Tages zeigte mir ein Antiquar in London einen Stein in Form eines Stierkopfes, der etwa fünfzehn Zentimeter lang war und ein Beispiel für paläolithisches Schnitzen darstellte. Dieses Objekt hatte tatsächlich eine erstaunliche Ähnlichkeit mit einem Stier, aber bei näherer Betrachtung stellte sich heraus, dass es sich um eine natürliche Formation handelte, und die Ähnlichkeit war rein zufällig.
Nicht nur die Form, sondern auch die Farbe des in der Skulptur verwendeten Materials kann die Inspiration des Künstlers beeinflussen. Ein Beispiel aus der Hochkultur: Die Chinesen, die eine besondere Vorliebe für die Bearbeitung von Hartsteinen verschiedener Farben (Jade, Achat, Chalcedon, Rosenquarz usw.) haben, passen häufig die zufällige Form und Farbe des Steins an auf unglaublich gekonnte Weise In ihren geschnitzten Gefäßen und Figuren. Wenn ein Stück weißer Achat zufällig einen roten Fleck oder eine Ader aufweist, kann der Steinschneider eine weiße Vase erzeugen, die von einem Kirschspray umgeben ist, und er ordnet sie so an, dass der rote Fleck die Wirkung der Kirsche ergibt. Ebenso kann ihn eine grüne Ader dazu inspirieren, einen Frosch oder eine Eidechse darzustellen.
Verallgemeinerungen sind besonders gefährlich, wenn es um die suggestive Wirkung technischer Formen geht. Unter den Indianern von Guyana finden wir die gleiche Art von geflochtenem Korbwerk wie in anderen Pfannen Südamerikas, aber hier sind dunkle und helle Streifen bewusst und sehr geschickt angeordnet, um Tierfiguren (normalerweise Jaguare und Schlangen) darzustellen, so dass es keine sind mehr eine Frage der zufälligen Auswirkungen und ihrer nachfolgenden Interpretation.
Ein gewisses Verständnis für die Wirkung künstlicher Dekoration geht über die Grenzen der menschlichen Rasse hinaus. Der Mensch in seinem frühesten unkultivierten Zustand mag von der Schönheit beeindruckt gewesen sein, wie sie in der Natur vorkommt, lange bevor er anfing, selbst künstlerische Formen zu schaffen oder die in seiner natürlichen Umgebung vorkommenden Linien und Figuren nachzuahmen. Bestimmte Urvölker von heute haben ein offensichtliches Verständnis für die Schönheiten der Natur, und es gibt einige Stämme in Melanesien, die in ihrer dekorativen Kunst versuchen, sogar Phänomene wie den Regenbogen und die Leuchtkraft des Meeres durch symbolische Ornamente darzustellen, und nicht in ein naturalistischer Stil. Für die volle Wertschätzung eines Kunstwerks sollte es so weit wie möglich in der Umgebung gesehen werden, für die es geschaffen wurde.
Dies gilt insbesondere für die primitive Kunst aufgrund ihres seltsamen und insgesamt unterschiedlichen kulturellen Hintergrunds. Es ist nicht zu erwarten, dass die Statue eines Ahnen oder einer Gottheit unter afrikanischen Lichtbedingungen, die immer im Dunkeln eines Schreins oder Tempels stehen soll, den gleichen Effekt erzielt, wenn sie aus ihrer ursprünglichen Umgebung entfernt und in einem Raum ausgestellt wird Vitrine in einem europäischen Raum. Andere Licht- und Schatteneffekte können auftreten und sind möglicherweise nicht weniger attraktiv, aber sie sind nicht original und verleihen der Statue eine fremde Note.
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Добрый день, кто такой Нил Коллинз? не могу найти про него информацию про него.
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