Mittelalterliche Malerei: Gotische Maler des Mittelalters Automatische übersetzen

ENTWICKLUNG DER KUNST
Für die Geschichte der Malerei,
sehen: Kunstgeschichte
(800 v.Chr.).
Weitere Einzelheiten finden Sie unter:
Zeitleiste der Kunstgeschichte .
Für spezifische Stile siehe:
Kunstbewegungen .

Einführung

Obwohl die Mittelalterliche Kunst Das zwischen dem 13. und 15. Jahrhundert (ca. 1180-1420) entstandene Werk war größtenteils gotisch, was im Wesentlichen eine Übergangszeit für bildende Künste wie Malerei und Skulptur darstellte. Während dieser Jahrhunderte haben sich die Ziele der Künstler radikal von den starren Formeln abgewendet, die ihnen durch die Kunst auferlegt wurden Romanische Malerei – selbst stark beeinflusst von Byzantinische Kunst – auf dem Weg zu einer realistischen Darstellung der Welt und dem Wunsch, einen dreidimensionalen Effekt in der Malerei zu meistern, in Anlehnung an die neuen Ideen von Italienische Malerei vor der Renaissance (1300-1400) und später von der Florentiner Renaissance (1400-1512).

Übliche Faktoren

Die Kunst dieser Zeit, obwohl in der Art unterschiedlich, wurde durch einige allgemeine Faktoren vereinheitlicht. Das wichtigste war die fortgesetzte Beherrschung von Christliche Kunst Wie die meisten mittelalterlichen Kunstwerke übten sie auch in der frühchristlichen Zeit eine vorwiegend religiöse Funktion aus. Die meisten Tafelbilder nach wie vor religiöse Themen und wurden für religiöse Umgebungen wie die Kirche konzipiert Altarbilder , einschließlich beider Diptychon und Triptychon ebenso gut wie polyptych Altarbilder: siehe z Dijon-Altarbild (1390er Jahre, Museum der Schönen Künste, Dijon) des flämischen Malers Melchior Broederlam (um 1350-1411), offizieller Maler Philipps des Kühnen. Außerdem wurden fast alle Fresken noch für das Kircheninnere angefertigt. In der Tat sind gotische Gemälde am besten als charakterisiert Biblische Kunst , da sie immer noch Themen aus dem Alten und Neuen Testament und dem Heiligenkalender enthalten.

HINWEIS: Weitere Informationen zur religiösen Natur mittelalterlicher Gemälde finden Sie unter: Frühchristliche Kunst (150-1100) und Mittelalterliche christliche Kunst (600-1200) sowie Russische mittelalterliche Malerei (c.950-1100).

Die meisten illuminierte Manuskripte Auch bestand aus biblischen Texten, die entweder für öffentliche Lesungen oder für private Andacht bestimmt waren. Aber zunehmend wurden Aspekte des säkularen Lebens mit den religiösen verwoben. Malerische und amüsante Gestalten ("Drolleries") huschten oft an den Rändern von Psaltern entlang. Szenen, die die Eleganz und Eleganz des Hoflebens zeigten, wurden verwendet, um das Stundenbuch des Herzogs von Berry zu schmücken. (Sehen: Les Tres Riches Heures du Duc de Berry in dem Musee Conde Chantilly , 1413 von den Brüdern Limburg gemalt.) Diese weltlichen Details lassen auf unterschiedliche Weise den Wunsch erkennen, alle Arten von Emotionen auszudrücken, nicht nur die religiösen, und die Vielfalt des zeitgenössischen Lebens und der Jahreszeiten realistisch zu feiern. Unter Künstlern wuchs der Glaube, dass alle Aktivitäten von Gott geschaffen wurden und Teil seines Schemas der Dinge waren. Deshalb waren sie alle eine Aufnahme wert. (Siehe auch: Anfertigung von Bilderhandschriften .)

Das zweite verbindende Prinzip war die anhaltende Bedeutung von dekorative Kunst in all seinen Möglichkeiten. Die Hintergründe von religiöse Gemälde waren oft aus Gold, auf denen Designs mit erhitzten Werkzeugen aufgedruckt waren, ein Prozess, der als "Werkzeug" bekannt ist. Manchmal werden mehrfarbige Windeln oder Tessellierungen (Muster aus regelmäßigen Rautenformen oder Karos) verwendet, um den Hintergrund auszufüllen. Das Gefühl für elegantes Design wurde durch geschwungene Vorhänge und das Schwanken des menschlichen Körpers befriedigt. Körper wurden nicht mehr als steif und puppenartig dargestellt; Gliedmaßen und Bewegungen durften fließender werden. (Siehe zum Beispiel Arbeiten von Illuminatoren wie Jean Pucelle und Jacquemart de Hesdin und der Tafelmaler Enguerrand de Charenton / Quarton .)

Hinzu kam die Bedeutung der architektonischen Gestaltung. Der gotische Maler hat seine Bilder oft mit einem Bogen eingerahmt, durch den der Betrachter wie durch ein Fenster schauen muss. (Diese Technik wurde sehr beliebt in Flämische Malerei und Französische Malerei im 14. und 15. Jahrhundert.) Das Einbeziehen architektonischer Elemente in ein Gemälde erwies sich als ebenso notwendig wie die Nische und das Vordach einer gotischen Skulptur.

Neue Förderer der Kunst

Künstlerische Veränderungen während des Hoch- und Spätmittelalters wurden durch sich schnell ändernde soziale Bedingungen hervorgerufen. Der Handel nahm zu und die mit dem Handel verbundenen Städte blühten auf. Infolgedessen waren nicht nur die königlichen Gerichte wohlhabender, sondern auch die reicheren Bürger und Kaufleute in der Lage, ihre eigenen Kunstwerke zu erwerben. Im frühen fünfzehnten Jahrhundert würde jeder Bürger erwarten, sein eigenes Stundenbuch zu haben .

Die Städte selbst begannen, die Künste zu bevormunden. Das Rathaus von Siena zum Beispiel ließ 1308 vom italienischen Meister ein großes Altarbild in Auftrag geben Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), das berühmteste Mitglied der Sienesische Malschule (1250-1550). Bekannt als " Maesta-Altarbild "(1311) wurde es drei Jahre später fertiggestellt und, begleitet von den Würdenträgern der Stadt und der Kirche, zu Trompeten und Glocken, feierlich vom Atelier des Künstlers zum Dom getragen, wo es auf dem Hochaltar aufgestellt wurde Simone Martini (1284-1344) schuf ein weiteres exquisites Altarbild für die Kathedrale von Siena, sein Verkündigungs-Triptychon (1333). All das religiöse Kunst war ein Ausdruck des bürgerlichen Stolzes, aber der bürgerliche Stolz begann sich auch in rein weltlichen Werken auszudrücken. Zum Beispiel beauftragte Sienas Stadtrat Ambrogio Lorenzetti (ca. 1285-1348) mit der Herstellung einer Serie von sechs Fresken – mit dem Titel Allegorie der guten und schlechten Regierung (1338-9) – für das Rathaus.

Bücher waren gefragt und die beliebtesten, die höfische Liebe wie die Roman de la Rose und die Werke der klassischen Schriftsteller Terence und Ovid, wurden beleuchtet. (Mehr dazu finden Sie insbesondere in unserem Artikel über: Gotische Bilderhandschriften und Internationale gotische Illuminationen . Zu früheren Werken siehe: Mittelalterliche Handschriftenbeleuchtung .) Künstlerwerkstätten wurden aufgrund der gestiegenen Nachfrage nach Kunst aller Art immer größer und befanden sich in der Regel in den wichtigsten Handelszentren. Insgesamt wurde das Leben in vielen Städten im 14. Jahrhundert wohlhabender, entspannter und raffinierter.

Für den neuen Kunstmäzen, der seinen Reichtum und seine hohe Stellung in der Gesellschaft zum Ausdruck bringen möchte, waren die wichtigsten Aspekte der Kunst der Wert der verwendeten Materialien, die Menge der im Besitz befindlichen Gemälde und die von ihnen offenbarte technische Virtuosität. Diese Bedenken werden in dem folgenden Brief gezeigt, den ein Kaufmann im Namen eines reichen Gönners von Avignon nach Florenz geschickt hat:

"Senden Sie eine Tafel Unserer Lieben Frau auf einem Hintergrund aus feinem Gold aus… machen Sie eine schöne Show mit guten und hübschen Figuren, vom besten Maler und mit vielen Figuren. Lassen Sie es in der Mitte Unser Herr am Kreuz sein, oder Unser Lady, wen auch immer Sie finden, es ist mir egal, dass die Figuren schön und groß sind, die besten und feinsten, die Sie ausliefern können und die nicht mehr als fünfeinhalb Gulden kosten. "

Handwerker nicht Künstler

Daraus ist klar, dass im Allgemeinen, Mittelalterliche Künstler hatte wenig von dem Status, der später von Malern und Bildhauern der Renaissance erlangt wurde. Tatsächlich ist die Idee, dass ein Künstler des Mittelalters nach seinen Inspirations- und Malmotiven handelt, um sich selbst zu befriedigen, in dieser Zeit fast unbekannt. Erst im sechzehnten Jahrhundert – dank der Bemühungen von Leonardo da Vinci (1452-1519) und Michelangelo (1475-1564) und andere – hat sich diese Auffassung des Künstlers durchgesetzt? Der Schwerpunkt lag eher auf dem Gemälde als auf dem Künstler, der seit der Romanik in der Hierarchie der Handwerker eher als niedrig eingestuft wurde – viel niedriger als beispielsweise der Goldschmied oder der Architekt. (Weitere Informationen finden Sie unter: Goldschmieden und das Kunst der Metallverarbeitung , ebenso gut wie gotische Architektur .)

Mit Ausnahme einiger italienischer Werke – zum Beispiel von Malern wie Simone Martini, Ambrogio Lorenzetti und Giotto – blieben die meisten Gemälde unsigniert. Normalerweise werden Bilder einer bestimmten Schule und nicht einzelnen Malern zugeordnet. Manchmal, wenn ein Meisterwerk berühmt wurde, malte seine Werkstatt nach seinem Tod weiter in seinem Stil. Aber auch solche Meister blieben oft anonym, wie zum Beispiel der Meister von Flemalle , der erst vor relativ kurzer Zeit als identifiziert wurde Robert Campin (1378-1444).

Der Status des Künstlers änderte sich jedoch. Im Mittelalter waren die meisten Künstler Priester; Am Ende der Periode waren die meisten Laien. Einige Künstler, die Berühmtheit erlangten, wurden vom Adel mit Gefälligkeiten überschüttet. Das Brüder Limburg So waren zum Beispiel diejenigen, die das Stundenbuch des Herzogs von Berry illustrierten, so hoch geschätzt, dass der Herzog sie zu Herren seines Schlafzimmers ernannte. Giotto, der große italienische Maler, der zwischen 1267 und 1337 lebte, wurde von den Stadtvätern so sehr bewundert, dass er zum Leiter des Domwerks in Florenz und Stadtarchitekt ernannt wurde. Diese Beispiele sind nicht typisch für alle Maler, aber eine solche Anerkennung hätte es im frühen Mittelalter nie gegeben.

Bewegung in Richtung größerer Realismus

Es ist unmöglich, in der Kunst dieser Jahrhunderte eine glatte Linie der Entwicklung zum Realismus zu verfolgen. Innovationen, die in einigen Teilen Europas hergestellt wurden, werden von anderen Ländern möglicherweise für einige Zeit nicht akzeptiert, wenn überhaupt. Obwohl um die Wende zum 13. Jahrhundert einige italienische Künstler Fortschritte gemacht hatten, die später als Beginn eines neuen Zeitalters der europäischen Kunst anerkannt wurden, das so genannte Italienische Renaissance , ihre Ideen wurden erst viel später vollständig übernommen.

Die Arbeit des italienischen Malers Cimabue (c.1240-1302) hatte begonnen, einige Versuche des Realismus zu zeigen, aber in den Gemälden des sienesischen Künstlers Duccio gibt es eine größere Flexibilität des Stils und der emotionalen Reichweite. Sein sensibler Ansatz zeigt sich in den geschmeidigen Bewegungen seiner Figuren, der Andeutung von Tiefe und Schatten und den Reichen Farbpigmente Er benutzt. Das dekorative Element bleibt in seiner unveränderlichen Verwendung von Gold als Hintergrund bestehen, aber in seinem Gemälde, das auf seiner Höhe auf dem Altarbild „Maesta“ zu sehen ist, eröffnet sich eine völlig neue ausdrucksstarke und dramatische Bandbreite.

Giottos neuer Stil realistischer Malerei

Eine neue dramatische Qualität steht an erster Stelle in den Fresken der berühmtesten frühen italienischen Maler, Giotto di Bondone (c.1267-1337). Giotto ist für die italienische Malerei das, was Chaucer für die englische Literatur ist – eine "Vaterfigur" und der führende Künstler der Trecento (1300-1400). Der enorme Fortschritt, den er bei der Beherrschung der Raumwirkung und der Solidität seiner Figuren macht, wird von der emotionalen Kraft, die seine Figuren zeigen, übertroffen. Der Bruch mit früheren Stilen wird hier am deutlichsten sichtbar – Giotto möchte seine Figuren so menschlich wie möglich gestalten, damit wir mit ihnen sympathisieren können. In seinem Scrovegni (Arena) Kapellenfresken In Padua, ausgeführt zwischen 1305 und 1310, wird das gesamte Drama des Lebens Christi ausschließlich von Menschen, ihren Gesten und Gesichtsausdrücken ausgedrückt. Siehe zum Beispiel Giottos Verrat Christi (Judas Kuss) (1305) und der Beweinung Christi (1305). Durch die Verwendung einfacher, übersichtlicher Formen erreicht Giotto eine Monumentalität, die wirklich unvergesslich ist. Es waren diese Fresken, die das Zeitalter der Malerei maßgeblich bestimmten Kunst der Protorenaissance (1300-1400), und das begründete Giottos Ruf als Schlüsselpionier von Renaissance-Kunst richtig.

Internationaler gotischer Stil

Der Einfluss solcher revolutionären Veränderungen war jedoch nicht sofort zu spüren. Bis zum Ende des 14. Jahrhunderts hat die gotische Malerei im übrigen Europa nur einige Aspekte des italienischen Fortschritts aufgegriffen und diese mit ihrer eigenen stilisierten und dekorativen Tradition verschmolzen. Aus dieser Verschmelzung entwickelte sich eine elegante und raffinierte Art zu malen, die sich durch eine sanfte Färbung und einen sanften Gesichtsausdruck, fließende Linien und längliche, geschwungene Körper auszeichnet. Dieser raffinierte, zarte Kunststil sprach besonders den höfischen Geschmack an. Viele Bücher wurden in diesem Stil beleuchtet, mit charmant dekorierten Rändern und lebhaften Szenen am unteren Rand der Seite. Durch Handelsbeziehungen, durch die dynastischen Verbindungen der europäischen Könige und durch den Strom von Künstlern und Kunstwerken von Land zu Land verbreitete sich der Stil weit. Aus diesem Grund wurde es als das bekannt Internationale Gotik Stil. Es wurde in so weit entfernten Zentren wie London, Avignon, dem Rheinland und sogar Böhmen praktiziert. In Nordeuropa blieb der internationale Stil in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts unverändert. Bezeichnenderweise waren die Brüder Limburg, die am burgundischen Hof in Frankreich arbeiteten und für französische Künstler in ihrem Fachgebiet ungewöhnlich realistisch waren und Perspektive Effekte hatten keine unmittelbaren Anhänger. Die Kunst des französischen Hofes war zu stark in der Stilisierung verankert, um darauf zu reagieren. (Weitere Informationen zu Techniken der Buchmalerei finden Sie unter: Miniaturmalerei ab 600.)

Die Renaissance

Im frühen fünfzehnten Jahrhundert begannen einige Künstler in Italien Fortschritte in Richtung eines größeren Realismus zu machen. (Siehe: die Frühe Renaissance .) Dies zeigt sich in der Erstellung bestimmter Abhandlungen, die realistische und genaue Illustrationen erforderten, damit das Buch für den Leser von Nutzen ist. Zum Beispiel wurden im 14. Jahrhundert einige illustrierte Ausgaben einer Abhandlung über Hygiene von einem Mann namens Albukasem produziert. Diese mussten Pflanzen genau abbilden, damit sie leicht erkannt werden konnten, und es entstand die Tradition, sie im Kontext ihrer Landschaft darzustellen. Dies war die Geburt von realistisch Landschaftsmalerei und inspirierte wahrscheinlich die bemerkenswerten Landschaften der Brüder Limburg in ihrem Stundenbuch.

Ein weiterer Trend zum Realismus ergab sich in einer Reihe von Stundenbüchern und Psaltern, die für die Bürger von Haarlem und Utrecht hingerichtet wurden. Diese Orte waren weit genug von Gerichten entfernt, um von dem Stil, den sie annahmen, unberührt zu bleiben. Was diese Leute wollten, war eine Kunst ihren komfortablen Lebensstandard widerspiegeln. Diese Buchillustrationen bestand nicht aus aufwendigen Dekorationen in Blattgold, sondern oft nur aus bloßen Federzeichnungen mit einer Farbwäsche, die den Mangel an feinen Materialien mit vielen heimeligen Details ausgleicht. Dieser Stil der getreuen Darstellung des Alltags wurde vom großen Maler übernommen Roger van der Weyden (1400-64). Seine Malerei hat etwas von der Präzision von Farbe und Form, die in der Arbeit seines berühmten Zeitgenossen zu finden ist Jan van Eyck Aber im Vergleich zu van Eyck ist Rogier in Bezug auf Linienführung, Stilisierung und traditionelle religiöse Symbolik immer noch gotisch. Dennoch war seine Verwendung von Details sehr einflussreich und trug zur Entwicklung der realistischen Schule von Flämische Malerei (c.1400-1800). Siehe auch Größte flämische Maler (c.1400-1750).