Russische Malerei, 18. Jahrhundert Automatische übersetzen
Kunst unter Zar Peter dem Großen
Zur Geschichte und zu den Merkmalen der Bildhauerei und Malerei unter Peter dem Großen (1686-1725) vgl Petrine Art . Dieser Artikel bespricht auch die russische Architektur unter Peter und seinen unmittelbaren Nachfolgern (um 1686-1760).
Einführung
Nach dem Tod von Peter dem Großen im Alter von 52 Jahren Russische Kunst trat in eine Phase großer Unsicherheit ein. Herrschende Cliquen unter der Leitung von Katharina I. (1725-7), Peter II. (1727-30) und Zarin Anna (1730-40) kamen und gingen, bevor Peter die Große Tochter Elisabeth (1741-61) Kaiserin wurde. Dies löste eine weitere Wachstumsphase für die russische Kultur aus, die unter Elisabeths Nachfolgerin Katharina der Großen (1762-96) aufrechterhalten wurde. Die russische Malerei des 18. Jahrhunderts war vor allem von dekorativen Arbeiten geprägt Wandmalerei , und Porträtkunst . Architekturporträts und topografische Landschaften tauchten später im Jahrhundert auf, ebenso wie frühe Landschaftsformen und Stadtlandschaften. Mit einigen bemerkenswerten und wichtigen Ausnahmen Russische Künstler im 18. Jahrhundert hinter ihren westlichen Kollegen zurückgeblieben. Trotzdem wurden enorme künstlerische Fortschritte erzielt, die direkt zu den großartigen Errungenschaften der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts führten.
Zu früheren Bewegungen siehe: Russische mittelalterliche Malerei (c.950-1100) und Nowgoroder Schule für Ikonenmalerei (1100-1500).
Russische Kunst des 18. Jahrhunderts unter Elisabeth (1741-61)
Während Elisabeths Regierungszeit, mit Ausnahme der Porträtmalerei, Gemälde und Skulptur weiterhin als Anhängsel der Architektur und Innenausstattung dienen. Tatsächlich war die Mehrzahl der Gemälde dieser Zeit eine Form von dekorative Kunst , das als Verzierung für Decken und Wände gedacht ist, während Skulpturen hauptsächlich dazu bestimmt sind, Gärten und Parks zu verschönern. Weltliche Werke übertrafen die Beispiele von Christliche Kunst im Einklang mit der neuen Stimmung der wissenschaftlichen und philosophischen Forschung. Die meisten dekorativen Gemälde, die für die Kaiserin ausgeführt wurden, stammten von Italienern wie Valeriani, Perezinotti, Borozzi und Torelli. Die Rolle der russischen Künstler beschränkte sich in der Regel auf die Unterstützung der Direktoren. Auch die bekanntesten, wie die Brüder Alexis (1720-1796), Efim (1730-1778) und Ivan (1732-1784) Belski sowie John und Ivan Firsov (tätig um 1740-1750), arbeiteten nach den Anweisungen der Italiener. Darüber hinaus wurden Deckenverzierungen in der Regel auf Leinwand ausgeführt, und diese Praxis ermöglichte es der Kaiserin, der Gewohnheit von Peter dem Großen zu folgen, Gemälde von bedeutenden westlichen Künstlern in Auftrag zu geben, die die Arbeit zu Hause ausführten, ohne Russland besuchen zu müssen. Die Decke bemalt von Tiepolo denn das Schloß zu Oranienbaum war die schönste dieser Einfuhren; in Übereinstimmung mit dem Geschmack des Zeitalters war sein Thema allegorisch. Wie das Schloss soll es vor dem Rückzug 1943 von den deutschen Truppen zerstört worden sein. Früher im Jahrhundert waren Szenen von Göttern und Göttinnen, die über die gesamte Decke spielten, Mode, aber gegen Mitte des Jahrhunderts abstrakter Sowohl beim Import als auch bei der Ausführung der Arbeiten vor Ort begannen dekorative Entwürfe Anklang zu finden.
Die bemalten Wandtafeln über den Türen und zwischen den Fenstern waren in der Regel das Werk des Künstlers, der für die Decke verantwortlich war, und ihre Motive ergänzten das größere Schema der Decke. Als die Räume lange, miteinander verbundene Suiten bildeten, war Perspektivmalerei besonders beliebt, da sie dazu beitrug, den Blick von Tafel zu Tafel und von Raum zu Raum zu lenken. Die Tafeln spiegelten sich wiederum in den so beliebten Spiegeln, dass die sich vorwärts entwickelnde Aussicht verstärkt und auf unbestimmte Zeit vervielfacht wurde. Viele Arbeiten dieser Art wurden von Carlo Bibiena Galli im Stil seines berühmten Großvaters Ferdinando Bibiena Galli ausgeführt.
Wie die dekorativen Gemälde wurde auch die Porträtmalerei häufig ausländischen Künstlern anvertraut; Groot, Lagrenais der Ältere und Torelli waren die wichtigsten Figuren. Im Laufe des Jahrhunderts stieg jedoch die Nachfrage nach Porträts und die Zahl der russischen Porträtmaler. Die meisten von ihnen malten noch immer in einem semi-ikonografischen Stil, der an das 17. Jahrhundert erinnert Moskauer Malschule als auf den neuen Stil von Matveev, und sie wurden infolgedessen von den Ausländern überschattet. Trotzdem setzten vier russische Maler in ihrem Streben nach Realismus und Naturalismus die von Matveev und Nikitin verfolgte Linie fort, und es gelang ihnen, Werke von einer bestimmten Qualität zu produzieren.
I.Vishnyakov (1699-1761)
Der früheste der vier, I. Wischnjakow, führte seine wichtigsten Werke zwischen 1730 und 1740 aus Caravaggio Er konnte sich nicht vollständig von der ikonografischen Tradition lösen. Sein Schüler, Alexis Antropov (1716-1795), war anfangs in ähnlicher Weise behindert, aber er entwickelte sich später zu einem wirklich begabten Porträtmaler mit einem klaren und eindeutigen eigenen Stil. Seine Direktheit machte ihn jedoch am Hof unbeliebt und er hatte eine Zeitlang Zeit, um seinen Lebensunterhalt in Kiew als Dekorateur zu verdienen. Einige der frühen Porträts, die er dort anfertigte, sind erhalten. Sie sind eher naiv, und ihre etwas grobe Färbung erinnert an Volkskunst aber die Ähnlichkeiten scheinen auffällig, und da die meisten Leute, die für ihn saßen, Geistliche waren, war sein eher ikonischer Stil nicht ganz ungeeignet für sein Thema. Später zog Antropov nach St. Petersburg, wo er ein subtileres Gespür dafür entwickelte Farbe . Die zarten Pastelltöne dieser Werke stellen einen großen Fortschritt dar, aber den Gemälden mangelt es an Tiefe, denn Antropov blieb damit zufrieden, eine körperliche Ähnlichkeit zu erfassen, ohne zu versuchen, den Charakter oder Geist des Darstellers darzustellen. Obwohl dies bei einem größeren Maler ein Fehler gewesen wäre, verleiht es den Werken von Antropov eine gewisse einfache Ehrlichkeit, die seinen Wert im Vergleich zu den geschickteren und anspruchsvolleren, aber weniger echten und aufrichtigen Gemälden westlicher Porträtisten in Russland erhöht. Antropovs Porträt von Peter III. (1762), in dem die Entartung des Zaren ungeachtet seiner imperialen Verhältnisse sichtbar wird, ist ein weitaus interessanteres und aufschlussreicheres Dokument als die konventionellen Porträts der sykophanteren, wenn auch erfahreneren Ausländer. Es ist jedoch nicht verwunderlich, dass seine Offenheit es nicht geschafft haben sollte, Antropov wieder in die imperiale Gunst zurückzuführen.
Iwan Argunow (c.1727-1797)
Ivan Argunov, ein Bruder des Architekten und ebenfalls ein Leibeigener, wurde ebenfalls zuerst von der. Behindert Ikonenmalerei Tradition, aber er löste sich schnell davon und erregte als Maler aufgrund seiner Fähigkeit, die Textur von Stoffen zu reproduzieren, viel Aufmerksamkeit. Er war besonders detailverliebt und legte viel Wert auf das Bemalen von Händen, konnte aber auch einen realistischen, aufrichtigen und aufrichtigen Eindruck von seinen Darstellern vermitteln. Das schlichte, gutmütige Gesicht seiner Frau, das unpassend über ihrem modischen Kleid auftaucht, ist charakteristisch für Argunovs heiligste Haltung sowie für die Freundlichkeit, die jeden Schaden von seiner Offenheit entfernte. Ähnlich erfreulich ist sein Gemälde eines Bauernmädchens aus dem Jahr 1784, als Argunov noch ein alter Mann war. Es ist bezaubernd in seinem Einfallsreichtum und nimmt einen wichtigen Platz in der Geschichte der russischen Malerei ein, da es das erste Gemälde eines Bauernmädchens in Nationaltracht war. Dies war ein Neuanfang für die russische Kunst, die sich abwechselnd auf Ikonen, religiöse oder klassische Motive und Porträts konzentriert und bisher die Bauernschaft übersehen hatte. Es hatte einen erheblichen Einfluss auf die Schüler und unmittelbaren Anhänger von Argunov und diente schließlich als Sprungbrett für die große Gruppe russischer Genremaler des 19. Jahrhunderts.
Anthony Losenko (1731-1773)
Der wichtigste von Argunovs Schülern war Anthony Losenko, der zum Anführer einer Gruppe von Malern wurde, zu denen Männer wie Cyril Golovachevski (1735-1823) und Sablukov und wahrscheinlich auch Firsov gehörten. Obwohl noch nichts über letzteres bekannt ist, ist sein einziges überlebendes Bild, das einen Porträtmaler bei der Arbeit zeigt, so von Losenkos Geist durchdrungen, dass er ihm bis vor kurzem zugeschrieben wurde. Losenko war ein ausgezeichneter Techniker. Wie Argunov zeigte er großes Interesse an der Textur und den Details der Kleidung, aber er wusste auch, wie man seine Bilder konstruiert, ihnen Tiefe verleiht und wie man seine Darsteller zu ihrem besten Vorteil präsentiert. Er hatte ein gutes Auge für Farbe, war aber vielleicht für Grüntöne überpräpariert. Seine Frauenporträts neigen dazu, ein wenig artig zu sein, aber obwohl es ihnen an westlicher Raffinesse mangelt, sind sie doch weitaus raffinierter und eleganter als die Gemälde seiner russischen Vorgänger. Sie bewahren eine im Wesentlichen russische Intimität und versuchen nicht nur, eine körperliche Ähnlichkeit zu erkennen, sondern auch, einen Teil der Psychologie des Darstellers darzustellen. Losenkos Porträt eines Schauspielers ist eine wichtige und originelle Arbeit. es ist die erste charakterstudie in der russischen kunst. Es war vielleicht ein Unglück, dass Losenko ein Reisestipendium erhielt, das ihn nach Frankreich führte, denn während er in Paris war, verlor er das Interesse an der Porträtmalerei, einem Zweig der Malerei, in dem er sich leicht hätte hervorheben können, und wandte sich an Geschichtsmalerei . In diesem Genre nahm er eine formelle, scheinheldenhafte Art an, die sich selbst und der russischen Kunst fremd war. Wie wir sehen werden, wirkte es sich beträchtlich auf junge Maler aus Katharinas Zeit aus.
Russische Kunst des 18. Jahrhunderts unter Katharina der Großen (1762-96)
In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erweiterten russische Maler ihr Angebot und fügten ihren Porträts von Menschen Ansichten von Häusern und Landschaften hinzu. Sie experimentierten auch mit Genre-Malerei und weitere Formen historischer Bilder. Gleichzeitig widmeten sie sich jedoch zunehmend der Thematik Porträtmalereien und für die Innenausstattung, bei der beide große Erfolge erzielten, vielleicht weil es sich um die beiden Kunstzweige handelte, mit denen sie sich im letzten Jahrhundert am besten vertraut gemacht hatten. Im Porträt waren ihre Leistungen so groß, dass einige ihrer schönsten Bilder mit denen von Joshua Reynolds (1723-92) und Thomas Gainsborough (1727-88) mithalten können. Dieser Vergleich ist im Übrigen nicht zufällig, denn der Geist der russischen Werke scheint dem des achtzehnten Jahrhunderts ziemlich ähnlich zu sein Englische figurative Malerei . Die Ähnlichkeit muss jedoch zufällig und nicht kontaktbedingt gewesen sein, da die meisten Russen des 18. Jahrhunderts die zeitgenössische englische Malerei überhaupt nicht kannten. Die Ähnlichkeit sollte daher einer ähnlichen Haltung und Lebensweise der Adligen beider Länder sowie dem Einfluss der gleichen Prototypen auf die Kunst beider Länder zugeschrieben werden.
Britische Maler in Russland
Neben Alexander Cozens (um 1717-86) arbeiteten im 18. Jahrhundert vier englische Maler in Russland. Von diesen war Richard Brompton (1734-82) ein Schüler des bedeutenden Richard Wilson (1713-82) und von Anton Raphael Mengs (1728-79) gewesen, obwohl er in der Art von Reynolds malte spätere Entwicklung der russischen Malerei, aber sein Werk war von so schlechter Qualität, dass es in Russland nicht geschätzt wurde, obwohl er dort von 1778 bis zu seinem Tod in diesem Land arbeitete.
Von den anderen war John Augustus Atkinson (1770-1831), der mit vierzehn Jahren James Walker, seinen angesehenen zukünftigen Schwiegervater, nach Russland begleitete, ein topographischer Aquarellist. wenn er irgendeinen Einfluss ausübte, kann es aber in diesem speziellen Bereich gewesen sein. John Walker, der Sohn des Graveurs, arbeitete um 1800 in Russland und wurde vor allem in St. Petersburg für seine üppigen Landschaften und etwas wenig überzeugenden historischen Bilder geschätzt. Schließlich produzierte Edward Miles, der 1797 nach Russland ging, um die kaiserliche Familie zu malen, nur gleichgültige Werke und hatte keinen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Malerei.
Unabhängig von diesem Mangel an Geschlechtsverkehr und dem offensichtlichen Mangel an Einfluss haben die besten russischen Porträts der Mitte und des späten 18. Jahrhunderts die gleiche Anmut, die gleiche Ruhe und Gewissheit, die gleiche Frische und Spontanität wie ihre besten englischen Zeitgenossen. Sie haben auch etwas von der Eleganz Frankreichs, aber es fehlt ihnen die Beeinträchtigung dieser Schule. Sie zeichnen sich vor allem durch eine im Wesentlichen russische Aufrichtigkeit sowie durch die Vitalität aus, die so oft in einer jungen Malschule anzutreffen ist.
Fedor Rokotov (1735–1808)
Fedor Rokotov war ein herausragender Maler seiner Zeit. Er studierte bei Claude Lorrain und Rotari und bewunderte Toquet sehr. Schon in jungen Jahren bewies er sich als ein ebenso guter Beobachter des Charakters wie als Kolorist und Techniker. Infolgedessen ist sein erstes Hauptwerk – ein in Silber und Grau ausgeführtes Gemälde des jungen Großherzogs Paul – nicht nur elegant und vital, sondern auch ein interessantes und überzeugendes Porträt. Katharina die Große war so beeindruckt, dass sie sich entschied, persönlich für Rokotov zu sitzen, obwohl sie noch nie einen früheren Künstler auf diese Weise geehrt hatte. Ihr Porträt von 1763 ist eine dreiviertel lange Komposition, die sie im Profil zeigt. Obwohl ihr Kopf gebieterisch erhoben ist und ihre Hand das Zepter hält, zeigt dieses Bild weniger Förmlichkeit und Individualität als es damals bei königlichen Porträts üblich war, und die von Rokotov eingeführten tiefen Rot- und Grüntöne unterstreichen eher die Vitalität von Catherine als ihre Souveränität zu akzentuieren. Das Porträt gefiel der Kaiserin und – hätte Rokotov es gewünscht – er hätte seine Karriere als Hofmaler machen können, aber er entschied sich mit charakteristischer Integrität dafür, St. Petersburg nach Moskau zu verlassen, wo er ungehindert durch Etikette arbeiten konnte. Dort entwickelte er einen im Wesentlichen psychologischen Ansatz, der sich hauptsächlich auf die Porträts von Frauen konzentrierte. Sein Studium einer Dame in Pink ist typisch für sein voll entwickeltes Werk; Es ist für ihn eine Ehre wie eine Hommage an das russische Mädchenalter. So wie Puschkin die russische Weiblichkeit in seiner Tatiana preisen und Tolstoi die bezaubernde Natascha in ihrer schönsten Form als Mädchen darstellen sollte, versuchte Rokotov, die ideale Debütantin zu verewigen. Er zeigt sie uns als selbstbewusst und doch abenteuerlustig, geschmeidig und doch entschlossen, ein Mädchen wie Jane Austen hätte sich für eine Heldin eingesetzt. Bei einer weniger aufrichtigen Künstlerin könnte die Zerbrechlichkeit ihres Gesichts, die Ausdehnung ihrer Augen und ihr mysteriöses Lächeln zu einem Manierismus verkommen sein. Dies geschah jedoch nie mit Rokotov, und das Bild, das von dem persönlichen Leben des Mädchens, ihrer Neugierde, ihrem Vertrauen in die Zukunft und ihrer naiven Koketterie durchdrungen ist, offenbart das Verständnis und die Anmut, mit der Rokotov sich seinen Sittern näherte.
Dmitri Levitski (1735-1822)
Rokotovs Zeitgenosse, Dmitri Levitski, ist wieder ein Künstler von europäischem Rang, und in Russland dominierte sein Genie seine Zeitgenossen. Sein Vater, ein Kupferstecher des Höhlenklosters in Kiew, erteilte ihm seinen ersten Unterricht, und als Antropov 1752 Kiew besuchte, lernte der junge Levitski ein paar zusätzliche Stunden bei ihm. Später zog er nach St. Petersburg, wo er zwei Jahre (1758-1760) bei Lagrenais, Valeriani und Antropov studierte. Dies änderte jedoch nichts an seiner ganz individuellen Herangehensweise oder an seiner persönlichen Vorstellung von den Funktionen des Porträtmalers. Er war größtenteils ein selbstgestalteter Maler, und seine Art blieb stark realistisch und im Wesentlichen russisch.
Im Gegensatz zu vielen Russen hatte Levitski ein schwules Temperament und sein Sinn für Humor war manchmal lächerlich. Sein Witz war jedoch immer von Freundlichkeit und einem Sinn für Spaß geprägt, und seine gute Natur verleiht selbst seinen formellsten Porträts einen siegreichen Humanismus. Vielleicht war er deshalb einfühlsamer, vielseitiger und versierter als Rokotov und in der Lage, unabhängig von seinen Darstellern zu einem gewissen Grad erfolgreiche Ergebnisse zu erzielen, während Rokotov ihrer persönlichen Anziehungskraft mehr unterworfen war. Levitskis Sensibilität ermöglichte es ihm, seine Motive zu verstehen, auch wenn sein Aussehen oder Charakter ihm nicht sympathisch waren. Infolgedessen versuchte er nicht nur, was vielen Künstlern entgangen wäre, sondern es gelang ihm auch im Allgemeinen brillant. Diese Kraft kommt in seiner Serie von Porträts von Schulmädchen des Smolny-Instituts – Katharinas St. Cyr – zum Ausdruck, die er für die Kaiserin malte. In diesen Leinwänden drückte Levitski bewundernswert den Charme und die Geilheit der Mädchen, ihre Kindlichkeit und ihre beginnende Reife aus. Ob hübsch oder schlicht, die Mädchen sind alle lebendig und alle Gemälde zeigen eine tiefe Wertschätzung des Charakters. Alle Mädchen sind in voller Länge und in Lebensgröße gemalt und posieren entweder vor einem Vorhang oder vor einer Landschaft. Die Jüngeren sind entweder tanzend oder spielend vertreten, die Älteren lesen oder spielen ein Musikinstrument. Die Freude des Künstlers an ihrer ausgelassenen Fröhlichkeit machte ihn nicht blind für ihre Unreife, und ihre sorgfältige Schulung konnte nicht dazu führen, dass sie ihre Individualität vor ihm verdunkelten.
Ähnliche Einsichten erhellen Levitskis Porträt des Grafen V. Demidov . Dies ist eine köstlich unbeschwerte und durchdringende Studie. Der große Magnat steht vor zwei Säulen und zeigt zufrieden auf zwei eher mittelmäßige Pflanzen, die er vermutlich selbst angebaut hat, da er sich auf eine Gießkanne stützt. Die Höhe der Pfeiler und die Pracht des in der Ferne sichtbaren Herrenhauses beeinträchtigen die Beeindruckung dieser gartenbaulichen Leistung erheblich; Aber da Demidovs Kleidung nicht besser zu seinem Zeitvertreib passt als die von Gainsboroughs Mr. und Mrs. Andrews, als sie durch den Mais gingen, muss Demidovs Rustikalität nicht ernster genommen werden als ihre. Sein abwertendes Lächeln lässt darauf schließen, dass er sich nicht einmal selbst davon täuschen lässt.
Levitskis Porträt von Diderot , das 1773 in Genf gemalt wurde, zeigt ihn in einer ernsteren Art und Weise. Der sensible Mund und die durchdringenden Augen des großen Denkers sind besonders kraftvoll und vermitteln eine durchdringendere Verwirklichung seines Charakters als die Porträts anderer von ihm. Diderot war sich dessen wahrscheinlich bewusst, denn er machte einen besonderen Punkt in seinem Willen, dieses Bild seiner Tochter zu hinterlassen. Heute hängt es im Museum in Genf. Viele von Levitskis anderen Porträts – wie zum Beispiel die seines Vaters und des Architekten Kokorinov – entsprechen nicht dem hohen Standard, den er beim Malen von Diderot erreicht hat.
Levitski war wahrscheinlich der erste russische Maler, den seine Landsleute ausländischen Künstlern gleichstellten. Trotzdem betrachteten sie ihn nur als modischen Maler und erkannten nicht, dass sein Humanismus, seine Fröhlichkeit und sein instinktives Erkennen des Wesentlichen seinem Werk eine größere und nachhaltigere Bedeutung verlieh. Diese Eigenschaften waren auch dann vorhanden, wenn seine Arbeit eindeutig durch Konventionen vorgeschrieben war, wie zum Beispiel in seinem ersten Porträt der Kaiserin. Obwohl Catherines Gesichtsausdruck distanziert ist, erscheint sie ohne kaiserliche Fallen, und ihre Weiblichkeit wird durch ihre antike Robe betont, die sich an die Figur klammert, anstatt lose von ihren Schultern zu fallen. Tatsächlich ist sie eher als Königinmutter als als Herrscherin einer Jungfrau vertreten.
Vladimir Borovikovski (1757–1825)
Diese Auffassung von Catherine wurde von Vladimir Borovikovski noch weiter getragen, der sie in voller Länge als gütige alte Dame malte, die ihren Hund in ihrem Park spazieren führte. Die Malerin scheint sich mehr für die Pracht ihrer Umgebung und für den Obelisken zu interessieren, den die Kaiserin als Hommage an Razumovski aufgestellt hatte, als für ihren Rang. So wie Königin Victoria etwa achtzig Jahre später als liebe alte Dame gelten wollte, so erscheint Katharina hier als eine, aber aus der Sicht eines romantischen Künstlers, nicht als sentimentalisiert durch bürgerliches Ansehen. Ein früheres Porträt von Catherine stellt Borovikovskys ersten Versuch dar, Staffeleien zu malen, und dient als Beweis für sein außergewöhnliches Können.
Borovikovskis Geschichte war merkwürdig. Er wurde in der bezaubernden ukrainischen Stadt Mirgorod in einer Familie von Ikonenmalern geboren und begann ebenso wie sein Vater, sein Onkel und seine drei jüngeren Brüder, in dieser Richtung zu arbeiten. Als Katharina 1787 auf ihrer Reise durch Russland aufbrach, um ihr neu gewonnenes Krimterritorium zu besuchen, ließ Potemkin spezielle Häuser errichten, die größtenteils aus provisorischen Bauten und etwas bloßer Tarnung bestanden. Diejenigen, in denen sie für die Nacht anhielt, wurden aufwendig dekoriert. Es fiel Vladimir Borovikovski zu, die Wandgemälde der Struktur zu malen, in der Catherine in der Stadt von Kremenchug anhalten sollte. In einem seiner Räume malte Borovikovski ein Wandgemälde, das Peter den Großen beim Pflügen zeigte, gefolgt von Catherine beim Säen, wobei zwei Flügelgenien , ihre Neffen Alexander und Konstantin, am Himmel schwebten. Catherine war von der Allegorie so entzückt, dass sie Borovikovski nach St. Petersburg einlud, um sich durch ein Studium an der Akademie in seiner Malerei zu perfektionieren und den Beruf des Porträtmalers zu ergreifen. Borovikovski zeichnete sich in diesem Bereich aus. Seine petersburgische Arbeit war geprägt von seiner romantischen Haltung, die sich in seiner Beschäftigung mit dem Gefühl und dem Interesse für das Allgemeine im Gegensatz zum Besonderen zeigte. Damit setzte er einen neuen Weg in der russischen Malerei, die sich bisher erst mit Realismus, dann mit Charakter befasst hatte.
Die meisten Bilder von Borovikovski sind von Frauen. Da Frauen in der Regel eindrucksvoller sind als Männer, ist es selbstverständlich, dass Borovikovski als wahrer Romantiker sie als Darsteller bevorzugt hätte. Seine Romantik ist deutlich im Porträt von Prinzessin Lopukhina zu sehen – eines seiner schönsten Werke. Wenn man es mit einer von Levitskis Smolny-Schülerinnen vergleicht, wird sofort klar, dass Borovikovski, ungeachtet des Erfolgs, den er immer damit hatte, ein Abbild zu fangen, tatsächlich aktuelle Emotionen und nicht die reale Lebenseinstellung des Einzelnen vermittelte. Borovikovskis Prinzessin Lopukhina ist somit definitiv eine junge Dame des 19. Jahrhunderts, die an all die Träumerei und Sensibilität ihrer Zeit erinnert, aber keine individuellen Merkmale aufweist. Levitski hätte sie niemals auf diese Weise als ein zeitgemäßes Stück malen können; Borovikovski konnte sie nicht von ihrem Alter und dem Set, in das sie gezogen war, trennen. Trotzdem ist mehr als das Stereotype über sie und ihr unbändiges Lächeln und ihre sanfte Flirtbereitschaft ihr eigenes, auch wenn die Pose Borovikovski für sie und die Gefühle, die er wählte Hervorzuheben sind charakteristisch für ihren Tag und nicht für sie.
Anthony Losenkos frühe Arbeiten als Porträtist wurden bereits erwähnt. Er war aber auch als Schöpfer historischer Bilder wichtig, die sich mit Szenen aus der russischen Vergangenheit sowie mit klassischen Motiven aus dem antiken Griechenland beschäftigten. Diese Arbeiten erregten zu ihrer Zeit in St. Petersburg große Aufmerksamkeit, und Losenko kann als erster russischer Akademiker betrachtet werden, der historische Themen malte.
Die russischen Maler Peter Sokolov (1752-1791), Ivan Akimov (1754-1814) und Gregory Ugryumov (1764-1823) aus dem späten 18. Jahrhundert folgten Losenko und halfen dabei, den von ihm entwickelten Stil zu etablieren. Wie Losenko malten sie auf eine Weise, die sich kaum von den Werken minderwertiger Akademiker westlicher Herkunft unterscheidet. Eine ganze Gruppe von Anhängern arbeitete im gleichen Stil.
Losenko war auch für seine bekannt Bleistiftzeichnungen von Genreszenen, die sowohl für ihren Einfluss auf die Zukunft der russischen Kunst wichtiger als auch für sich selbst wertvoller waren. Leider hat er nur sehr wenige davon produziert. Sie zeigen die ganze Aufrichtigkeit, die in seinen historischen Rekonstruktionen fehlt, und sind technisch feiner, weil Losenkos Fähigkeit zur schnellen Beobachtung es ihm ermöglichte, zu skizzieren, was er mit seltener Linienökonomie sah; Seine Bleistiftstriche vermitteln anschaulich sowohl die Eigenheiten seiner Motive als auch die Textur ihrer Kostüme. Seine Skizze einer Touristengruppe, die in verschiedenen Stadien höflicher Langeweile und Müdigkeit an einem Führergespräch über Rom teilnimmt, ist konkurrenzlos, und seine russischen Skizzen verbinden ihn in der Malerei mit Graf Fedor Tolstoi und in der Literatur mit Anton Tschechow.
Ivan Firsov
Ein anderer Qualitätsmaler war Ivan Firsov, der vermutlich von 1748 bis 1756 in Paris studiert hatte. Er ist uns derzeit nur durch ein Werk bekannt, das Losenko zugeschrieben wurde, bis die jüngste Reinigung die Unterschrift von Firsov enthüllte. Der Stil deutet darauf hin, dass Firsov stark von Losenkos Genreskizzen beeinflusst war oder dass beide Künstler in Frankreich denselben Einfluss hatten. Was auch immer die Inspirationsquelle sein mag, diese Leinwand, auf der ein junger Künstler das Porträt eines kleinen Mädchens malt, ist das erste wirklich intime Bild in der russischen Kunst, und es sollte über hundert Jahre dauern, bis ein solcher Erfolg wieder einsetzte in der gleichen Weise erreicht werden durch Valentin Serov (1865–1911). Auf Firsovs Bild lehnt sich das kleine Mädchen, das es satt hat zu posieren, müde an ihre Mutter; Der junge Maler sitzt mit dem Rücken zum Betrachter. Firsov verließ sich auf sein mattes Haar, um die Intensität zu vermitteln, mit der er sich auf seine Arbeit konzentriert. Das von seiner Staffelei gebildete Dreieck lenkt den Blick auf die Bilder an der Wand des Ateliers und auf das vage chardineske Stillleben auf dem Tisch und dient sowohl dazu, die Komposition zusammen zu zeichnen, als auch den Jungen von Frau und Kind ausreichend zu trennen Wir müssen erkennen, dass jede Gruppe eine gute psychologische Studie ist, die eine in der Konzentration, die andere in der elterlichen Beziehung. Dies ist das erste komplexe Bild in der westlich geprägten russischen Malerei, da es sowohl in der Komposition als auch in der psychologischen Einsicht komplex ist. Die überaus kompetente Ausführung lässt vermuten, dass die russische Malerei schon lange vor dem Ende des 19. Jahrhunderts rasch gereift wäre und hervorragende Ergebnisse erzielt hätte, wenn die Politik nicht eingegriffen hätte, um sie von ihrem natürlichen Verlauf abzuhalten.
Architekturporträt
Es ist Russlands Hingabe an die Architektur zu Beginn des 18. Jahrhunderts zu verdanken, dass dort eine neue Art von Bildkunst entstanden ist – die der Architekturporträts. Bilder, deren Hauptgegenstand die Architektur ist, sind für Russland ebenso charakteristisch wie das Gesprächsstück oder die topografischen Landschaften Englands. Die frühesten Maler dieser Art, wie Alexis Zubov , der 1690 in den Studios des Palastes der Waffen beschäftigt war, wollten in erster Linie eine vollständige bildliche Aufzeichnung der Städte, in denen sie arbeiteten, für die Nachwelt hinterlassen. So schuf Zubov eine ganze Reihe von Ansichten über St. Petersburg, bevor er starb, während ein anderer, Michael Makhaev (1716-60), zahlreiche Stiche von St. Petersburg und Moskau hinterließ. Makhaev war ein Schüler von Valeriani und dann von zwei russischen Meistern von Gravur , Ivan Sokolov und Kachalov . Obwohl sowohl er als auch Zubov menschliche Figuren in ihren Bildern punktierten, müssen sie in erster Linie als Topographen betrachtet werden. Die jüngere Generation von Malern, die ihren Schritten folgte, sollte jedoch als mehr angesehen werden, als dies, da sie die Porträts ihrer Umgebung mit Geist und Lebendigkeit malte, anstatt einfach die Gestaltung einer Stadt aufzunehmen.
Landschaften
Die früheren Maler dieser Gruppe waren besonders fasziniert von Parks, die späteren von bestimmten Palästen und Häusern. Zunächst fanden beide ihren Hauptausgang in der Ausführung von Innendekorationen, denn in den 1770er Jahren verdrängten architektonische Szenen klassische Gottheiten von bemalten Wänden und Türen. Diese Kompositionen wurden gemäß Panninis Vorschriften und Ruinengruppen mit Säulenstümpfen komponiert, die in einer solchen Wandmalerei eine herausragende Rolle spielten. Perezinotti und Alexis Belski haben sie ausgezeichnet gemalt, und viele solche Dekorationen in den kaiserlichen Residenzen in und um St. Petersburg sind ihnen zuzuordnen. Allmählich brachte das Problem, solche Ruinen in eine geeignete und natürliche Landschaft zu setzen, eine Wertschätzung der Landschaft für sich selbst mit sich, und nach kurzer Zeit wurden die Landschaften so wichtig wie die Säulen, die vollständigen Häuser so wichtig wie die Ruinen, und dort wuchsen sie auf damit ein Interesse an der russischen Landschaft im Gegensatz zu der ursprünglichen italienischen oder ägäischen Umgebung.
Die besten Maler finden Sie unter: Beste Landschaftskünstler .
Simon Shchedrin (1745-1804)
Zu diesem Zeitpunkt, Landschaftsmalerei wurde noch nicht an der St. Petersburger Akademie der Schönen Künste unterrichtet. Wäre dies der Fall gewesen, hätte die Landschaftskunst in Russland wahrscheinlich sofort das Recht erworben Naturalismus das kennzeichnete es in Europa, anstatt sich allmählich im Wege des Formalismus zu entwickeln. So war der erste russische Landschaftsmaler, Simon Schtschedrin, wirklich das, was man als primitiven Porträtisten der Landschaft mit dem Formalismus eines frühen Holbeins bezeichnen kann.
Schtschedrin verdankte seine Erfahrung als Landschaftsmaler zum Teil einem Auslandsstudium und war zum Teil Autodidakt. In späteren Jahren war er der erste Lehrer für Landschaftsmalerei an der St. Petersburger Akademie. Davor war er Hofmaler bei Paul. Der größte Teil der Arbeiten, die er in dieser Zeit ausführte, war als Dekoration für die Paläste von Gatschina und Pawlowsk gedacht; in der Tat war es besonders erfolgreich, die zugewiesenen Räume über Türen und zwischen Fenstern mit besonderem Erfolg zu füllen. Diese Bilder waren in erster Linie dazu gedacht, Pauls Frau zu befriedigen, und bestanden aus Ansichten des Äußeren dieser Paläste und der Lieblingsspaziergänge der Kaiserin in den englischen Parks, die um sie herum gerade reif wurden. Die Tafeln spiegelten eine friedliche, verträumte Atmosphäre wider, die besonders sympathisch und entzückend war. Als Zugeständnis an die Tradition der Dekorationskünstlerin wurden die Paläste oft perspektivisch gezeigt, manchmal mit Menschen in halber Entfernung, mit dem Rücken zum Betrachter, aber der Qualität der Arbeit, der einfühlsamen Wiedergabe der Natur in ihren verschiedenen Stimmungen war das der vollendeten Malerei, und die Szenen waren mehr als erstklassige Dekoration; Sie waren auch schöne Bilder, die sich in jeder Galerie behaupten konnten. Tatsächlich war Schtschedrin ebenso sensibel für Landschaften wie Levitski für Menschen, und er muss neben Levitski als einer der herausragendsten russischen Maler des 18. Jahrhunderts eingestuft werden.
Andere russische Landschaftsmaler des 18. Jahrhunderts
Shchedrins Zeitgenosse Michael Ivanov (1748-1823) endete als Landschaftsmaler, obwohl er als Kriegskünstler begann. Chance hatte ihn in den 1780er Jahren als Gefolgsmann der Armee auf die Krim geschickt, um die Kämpfe aufzuzeichnen, die die Russen gegen die Türken führten. Dort angekommen scheint er vom Anblick einer der schönsten Landschaften der Welt begeistert zu sein und seine Hauptkräfte auf die Darstellung der Natur gerichtet zu haben. Dabei vermied Ivanov jeden Formalismus sowie alle architektonischen Anhänge und dekorativen Verzierungen und konzentrierte sich auf die Natur in den natürlichsten Aspekten. Er erwies sich als ein wahrer Schüler von Rousseaus Lehre, obwohl einer, der zweifellos ziemlich unabhängig konvertiert wurde.
Der Architekt Andrew Voronykhin (1759-1814) hat auch als Maler viel gearbeitet. Seine Bilder stehen auf halber Strecke zwischen Shchedrins und Ivanovs. Anders als die Mehrheit seiner Zeitgenossen, die sich dafür entschieden, Iwanow im Streben nach Naturalismus zu folgen, bevorzugte Woronichin vom Menschen geformte Landschaften und mochte es, vielleicht wegen seines Architektenberufs, umso mehr, wenn es ein Haus enthielt besonders wenn es einer wäre, den er selbst bauen ließ! Seine Ölgemälde von der Villa, die er für Graf Stroganov an der großen Newa in St. Petersburg (1795-1796) errichtete, ist ein sehr schönes Beispiel für seine Arbeit.
Fedor Matveev (1758-1826) und Fedor Alekseev (1753-1824) waren ebenfalls hervorragende Landschaftsmaler, die eine größere Üppigkeit erlangten als Shchedrin oder Voronykhin. Matveevs Romantik wurde durch seine Bewunderung von Nicolas Poussin beeinflusst und er schloss ausnahmslos ein festnehmendes Objekt wie einen Wasserfall oder eine antike Ruine als Keimzelle eines Bildes ein. Seine Malerei von Himmel, Luft und Vegetation ist klar, direkt und wahrhaft poetisch.
Fedor Alekseev (1753–1824)
Alekseev war weniger dramatisch und eher bereit, weniger spektakuläre Szenen zu akzeptieren. In der Tat war er deutlich stärker von der feinfühligen Reaktionsfähigkeit von geprägt Canaletto , dessen Werk er sehr bewunderte, als von Poussin. Er hatte einige Jahre in Venedig verbracht, einer Stadt, die St. Petersburg sehr ähnlich war, und der Einfluss dieser Stadt, kombiniert mit seiner angeborenen Wertschätzung für dekorative Ästhetik, beeinflusste die Entwicklung seines Stils in hohem Maße. Tatsächlich wurde er zum "Dekorateur" der kaiserlichen Theater in St. Petersburg ernannt. Während seiner Amtszeit malte er seine schönsten Landschaften, oder vielmehr Stadtlandschaften, für die sie das Thema St. Petersburg haben. Wie Puschkin war Alekseev von der Schönheit St. Petersburgs besessen, von der großartigen Ausbreitung seines großen Flusses Newa, von seinen stattlichen Straßen und Plätzen, von seinen prächtigen Gebäuden, seinen ruhigen Kanälen, seiner klaren Atmosphäre und der kräuselnden Transparenz seiner Nebel. Er malte die Stadt mit der gleichen Verehrung wie Alexander Benois (1870-1960) im frühen zwanzigsten Jahrhundert, und die Arbeit von beiden ist gleichermaßen herausragend.
Alekseevs Ansichten über St. Petersburg waren so erfolgreich, dass er 1802 nach Moskau geschickt wurde, um die malerischeren Aspekte dieser Stadt zu dokumentieren, deren Interesse sich mit der Jahrhundertwende wieder zu beleben begann. Da er dort in doppelter Eigenschaft als Topograf und Künstler arbeiten musste und nicht ganz seinen eigenen Wünschen folgen konnte, ist diese Bilderserie genauer und detaillierter, weniger poetisch als die von St. Petersburg. In beiden Fällen tritt Alekseev jedoch als Realist auf, auch wenn er ein romantischer ist, und setzt Maßstäbe für eine ganze Reihe von späten Malern, von denen Ivan Shishkin (1832-1898), Arkhip Kuindzhi (1842-1910) und Wassili Polenow (1844-1927) gehörten zu den wichtigsten. Ihre Arbeit war genau und genau und nicht ohne Sensibilität, obwohl sie nicht die weiße Hitze der echten Inspiration besaß. Dennoch dienten ihre Bilder als Sprungbrett für die Entwicklung der russischen Malerei im 19. Jahrhundert , beispielhaft dargestellt durch so großartige Maler wie Isaac Levitan (1860-1900) und Valentin Serov (1865-1911). Siehe auch: Berühmte Landschaftsbilder .
Werke der russischen Malerei des 18. Jahrhunderts sind im Museum zu sehen beste Kunstmuseen in ganz Russland, einschließlich der Eremitage (St. Petersburg), Puschkin-Museum der Schönen Künste (Moskau) und der Tretjakow-Galerie (Moskau), unter vielen anderen.
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