Kunst der Protorenaissance: Definition, Charakteristika, Geschichte Automatische übersetzen
Was ist die Protorenaissance? – Eigenschaften
In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "Proto Renaissance" auf die Zeit vor der Renaissance (um 1300-1400) in Italien und auf die Aktivitäten fortschrittlicher Maler wie Giotto (1267-1337), der Pionier der neuen Form des figurativen "Realismus" war, der von Künstlern in der Ära von Renaissance-Kunst richtig. Giottos bahnbrechende Kunst repräsentierte jedoch weder den europäischen noch den italienischen Mainstream. Abgeleitet von Traditionen geerbt von Christliche byzantinische Kunst – die selbst die Wandbilder von Romanische Malerei ) – der Stil bekannt als Gotische Kunst Der in Italien unter anderem von der Stadt Siena gefeierte Stil der Malerei und Bildhauerei war nach wie vor vorherrschend. Tatsächlich überlebte die gotische Sprache in der Form eines Stils, der als bekannt ist, bis weit in das 15. Jahrhundert hinein Internationale Gotik , die in vielen königlichen Höfen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Spanien, Böhmen und England, populär wurde. Die eigentliche Renaissance begann um 1400 in Florenz, aber ihre Ideale und Methoden wurden erst Mitte des 15. Jahrhunderts zu einer dominierenden Kraft in der europäischen Kunst. Zu den wichtigsten Kunstarten, die in der Zeit der Protorenaissance praktiziert wurden, gehörten Freskenmalerei, Temperafeldmalerei, Buchmalerei, Reliefskulptur, Goldschmiedekunst und andere Formen der Metallverarbeitung. Die meisten künstlerischen Entwicklungen des Protorenaissance-Zeitalters wirkten sich unmittelbar aus Malerei der Frührenaissance (c.1400-90) der quattrocento .
Kirche des Heiligen Franziskus
Die Nähe Roms und der Einfluss der Kirche auf alle Aspekte der italienischen Kultur führten dazu, dass der größte Teil der Kunst (Malerei und Skulptur) war religiöse Kunst . Kein Wunder also, zwei Kirchen bilden das Tor in die eigentliche Renaissance. Die erste war die Klosterkirche des Heiligen Franziskus in Assisi . In den letzten Jahrzehnten des 13. Jahrhunderts wurde es vollständig in dekoriert Fresko , durch Cimabue (Cenni di Peppi), einer der berühmtesten Maler der Zeit. Sein Assistent war ein junger Mann namens Giotto di Bondone (1267-1337), den er anstellte, nachdem er gesehen hatte, wie die Jugend die Schafe seines Vaters entwarf. Die Freskoszenen des Lebens des hl. Franziskus wurden mit viel größerem Realismus dargestellt als die zeitgenössischen Stile von Byzantinische Kunst .
Die Scrovegni-Kapelle
Die zweite Kirche war die Scrovegni-Kapelle (auch Arena-Kapelle genannt), die im 13. Jahrhundert von Enrico degli Scrovegni in Padua erbaut wurde. Auch dies wurde mit Fresken geschmückt Wandbilder , nur dieses Mal wurden sie vollständig von Giotto erstellt. Er malte die gesamte biblische Geschichte von drei Generationen der Heiligen Familie: die Eltern der Jungfrau, die Jungfrau selbst und Jesus. Die Erzählung wird mit großem Drama in einem Comic-Set aus Holztafeln in drei Reihen an den Wänden dargestellt. Im Gegensatz zu früheren Konventionen sind diese religiöse Gemälde haben eine dreidimensionale Qualität, ein Gefühl von Tiefe und Raum, erreicht durch Giottos beispiellosen Einsatz von Modellierung, Schatten und Geradlinige Perspektive . Seine Figuren sehen nicht nur echt aus, sie besitzen auch eine heroische Stille – ein Attribut, das zu einem Schlüsselmerkmal von wird Christliche Kunst während der Italienische Renaissance richtig.
Giotto – Der "Vater der Malerei"
Giotto de Bondone (c.1266-1337) öffnete die Tür zu einer ganz neuen Welt der Malerei Giorgio Vasari war der erste, der in seinem Leben der Künstler (1550) erkannte, dass er Giotto die Wiederbelebung der wahren Kunst der Malerei, die Einführung der Zeichnung der Natur und die Wiederherstellung der alten Größe und des Prestiges der italienischen Kunst zuschrieb. Infolgedessen ernannte er den Künstler zum "Vater der Malerei". Unter Giotto entwickelte sich die italienische Malerei bis weit ins 17. Jahrhundert zum führenden europäischen Kunststil.
Giotto, ein Schüler des Künstlers Cimabue, malte zuerst in der Oberen Kirche San Francesco in Assisi. Dann malte er zwischen 1304 und 1310 den massiven Zyklus von biblische Kunst in der Cappella degli Scrovegni in Padua (Arenakapelle). Siehe zum Beispiel seine Fresken auf Verrat Christi (Judas Kuss) (1305) und The Beweinung Christi (1305)
Nach 1311 sind seine Spuren, abgesehen von längeren Aufenthalten in Mailand und Neapel, in Florenz zu erkennen. Weitere bedeutende Werke sind teilweise in den Fresken der Kapellen Bardi und Peruzzi (nach 1320 geschaffen) in der Franziskanerkirche Santa Croce in Florenz erhalten. Giotto war auch als Altarbildermaler und als Architekt (Glockenturm der Kathedrale von Florenz) tätig. Für mehr über die Florentiner Renaissance und den berühmten Dom der Stadt: Florence Cathedral, Brunelleschi und die Renaissance (1420 & ndash; 36).
Unter Giottos Zeitgenossen haben die Dichter Dante und Petrarch kommentiert, dass er der erste war, der die Realität einführte Malerei der schönen Kunst . Er füllte einen nachvollziehbaren Bildraum mit realistischen Individuen mit naturalistisch abgerundeten Formen, im Gegensatz zu den flach konzipierten und linear dekorierten Bildern einer byzantinischen Madonna oder sogar einem Madonnenbild seines Lehrers Cimbue. Kurz gesagt, Giotto stellt die unrealistischen mittelalterlichen religiösen Bilder in Frage und ermöglicht es dem Betrachter, sich mit der Frau auf dem Thron zu identifizieren – eine Art zu malen, die die religiöse Kunst in ihren Grundfesten erschüttert.
Was mehr ist, in seiner religiösen Geschichtsmalerei Giotto war in der Lage, eine Abfolge von Momenten gleichzeitig abzubilden, wodurch die derzeitige Praxis des bildlichen Erzählens erheblich erweitert wurde. Er ordnete in einem einzigen Bildrahmen Szenen an, die tatsächlich nacheinander im biblischen Text vorkamen.
Gegen Ende von Giottos Leben (1267-1337) vollendeten die Florentiner Behörden den Bau des Piazza della Signoria , der zum Mittelpunkt der Stadt wurde. Mit seinem Rathaus im romanischen Stil – dem Palazzo Vecchio – und seinen vielen Statuen wurde es sowohl zum künstlerischen als auch zum bürgerlichen Zentrum von Florenz.
Giottos wichtigste Schüler sind Maso di Banco (tätig um 1330-1350), der ein besonderes Gespür für abstrakte Oberflächeneffekte entwickelte (Kapelle Bar-di-Vernio, Santa Croce, Florenz, um 1330-1340) und Taddeo Gaddi (um 1350). 1300-1366), der experimentelle Beleuchtungseffekte in die Freskenmalerei einführte. Giotto hatte auch einen signifikanten Einfluss auf die konservativeren Sienesische Malschule , in Siena – ein heftiger Rivale von Florenz.
Darüber hinaus alle folgenden Alte Meister In der Renaissance waren die Italiener Masaccio, Mantegna, Leonardo Da Vinci, Raffael, Michelangelo und Tizian sowie die niederländischen und deutschen Maler Roger Van der Weyden, Van Eyck, Hieronymus Bosch und Albrecht Durer mit Giottos Werk bestens vertraut und anerkannt sein Beitrag zum Kunstgeschichte .
Die Nerezi-Fresken
Die kleine byzantinische Klosterkirche St. Panteleimon in Gorno Nerezi, Republik Mazedonien, wurde 1164 erbaut. Die Fresken sind berühmte Beispiele der byzantinischen Kunst des Comnenianischen Zeitalters und repräsentieren die Passion Christi sowie verschiedene andere hagiographische Illustrationen. Ähnliche Beispiele mazedonischer mittelalterlicher Wandmalereien wurden im Latomou-Kloster in Thessaloniki gefunden. Vor allem zeigen diese Wandbilder, dass die byzantinische Malerei (und die berühmteste Nachkommenschaft der Gotik) nicht der statische Kunsttyp war, den einige Renaissance-Gelehrte angenommen haben. Sofern sich dadurch die Möglichkeit ergibt, dass sich der byzantinisch / gotische Stil von sich aus zu etwas wie dem "Renaissancestil" entwickelt hat ( ich bezweifle dies – Herausgeber ), qualifiziert dies Giottos enormen Beitrag zur Entwicklung der westlichen Malerei.
Siena Schule: Duccio de Buoninsegna
In Siena dauerte es länger, bis sich die religiöse Malerei von der byzantinischen Tradition abwandte (vgl Romanische Malerei in Italien ) – eine Entwicklung, die Giotto mit einem Sprung erreicht hatte. Viele Jahre lang stand die sienesische Malerei des frühen 13. Jahrhunderts zu Unrecht im Schatten von Giotto und seiner Schule. Wo Giotto blockartige Bände verwendete, um seine zu verbessern figur malerei Linie blieb alles für den sienesischen Führer Duccio de Buoninsegna (1255-1318). Sowohl in der Schönheit der Linienführung als auch in der grafischen Entwicklung sowie im Reichtum seiner Materialien und Farben steht Duccio Giotto und seiner fantasievollen Erzählung in nichts nach Zeichnung Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en Seine einfühlsamen Farbabstufungen und überraschend tiefen Bild – und Landschaftsräume übertreffen sogar die des Florentiner Künstlers, wie Duccios Szenen aus dem Leben Christi auf der Rückseite des Maesta-Altarbild (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Siena), das gigantische ehemalige Altarbild der Kathedrale von Siena. Auf der Vorderseite sitzt Maria inmitten eines Kreises von Heiligen, in einer frühen Wiedergabe des "heiligen Gesprächs" – eines Gemäldethemas, das später im florentinischen Quattrocento populär wurde.
Wie Giotto erkundete Duccio verschiedene, aber harmonische Wege, auf denen sich die Kunst auf das Erleben der Alltagswelt des Betrachters beziehen kann, ohne den Sinn für das Heilige zu verlieren. Giotto – zuerst in Assisi in den 1290er Jahren und später in der Arenakapelle in Padua (um 1305) – besiedelte sorgfältig gestaltete Räume mit dreidimensionalen Figuren in bedeutungsvollen Posen. Im Gegensatz dazu betonte Duccio lieber Farbe, dekorative Effekte und fein gegliederte Figuren, um eine lyrischere, aber nicht weniger menschliche Wirkung zu erzielen. Siehe auch: Duccios Diminutiv Stroganoff Madonna (1300). (Siehe auch: Beste Renaissance-Zeichnungen .)
Siena Schule: Simone Martini
Duccios Schüler Simone Martini (1284-1344) präsentiert ein noch breiteres Spektrum an Themen und Stilen. Seinen Anfang machte er in Siena mit einer Maesta (1315), die als Fresko für den Palazzo Publico in einer höfischen Variante von Duccios Altarbild im Dom gemalt wurde. Sein Meisterstück ist das Exquisite Verkündigungs-Triptychon (1333), gemalt für die Kathedrale von Siena. Martinis weiteres Werk in Italien zeigt zunehmend Einflüsse der spätfranzösischen gotischen Buchmalerei, wie die Fresken der Martinskapelle in der unteren Kirche San Francesco in Assisi belegen, und tatsächlich wurde der Künstler für Robert I. von Anjou Hofmaler in Neapel im Jahr 1317.
Von Martini erfahren wir weit mehr über das höfische Leben des Trecento als von Giotto, der zeitlos klassische religiöse Bildbilder verfolgte, die abseits des Alltags existierten. Martini arbeitete sich langsam nach Avignon vor, obwohl seine Werke dort nicht überlebt haben.
Siena Schule: Ambrogio & Pietro Lorenzetti
Zwei andere bemerkenswerte sienesische Maler waren die Brüder Ambrogio Lorenzetti (c.1290-1352) und Pietro Lorenzetti (c.1280-1348) – aller Wahrscheinlichkeit nach Schüler von Duccio. Ihre Altarbilder und Fresken, die ebenfalls einen gewissen Einfluss von Giotto aufweisen, sind emotionaler und lebendiger als die ihrer sienesischen Zeitgenossen. Ambrogio Lorenzettis größtes Meisterwerk, das Monumentale Allegorie der guten und schlechten Regierung (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena) ist nicht nur das erste Landschafts- und Stadtbild in der europäischen Kunst, sondern offenbart auch ein Verständnis der Stadtregierung von Siena in ihren unzähligen Details.
Avignon: Französische Buchmalerei
1309 führte die Anarchie in Rom zur Verlegung des päpstlichen Hofes in die alte südfranzösische Stadt Avignon. Das Vorhandensein dieser reichen Quelle der Schirmherrschaft zog viele Künstler an, darunter Simone Martini und, wie es heißt, Giotto. In der Folge blühte Avignon als künstlerisches Zentrum auf und wurde zum Startpunkt für die Verbreitung italienischer Kunst nach Norden in das Burgund, nach Mittelfrankreich und in die Niederlande. Am Hof von Avignon vereint sich die spätgotische Naturbeobachtung, Poesie, mystische Theologie der devotio moderna mit italienischer Linienschönheit. Das Malen von Büchern wurde zum Medium der Stunde: Beleuchtete Bücher wurden zu Sammlungsobjekten, die gleichzeitig luxuriös und leicht zu verpacken und zu transportieren waren. Sie beide erhöhten die Ehre von Höflingen und Fürsten wie dem Herzog von Berry in Bourges (dem Bruder von Philip II, dem Kühnen von Burgund) und dienten in privaten Gottesdiensten.
Zu der Vielzahl hochwertiger Miniaturen gehört das Werk des Pariser Meisters Jean Pucelle (c.1290-1334) beherrschte die erste Hälfte des 14. Jahrhunderts, später folgte die Brüder Limburg (c.1380-1416). Im Auftrag des Herzogs von Berry produzierten sie mehrere illuminierte Manuskripte oder "Bücher der Stunden", darunter Meisterwerke wie Les Belles Heures (1408, Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, New York) und die Tres Riches Heures du Duc de Berry (1413-16, Conde Museum, Chantilly) "die zarteste und feinste Kreation von Miniaturkunst", so der Historiker Johan Huizinga. Mit ihrer detaillierten Darstellung des jährlichen Zyklus der Natur stellen diese Stundenbücher aus dem frühen 15. Jahrhundert die erste Serie von Genrebildern in der Geschichte der Malerei dar. Sie nahmen den Erfindungsreichtum späterer religiöser Bilder vorweg und bereiteten mit ihrem tiefgepackten Interieur den Weg für die Kunst von Jan Van Eyck "in Miniatur".
Tafelbilder und Wandmalereien zeigen ein entsprechend weniger eigenständiges Profil, abgesehen von der Arbeit verschiedener regionaler Schulen, wie der in der Provence um 1400. Jean Fouquet (c.1420-1481), als Miniaturist und Tafelmaler, bildet ebenfalls eine Ausnahme und begründet im Wesentlichen die französische Malerei: siehe seine außergewöhnliche Melun Diptychon (1450 & ndash; 55).
Internationale gotische Kunstbewegung
Zwischen ungefähr 1370 und 1430 taucht ein ähnliches Phänomen in der gesamten europäischen Malerei von England über Frankreich, Burgund, Nord- und Mitteldeutschland, Böhmen, Österreich bis Italien auf. In den Skulpturen der "Schönen Madonnen", in den Tafelbildern, Wandbildern und Buchmalereien der damaligen Zeit sowie in der Goldschmiedemetallverarbeitung fanden sich Merkmale des internationalen gotischen Stils. Skulpturen, illuminierte Manuskripte und Andachtsbilder fungierten gleichzeitig als Englisch: www.goethe.de/kue/arc/thm/nba/en360536.htm Eine raffinierte höfische Kultur, für deren Stil zunächst der böhmische Habsburger Hof von Kaiser Karl IV. und später die Höfe der burgundischen Herzöge europäische Maßstäbe setzten, feierte sich in der Malerei als Gold schimmernde Hintergründe, zart wechselnde Farben, subtil bewegte Gewänder, edle Gesten und mehrdeutig lächelnde Gesichter von Heiligen und Engeln: Die privaten Kapellen von Kaiser Karl sind umfassende Kunstwerke, die Edelsteine enthalten mit Tafelmalerei, Fresken und liturgischer Ausstattung.
In Italien trat das späte gotico internationale zur selben Zeit wie die frühe Renaissance auf und genoss bei den Zeitgenossen die gleiche Gunst. Einflüsse aus der Arbeit von Lorenzo Monaco (c. 1370-1425), Gentile da Fabriano (c.1365-1427) und Masolino (1383-1440), sind nach 1498 in noch erkennbar Botticelli späte religiöse Arbeit.
In Burgund der flämische Pionier Melchior Broederlam (c.1350-1411) wies den Weg zur Kunst von Robert Campin und Jan van Eyck in Deutschland vor allem Maler der Kölner Schule Stefan Lochner (c.1405-1451), und im Norden verbanden die Meister Bertram (c.1340-1415) und Francke (c.1380-1430) die Linearität der böhmischen Hofkunst mit dem Detailreichtum der französischen Buchmalerei und die frühen niederländischen Meister.
Hinweis: In einigen von ihnen sind Werke zu sehen, die den Stil der Malerei und der Beleuchtung der Protorenaissance widerspiegeln beste Kunstmuseen in der Welt.
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