Niederländische Malerei, 17. Jahrhundert Automatische übersetzen
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Einführung
Von Zeit zu Zeit erlebt ein Land eine Periode spektakulären künstlerischen Wachstums. Im Falle Hollands geschah dies in der Zeit von Niederländische Barockkunst im 17. Jahrhundert mit der Entstehung von Genie-Malern wie Rembrandt und Vermeer. Insbesondere ist dieses Goldene Zeitalter der niederländischen Malerei berühmt für das, was bekannt geworden ist als " Niederländischer Realismus "- eine sehr detaillierte, wahre Form von Porträtkunst und Genre-Malerei , die sich bei der wohlhabenden Mittelschicht des Landes als sehr beliebt erwies. Die größten Sammlungen von Werken von Niederländische realistische Künstler sind in der Rijksmuseum, Amsterdam und das Mauritshuis in Den Haag.
Historischer Hintergrund
Im 17. Jahrhundert wurde Holland zur europäischen Großmacht. Mit der Unterzeichnung des Zwölfjährigen Waffenstillstands im Jahr 1609 wurden die nördlichen niederländischen Staaten von der spanischen Herrschaft unabhängig und erlebten eine Zeit reichhaltiger kultureller, wirtschaftlicher und sozialer Entwicklung. Amsterdam hatte im europäischen Handel und in der europäischen Wirtschaft bereits den Platz Antwerpens eingenommen. es wurde jetzt ein Zentrum für das Bankwesen. Entlang der vielen Kanäle wurden hübsche Handelshäuser gebaut, und die aufstrebende Klasse wohlhabender Händler und Bürger forderte bescheidene Luxusgüter. Der Anbau von Zwiebeln wurde zu einer wichtigen Quelle des Wohlstands. In der Mitte des Jahrhunderts begann die niederländische Marine Englands Herrschaft über die Meere zu bedrohen. Trotz des Rückschlags für die Kunst, der sich aus dem Bruch des Landes mit dem Katholizismus ergab, leisteten niederländische Maler – insbesondere aus den Schulen von Amsterdam, Delft, Dordrecht, Haarlem, Leiden und Utrecht – einen entscheidenden Beitrag zur Kunstgeschichte in diesem Jahrhundert.
Die Wirkung des Protestantismus auf Gemälde war zunächst katastrophal. In Deutschland, Holland und England schien es, als würde es nicht überleben. Viele Protestanten betrachteten Bilder oder Heiligenbilder in Kirchen als päpstliches Idol und Maler in diesen Ländern verloren ihre zuverlässigste und einträglichste Einnahmequelle – die gemalten Altarbild . Ebenso wenig konnten Künstler (zumindest in Holland) eine Anstellung in der Dekoration prunkvoller Paläste finden, denn die niederländischen Bürger waren nüchterne Bürger, die das ablehnten, was sie für den protzigen Prunk des katholischen Südens hielten. Buchillustration und die Porträtmalerei schien die einzige Möglichkeit für einen Künstler zu sein, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, und es schien auch für sie keinen großen Markt zu geben.
Niederländische Porträtmalerei
Trotzdem wuchs mit zunehmendem Wohlstand die Nachfrage nach Porträts: Ein würdiger Bürger, der Bürgermeister geworden war, wäre stolz darauf, sich in den Insignien seines Büros malen zu lassen; Gouverneure von Wohltätigkeitsinstitutionen oder Mitglieder von Bürgergremien – von denen es im republikanischen Holland viele gab – wollten Gruppenporträts für ihre Sitzungssäle oder für die Treffpunkte ihrer Gilden und Unternehmen. Diejenigen Künstler, deren Arbeiten beim Publikum Anklang fanden, konnten hoffen, mit dieser Art von Malerei eine Existenz aufbauen zu können.
Frans Hals (1582-1666) war einer dieser Künstler. Obwohl flämisch geboren, zog Hals mit seinen protestantischen Eltern nach Holland und verbrachte den größten Teil seines Lebens dort. Die Schulden, die Hals bei seinem Bäcker und Schuster machte, belegen die widrigen Arbeitsbedingungen eines niederländischen Malers. In seinem Alter (er war über 80 Jahre alt, als er starb) wurde er von einer Spende eines städtischen Armenhauses unterstützt, dessen Gouverneursrat sich über sein Gruppenporträt gefreut hatte. Hal’s großes Geschenk war das Porträtieren, besonders für seine impressionistische "Momentaufnahme", mit der er den Ausdruck eines Darstellers einfing. Die optimistische und fröhliche Stimmung, in der er viele seiner Landsleute porträtiert, spiegelt vielleicht das Vertrauen dieser ersten Generation freier Holländer wider.
Ein niederländischer Künstler war wie ein Kaufmann, der die Waren verkaufte, die die Öffentlichkeit kaufen wollte. Wenn er keinen Gönner hatte, musste er sich auf die Öffentlichkeit verlassen. Ohne ein Talent für Porträts konnte er sich nicht auf Aufträge verlassen und musste sich anderen Themen und anderen Arbeitsmethoden zuwenden. Er muss zuerst sein Bild malen und dann versuchen, einen Käufer zu finden. Er bot seine Bilder zum Verkauf auf Bildmärkten an oder ging zu einem Bildhändler. Da der Wettbewerb hart war, spezialisierte er sich und konzentrierte sich auf eine Art oder ein Genre der Malerei, die er gut konnte oder die das Publikum von ihm erwartete. So etablierte sich beispielsweise Paulus Potter (1625-54) als führender Maler von Kühen und anderen Tieren.
Andere Spezialisten waren Maler wie Adriaen van de Velde (1636-72) oder Jan van de Cappelle (1642-79), die – vielleicht aufgrund der wachsenden Bedeutung der niederländischen Seemacht – für ihre Meereslandschaften berühmt wurden. Jacob van Ruisdael (1628-82) und Meindert Hobbema (1638-1709), der Landschaften schuf. Jan Steen (1626-79) auf einer populären Ebene und Gerard Terborch (1617-81) mit einem höheren Maß an Raffinesse und Eleganz, die der Öffentlichkeit Innenräume mit Figuren anboten, die normalerweise in einen kleinen Zwischenfall verwickelt waren. Diese Art von Alltagsszene, bekannt als Genremalerei, wurde zu einem der großen Merkmale der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts.
Rembrandt: Maler der Menschen
Aber der größte Maler der Zeit, Rembrandt van Rijn (1606-69) beschränkte sich nicht auf eine dieser Malerei-Gattungen – seine Vision reichte von Porträts aller Art bis zu vielen Themen Geschichtsmalerei und biblische Kunst . Dennoch bleibt Rembrandt im Wesentlichen ein Maler von Menschen: ein Maler von Gesichtern, Emotionen und Persönlichkeiten.
Seine Karriere war voller Gegensätze: glücklich verheiratet, wohlhabend und weit über die Grenzen seiner Heimat Holland hinaus bekannt, schien sein Erfolg in den 1620er Jahren gesichert zu sein, doch als er 1669 starb, ließ er kein anderes Eigentum als seine alten Kleider und einige Malutensilien zurück. Rembrandt malte keine zeitgenössischen Prälaten und Fürsten, sondern die Amsterdamer, Mitglieder seiner Familie und vor allem sich selbst. Seine bemerkenswerte Reihe von Selbstporträts erzählt uns viel über den Mann, von den Tagen seiner Jugend und seines Erfolgs bis zu seinem einsamen Alter, als sein Gesicht die Tragödie des Bankrotts und des menschlichen Leidens verriet.
Rembrandt ging nie nach Italien und reiste auch nicht viel, aber er kannte die Kunst des Italienische Renaissance und das barocke Gemälde von Caravaggio und andere italienische Maler. In seiner Blütezeit besaß er auch italienische Gemälde. Dennoch ging es ihm nicht um die schönen Formen der italienischen Kunst; tatsächlich schockieren seine Figuren – wie die von Caravaggio – manchmal durch ihre unerwartete Hässlichkeit. In seiner Verwendung von Licht und Schatten (siehe die Technik von Chiaroscuro am beispiel seines meisterwerks Der Selbstmord von Lucretia 1666, Minneapolis Institute of Arts) und in seiner Gruppierung von Figuren in einer Komposition enthüllt Rembrandt, dass er nicht wirklich mit der Tradition von Renaissance-Kunst , aber nichts könnte geistiger anders sein als Rembrandts reife Malerei der Hochrenaissance von Raffael Christliche Kunst mit seinem wahren Leben Naturalismus . (Weitere Informationen zu den beiden grundlegenden Ansätzen finden Sie unter: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts 1600-1700.)
Als gläubiger Protestant war Rembrandt mit der Bibel sehr vertraut und drang bis ins Herz seiner religiösen Untertanen vor, wobei er sich eng an den Text hielt, die tiefe innere Bedeutung der von ihm dargestellten Ereignisse herausstellte und die wahre Menschlichkeit der Bibel stets offenbarte biblische Figuren, die ihm seine tiefe psychologische Einsicht bringen. Siehe zum Beispiel sein monumentales Bild Rückkehr des verlorenen Sohnes (1666-9, Hermitage Museum, St. Petersburg) und Bathseba hält den Brief von König David (1654, Louvre, Paris).
Von Anfang an zeigte er ein natürliches Talent für Porträtaufnahmen. 1631 hatte er Leyden, wo er als Sohn eines Müllers und einer Bäckertochter geboren wurde, für das geschäftige Handelszentrum von Amsterdam verlassen und sich kurz darauf mit seinem ersten großen Gruppenporträt einen Namen gemacht Die Anatomielektion von Dr. Nicolaes Tulp (1632, Mauritshuis, Den Haag). Die kraftvolle Komposition des Gemäldes, in der sich die Figuren vor einem dunklen Hintergrund abzeichnen, und die dramatische, direkte Darstellung der Szene zeigen den Einfluss seines in Italien tätigen Meisters Pieter Lastmann. Rembrandts Behandlung dieser Figuren als angespannte, eng verbundene Gruppe unterscheidet dieses Gemälde von anderen, oft langweiligen, zeitgenössischen Gildenporträts. (Weitere Informationen zu Rembrandts dramatischer Maltechnik finden Sie unter Tenebrismus und die italienische Tendenz bekannt als Karavaggismus 1600-50, die beide einen starken Einfluss auf seine Arbeit hatten.)
HINWEIS: Rembrandts größte Porträtmalereien enthalten auch eine Reihe von erhabenen Einzelporträts. Unter ihnen sind Porträt von Agatha Bas (1641, British Royal Collection) und Porträt von Jan Six (1654, Privatsammlung, Amsterdam).
Von nun an bis zu seinem Höhepunkt am Ende des Jahrzehnts stieg Rembrandts Ruhm und gleichzeitig mit dem beruflichen Erfolg stieg seine soziale Stellung rapide an, da er mit Saskia van Uylenburg verheiratet war, die Mitglied einer wohlhabenden Patrizierfamilie war. Rembrandt kaufte ein Haus und schwelgte in seinem extravaganten Sammlergeschmack für bizarre Objekte.
Nach dem Tod von Saskia im Jahr 1642, Einwände gegen Rembrandts zunehmenden Einsatz von Hell-Dunkel und gegen seine Abkehr von der Tradition in der Komposition seines großen Gruppenporträts der Kompanie von Kapitän Frans Banning Cocq – allgemein bekannt als Die Nachtwache (1642, Rijksmuseum, Amsterdam) – trug zu einem Rückgang seiner Popularität in der Öffentlichkeit bei. Er verschuldete sich und wurde 14 Jahre später, 1656, für bankrott erklärt. Sein Haus wurde verkauft und seine Sammlung versteigert. Nur die Hilfe seines neuen Lebensgefährten Hendrickje Stoffels und seines Sohnes Titus rettete ihn vor dem völligen Untergang, doch beide starben vor ihm und er lebte als einsamer Mann im Alter von dreiundsechzig Jahren.
In seinen mittleren Jahren nach Saskias Tod wandte sich Rembrandt an religiöse Kunst , zu Landschaften und zum Studium der Juden seiner Nachbarschaft, von denen er viele in seinen Bibelszenen verwendete. Sein Kontakt mit der Natur führte zu einer Vielzahl von zeichnungen und Radierungen der niederländischen Landschaft, in der er eine ’Kurzschrift’-Methode zur Erfassung seiner Eindrücke entwickelte, die in auffallendem Kontrast zur häufig barocken Art seiner gemalten Landschaften steht.
Rembrandts spätere Arbeit erwarb jene natürliche Einfachheit, Tiefe und psychologische Durchdringung, für die er bekannt und verehrt ist. Seine Nachtwache von 1642 markiert den Übergang zu seinem späten Stil; In diesem Gemälde brach er mit den Konventionen der Gruppenporträts, indem er einige der einzelnen Figuren im Interesse einer dramatischeren und einheitlicheren Komposition unterordnete. Rembrandt wählt den Moment, in dem die Trommel den Ruf der Waffen auslöst und die Gesellschaft der Bürger von allen Seiten nach vorne drängt, um sich ihren Führern anzuschließen. Auf diese Weise verwandelt er ein statisches Gruppenporträt in eine animierte Baugruppe. Ein weiteres herausragendes Gruppenporträt ist Syndics der Tuchmachergilde (Die Staalmeester) (1662, Rijksmuseum, Amsterdam). Diese Provision wurde Rembrandt nach seiner Insolvenz verliehen, was auf den Respekt hinweist, den er immer noch geboten hatte.
Auch Rembrandts späte Interpretationen biblischer Szenen weichen stark von der Tradition ab. Das Spektakuläre und Verzierte weicht einer ausschließlichen Sorge um die innere, spirituelle Bedeutung des Ereignisses, wie in seiner Rückkehr des verlorenen Sohnes , die zwischen 1668 und 1669 gemalt wurde. Der Schwerpunkt liegt auf der Begegnung zwischen Vater und Sohn Die Haltung des Vaters, als er sich über seinen knienden Sohn beugt und äußerste Vergebung und Zärtlichkeit kommuniziert.
Dieselbe tiefe Kommunikation des menschlichen Gefühls und der spirituellen Werte von Zärtlichkeit und Vertrauen findet in einem anderen späten Gemälde statt – Die jüdische Braut (Rijksmuseum, Amsterdam) – 1665 gemalt. Die Liebe zwischen den Eheleuten wird in ihrem Ausdruck und in der einfachen Geste der Dame, die Hand ihres Mannes an ihr Herz zu drücken, bewegend vermittelt.
HINWEIS: Rembrandts historisches Gemälde enthält mehrere wunderbare weltliche Werke. Sie beinhalten Aristoteles denkt über die Büste von Homer nach (1653, Metropolitan Museum of Art, New York) und Die Verschwörung von Claudius Civilis (1661, Nationalmuseum, Stockholm).
Jan Vermeer: Maler von Cool Interiors
Nichts könnte sich von der Kunst Rembrandts mehr unterscheiden als die kontrollierten, moralischen und coolen Interieurs von Jan Vermeer von Delft (1632-75). Vermeers kühle Objektivität und passive Qualität ist der Gegensatz von Rembrandts Wärme und menschlichem Engagement. während Rembrandt eine erstaunliche Leistung erbrachte, arbeitete Vermeer nur langsam und hatte eine sehr geringe Leistung. Hervorragendes Handling: Von Licht und Schatten ist bei beiden Malern die Rede. Heute gilt Vermeer als führendes Mitglied der Niederländische Realistenschule für Genremalerei und eine Schlüsselfigur in Protestantische reformatorische kunst von Nordeuropa. Aber nichts davon war zu seinen Lebzeiten offensichtlich. In der Tat war er nur ein mäßig erfolgreicher Maler, als er noch lebte, und als er starb, geriet sein Werk weitestgehend in Vergessenheit. Das war bis zur Veröffentlichung eines Aufsatzes des Kunstkritikers Thore Burger im Jahr 1866, der Vermeer aus der Dunkelheit erhob.
Vermeers größte Genrebilder sind: Das Milchmädchen (1660, Rijksmuseum, Amsterdam); Junge Frau mit einem Wasserkrug (1662, Metropolitan Museum of Art, New York); Die Kunst der Malerei: Eine Allegorie (1666-73, Kunsthistorisches Museum, Wien), auch "Der Künstler in seinem Atelier" und "Allegorie der Malerei" genannt; und Der Klöppler (1669-70, Louvre, Paris). Einige der schönsten Interieurs von Vermeer zeigen Frauen in der Privatsphäre ihres Zimmers. Siehe zum Beispiel Frau, die ein Gleichgewicht hält (1663, National Gallery of Art, Washington); und Frau mit einer Perlenkette (1663, Gemäldegalerie, SMPK, Berlin).
Vermeer wurde in Delft geboren, als Rembrandt 26 Jahre alt war. Damit gehörte er zur dritten Generation der großen niederländischen Malerei. In der Mitte des Jahrhunderts hatten sich die Niederländer an den Frieden gewöhnt, und die optimistische Vitalität eines früheren Malers wie Hals machte einer leisen Verfeinerung Platz. Der kultivierte Genuss von Musik und Malerei ist ein häufiges Thema in Vermeers Arbeiten. Ölgemälde wie Laute spielende Frau am Fenster (1664, Metropolitan Museum, NY); Das Konzert (1665, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston); Die Musikstunde (1665, Royal Collection) (auch Lady und Gentleman bei den Virginals genannt); und Mädchen mit einer Flöte (c.1666, National Gallery, Washington DC); Alle weisen auf die ausgefeiltere Natur des niederländischen sozialen Lebens hin.
Fast alle Genrewerke Vermeers enthalten ein figuratives Element – eine Ausnahme Die kleine Straße (1658, Rijksmuseum, Amsterdam) – und ein paar Porträts. Siehe zum Beispiel Das Mädchen mit dem Perlenohrring (1665, Mauritshuis, Den Haag) als "Mona Lisa des Nordens" bekannt; und Mädchen mit einem roten Hut (1667, National Gallery of Art, Washington, DC).
Andere wichtige niederländische Genremaler waren: Adriaen Brouwer (1605–38), Adriaen van Ostade (1610-85) und David Teniers der Jüngere (1610-90), alle bekannt für ihre moralisierenden „Wirtshausszenen“; Gabriel Metsu (1629-67) für seine intimen häuslichen Szenen bekannt; Samuel van Hoogstraten (1627-78), berühmt für seine Innenräume mit einer tiefen linearen Perspektive; und Pieter de Hooch (1629-83), der ähnlich unpersönliche Innenräume malte. Hendrik Terbrugghen (1588-1629) produzierte auch einige hervorragende Genrewerke, obwohl er am bekanntesten für seine religiösen Gemälde war.
Holländische Stilllebenmalerei
Wie bereits erwähnt, forderte Luther nach dem Aufstand gegen die römische Kirche (um 1517) religiöse Gemälde erlitt einen schweren Niedergang in der neu unabhängigen protestantischen niederländischen Republik. Wie wir gesehen haben, führte dies zu einer Zunahme sowohl der Genremalerei als auch der Porträts. Darüber hinaus eröffnete es ein drittes Genre – nämlich Stillleben malen – ein Genre, das durch die Popularität unter Künstlern von Ölgemälde Dies ermöglichte eine stärkere Überarbeitung eines Bildes und damit feinere Details.
Stillleben war in vielerlei Hinsicht die reinste Form protestantischer Kunst, zumindest in Holland. Es war eine bodenständige Form der Malerei, die fleißige niederländische Hausbesitzer ansprach und eine komplexe Mischung aus religiöser Symbolik enthielt. Eine besondere Form des Stilllebens (genannt Vanitas Malerei ) bestanden aus unterschiedlichen Anordnungen von Haushaltsgegenständen, die den Betrachter an die Vergänglichkeit des Lebens auf der Erde erinnern sollten.
Zu den führenden Stilllebenmalern in den Niederlanden gehörte der Antwerpener Künstler Frans Snyders (1579-1657); Pieter Claesz (1597-1660), bekannt für seine Frühstücksstilleben ( ontbijtjes ); Willem Claesz Heda (1594–1680), Jan Davidsz de Heem (1606-83) und Harmen van Steenwyck (1612-56), alle berühmt für ihre Vanitas-Gemälde; und Willem Kalf (1619-93), bekannt für seine prunkvollen Stillleben ( pronkstilleven ).
Niederländische Kirchenausstattung
Eine andere Art von Malerei, die während des Goldenen Zeitalters in den Niederlanden populär wurde, war die Darstellung von Kircheninterieurs. Der größte oder zumindest reinste Vertreter davon war der bucklige Pieter Jansz Saenredam (1597-1665), der als erster Künstler architektonisch originalgetreue Darstellungen von Gebäuden anfertigte und nicht die einfallsreicheren „Erfindungen“, die von anderen populär gemacht wurden. Ein weiterer herausragender Exponent war Emanuel de Witte (1615-1692), besser bekannt für sein Verständnis von Geradlinige Perspektive und sein Sinn für Atmosphäre, anstatt die genaue Architektur seiner Kompositionen. Gerard Houckgeest (1600-61) und Hendrick Corneliszoon van Vliet (1611-75) waren unter den wenigen Praktizierenden.
1672 fiel der französische König Ludwig XIV. In Holland ein. Der französische Vormarsch wurde von Wilhelm III. Kontrolliert, aber trotz dieses Erfolgs lehnte Holland bereits als Weltmacht ab. Dieser Niedergang spiegelte sich in ihrem künstlerischen Schaffen wider und gegen Ende des Jahrhunderts war das "goldene Zeitalter" der niederländischen Malerei vorbei.
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