Niederländische Renaissancekunst Automatische übersetzen
Siehe auch: Deutsche Renaissancekunst (1430-1580)
Was ist die niederländische Renaissance?
In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "niederländische Renaissance" auf die rasante Entwicklung von Malerei der schönen Kunst das im 15. und 16. Jahrhundert in Flandern und Holland vorkam. Die niederländischen Künstler (und Gönner) waren in der Regel bodenständiger als ihre Kollegen in Italien. Weniger an klassischer Antike interessiert, oder Ästhetik oder die Theorie von Perspektive Sie malten, was sie sahen, und konzentrierten sich darauf, die Technik von Ölgemälde. Bis etwa 1530 behielt die Kirche ihre Rolle als führender Förderer der Künste bei. Als Ergebnis, Christliche Kunst blieb die Hauptform sowohl der Malerei als auch der Skulptur. Danach führten religiöse Unterschiede zwischen Südeuropa (weitgehend katholisch) und Nordeuropa (weitgehend protestantisch) – in der Kluft zwischen niederländischen Protestanten und flämischen Katholiken verankert – zu großen Unterschieden zwischen Italienern Renaissance-Kunst und das der Niederlande.
Generell hatte die evangelische Kirche kein Interesse daran, Altarbilder oder andere Werke von religiöse Kunst. Die Künstler waren daher gezwungen, ihre zeichnerischen Fähigkeiten und ihr Talent im Umgang mit Ölen einzusetzen, um den bürgerlichen und kulturellen Anforderungen der wachsenden Bourgeoisie gerecht zu werden. Porträtkunst, Innenräume und Genre-Malerei Jetzt übernahm, was zum Goldenen Zeitalter von Niederländischer Realismus im 17. Jahrhundert. Aber um 1430 sah es ganz anders aus.
In der Regel stehen die größten Maler eines Landes am Höhepunkt einer langen Entwicklungsphase. In den Niederlanden ist das Gegenteil der Fall. Die Van Eycks, die die frühniederländische Malerei begründeten, waren auch ihre größten Meister, und für die zweihundert Jahre danach, bis zur Entstehung von Rubens, ist die Geschichte der Schule fast eine Geschichte gegen den Höhepunkt. Fast. Für die wichtigsten Bilder siehe: Größte Renaissance-Gemälde.
Ursprünge der niederländischen Renaissance
Solche Kunst, wie es sie in den Niederlanden vor den Van Eycks gab, gehört zu den sogenannten Internationale Gotik ’Stil, der in Frankreich seinen Ursprung hat und sich nach Süden nach Italien und nach Norden in die rheinischen Städte und die Niederlande ausbreitet. Dies zeigt sich am neuen Naturalismus und Humanismus von Internationale gotische Illuminationen so wie die Tres Riches Heures du Duc de Berry , bis zum Brüder Limburg – ein Trio, das um die Wende des 14. Jahrhunderts für den Herzog von Berry arbeitete. Hubert Van Eyck (c.1365-1425) war selbst ein Illuminator, denn Teile der 1417 für Johannes von Bayern angefertigten Stunden von Mailand nach Turin werden ihm einstimmig zugeschrieben. Die ganze Eycksche Technik ist die der Beleuchtung im großen Maßstab, aber dank der Skala und des Ölmediums von einer bisher unerreichten Perfektion und Brillanz. (Hinweis: Einzelheiten zu Pigmenten, die in Gemälden der niederländischen Renaissance verwendet werden, siehe: Renaissance-Farbpalette.)
Hubert und Jan Van Eyck
Das Meisterwerk von Hubert und Jan Van Eyck ist das Große Gent Altarbild der Anbetung des Lammes in der St.-Bavo-Kathedrale. Diese polyptych Mit seiner Vielzahl kleiner Tafeln ist es offensichtlich die Arbeit von Männern, die als Miniaturmaler ausgebildet sind und das Problem der Füllung großer Räume nicht bewältigen können. Es ist eine gemeinsame Arbeit der beiden Brüder. Allein von Hubert, der eine nebulösere Figur als Jan ist, gibt es neben den Mailänder-Turiner Miniaturen zwei Flügel eines Altarbildes in Leningrad und die Drei Mark am Grab, die jetzt in der van Beuningen-Sammlung in Holland aufbewahrt werden. Durch Jan Van Eyck (c.1390-1441) gibt es eine beeindruckende Liste von signierten und datierten Werken, von denen das wahrscheinlich wichtigste das ist Arnolfini Portrait (1434, National Gallery, London).
In einem Land, in dem das Altarbild das Standardgenre war, sind das weltliche Thema des Arnolfini-Porträts und der private Charakter des Gemäldes auf die Nationalität der Kunden zurückzuführen. Giovanni Arnolfini war ein äußerst reicher italienischer Geschäftsmann und Bankier, der die Brügger Niederlassung seines Familienunternehmens leitete. Der Wert, der dem Individuum in Italien beigemessen wurde, und der bekannte Brauch, dass wichtige Männer ihre Porträts dort malen ließen, könnten ihn veranlasst haben, van Eyck mit dem Malen dieser "Heiratsurkunde" für ihn zu beauftragen.
Trotz der akribischen Detailgenauigkeit, mit der van Eyck die Dinge sowohl im Vordergrund als auch im Hintergrund minutiös festhielt, wird die Einheit der Komposition durch eine feine Modulation von Farbe und Licht sichergestellt, die alles gleichmäßig umspielt. Diese Homogenisierungsmethode wird vor allem durch die von Anfang an im Norden verbreitete Technik der Ölmalerei erreicht. Die gut verarbeitbare, langsam trocknende Farbe ermöglichte es dem Künstler, nachdenklich zu arbeiten, zu retuschieren und zu übermalen. Es ermöglichte ihm feinste Nuancen der Schattierung, Stofffalten wurden mit lebendigen, samtigen Übergängen zu immer helleren Tönen ausgearbeitet und die winzigen Lichtblitze auf funkelnden Materialien konnten mit sehr kleinen Pinseln präzise übertragen werden. Kostüme, Körper und Gesichter erhielten eine bisher unbekannte Materialität. (Siehe zum Beispiel Porträt eines Mannes in einem roten Turban 1433). Diese als " ars nova " (lat. "Neue Kunst") bekannte Technik wurde außerhalb der Niederlande durch niederländische Künstler, die im Süden als Hofmaler gearbeitet hatten, bekannt und bewundert. Der umgekehrte Einfluss der Italienische Renaissance im Norden dagegen erst sehr viel später.
Trotz der Qualität von Jan Van Eycks Werken ist es unmöglich, etwas über den Künstler selbst herauszufinden, außer dass er einer der größten realistischen Maler der Welt war. In seinen religiösen Gemälden, wie der sogenannten " Rollin Madonna " im Louvre, gibt es wenig religiöses Gefühl; das thema dient nur als vorwand für ein realistisches studium eines innenraums.
Robert Campin, Roger Van Weyden und andere
In dieser Hinsicht ist er das Gegenteil von seinem jüngeren Zeitgenossen, Robert Campin (1375-1444), der jetzt als Meister von Flemalle identifiziert wurde. Die Van Eycks waren vom Adel bevormundete Hofmaler; Campin war Maler und arbeitete für bürgerliche Gönner. Seine religiösen Werke (wie das Merode-Altarbild ) und in noch größerem Maße die seines Schülers Roger van der Weyden (1398-1464) – seht sein großes Abstieg vom Kreuz (1425) – sind mit Emotionen und leidenschaftlichen religiösen Gefühlen aufgeladen. Diese Spaltung sollte bis in die Zeit des großen Holländers Rembrandt und des großen flämischen Meisters Rubens in der Geschichte der niederländischen Malerei Bestand haben. Der engste Anhänger von Jan van Eyck war der Brügger Petrus Christus (c.1400-73), notiert für Portrait eines jungen Mädchens (1470). Die Maler, die unter dem Einfluss von Van der Weyden arbeiteten, waren Dieric Bouts (1410-75), Simon Marmion (1401-65), Hans Memling (um 1430-94) von Brügge (siehe seine: Triptychon des Jüngsten Gerichts 1471 und Donne Triptychon , 1477-80) und, am individuellsten von allen, Hugo van der Goes (1440-82), der es schaffte, den Einfluss seines Meisters mit seinem berühmten gleichzusetzen Portinari-Altarbild in Florenz – eines der großartigsten und leidenschaftlichsten Beispiele des Flämischen Altarbild Kunst und sein Einfluss auf die Florentiner Renaissance war weitreichend.
Andere Niederländer Alte Meister unter anderem der akribische Realist Gerrit David (1460-1523) aus Brügge und Antwerpen; der vom Miniaturisten ausgebildete Jan Provost (1465-1529) zeichnete sich durch seine Altarbilder aus; die italienische Renaissance inspiriert Quentin Massys (1465-1530), am bekanntesten für seine animierten Porträts der Bourgeoisie; und der in Antwerpen lebende Joos van Cleve (1490-1540), bekannt für seine hingebungsvollen Altarbilder und Porträts.
Nordniederlande (Holland)
Die holländische Malerei oder, wie man zu dieser Zeit sagen sollte, die nordniederländische Malerei war altmodischer, ungeschickter und naiver. Fehlt ihm jedoch die Souveränität der Flamen, gewinnt er an Kraft und Gefühl. Hieronymus Bosch war der größte niederländische Maler des späten 15. Jahrhunderts – siehe zum Beispiel sein außergewöhnliches biblisches Gemälde Haywain-Triptychon (1516) – zu erwähnen ist aber auch Albert van Ouwater (tätig Mitte des 15. Jahrhunderts), Gründer der Haarlemer Schule; Geertgen tot sint Jans (um 1465-93) der Delfter Meister der Jungfrau zwischen den Jungfrauen (tätig um 1480-1510).
Hieronymus Bosch
Während Leonardo, Raphael und Michelangelo die Ideale der klassischen Schönheit verfolgten, malte Bosch himmlische und höllische Visionen, deren fabelhafte Natur direkt aus der Welt der mittelalterlichen Ideen hervorgegangen zu sein schien. Die Botschaft dieser Bilder entsprach jedoch voll und ganz dem Zeitgeist, denn im Gegensatz zur optimistischen Weltanschauung der italienischen Renaissance war die "Eroberung der Wirklichkeit" im Norden von Zweifel und Unsicherheit begleitet.
Die sozialen Konflikte, die durch wirtschaftliche Veränderungen ausgelöst wurden, die Kriege, Seuchen und Hungersnöte, die die Niederlande im 15. Jahrhundert heimgesucht hatten, wurden als Zeichen dafür gewertet, dass sie Gottes Wut auf sich gezogen und aus seinem allumfassenden göttlichen Schutz verbannt hatten. Diese Unsicherheit gipfelte in religiösem Fanatismus: Endlose Prozessionen von Menschen, die sich als Geißel ausgeben und sich der Sünde beschuldigen, erreichten einen schrecklichen Höhepunkt, und unzählige Sekten erklärten sich selbst zum einzigen Weg zur göttlichen Erlösung. Nicht zuletzt wegen ihres Interesses an der säkularen Macht verlor die römische Kirche in Glaubensfragen zunehmend an Autorität und bot dem unruhigen Volk kaum mehr Sicherheit. Die Religion hat eine tiefe Krise durchgemacht. Die Notwendigkeit einer Neuorientierung, einer Neuausrichtung – der "Reformation" – konnte nicht länger ignoriert werden.
All dies findet visuellen Ausdruck in den Arbeiten von Hieronymus Bosch. Die Kunst der alten holländischen Maler stand in einer direkten Tradition mittelalterlicher Visionen von Himmel und Hölle, die sie auf die Erde brachten. Bosch macht die Hölle irdisch und zeigt die Abgründe des Menschen, seine Sünde und seine Mängel mit größter Präzision. Die ungebrochene atmosphärische Behandlung von Landschaft, Mensch, Tier und verschiedenen Arten von Materialität verleiht der Hölle "echte" Dimensionen und erzeugt eine Hölle auf Erden. Wir können mit Sicherheit davon ausgehen, dass die Bilder nach einer geplanten Konzeption gemalt wurden und dass einige Zahlen und Details, die uns heute nur surreal erscheinen, von einer bestimmten Anzahl von Menschen entschlüsselt worden wären. Seine Fantasie, die ihn zu Lebzeiten berühmt machte, besteht darin, dass Realismus (im Stil der Malerei) und Symbolik (im Sinne) zu einer Einheit verschmelzen. Die Gemälde, die laut einer Quelle schon damals gefälscht waren, wirken noch viele Jahrhunderte später seltsam überzeugend. Unter anderem die Surrealisten, die in den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts ähnlich erschreckende Traumbilder malten, nahmen ihn als großes Vorbild. Aber das Anliegen von Bosch war ganz anders als das seiner späteren Anhänger. Er wollte nicht die Abgründe der menschlichen Seele malen, sondern jene des menschlichen Handelns offenbaren. Hinter seinen unterdrückenden Visionen steckte der anklagende moralische Finger. Seine Bildwelten waren Warnungen vor höllischen Qualen, die der Mensch für seine Übertretungen in dieser Welt erwarten konnte.
Niederländische Kunst (ab 1500)
Um die Jahrhundertwende machte sich die italienische Renaissance in den Niederlanden bemerkbar. Bis dahin waren die Italiener von der Krise betroffen Renaissance des Nordens vor allem die Venezianer, die in ihrer Öltechnik und den Problemen der Lichtdarstellung mehr mit den Flamen gemein hatten. Joos van Wassenhove (tätig von 1460 bis 1480) arbeitete in den 1470er Jahren in Urbino in Italien, aber sein Stil blieb erkennbar flämisch, obwohl er von der Größe und dem Inhalt Italiens beeinflusst war. Aus Roger van der Weydens Bildern lässt sich jedoch nicht ableiten, dass auch er um 1450 eine Reise nach Italien unternahm. Der erste Flame, der italienischen Einfluss in Flandern zeigte, war Jan Gossaert de Mabuse (1480-1533); aber er bleibt grundsätzlich ganz flämisch, mit nur einem Furnier des italienischen Themas und Stils. Mabuse hatte beträchtlichen Einfluss auf die sogenannten Antwerpener Manieristen wie Jan de Beer (1475-1536) und auch auf Bernard van Orley (1493 – 1542) in Brüssel, der besonders für seine bekannt war Tapisserie-Kunst und über seinen Schüler Pieter Coecke (1502-50), den Meister des älteren Bruegel. Hinweis: Weitere Informationen zu Kunst in Flandern finden Sie unter: Flämische Malerei (1400-1800)
Die Auswirkungen der Renaissance waren in Holland ähnlich wie in Flandern. Lucas van Leyden (um 1480-1533) ist als Kupferstecher und Zeichner berühmter als als als Maler, und seine einfühlsame Zeichnung zeigt den Einfluss von Dürer und Raffael. Jan Scorel aus Utrecht (1495-1562) war der erfolgreichste niederländische Maler, der das Beispiel Raffaels aufnahm. Martin van Heemskerch (1498 – 1574) und seine Nachfolger der sogenannten Haarlem-Akademie, Henrik Goltzins (1558 – 1617), Abraham Bloemart (1564 – 1651) und Jan Suenredam (1565-1607), leiten im Gegensatz zu Scorel von Michelangelo, und zeigen eine übertriebene Manierismus.
Pieter Bruegel der Ältere
Ungefähr zur gleichen Zeit gab es in den Niederlanden eine florierende Landschaftsschule. Pieter Bruegel der Ältere (c.1530-69), einer der wichtigsten Flämische Maler des 16. Jahrhunderts kann nicht einfach als Landschaftsmaler betrachtet werden (siehe unten), da ein Großteil seiner Arbeit aus großen Figurenkompositionen in der grotesken und im Wesentlichen einheimischen, im Gegensatz zur italienischen, Art von Bosch besteht; aber streng in Bezug auf das Genre, solche Bilder wie Jäger im Schnee (1565, Kunsthistorisches Museum, Wien) oder der Fall des Ikarus (1558, Musees Royaux des Beaux-Arts, Brüssel) sind wirklich so viel "Landschaften mit Figuren" wie alles von Claude, während dort auch zahlreiche überleben Federzeichnungen viele von ihnen wurden für den Kupferstecher ausgeführt. Joachim Patenier (um 1490-1524) ist ein weiterer bahnbrechender Landschaftsmaler, der für Bosch-ähnliche (meist biblische) Phantasiekompositionen bekannt ist. Paulus Bril (1554-1626), ein Antwerpener Künstler, ließ sich früh in Rom nieder, wo er unter dem Einfluss der Deutschen stand Adam Elsheimer (1578-1610) und nimmt einen wichtigen Platz in der Geschichte von Landschaftsmalerei überbrückt die Kluft zwischen Elsheimer und Claude.
Landschaften oder nicht, Bruegels Werke haben ein bedeutendes erzählerisches Element – einen moralisch didaktischen Unterton, der dem von Hieronymus Bosch ähnelt. Sein Gemälde war gegenständlich Ähnlich wie Bosch, aber aufgrund seiner humanistischen Weltanschauung malte der hochkultivierte Künstler keine weltfremden Visionen von Höllen oder religiösen Themen, sondern zeitgenössische, aktuelle Szenen. Seine Turm von Babylon sollte – im Einklang mit der biblischen Moral – als Warnung vor menschlicher Arroganz verstanden werden, die der Maler selbst unter seinen Zeitgenossen beobachtet haben mag. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts war Antwerpen – die Stadt, in der Bruegel lebte, als er das Bild malte – in kürzester Zeit zu einer der größten Städte Europas herangewachsen. Die Entdeckung des Seewegs um Afrika nach Indien und die Entdeckung Amerikas sorgten für das schnelle Wachstum seiner Hafenstadt an der Westküste. Waren und Menschen aus aller Welt landeten in Antwerpen. Es gab ein fast babylonisches Sprachengewirr, und mancher Geschäftsmann, der über Nacht reich geworden war, musste sich selbstzufriedener Selbstzufriedenheit hingegeben haben. Es ist kein Zufall, dass Bruegel das Motiv des Turmbaus zu Babel dreimal bemalt hat. Diese Geschichte erlaubte ihm, seinen Landsleuten einen mahnenden Spiegel vorzuhalten. Bruegels zeitgenössisches Panorama wird zu einem Symbol, in dem die Landschaft nicht länger ein Teil der (realen) Welt ist, sondern ein in sich geschlossener Kosmos. Stadt, Landschaft, Berge, Flüsse, Küste und Himmel bilden eine globale Landschaft. Sie wird durch ihre malerische Ausführung zusammengehalten: Bei der sensiblen Behandlung von Licht und Farbe verschmelzen die miniaturistischen Details zu einer Einheit. Und Bruegel hat diese Akribie bei der Betrachtung der Ferne nicht aufgegeben – im Gegenteil, die Luft, die Atmosphäre selbst ist eigenständig dargestellt.
Die Verbindung zwischen Realismus und Symbolismus, die Bruegel – von Bosch geleitet – für seine Darstellungen von "alltäglichen" Szenarien verwendete, wies auf neue Wege für die niederländische Kunst hin. Beispiele sind: Der Fall der Rebellenengel (1562, Königliches Museum der Schönen Künste, Brüssel), Mad Meg (Dulle Griet) (1562, Musee Mayer van den Bergh), Bauernhochzeit (1568, Kunsthistorisches Museum, Wien) , Gleichnis vom Blinden (1568, Museo Nazionale di Capodimonte, Neapel), Niederländische Sprichwörter (1559, Staatliche Museen, Berlin) und die Entspannenderen Massaker an den Unschuldigen (c.1565-7). Diese Arbeiten ebneten den Weg für die Genreszenen, die in der Arbeit von Niederländische realistische Künstler des folgenden Jahrhunderts.
In vielen von ihnen sind Werke zu sehen, die die flämische und niederländische Renaissance widerspiegeln beste Kunstmuseen in der Welt.
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