Byzantinische Kunst: Merkmale, Geschichte Automatische übersetzen
Zentren byzantinischen Stils
frühchristliche Kunst wurden
Ravenna, Kiew, Nowgorod
und Moskau. Bitte sehen Sie:
Christliche byzantinische Kunst .
Was ist byzantinische Kunst?
Zwischen dem Edikt von Kaiser Konstantin I. im Jahr 313, in dem das Christentum als offizielle Religion anerkannt wurde, und dem Fall Roms durch die Westgoten im Jahr 476 wurden Vorkehrungen getroffen, um das Römische Reich in eine westliche (von Rom aus regierte) und eine östliche Hälfte zu unterteilen die Hälfte (regiert von Byzanz). Während das westliche Christentum in den kulturellen Abgrund des barbarischen Mittelalters fiel, wurden seine religiösen, weltlichen und künstlerischen Werte durch die neue östliche Hauptstadt Byzanz (später nach Konstantinopel umbenannt) aufrechterhalten. Mit der Übertragung der kaiserlichen Autorität nach Byzanz gingen Tausende römischer und griechischer Maler und Handwerker einher, die eine neue Reihe ostchristlicher Bilder und Ikonen schufen, die als byzantinische Kunst bekannt sind. Ausschließlich betroffen mit Christliche Kunst , obwohl abgeleitet (insbesondere) von Techniken und Formen von griechisch und Ägyptische Kunst Dieser Stil verbreitete sich in allen Ecken des byzantinischen Reiches, wo das orthodoxe Christentum florierte. Bestimmte Zentren von frühchristliche Kunst Dazu gehörten Ravenna in Italien sowie Kiew, Nowgorod und Moskau in Russland. Weitere Einzelheiten finden Sie auch unter: Christliche Kunst, byzantinische Zeit .
Allgemeine Eigenschaften
Der Stil, der die byzantinische Kunst charakterisierte, befasste sich fast ausschließlich mit religiösem Ausdruck; speziell mit der Übersetzung kirchlicher Theologie in künstlerische Begriffe. Byzantinische Architektur und Gemälde (kleine Skulptur wurde während der byzantinischen Ära hergestellt) blieb einheitlich und anonym und entwickelte sich innerhalb einer starren Tradition. Das Ergebnis war eine Kultiviertheit des Stils, die in der westlichen Kunst selten erreicht wurde.
Byzantinisch mittelalterliche Kunst Begonnen hat mit Mosaiken, die auch die Wände und Kuppeln von Kirchen schmücken Fresko Wandgemälde. Die Wirkung dieser Mosaike war so schön, dass die Form in Italien, insbesondere in Rom und Ravenna, aufgegriffen wurde. Eine weniger öffentliche Kunstform in Konstantinopel war die Ikone – das heilige Bild Tafelbilder die wurden in den Klöstern der Ostkirche entwickelt, mit enkaustisch Wachsfarbe auf tragbaren Holzplatten. [Sehen: Ikonen und Ikonenmalerei .] Die größte Sammlung dieser Art von frühen Biblische Kunst befindet sich im Kloster der Heiligen Katharina in Sinai, das im 6. Jahrhundert von Kaiser Justinian gegründet wurde. Und siehe auch die byzantinisch geprägten Garima-Evangelien (390-660) – das älteste illuminierte Evangeliumsmanuskript der Welt – aus Äthiopien.
In der Zeit von 1050 bis 1200 wuchsen die Spannungen zwischen dem oströmischen Reich und der langsam wieder aufkommenden Stadt Rom, deren Päpste es durch sorgfältige diplomatische Manöver geschafft hatten, ihre Autorität als Zentrum des westlichen Christentums zu bewahren. Gleichzeitig wurden italienische Stadtstaaten wie Venedig im internationalen Handel reich. Infolgedessen geriet Konstantinopel 1204 unter den Einfluss der Venezianer.
Dies führte zu einem kulturellen Exodus renommierter Künstler aus der Stadt zurück nach Rom – genau umgekehrt wie vor 800 Jahren – und zu den Anfängen des Zeit der Protorenaissance , am Beispiel von Giotto di Bondone Fresken in der Scrovegni-Kapelle . Der byzantinische Einfluss machte sich jedoch im 13. und 14. Jahrhundert, insbesondere in der Zeit nach dem Niedergang, weiter bemerkbar Sienesische Malschule und das Internationaler gotischer Stil (1375-1450), insbesondere in Internationale gotische Illuminationen , wie die Tres Riches Heures du Duc de Berry , von den Brüdern Limburg. Siehe auch byzantinisch inspirierte Tafelbilder und Altarbilder, darunter Duccios Stroganoff Madonna (1300) und Maesta-Altarbild (1311).
HINWEIS: Für andere wichtige historische Perioden, die der byzantinischen Ära ähneln, siehe Kunstbewegungen, Perioden, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).
Byzantinische Mosaiken (c.500-843)
Unter Verwendung frühchristlicher Adaptionen spätrömischer Stile entwickelten die Byzantiner eine neue Bildsprache, die das Ritual und Dogma der vereinigten Kirche und des Staates zum Ausdruck brachte. Früh blühten in Alexandria und Antiochia Varianten auf, aber zunehmend übernahm die kaiserliche Bürokratie die Hauptaufträge, und Künstler wurden von der Metropole aus in die Regionen geschickt, die sie benötigten. In Konstantinopel etabliert, verbreitete sich der byzantinische Stil schließlich weit über die Hauptstadt hinaus, über das Mittelmeer bis nach Süditalien, über den Balkan bis nach Russland.
Rom, das 410 von den Westgoten besetzt wurde, wurde 455 erneut von den Vandalen geplündert, und Ende des Jahrhunderts hatte Theoderich der Große Italien die Herrschaft der Ostgoten auferlegt. Im sechsten Jahrhundert stellte Kaiser Justinian (reg. 527-65) die kaiserliche Ordnung von Konstantinopel wieder her und übernahm die ostgotische Hauptstadt Ravenna (Italien) als sein westliches Verwaltungszentrum. Justinian war ein hervorragender Organisator und einer der bemerkenswertesten Gönner der Welt Kunstgeschichte . Er baute und baute im ganzen Reich in großem Umfang um: Sein größtes Werk, die Hagia Sophia in Konstantinopel, beschäftigte fast 10.000 Handwerker und Arbeiter und war mit den reichsten Materialien geschmückt, die das Reich zur Verfügung stellen konnte. Obwohl es immer noch prächtig ist, ist kaum eines seiner frühesten Mosaike erhalten, so dass in Ravenna die spektakulärsten Überreste der byzantinischen Kunst des 6. Jahrhunderts erhalten sind. Sehen: Ravenna Mosaiken (c.400-600).
In der trockenen Backsteinfassade von S. Vitale in Ravenna wird der Anbeter von einer stark kontrollierten Explosion von Farben geblendet, die auf glitzerndem Gold zu sehen sind. Mosaikkunst und schön gemaserter Marmor bedeckt fast alle Wandflächen und verwischt praktisch die Architektur, die sie trägt. Das Gold, das den Hintergrund überflutet, deutet auf eine Unendlichkeit aus der sterblichen Zeit hin, auf der die übernatürlichen Bilder schweben. In der Apsis präsidieren Christus und die Heiligen, eingehüllt in ihr eigenes fernes Geheimnis, leidenschaftslos. In zwei flankierenden Mosaiktafeln, von denen eine den Kaiser Justinianus mit seinem Gefolge und die andere seine Frau Theodora mit ihren Damen zeigt, wird jedoch ein klarer Versuch einer naturalistischen Porträtierung fortgesetzt, insbesondere in den Gesichtern von Justinianus und Theodora. Trotzdem scheinen ihre Körper eher zu schweben als in den röhrenförmigen Falten ihrer Vorhänge zu stehen.
In S. Vitale und in der byzantinischen Kunst im Allgemeinen spielt die Skulptur in der Runde eine minimale Rolle. Die Marmorhauptstädte (aus der Zeit vor Justinian) sind jedoch mit überraschender Zartheit geschnitzt, mit rein orientalischen, stark stilisierten Weinranken und undurchschaubaren Tieren. Ein seltenes Beispiel der byzantinischen figurativen Skulptur ist ein beeindruckender Kopf, vielleicht der von Theodora, in dem die römische Tradition des Naturalismus zum Ausdruck kommt Porträtkunst verweilt.
Im Osten befindet sich Justinians wichtigstes Überlebenswerk in der Kirche (etwas später als S. Vitale) des Katharinenklosters auf dem Berg Sinai . Dort, in der großen Verklärung in der Apsis, sind die Figuren wieder substanzielle Präsenzen, schwerelos in einem goldenen Reich aufgehängt. Die Konturen sind jedoch freier und weniger steif als bei S. Vitale, und die Glieder der Figuren sind merkwürdig gegliedert – fast eine Ansammlung von Bauteilen. Dies sollte ein charakteristisches und anhaltendes Merkmal im byzantinischen Stil werden.
An anderer Stelle (insbesondere in Thessaloniki) gab es andere stimmliche Variationen des Mosaikstils. Relativ wenig bleibt in der billigeren Form des Freskos und noch weniger in der Manuskriptbeleuchtung. Sehr wenige aus dem 6. Jahrhundert illuminierte Manuskripte zeigen jedoch auf einem lila getönten Pergament eine vergleichbare Entwicklung von klassischen Konventionen hin zu einer strengen Formalität Stift und Tinte neigen dazu, größere Freiheit in Struktur und Gestik zu erzeugen. Im berühmten Rabula-Evangelium von 586 aus Syrien könnte die leuchtende Intensität der dichten Bilder sogar an das Werk von Rouault im 20. Jahrhundert erinnern. Auch in Relief geschnitzte Elfenbeinplatten sind erhalten, in der Regel Abdeckungen für konsularische Diptychen. Diese Art von Diptychon bestand aus zwei zusammengebundenen Elfenbeintafeln, auf deren Innenseiten Aufzeichnungen des Büros des abreisenden Konsuls verzeichnet waren. Die Schnitzereien auf der Außenseite, die religiöse oder kaiserliche Themen darstellen, haben die Klarheit und Distanziertheit feinster Mosaike und sind hervorragend gesichert.
Im 8. und 9. Jahrhundert wurde die Entwicklung des byzantinischen Stils in allen Medien katastrophal unterbrochen. Die Kunst wurde nicht nur auf ihren Spuren aufgehalten, sondern es kam zu einer gründlichen und weitreichenden Zerstörung bestehender Bilder in den byzantinischen Regionen. Die figurative Kunst war lange Zeit mit der Begründung angegriffen worden, dass die Bibel die Verehrung von Bildern verurteilte; Um 725 gewannen die Bilderstürmer (die religiöse Bilder zerstören ließen) den Tag gegen die Bilderstürmer (die glaubten, sie seien gerechtfertigt) mit der Verkündung des ersten von mehreren kaiserlichen Edikten gegen Bilder. Komplizierte Auseinandersetzungen tobten über dem Thema, aber der Bildersturm war auch eine Behauptung der kaiserlichen Autorität über eine Kirche, die für zu reich und zu mächtig gehalten wurde. Es war sicherlich der Kirche zu verdanken, dass einige Kunsttraditionen fortbestanden, um wieder zu blühen, als das Verbot 843 aufgehoben wurde.
Byzantinische Kunst: Wiederbelebung und Entwicklung (843-1450)
Das Ende des Bildersturms – die zerstörerische Kampagne gegen Bilder und diejenigen, die an sie glaubten – kam 843. Die Wiederbelebung von religiöse Kunst das folgende basierte auf klar formulierten Grundsätzen: Bilder wurden nicht als wertvoll für die Anbetung angesehen, sondern als Kanäle, über die die Gläubigen ihr Gebet lenken und die Gegenwart der Göttlichkeit in ihrem täglichen Leben irgendwie verankern konnten. Anders als in der späteren westlichen Gotik, byzantinisch Kunst Hatte selten eine didaktische oder narrative Funktion, war aber im Wesentlichen unpersönlich, zeremoniell und symbolisch: Es war ein Element bei der Durchführung religiöser Rituale. Die Anordnung der Bilder in den Kirchen wurde ebenso wie die Liturgie kodifiziert und im Allgemeinen an einer festgelegten Ikonographie festgehalten: Die großen Mosaikzyklen wurden um den Pantokrator (Christus in seiner Rolle als Herrscher und Richter) im Zentrum der Hauptkuppel und der Kirche durchgeführt Jungfrau und Kind in der Apsis. Unten hatten die wichtigsten Ereignisse des christlichen Jahres – von der Verkündigung bis zur Kreuzigung und Auferstehung – ihre festgelegten Orte. Wieder unten wurden hieratische Heiligen-, Märtyrer- und Bischofsfiguren der Reihe nach eingeordnet.
Das Ende des Bildersturms eröffnete eine Ära großer Aktivität, die sogenannte mazedonische Renaissance . Es dauerte von 867 an, als Basil I., der Gründer der mazedonischen Dynastie, fast bis 1204, als Konstantinopel katastrophal entlassen wurde, der absolute Herrscher der heutigen rein griechischen Monarchie wurde. Kirchen wurden im ganzen Reich und insbesondere in der Hauptstadt neu gestaltet: In der Hagia Sophia in Konstantinopel nahmen Mosaike im großen Stil die alten Themen und Standpunkte auf, manchmal mit großer Zartheit und Raffinesse.
Trotz der stetigen Erosion seines Territoriums wurde Byzanz von Europa als das Licht der Welt betrachtet Zivilisation , eine fast legendäre Stadt aus Gold. Literatur, Wissenschaft und eine ausgefeilte Etikette umgaben den mazedonischen Hof; Kaiser Konstantin VII. Porphyrogenitos aus dem 10. Jahrhundert hat die von ihm verfassten Manuskripte gemeißelt und selbst beleuchtet. Obwohl seine Macht weiter nachließ, hatte der Kaiser ein enormes Prestige, und der byzantinische Stil erwies sich für den Rest Europas als unwiderstehlich. Auch in politisch und militärisch gegen Konstantinopel gerichteten Regimen wurde die byzantinische Kunst übernommen und ihre mittelalterliche Künstler begrüßt.
In Griechenland präsentiert die Mariä-Entschlafens-Kirche in Daphni in der Nähe von Athen um 1100 einige der schönsten Mosaike dieser Zeit: In ihrer Kreuzigung steckt ein ernstes, klassisches Gefühl großer Zartheit, während sich das Kuppelmosaik des Pantokrators befindet eine der beeindruckendsten in jeder byzantinischen Kirche. Im Venedig Die riesigen Weiten von S. Marco (begonnen 1063) wurden von aus dem Osten importierten Künstlern dekoriert, aber ihre Arbeit wurde 1106 durch einen Brand größtenteils zerstört, und die spätere Arbeit venezianischer Handwerker ist in einem weniger reinen Stil. In der Kathedrale auf der nahe gelegenen Insel Torcello jedoch ist die Jungfrau und das Kind , groß, einsam und einsam als Turmspitze gegen den riesigen Goldraum der Apsis, ein Überleben aus dem 12. Jahrhundert. In Sizilien war der erste normannische König, Roger II. (Reg. 1130-54), dem byzantinischen Reich feindlich gesonnen, importierte jedoch griechische Künstler, die einen der schönsten Mosaikzyklen aller Zeiten schufen, in die Apsis und das Presbyterium von Cefalu. Das Eindringen der byzantinischen Kunst in Russland wurde 989 durch die Heirat von Wladimir von Kiew mit der byzantinischen Prinzessin Anna und seine Bekehrung zum östlichen Christentum eingeleitet. Byzantinische Mosaiker arbeiteten in den 1040er Jahren in der Hagia Sophia in Kiew Russische mittelalterliche Malerei blieb entscheidend lange nach dem Fall von Konstantinopel.
HINWEIS: Goldschmieden und kostbar Metallarbeiten waren eine weitere byzantinische Spezialität, insbesondere in Kiew (ca. 950-1237), wo beide Cloisonné und niello Stile von emaillieren wurden von ostorthodoxen Goldschmieden zu neuen Höhen geführt.
Die säkularen Gemälde und Mosaike der mazedonischen Wiedergeburt sind selten erhalten geblieben – ihre spektakulärste Erscheinung ging bei der Verbrennung des legendären Großen Palastes in Konstantinopel im Jahre 1204 verloren. Bei diesen Werken wurden deutlichere klassische Merkmale beibehalten – die Elfenbeintafeln der Veroli Schatulle sind ein Beispiel – aber solche Merkmale finden sich auch in religiösen Manuskripten und in einigen Reliefs aus Elfenbein (Skulptur in der Runde war als Zugeständnis an die Bilderstürmer verboten). Der Joshua Roll , obwohl er die militärische Stärke eines alttestamentlichen Helden feiert, spiegelt das Muster der römischen Erzählsäulen wider Reliefskulptur sowie Trajansäule in Rom; Der berühmte Pariser Psalter von ungefähr 950 ist sowohl in der Empfindung als auch in der Ikonographie bemerkenswert römisch: In einer Illustration ist der junge David als musikalischer Hirte praktisch nicht von einem heidnischen Orpheus zu unterscheiden und wird sogar von einer allegorischen Nymphe namens Melody begleitet.
Anmerkung: Die Bedeutung des Byzantinischen Wandbilder auf die Entwicklung der westlichen mittelalterliche Malerei sollte auch nicht unterschätzt werden. Sehen Sie sich zum Beispiel die sehr realistischen Wandgemälde in der byzantinischen Klosterkirche St. Panteleimon in Gorno Nerezi in der Republik Mazedonien an.
1204 wurde die Stadt Konstantinopel von lateinischen Kreuzfahrern geplündert, und die Stadt wurde von Lateinern regiert, bis 1261 die byzantinischen Kaiser zurückkehrten. In der Zwischenzeit wanderten Handwerker an einen anderen Ort aus. In Mazedonien und Serbien war die Freskenmalerei bereits etabliert, und die Tradition setzte sich stetig fort. Etwa 15 bedeutende Freskenzyklen, hauptsächlich von griechischen Künstlern, sind erhalten. Das Fresko-Medium förderte zweifellos eine fließende Ausdrucksweise und ein emotionales Gefühl, das sich im Mosaik nicht oft bemerkbar macht.
Die letzten zwei Jahrhunderte des Byzanz in seinem Verfall waren von Krieg geplagt und zerrissen, brachten aber überraschenderweise eine dritte große künstlerische Blüte hervor. Die fragmentarische, aber immer noch imposante Deesis in der Hagia Sophia in Konstantinopel wurde möglicherweise erst nach der lateinischen Herrschaft und nicht erst im 12. Jahrhundert errichtet. Es hat eine neue Zärtlichkeit und Menschlichkeit, die fortgesetzt wurde – zum Beispiel im prächtigen Zyklus des frühen 14. Jahrhunderts der Klosterkirche Christi in Chora. In Russland entwickelte sich ein unverwechselbarer Stil, der sich nicht nur in Meisterwerken wie den Ikonen von Rublev widerspiegelte, sondern auch in den individuellen Interpretationen traditioneller Themen von Theophanes der Grieche , ein byzantinischer Emigrant, der in den 1370er Jahren in Novgorod in einem schneidigen, fast impressionistischen Stil arbeitete. Obwohl die zentrale Quelle des byzantinischen Stils mit der türkischen Eroberung von Konstantinopel im Jahr 1453 ausgelöscht wurde, setzte sich sein Einfluss in Russland und auf dem Balkan fort, während in Italien die byzantinische Belastung (Vermischung mit Gotik) in der Ära von fortdauerte Malerei vor der Renaissance (c.1300-1400) eingeläutet von den Werken von Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319) und Giotto (1270 & ndash; 1337).
Byzantinische Ikonen
Ikonen (oder Ikons ), im Allgemeinen klein und so leicht zu transportieren, sind die bekannteste Form der byzantinischen Kunst. Es ist Tradition, dass die erste Ikone von Lukas dem Evangelisten gemalt wurde und die Jungfrau auf das Kind auf ihrem linken Arm zeigt. Es sind jedoch keine Beispiele aus der Zeit vor dem 6. Jahrhundert bekannt. Ikonen wurden im 6. und 7. Jahrhundert in Byzanz immer beliebter und lösten bis zu einem gewissen Grad die Reaktion des Bildersturms aus. Obwohl die Bilderstürmer behaupteten, Ikonen würden angebetet, war ihre eigentliche Funktion eine Hilfe zur Meditation; Durch das sichtbare Bild konnte der Gläubige die unsichtbare Spiritualität erfassen. In einem kleinen Kompass zusammengefasst, erfüllten und erfüllen sie die gleiche Funktion im Haus wie die Mosaikverzierungen der Kirchen – ein Zeichen für die Gegenwart der Göttlichkeit. Die Produktion von Ikonen für die orthodoxen Kirchen hat nie aufgehört.
Die Datierung von Ikonen ist daher ziemlich spekulativ. Die Entdeckung einer Reihe von Ikonen im Katharinenkloster auf dem Berg Sinai, die mit einiger Sicherheit chronologisch geordnet werden konnten, ist neu. Es sind viele verschiedene Stile vertreten. Ein früher Petrus hat die frontale Einfachheit, den direkten Blick aus großen, weit geöffneten Augen, der immer wieder in einfigurigen Ikonen zu finden ist. Es hat auch eine fast höfliche Eleganz und Würde, verbunden mit einer malerischen Kraft, die der Figur eine ausgeprägte Spannung verleiht. Es gibt eine ähnliche emotionale Qualität in einer gut erhaltenen Madonna und Heiligen , trotz ihrer nicht blinkenden Symmetrie und eher gröberen Modellierung. Beide kamen sicherlich aus Konstantinopel.
Unmittelbar nach der Bilderstürme waren Andachtsbilder aus reicheren Materialien wie Elfenbein, Mosaik oder sogar Edelmetallen möglicherweise beliebter als gemalte. Ab dem zwölften Jahrhundert häuften sich gemalte Ikonen, und ein großes Meisterwerk kann bis 1131 oder kurz davor datiert werden. Bekannt als " Die Jungfrau von Wladimir ", wurde es nach Russland geschickt, kurz nachdem es in Konstantinopel gemalt worden war. Die Jungfrau zeigt immer noch das Kind als Verkörperung des Göttlichen in menschlicher Form, aber die Zärtlichkeit der Haltung, Wange an Wange, ist ein Beispiel für den neuen Humanismus.
Ab dem 12. Jahrhundert wurde das Thema der Ikonen erheblich erweitert, obwohl die seit langem bestehenden Themen und Formeln, die für den Komfort der Gläubigen wichtig sind, beibehalten wurden. Die Häupter Christi, der Jungfrauen und der Schutzheiligen gingen weiter, aber es erschienen Tatorte – insbesondere Verkündigungen und Kreuzigungen; später wurden für Ikonostasen oder Chorwände zusammengesetzte Tafeln mit vielen erzählenden Szenen gemalt. Lange nachdem es in Konstantinopel mit der türkischen Eroberung aufgehört hatte, wurde die Produktion in Griechenland und (mit deutlich erkennbaren regionalen Stilen) in Russland sowie in Serbien, Rumänien und Bulgarien fortgesetzt und weiterentwickelt. In Russland entstanden schon vor dem Fall Konstantinopels einzelne Meister, aber auch wichtige Zentren wie die Novgorod Schule der Ikonenmalerei . Der bekannteste russische Ikonograph war der Mönch Andrei Rublev (c.1370-1430), dessen berühmtes Meisterwerk, Die Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit (1411-25) ist die schönste aller russischen Ikonen. Er überschritt die byzantinischen Formeln und die Manierismen der Novgoroder Schule, die der byzantinische Flüchtling Theophanes dem Griechen begründete. Rublevs Ikonen sind einzigartig für ihre kühlen Farben, weichen Formen und ruhigen Strahlen. Der letzte der großen russischen Ikonenmaler der Nowgoroder Schule war Dionysius (c.1440-1502), bekannt für seine Ikonen für das Volokolamsky-Kloster und seine Deesis für die Kathedrale der Mariä Himmelfahrt in Moskau. Er war in der Tat die erste gefeierte Figur in der Moskauer Malschule (c.1500-1700), dessen byzantinisch inspirierte Ikonen von Künstlern wie Nicephorus Savin, Procopius Chirin und dem großen Simon Ushakov (1626-1686) hergestellt wurden.
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