Hierarchie der Genres: Geschichte, Porträts, Genre, Landschaften, Stillleben 1 507 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

HINWEIS: Zur Analyse von Gemälden aller Gattungen bis 1800 siehe: Berühmte Gemälde analysiert (1250-1800). Für spätere Arbeiten siehe: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Einführung

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff " Genre " auf die unterschiedliche "Art" oder "Kategorie", in die a Gemälde kann eingestuft werden. Eher verwirrend erscheint das gleiche Wort in der Phrase "Genre-Malerei", die selbst eine Art von Malerei ist – speziell Bilder von alltäglichen Szenen. Die etablierten Malerei-Genres sind: Landschaft , Porträt , Genreszenen , Geschichte und Stillleben . Im Laufe der Jahrhunderte wurde über den relativen Wert und die Bedeutung dieser Malerkategorien und darüber, ob es eine natürliche Hierarchie zwischen ihnen gibt, diskutiert.

Die akademische Hierarchie der Genres

Diese Methode, Gemälde nach "Typ" zu "ordnen", wurde im Zuge der Italienische Renaissance von den großen europäischen Akademien, wie der Akademie der Künste in Rom , das Kunstakademie in Florenz , das Französische Akademie in Paris und der Königliche Akademie in London . Es wurde erstmals 1669 vom Kunsttheoretiker Andre Felibien, Sekretär der Französischen Akademie, angekündigt.

Felibien ordnete die Genres wie folgt: (1) History Painting ; (2) Porträtmalerei ; (3) Genre-Malerei ; (4) Landschaften ; (5) Stillleben .

Dieses Rangsystem – basierend auf den Traditionen der griechischen und römischen Kunst, die in der Ära der Florentiner Renaissance – wurde von den Akademien als Grundlage für die Vergabe von Preisen und Stipendien sowie von Räumen in ihren Ausstellungen (Salons) genutzt. Dies hatte auch erhebliche Auswirkungen auf den wahrgenommenen Geldwert eines Kunstwerks in den Verkaufsräumen von Auktionshäusern.

Warum wurden Gemälde bewertet?

Nach den Vorschriften von Akademische Kunst Diese sogenannte „Hierarchie der Gattungen“ war gerechtfertigt, weil sie die inhärente moralische Kraft jeder Gattung widerspiegelte. Ein Künstler könnte eine moralische Botschaft viel klarer durch ein Geschichtsbild, ein Porträt oder ein Genrebild vermitteln als durch eine Landschaft oder ein Stillleben. Im Anschluss an die Traditionen der klassischen Antike glaubte die italienische Renaissance, dass die höchste Form der Kunst die bildliche Darstellung der menschlichen Form ist – in der figurativen Skulptur, figur zeichnung und figur malerei . So galten Landschaften und Stillleben, für die keine menschlichen Figuren benötigt wurden, als weniger bekannte Gattungen. Schließlich spiegelte das akademische Rangsystem den Anzeigewert jeder Kategorie wider. Historienmalerei war das größte und am besten geeignete Genre für die Öffentlichkeit, gefolgt von Porträts, Genrewerken und Landschaften, während Stillleben-Leinwände in der Regel die kleinsten waren und nur für die häusliche Betrachtung ausgeführt wurden.

Kontroverse

Das akademische Rangsystem stieß bei Künstlern und Schulen auf erhebliche Kontroversen und Unzufriedenheit.

Zunächst wurde es von einer Reihe anderer Regeln begleitet, die vorschrieben, wie Gemälde gemalt werden sollten. Beispielsweise wurde das Thema, das Layout, die Komposition, das Farbschema und das Finish eines Gemäldes von den Akademien sorgfältig geregelt, um das System von zu stärken Ästhetik wofür sie standen. Künstler, die diese Konventionen nicht einhielten, fanden es äußerst schwierig, eine Karriere als Künstler zu schmieden. Sie wurden zum Beispiel von der. Ausgeschlossen Pariser Salon und aus einer beliebigen Liste von ’empfohlenen Künstlern’ für offizielle Lehraufträge oder für offizielle Aufträge.

Zweitens führte das Bestehen der Akademien darauf, ein Gemälde nach seiner Fähigkeit zu ordnen, eine „moralische Botschaft“ zu vermitteln, ein völlig unkünstlerisches Element in die Kunstpraxis ein. Infolgedessen erhielten mittelmäßige Historienbilder Vorrang vor herausragenden Landschaften und Genrebildern. Schlimmer noch, das gesamte System hat Experimente und Innovationen entmutigt und Konformität und Wiederholung vorgezogen. Später, im 19. Jahrhundert, geriet das gesamte akademische System allmählich in Verruf, als brillante (aber nicht konforme) Künstler wie Manet, Monet und Cezanne vom Pariser Salon ausgeschlossen wurden , während weniger bedeutende Persönlichkeiten ihre Werke ausstellten. (Anmerkung: Fast keine Historienbilder wurden von impressionistischen Malern hergestellt.) Die Kontroverse war so groß, dass der französische Kaiser Napoleon III. 1863 einen "alternativen" Salon organisierte, den so genannten Salon des Refusés – von der Französischen Akademie abgelehnte Werke auszustellen.

HINWEIS: Weitere Informationen zur Entwicklung von Malerei, Skulptur und anderen bildenden Künsten finden Sie unter: Kunstgeschichte (ab 800 v. Chr.).

Geschichtsbilder

Geschichtsmalerei , die höchste Kategorie, die manchmal als "Grande Genre" bezeichnet wird – bezeichnete Gemälde, die eine erbauliche oder ethisch aufbauende Botschaft in einem historischen, religiösen, allegorischen oder mythologischen Kontext darstellen. Jahrhunderte lang waren die häufigsten Beispiele für dieses Genre religiöse Gemälde Dies war nicht verwunderlich, da die Kirche der Hauptzahlmeister war.

Beispiele für die Historienmalerei sind: Allegorie der guten und schlechten Regierung (1338-9) von Ambrogio Lorenzetti; das Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua (1304-13) von Giotto; Schlacht von San Romano (1438-55) von Paolo Uccello; das Das letzte Abendmahl (1495-98) von Leonardo da Vinci; das Genesis Fresko (1508-11) von Michelangelo; Jupiter und Io (1533) von Correggio; und Abendessen in Emmaus (1601) von Caravaggio. Zu den Gemälden der modernen Geschichte gehören Bilder wie: Tod von Marat (1793) und Eid der Horatii (1785) von Jacques-Louis David; das Mitternachtsritt von Paul Revere (1931) von Grant Wood; und Guernica (1937) von Pablo Picasso.

Porträtmalerei

Porträtkunst , das zweithöchste Genre, umfasste in erster Linie das Gemälde von überlebensgroßen Helden, obwohl es sich auch für kleinere private Porträts anbot Selbstporträts .

Berühmte Renaissance – Porträts sind: Arnolfini Portrait (1434) von Jan van Eyck; Portrait eines jungen Mädchens (1470) von Petrus Christus; Alter Mann mit einem Jungen (1490) von Domenico Ghirlandaio; Dogen Leonardo Loredan (1504) von Giovanni Bellini; Mona Lisa (1503) von Leonardo; und Porträt von Baldassare Castiglione (1515) von Raphael.

Für die Porträtmalerei des 17. Jahrhunderts siehe Der lachende Kavalier (1624) von Frans Hals; Porträt von Jan Six (1654) und The Syndics der Tuchmachergilde (1662) von Rembrandt; Porträt von Papst Innocent X. (1650) von Velazquez; und Das Mädchen mit dem Perlenohrring (1666) von Jan Vermeer; mehr dazu auch Barocke Porträts (1600-1700).

Für Porträts aus dem 18. Jahrhundert siehe: Rokoko und klassizistische Porträts (1760 & ndash; 1850). Für Porträts aus dem 19. Jahrhundert siehe: Porträts: 19. Jahrhundert und auch Impressionistische Porträts (1870-1930).

Für Porträts des 20. Jahrhunderts siehe: Junge mit einer Pfeife (1905) und Schluchzende Frau (1937) von Pablo Picasso. Weitere Informationen finden Sie unter: Porträts von Picasso (1900–44).

Siehe auch: Expressionistische Porträts , sowie Porträt von Juan Gris (1915) von Modigliani; und Porträt von Madeleine Castaing (1928) von Chaim Soutine. Für eine semi-abstrakte Arbeit siehe: Sitzende Frau (1944) von Willem de Kooning. Beispiele für zeitgenössische Porträts finden Sie unter: Mr and Mrs Clark (1970) von David Hockney sowie in der Reihe der Pop-Art-Porträts berühmter Serigrafien von Andy Warhol.

Genre-Malereien

Genre-Malerei Betroffene alltägliche Szenen, die von gewöhnlichen Menschen bevölkert werden, auch wenn sie möglicherweise Landschaftsaufnahmen enthalten. Während Geschichts- und Porträtbilder idealerweise groß waren (und öffentlich ausgestellt wurden), handelte es sich bei Genre-Kunstwerken um kleine Gemälde für die häusliche Betrachtung. Das Niederländische Realistenschule für Genremalerei , angeführt von Jan Vermeer, war der oberste Vertreter dieses Genres: siehe insbesondere Das Milchmädchen (1658), Kleine Straße (1658), Junge Frau mit einem Wasserkrug (1662), Frau, die ein Gleichgewicht hält (1662-3) Frau mit einer Perlenkette (1662) und Der Klöppler (1670).

In Frankreich gehörten zu den herausragenden Malern des Barock: Georges de La Tour und die Brüder Le Nain (Antoine, Louis, Mathieu). Ihnen folgte Jean-Antoine Watteau (1684-1721), der für seine bekannt war Pilgerfahrt nach Cythera (1717) sowie Jean Chardin (1699-1779), Francois Boucher (1703-70), Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) und Jean Honore Fragonard (1732-1806). In England war William Hogarth (1697-1764) der führende Genrekünstler, berühmt für Werke wie Rakes Fortschritt (1735) und Marriage a la Mode (1743).

Die Genremalerei des 19. Jahrhunderts zeigt Werke wie: Eine Beerdigung in Ornans (1850) von Gustave Courbet; Derby Day (1856-8) von WP Frith; The Gleaners (1857) von Millet; La Grenouillere (1869) von Monet; The Floor Planers (1875) von Caillebotte; Die Tanzklasse (1873-75) und der Absinthtrinker (1876) von Degas; Tanzen Sie im Moulin de la Galette (1876) und Mittagessen der Bootsparty (1880-1) von Renoir; Eine Bar im Folies-Bergere (1882) von Manet; Badende in Asnières (1884) und Sonntagnachmittag auf La Grande Jatte (1886) von Georges Seurat; Im Moulin Rouge (1892) von Toulouse-Lautrec; Die Kartenspieler (1893) von Paul Cezanne; Die grüne Bluse (1919) und Die Terrasse bei Vernon (1939) von Pierre Bonnard.

Landschaften

Landschaftsmalerei , die vierte Kategorie, bezeichnete Gemälde, deren Hauptthema die Darstellung einer malerischen Aussicht (Landschaft, Meer, Flüsse, Berge, Stadt usw.) für sich selbst war . Eine Landschaft brauchte keine Menschen, und eine bevölkerungsreiche Landschaft könnte als Genrebild eingestuft werden, wenn es dem Künstler hauptsächlich um die Darstellung menschlichen Handelns geht. Dieses Genre setzte erst im späten 18. Jahrhundert als topografische Übung ein. Erst mit der Ankunft von Constable und Turner – und den Auswirkungen der industriellen Revolution – wurde diese Szenerie zu einer beliebten Kunstform. Wichtige Schulen enthalten: Englische Landschaftsmalerei (1700-1900), die Barbizon Schule (1830-75) und Impressionistische Landschaftsmalerei (1860-1920).

Berühmte Landschaftsbilder Dazu gehören: Eingang zum Canal Grande in Venedig (1741) von Bernardo Bellotto; The Hay Wain (1821) von John Constable; Schneesturm: Dampfschiff vor einer Hafenmündung (1842) von Turner; Ville d’Avray (um 1867) von Corot; Eindruck Sunrise (1873), Mohnfeld Argenteuil (1873), Seerosen-Serie (1897-1926), The Seerosenteich: Grüne Harmonie (1899) von Claude Monet; Nebeliger Morgen (1874) und Schnee in Louveciennes (1878) von Alfred Sisley; Rote Dächer (1877) von Camille Pissaro; und Cezannes berühmte Serie von Mont Sainte-Victoire Gemälde (1882 & ndash; 1906).

Stillleben

Stillleben malen galt als das am wenigsten anhebende aller Genres. Typischerweise handelte es sich um die Darstellung von Gegenständen wie Blumen, Früchten, Lebensmitteln sowie Küchen- und Tischgeräten. Tiere und Menschen könnten ebenfalls einbezogen werden. Die Schule von Niederländischer Realismus war der höchste Vertreter der Stilllebenkunst. Seine Leistungen, einschließlich der subtilen Einfügung der christlichen Moral in Werke von " Vanitas Malerei ", sind Beispiele für Gemälde von Künstlern wie Frans Snyders, Pieter Claesz, Willem Claesz Heda, Willem Kalf, Samuel Hoogstraten, Jan Davidsz de Heem und Rachel Ruysch. Außerhalb der Niederlande waren Francisco de Zurbaran die führenden Stillleben-Künstler. Juan Sanchez Cotan, Jean Chardin, Paul Cézanne, Henri Fantin-Latour, Georges Braque, Juan Gris, Giorgio Morandi und Ivan Kramskoy.