Hierarchie der Genres:
Geschichte, Porträts, Genre, Landschaften, Stillleben Automatische übersetzen

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff „ Genre“ auf verschiedene „Typen“ oder „Kategorien“, denen ein Gemälde zugeordnet werden kann. Es ist wahrscheinlich, dass dasselbe Wort in der Formulierung „Genremalerei“ vorkommt, die ihrerseits unter anderem eine Art von Malerei ist, die erzählende Werke mit der Darstellung von Alltagsszenen malt. Etablierte Gattungen der Malerei : Landschaft, Porträt, Genremalerei, Geschichte, Stillleben . Seit Jahrhunderten wird über den relativen Wert und die Bedeutung dieser Kategorien der Malerei debattiert, und darüber, ob es eine natürliche Hierarchie zwischen ihnen gibt.

Die akademische Hierarchie der Gattungen

Diese Methode der „Rangordnung“ von Gemälden nach „Gattungen“ wurde im Zuge der italienischen Renaissance von den großen europäischen Akademien wie der Akademie der Künste in Rom, Akademie der Künste in Florenz, Französischen Akademie in Paris und Royal Academy in London eingeführt. Dies wurde erstmals 1669 von dem Kunsttheoretiker André Felibien, Sekretär der Französischen Akademie, bekannt gegeben.

Felibien ordnete die Gattungen wie folgt:

Historienmalerei

Porträtmalerei

Genremalerei

Landschaft

Stillleben

Dieses Bewertungssystem, das sich auf die Traditionen der griechischen und römischen Kunst stützt, die während der florentinischen Renaissance entwickelt wurde, diente den Akademien als Grundlage für die Vergabe von Preisen und Stipendien sowie von Platz in ihren Ausstellungen (Salons). Sie hatte auch einen erheblichen Einfluss auf den wahrgenommenen Geldwert eines Kunstwerks in den Verkaufsräumen der Auktionshäuser.

Warum wurde diese Rangordnung eingeführt?

Nach den Einstellungen der akademischen Kunst war diese so genannte „Hierarchie der Gattungen“ gerechtfertigt, weil sie die jedem Genre innewohnende moralische Kraft widerspiegelte. Der Künstler konnte eine moralische Botschaft durch ein Historienbild, ein Porträt oder ein Genrebild deutlicher vermitteln als durch eine Landschaft oder ein Stillleben. Darüber hinaus glaubte die italienische Renaissance, der Tradition der klassischen Antike folgend, dass die höchste Form der Kunst die schematische Darstellung der menschlichen Gestalt sei – in der Bildhauerei, Figurenzeichnungen und in den realistischeren Figuren in Gemälden . So wurden Landschaften und Stillleben, die keine menschlichen Figuren benötigten, als kleinere Gattungen betrachtet. Schließlich spiegelte das akademische Bewertungssystem den tatsächlichen öffentlichen Wert der einzelnen Kategorien wider. Die Historienmalerei war die größte und am besten für die öffentliche Ausstellung geeignete Gattung, gefolgt von Porträts, Genrebildern und Landschaften, während Stillleben eher die kleinste Gattung waren und nur für die häusliche Ausstellung bestimmt waren.

Polemik

Das akademische Bewertungssystem führte zu erheblichen Kontroversen und Unzufriedenheit unter Künstlern und Schulen.

Erstens wurde die Einstufung von einer Reihe anderer Regeln begleitet, die vorgaben, wie Gemälde gemalt werden sollten. So wurden beispielsweise das Thema, das Layout, die Komposition, die Farbgebung und die Ausführung eines Gemäldes von den Akademien sorgfältig geregelt, um das von ihnen vertretene System der Ästhetik zu stärken. Künstler, die sich nicht an diese Konventionen hielten, hatten es sehr schwer, Karriere zu machen. Sie wurden zum Beispiel vom Pariser Salon und von jeder Liste „empfohlener Künstler“ für offizielle Positionen in der Lehre oder für offizielle Aufträge (Kommissionen) ausgeschlossen.

Zweitens führte das Beharren der Akademien darauf, ein Gemälde nach seiner Fähigkeit zu bewerten, eine moralische Botschaft „zu vermitteln“, ein völlig nicht-künstlerisches Element in die Kunstpraxis ein. Infolgedessen wurden mittelmäßige historische Gemälde gegenüber herausragenden Landschaften und Genrebildern bevorzugt. Schlimmer noch, das ganze System schreckt von Experimenten und Innovationen ab und begünstigt stattdessen Beständigkeit und Wiederholungen. Später im 19. Jahrhundert erlangte dieses akademische System allmählich Berühmtheit, als brillante (aber nicht dem akademischen Kanon entsprechende) Künstler wie Manet, Monet und Cézanne vom Pariser Salon ausgeschlossen wurden, während die Werke von weniger mächtigen Autoren ausgestellt wurden. (Anm.: Die impressionistischen Maler malten fast keine historischen Gemälde.) Die Kontroverse war so heftig, dass der französische Kaiser Napoleon III. 1863 einen alternativen „Salon“ organisierte, der als Salon des Refusés (Salon der Abgelehnten) bekannt wurde – um Werke auszustellen, die von der französischen Akademie abgelehnt wurden.

Mehr über die Entwicklung der Malerei, der Bildhauerei und anderer bildender Künste siehe: Geschichte der Kunst (ab 800 v. Chr.).

Historische Gemälde

Historische Gemälde, die höchste Kategorie, manchmal auch „großes Genre“ genannt, – sind Gemälde, die eine erbauliche oder ethisch erhabene Botschaft in einem historischen, religiösen, allegorischen oder mythologischen Kontext darstellen. Im Laufe der Jahrhunderte waren die häufigsten Beispiele dieses Genres religiöse Gemälde, was nicht überrascht, da die Kirche der Hauptabnehmer war.

Beispiele für historische Gemälde: Allegorie der guten und schlechten Regierung (1338-9) von Ambrogio Lorenzetti; Fresken der Scrovegni-Kapelle in Padua (1304-13) von Giotto; Schlacht von San Romano (1438-55) von Paolo Uccello; Das letzte Abendmahl (1495-98) von Leonardo da Vinci; Fresko der Genesis (1508-11) von Michelangelo; Jupiter und Io (1533) von Correggio; und Abendmahl in Emmaus (1601.) Caravaggio. Beispiele aus der modernen Geschichte sind Gemälde wie Der Tod von Marat (1793) und Der Eid des Horatiers (1785) von Jacques-Louis David; Paul Revere’s Midnight Ride (1931) von Grant Wood; und Guernica (1937) von Pablo Picasso.

Porträtmalerei

Die Porträtmalerei, das zweitgrößte Genre, befasste sich in erster Linie mit der Darstellung heroischer, überlebensgroßer Persönlichkeiten für die Öffentlichkeit, obwohl sie auch für kleine private Porträts sowie Selbstporträts geeignet war.

Zu den berühmten Renaissance-Porträts gehören Porträt von Arnolfini (1434) von Jan van Eyck; Porträt eines jungen Mädchens (1470.) Petrus Christus; Alter Mann mit einem kleinen Jungen (1490) – Domenico Ghirlandaio; Doge Leonardo Loredan (1504) Giovanni Bellini; Mona Lisa (1503) Leonardo;&ndash Porträt von Baldassare Castiglione (1515) Raphael.

Porträtmalerei des 17. Jahrhunderts: Der lachende Chevalier (1624) von Frans Hals; Porträt von Jan dem Sechsten (1654) und Sindiki der Tuchmacherzunft (1662.) von Rembrandt; Porträt von Papst Innozenz X. (1650) von Velázquez; Mädchen mit Perlenohrring (1666) von Jan Vermeer; siehe auch Barockporträts (1600-1700).

Pimeras der Porträts des 18. Jahrhunderts: Rokoko- und neoklassizistische Porträts (1760-1850). Jahrhunderts: Porträts des neunzehnten Jahrhunderts und Porträts des Impressionismus (1870-1930).

Zu den Porträts des zwanzigsten Jahrhunderts, siehe: Junge mit Pfeife (1905) und Weinende Frau (1937) von Pablo Picasso. Lesen Sie mehr: Picasso-Porträts (1900-1944).

Siehe auch: Expressionistische Porträts, wie Porträt von Juan Gris (1915) von Modigliani; und Porträt von Madeleine Kasten (1928) von Chaim Sutin. Ein halb-abstraktes Werk Sitzende Frau (1944) von Willem de Kooning. Beispiele für zeitgenössische Porträts sind „Mr. und Mrs. Clark“ (1970) von David Hockney und eine Reihe von Andy Warhols Pop-Art-Porträts von Berühmtheiten im Siebdruckverfahren.

Genrebilder

Genrebilder zeigen Alltagsszenen, die von gewöhnlichen Menschen bevölkert werden, obwohl das Thema auch eine Landschaft umfassen kann. Während Historien- und Porträtgemälde idealerweise großformatig waren (und öffentlich ausgestellt wurden), waren Genrebilder kleine Gemälde für den häuslichen Gebrauch. Die niederländische Schule der realistischen Genremalerei, angeführt von Jan Vermeer, war der bedeutendste Vertreter des Genres. Studieren Sie zum Beispiel Milchmädchen (1658), Kleine Straße (1658), Junge Frau mit Wasserkrug (1662), Frau mit Waage (1662-1616), Mädchen mit Perlenkette (1662) und Spitzenmacherin (1670).

In Frankreich gehören zu den herausragenden Künstlern des Barockgenres Georges de Latour und die Brüder Lenin (Antoine, Louis, Mathieu). Ihnen folgten Jean-Antoine Watteau (1684-1721), berühmt für seine Pilgerfahrt nach Cythera (1717), sowie Jean Chardin (1699-1779), François Boucher (1703-70), Jean-Baptiste Grèze (1725- 1805) und Jean Honoré Fragonard (1732-1806). In England war der führende Künstler des Genres William Hogarth (1697-1764), berühmt für Werke wie Rake’s Progress (1735) und Marriage in Fashion (1743).

Beispiele für Genremalerei des neunzehnten Jahrhunderts sind Werke wie Funeral at Ornans (1850) von Gustave Courbet; Derby Day (1856-8) von W. P. Frith; The Collectors (1857) von Millais; Grenouiller (1869) von Monet; Parqueteurs (1875) von Kaibott; Dance Class (1873-5) und The Absinthe Lover (1876) von Degas; Dance at the Moulin de la Galette (1876.) und Mittagessen auf einem Boot (1880-1881) von Renoir; Bar in den Folies-Bergères (1882) von Manet; Badende in Agnières (1884.) und Sonntagnachmittag an der Grande Jatte (1886) von Georges Seurat; Moulin Rouge (1892) von Toulouse-Lautrec; Kartenspieler (1893) von Paul Cézanne; Grüne Bluse (1919) und Terrasse am Vernon (1939) von Pierre Bonnard.

Landschaften

Die Landschaftsmalerei, die vierte Kategorie, bezeichnete Gemälde, deren Hauptthema die Darstellung einer malerischen Ansicht (Landschaft, Meer, Flüsse, Berge, Stadtbild usw.) wie oder war. Eine Landschaft erforderte keine Menschen, und eine Landschaft mit einer Bevölkerung konnte als Genrebild eingestuft werden, wenn es dem Künstler hauptsächlich um die Darstellung menschlicher Handlungen ging. Das Genre begann sich erst im späten 18. Jahrhundert als topografische Übung zu entwickeln. Erst mit dem Aufkommen von Constable und Turner – und unter dem Einfluss der industriellen Revolution – wurde die Landschaft selbst zu einer populären Kunstform. Wichtige Schulen waren die englische Landschaftsmalerei (1700-1900), die Schule von Barbizon (1830-75), und die impressionistische Landschaftsmalerei (1860-1920).

Unter den berühmten Landschaftsgemälden : Eingang zum Großen Kanal in Venedig (1741) von Bernardo Bellotto; Heuwagen (1821) von John Constable; Schneesturm: ein Dampfer an der Hafenmündung“ (1842) von Turner; Schneesturm: ein Dampfer an der Hafenmündung“ von Turner; Ville d’Avré (ca. 1867) von Corot; Impression, Sonnenaufgang (1873), Mac field at Argenteuil (1873), Serie Water Lilies (1897-1926), Water Lily Pond: Grüne Harmonie (1899) von Claude Monet; Nebliger Morgen (1874) und Schnee in Louveciennes (1878) von Alfred Sisley; Rote Dächer (1877) von Camille Pissarro und die berühmte Cézanne-Serie. Studieren Sie auch das Gemälde Berg St. Victoire (1882-1906) von Cézanne.

Stilleben

Das Stillleben gilt als das am wenigsten erhabene aller Genres. Es handelt sich im Allgemeinen um die Darstellung von Gegenständen wie Blumen, Früchten, Lebensmitteln, Küchen- und Essutensilien. Auch Tiere und Menschen konnten als Nebenfiguren dargestellt werden. Die Schule des niederländischen Realismus war der höchste Vertreter der Stilllebenmalerei. Ihre Errungenschaften, einschließlich der subtilen Einbindung der christlichen Moral in Werke im Stil der „Vanitas“, sind in Gemälden von Künstlern wie Frans Snijders, Pieter Claes, Willem Claes Heda, Willem Kalf, Samuel Hoogstraten, Jan Davids de Heem und Rachel Ruysch zu sehen. Außerhalb Hollands waren die führenden Meister der Stilllebenmalerei Francisco de Zurbarán, Juan Sánchez Cotán, Jean Chardin, Paul Cézanne, Henri Fantin-Latour, Georges Braque, Juan Gry, Giorgio Morandi und Ivan Kramskoi.

GROSSE KUNST DER WELT
Größte Künstler aller Zeiten
Größte Gemälde aller Zeiten .

ANMERKUNG. Für Analysen von Gemälden aller Gattungen vor 1800, siehe Analyse berühmter Gemälde (1250-1800). Für spätere Werke, siehe: Analysen moderner Gemälde (1800-2000).