Spanische Malerei: Geschichte, Merkmale 2 067 Automatische übersetzen Die Bearbeitung dieses Abschnitts ist noch nicht abgeschlossen

Einführung

Die Größe Spaniens in der Malerei zeigt sich in einigen wenigen Künstlern, die sich so weit über ihre Mitmenschen erheben, dass sie den Gipfel der europäischen Kunst einnehmen. Sie sind El Greco (1541–1614), Diego Velazquez (1599-1660) und Francisco de Goya (1746–1828). Eine gewisse Ähnlichkeit besteht zwischen ihrer Bedeutung und der von Rembrandt in Holland und Rubens in den spanischen Niederlanden, obwohl nicht nur die Niederlande im Norden und Süden eine größere Anzahl kleinerer hatten Alte Meister , und mehr Künstler, die ein hohes Maß an Originalität auf hohem Niveau zeigten, aber auch eine konsequentere Evolutionslinie.

Es ist möglich, solche spanischen Maler wie Ribera und Zurbaran im Vergleich zu dem offensichtlich größeren Trio zu unterschätzen, aber der Kurs der spanischen Kunst ist gebrochen und zögerlich, abgesehen von den enormen Behauptungen der wenigen Individuen. Wenn man nach einer Ursache in der Frühgeschichte sucht, muss man zurückgehen, als der größte Teil der iberischen Halbinsel unter der Herrschaft der muslimischen Invasoren stand. Denken Sie daran, dass die Mauren um 1100 immer noch zwei Drittel der Region besetzten.

Eine schrittweise Rückeroberung wurde von den christlichen Regionen durchgeführt, indem das Land Stück für Stück zurückerobert und Kirchen und ihre visuelle Botschaft in einem Bezirk nach dem anderen gegründet wurden. In Katalonien vermitteln Werke, die noch in den Museen von Barcelona erhalten sind, die Kraft dieses aktiven Christentums in Gemälden in einem majestätischen romanischen Stil. Erst gegen Ende des 15. Jahrhunderts wurde Spanien als Land vereint. Die Königreiche Kastilien und Aragon wurden 1479 unter Ferdinand und Isabella zusammengeschlossen. Die Mauren wurden 1492 von ihrem letzten Stützpunkt – Granada – vertrieben. Der langwierige Kampf machte die Ausweitung der Malerei zu einem langsamen und ungleichmäßigen Prozess. Die Provinz Katalonien – die am frühesten von der muslimischen Besatzung befreit war – hatte in der Gotik des 13. und 14. Jahrhunderts den Vorteil von Kontakten mit Frankreich und Italien, die sich in der Arbeit von Ferrer Bassa (um 1290-1348) nur schwach widerspiegelten). In den gotischen Kirchen Spaniens wurden mit der Vergrößerung der Fenster auf Kosten des Wandraums, der die Atrophie der Wandmalerei verursachte, riesige Altarbilder mit Tafeln hergestellt, die in einem Stil gemalt waren, der an den des 20. Jahrhunderts erinnerte Sienesische Malschule von Künstlern wie den Brüdern Pedro und Jaime Serra und Luis Borrassa (gest. 1424).

Das fünfzehnte Jahrhundert brachte den Einfluss der Großen Flämische Malerei Die Schule wurde durch den Besuch von Jan van Eyck eingeläutet, der wie Rubens zu einem späteren Zeitpunkt die Funktion eines Diplomaten mit der eines Malers verband. Der flämische Einfluss auf Spanische Renaissancekünstler wird in St. Dominikus von Silos (Prado) von Bartolome Bermejo (tätig 1474-95) als vorteilhaft angesehen. Aber der Kontakt mit Italienisch Renaissance-Kunst , woanders so fruchtbar, war begrenzt. Pedro Berruguete (1450-1504) war eine Ausnahme bei der Arbeit in Urbino zur gleichen Zeit wie Piero della Francesca (1420-92). Sein Sinn für Form wurde in dieser inspirierenden Atmosphäre gestärkt, aber er verließ Urbino nach dem Tod von Herzog Federigo im Jahr 1482 und dem Kompromiss – und einigen Konflikten – zwischen der provinzialisierten flämischen Art und den Lehren Umbriens, die in seinem späteren Werk auftauchen.

Spanische Malerei im 16. Jahrhundert: El Grecos religiöse Kunst

Im sechzehnten Jahrhundert, als Spanien eine Weltmacht mit riesigen Besitztümern und Reichtumsquellen in der Neuen Welt wurde, sowie Besitztümern, die über Europa verstreut waren, hätte man erwarten können, dass es sich um eine starke nationale Schule handelte Gemälde würde entstehen und den etwas vorsichtigen oder nachahmenden Charakter verändern, den die spanische Malerei bis dahin gezeigt hatte. Es stellte sich anders heraus. Während des größten Teils des 16. Jahrhunderts blieb die Malerei geistlos. Sowohl Kaiser Karl V. als auch sein Sohn Philipp II. Von Spanien waren Gönner mit einem Gespür für Kunst, aber die großen Venezianer, insbesondere Tizian, beanspruchten den größten Teil ihres Interesses. Philip hat auch die Fantasien von Hieronymus Bosch (1450-1516) – obwohl der oberste spanische Klerus in diesen seltsamen Bildern aus den Niederlanden eine Häresie vermutete.

Die Porträtmalerei erhielt eine gewisse Ermutigung, aber es war der internationale Hofmaler Anthonis Mor (1519-1576) aus Utrecht – oder Antonio Moro, wie er in Spanien genannt wurde – der flämische Praktizierende nach dem Vorbild von Tizian, den Philipp II. Sandte England malt das Porträt von Mary Tudor. Philip hatte zwar zwei spanische Hofmaler: Alonso Sanchez Coello (um 1531-88), der seinen Stil nach dem von Moro formte, und sein Schüler Juan Pantoja de la Cruz (1551-1608), der ihm folgte. Ihre Porträts, die würdevoll und mit einem Hauch von zeremonieller Steifheit gestaltet sind, der durch die Liebe zum Detail der Kleidung hervorgehoben wird, geben einen leichten Hinweis darauf, was Velazquez später erreichen würde.

Das 16. Jahrhundert war jedoch nicht nur das Jahrhundert der materiellen Pracht Spaniens. es war auch das des großen Kampfes der religiösen Überzeugungen, in dem sie schwer unter der Richtlinie eines Monarchen beschäftigt war, der ein unerbittlicher Fanatiker war. Ein Grund für diesen Fanatismus und die Grausamkeit und Unterdrückung, die er hervorrief, kann im jahrhundertelangen Kampf gegen die Moslems in Spanien gefunden werden. Die spanischen Könige, die sich als Verfechter und Hauptbollwerk des Christentums angesehen hatten, sahen in der protestantischen Opposition gegen die katholische Kirche nicht mehr als das Vorgehen von Ungläubigen, die so schlimm waren wie die Mauren, die mit gleicher Rücksichtslosigkeit bekämpft werden mussten.

Die Inbrunst des religiösen Glaubens hatte in den Bildern von noch keinen starken Ausdruck gefunden Christliche Kunst produziert nach den strengen Regeln der Kirche. Das Werk von Luis de Morales (ca. 1500-86) ist nicht tief bewegt, obwohl seine zarte Frömmigkeit, die in einem von flämischen Malern, die vielleicht in Sevilla arbeiteten, adaptierten Stil enthalten war, ihm den Titel "das Göttliche" einbrachte.. Aber nach El Divino Morales kommt ein außergewöhnliches, unvorhersehbares Phänomen, das Aufkommen von El Greco . In seiner religiöse Gemälde Alle Intensitäten des religiösen Gefühls in Spanien entzünden sich und gehen in Flammen auf.

Es ist ein Paradoxon, dass ein Maler, der so viel im Wesentlichen Spanisches vermittelt, auf Kreta geboren sein sollte. Und außerdem ist es seltsam, dass man auf dieser griechischen Insel, die im byzantinischen Stil trainiert wurde, die Pfropfung darauf angebracht haben sollte Hohe Renaissance Lehren aus Tizian und Tintoretto in Venedig. Als er im Alter von 36 Jahren nach Spanien kam, konnte er als venezianischer Meister abtreten. Durch die Arbeit seiner folgenden 37 Jahre, die er hauptsächlich in Toledo verbrachte, wird er jedoch untrennbar mit der Geschichte der spanischen Malerei verbunden.

In Toledo, dem spanischen Zentrum der Gegenreformation, Sitz der gefürchteten Inquisition und aller leidenschaftlichen Glaubensintensitäten, der religiöse Kunst Er produzierte in seinem riesigen Atelier, das von hohen, schmalen Fenstern erhellt wurde, und wurde zum Streben nach erhabenen, fiebrigen Erhöhungen von Heiligen und Märtyrern, Dramen der Seele, die sich in der Ausdehnung von Figuren, den unruhigen Karminen, den blaugrünen und cremefarbenen Farben seiner Seele ausdrücken Farben. Seine beste Arbeit, Das Begräbnis des Grafen Orgaz , gemalt um 1586-88 für die Kirche Santo Tome in Toledo, vereint himmlische Bewegung und Raum mit der statischen Strenge der Trauernden, einer Reihe von Ikonen, wie man sie sich vorstellen könnte, obwohl jedes bärtige Gesicht seinen eigenen Hinweis auf innere Gewalt enthält Gefühl streng unter Kontrolle gehalten. Für seine anderen Meisterwerke siehe: Die Entkleidung Christi (El Espolio) (1577); Blick auf Toledo (1595-1600); Christus vertreibt die Händler aus dem Tempel (1600); Porträt eines Kardinals (1600); Porträt von Felix Hortensio Paravicino (c.1605).

Spanische Malerei im 17. Jahrhundert: Ribera & Velazquez

Obwohl El Greco zu seiner Zeit erfolgreich war und hoch genug geschätzt wurde, um von seinen Anhängern in Toledo, wie Luis Tristan (1586-1624) und anderen, kopiert und nachgeahmt zu werden, war eine neue Phase der spanischen Malerei nahe neue Phase der spanischen Geschichte. Die Vormachtstellung Spaniens war durch die Niederlage der spanischen Armada im Jahr 1588, den Abbruch der nördlichen Niederlande und den Tod Philipps II. Im Jahr 1598 praktisch beendet. Philip III., Sein Sohn aus dritter Ehe, überließ die Regierung den Händen des Herzogs von Lerma, der, beeindruckend wie er im Reiterporträt von Rubens im Prado erscheint, öffentliche Gelder verschwendete und Spanien in das vergebliche Elend des Dreißigjährigen Krieges verwickelte.

Die politische und wirtschaftliche Dekadenz kann ein langsamer Niedergang sein, in dessen Verlauf die Kunst oftmals ihr höchstes Niveau erreicht, obwohl es keine notwendige Beziehung zwischen beiden gibt, außer in der Förderung von Kunst und Briefen durch diejenigen, die eher dazu geneigt sind als zur Politik. Spanische Barockkunst im siebzehnten Jahrhundert spiegelt sich auf seine Weise eine europaweite Reaktion gegen die Manierismus des sechzehnten Jahrhunderts. Ein Realitätssinn, den der Manierismus nicht geboten hatte, eine Projektion von Licht und Schatten, die mit einer dringenden Kraft eine Botschaft überbrachte, war allgemein. Dies wurde von assimiliert Spanische Barockkünstler eine düstere Pracht zu schaffen, in der eine nationale Stimmung wahrgenommen werden kann. Das Genie des Jahrhunderts neigte Künstler zu einem Realismus oder Naturalismus in der religiösen Kunst, ersetzte knorrige Bauernmodelle und proletarische Typen an die Stelle idealisierter Figuren und schilderte unerschütterlich die Folterungen des Martyriums in grausamen Details. Dies sind Merkmale, die in Italien in der Arbeit von Caravaggio zu finden sind, dessen Einfluss weitreichend war. Aber Francisco Ribalta (1565-1628), geboren in Solsona in Katalonien – obwohl hauptsächlich mit Valencia in Verbindung gebracht – kultivierte bereits die Tenebrismus Stil, bevor Caravaggio seine Karriere begann.

Jusepe Ribera (1591-1652) war in einem Alter, das beides zu schätzen wusste. Er mag unter Ribalta studiert haben, aber im Alter von 25 Jahren hatte er sich in Neapel niedergelassen, wo er als Hauptnachfolger von angesehen wurde Caravaggio . Er arbeitete für die spanischen Vizekönige in Neapel, und Bilder von ihm wurden für den königlichen Hof nach Spanien geschickt. Vielleicht aus diesem Grund und um seinen Patriotismus zu bekräftigen, fügte er seiner Unterschrift gewöhnlich den Namen seines Geburtsortes "Jativa" oder seiner Nachbarstadt "Valencia" hinzu.

Anmerkung: 1600 war die spanische Kolonie Neapel die zweitgrößte Stadt in Europa (nach Paris) und ein wichtiges Zentrum der Aktivitäten der Gegenreformation, einschließlich der Kunst. (Es gab mehr als 3.000 Kirchen und Klöster.) Nach Caravaggios zwei Besuchen (1606, 1609-10) wurde es ein Zentrum des Caravaggismus. Sehen: Malen in Neapel (1600-1700).

Ribera malte das Martyrium mit düsterem Genuss. Wie Caravaggio machte er ein heftiges Drama aus dem Kontrast zwischen Licht und dichtem Schatten. Sein Realismus wurde nicht nur auf die Qualen der Religion angewendet, sondern auch auf alltägliche Themen, bei denen die Vorstellung von Leiden oder Missbildung präsent war. Ein Beispiel ist sein Gemälde des lahmen und zahngebrochenen Bengels in gespielt-militärischer Pose, des Knaben mit Keulenfuß (1642, Louvre, Paris), ein herausragendes Werk seiner späteren Jahre. So wie der Realist in der Masse die Typen reparierte, die in eine religiöse Komposition aufgenommen werden sollten, scheint Ribera einen neapolitanischen Bettler ausgewählt zu haben, der für einen großen Mann der klassischen Antike seine Pflicht erfüllt. Der Archimedes des Prado ist ein genialer Raufbold mit einem Gewand aus vielen Flecken, die grob mit einer Schnur über die nackte Brust gebunden sind, und, nach seinem Gesichtsausdruck zu urteilen, den ironischen Scherz des Malers teilen. Obwohl er nicht aus Spanien stammte, war Ribera aufgrund seiner Gemälde offensichtlich ein starker Einfluss auf die Verbreitung der Redewendung von Karavaggismus das ist ganz anders als der rhapsodische Emotionalismus der Barock- .

Ein Künstler, der der Größe nahe kommt, ist Francisco Zurbaran (1598 & ndash; 1664). Er arbeitete als Junge im Atelier des Malers von Sevilla, Juan de las Roelas (ca. 1560-1625), der in Sevilla eine realistische Tendenz zur Malerei gegen den damals vorherrschenden Manierismus in Anlehnung an Rom einbrachte. Zurbaran, der sich in Sevilla niederließ, hatte einen frühen Erfolg. Kirchen und Klöster häuften auf ihn Aufträge für fromme, hingebungsvolle Gemälde. Im mittleren Alter ließ seine Popularität jedoch nach. Der einfache Stil von Barockmalerei von den jungen popularisiert Bartolome Esteban Murillo (1617-82) brachte im Gegensatz zu seinem realistischen Genre eine sentimentale Religiosität in Mode, an die sich Zurbaran nicht anpassen konnte. Wie originell er war, ist eine vergleichsweise moderne Wiederentdeckung. Die dunklen Schatten von Ribera und der neapolitanischen Schule halfen ihm, sich die Düsterkeit der Mönchsmeditation vorzustellen. Im Gegensatz zu El Greco malte er den Heiligen oder Mönch eher meditierend als himmlisch. Er vermittelt die Psychologie der Gläubigen, die nach Anweisung der Jesuiten über den Tod nachdenken. Seine realistische Sichtweise ermöglichte es ihm auch zu produzieren Stillleben-Malerei in dem die Prüfung der materiellen Substanz fast die Intensität einer religiösen Übung hat.

Vor diesem Hintergrund von Sevilla wird Diego Rodriguez de Silva y Velazquez zum ersten Mal gesehen. Es gab eine Reihe von Verbindungen zu seinen Zeitgenossen, die einen realistischen Ausblick ermöglichten. Er teilte die allgemeine Begeisterung für Caravaggio oder zumindest für die Implikationen seines Stils. Sein Studium des Stilllebens war so intensiv wie das des Freundes seiner Jugend, Zurbaran. Jede Wellung auf seinem Krug Wasserverkäufer in Sevilla (c.1618-22, Apsley House, London) wird mit der größtmöglichen Sorgfalt nachgezeichnet, die der Porträtist den Falten eines menschlichen Gesichts beimisst.

In Ribera-Manier verlieh er den zeitgenössischen Figuren Namen von antiken Berühmtheiten – den Philosophen Menippus, den Fabulisten Aesop. Er zögerte auch nicht, die traurigen Grotesken und Zwerge von Philipps IV. Hof so realistisch darzustellen, wie Ribera den Jungen mit dem Keulenfuß malte. Die Bodegones oder "Küchenbilder" seiner frühen Jahre in Sevilla bringen ihn in die Nähe von Caravaggio, und seine frühen religiösen Bilder entsprechen denen von Zurbaran. aber nach einem gewissen Punkt hört er auf, anderen zu ähneln und wird in seinem Stil ganz individuell.

Mit seltenen Ausnahmen – siehe Christus gekreuzigt (1632, Prado) – religiöse Untertanen hörten auf, ihn zu beschäftigen (möglicherweise nicht ganz zum Bedauern eines Realisten, der in menschliche Angelegenheiten vertieft war), nachdem er zum Hofmaler Philipps IV. Ernannt worden war. Porträtkunst dann wurde seine berufliche hauptaufgabe, dennoch zeigt er eine überraschende themenvielfalt. Er war einzigartig unter den Künstlern im religiösen Spanien in der Aufnahme mythologische Malerei Allerdings, wie Rembrandt, mit einem anti-idealistischen Gefühl. Die erste seiner Kompositionen, die die Aufmerksamkeit des Gerichts auf sich zog, war der Triumph des Bacchus (1628, Prado), auch bekannt als The Dopers . Die klassische Anspielung war jedoch nur ein Vorwand für ein so anschauliches Bild, wie es jemals von einer Gruppe intensiv spanischer Bauern gemalt wurde.

Die Mythologie sanktionierte das Gemälde des männlicher Akt Figur – eine Seltenheit in der spanischen Kunst mit Ausnahme der hängenden und gequälten Form von Christus am Kreuz. Die Schmiede von Vulcan (1630) und Mars (1639-41), beide im Prado, waren Themen, die es Velazquez ermöglichten, der männlichen Figur gerecht zu werden Die Rokeby Venus (1647-51, National Gallery, London), so wenig mythologisch wie Rembrandts Danae . Das Geheimnis des Raumes und das Verhältnis von Gegenständen beschäftigten ihn Las Meninas (1656, Prado), einer der größte Porträtmalereien , wo der Maler auf seiner großen Leinwand in den Raum blickt und auf seiner Leinwand malt, während der König und die Königin, die über seine Schulter schauen, sich im Spiegel am gegenüberliegenden Ende des Raumes widerspiegeln. In der abwechslungsreichen Handlung der Tapisserie-Weber (Las Hilanderas) (1659, Prado) entwickelt sich ebenfalls ein kompliziertes Thema. Zu seinen größten Beispielen von Geschichtsmalerei ist Die Kapitulation von Breda (Las Lanzas) (1635, Prado) zeigt einen der vergänglichen Siege Spaniens in ihrem verlorenen Kampf gegen die niederländischen Rebellenprovinzen und zeigt, wie Justin von Nassau dem spanischen Kommandanten Spinola 1625 die Schlüssel der Stadt übergibt Zehn Jahre nach dem Ereignis ist das Bild nicht nur für sein Design berühmt, sondern auch für den freundlichen Austausch von Höflichkeiten, die in der Haltung eines Siegers und Besiegten zum Ausdruck kommen und in denen möglicherweise etwas von Velazquez ’eigener Großmut die Darstellung des Ereignisses beeinflusst hat. Es war eine Großherzigkeit, die er mit der gleichen Höflichkeit zeigte wie seine Sitter, sei es ein Hofzwerg, ein Idiot, ein Infant oder der melancholische König selbst.

Velazquez konnte Rubens persönlich kennenlernen und die Werke der Renaissance-Meister während seiner beiden Italienbesuche studieren, ohne dabei von einer ganz eigenen Malweise abzuweichen. In seinen reifen Werken ist es nicht mehr die Dunkelheit des Schattens, die den Betrachter in seinen Bann zieht. In seinen reifen Werken trifft nicht mehr die Dunkelheit des Schattens auf die Farbe des Observerbut, die mit unendlicher Ansprache in funkelnden Berührungen durch silbergrau versetzt wird. Was in den Porträts von Sanchez Coello einfach als Nachahmung eines Musters in einem reichen Kleidungsstück zu sehen war, wird in Velazquez zu einer chromatischen Schwingung von Blau, Rosa und Grau. Barocke Porträts der zweiten Frau Philipps IV., Mariana von Österreich, und der Infantin Margarita. In diesen und in seinen beiden kleinen Ansichten der Gärten der Villa Medici, die sich aus seinem zweiten Italienbesuch ergaben, gibt er einen Hinweis darauf, was später die Methode des Impressionismus werden sollte.

Das letzte und beste barocke Gemälde waren diejenigen von Velazquez, die keinen nennenswerten Einfluss auf die spanische Malerei hinterließen. Sein Schüler und Schwiegersohn Juan Bautista del Mazo (c.1612-1667) hat ihn oberflächlich kopiert, was in der Vergangenheit einige Fehlzuschreibungen an Velazquez selbst verursacht hat. Juan Pareia (um 1606-70), der Diener von Velazquez, ahmte ihn ebenfalls nach. Aber die spanische Kunst erlebte im 18. Jahrhundert eine weitere Brache, obwohl während der friedlichen Reaktion auf Kriege, in denen ein Besitz nach dem anderen verloren gegangen war, für eine Weile ein gewisses Maß an Wohlstand ins Land zurückkehrte.

Spanische Malerei im 18. Jahrhundert: Goya – Der Volksmaler

Die Hofmaler von Philipp V. (1683-1746), dem ersten bourbonischen König Spaniens, waren Franzosen (Ranc, Houasse, Van Loo). Sein Sohn Ferdinand VI. (1713-59) bevorzugte italienische Maler (Amiconi, Giaquinto). Lange Zeit mangelte es an einheimischen Talenten, mit Ausnahme von Luis Melendez (1716-80), der die spanische Stilllebenstradition von Zurbaran und Sanchez Cotan (1560-1627) geschickt fortsetzte. Dann kommt wieder das Außergewöhnliche, das unvorhersehbare Phänomen in Francisco de Goya (1746-1828).

Spanien litt zu Goyas Zeiten unter drastischen Veränderungen des Glücks. Der wohlwollende Despotismus Karls III., Der die Nachfolge von Ferdinand VI. Antrat und von 1759 bis 1788 regierte, sorgte für wirtschaftliche Stabilität. Die Torheit Karls IV., Des Nachfolgers Karls III., Setzte dem Wohlstand ein Ende und ebnete den Weg für die napoleonische Invasion und die damit verbundenen Schrecken. In größerem Maßstab hat sich der Wandel von vor der Französischen Revolution in die Zeit danach in ganz Europa ausgewirkt. Kein großer Künstler hat diese Zeit der Unruhe überstanden, ohne die Stürme und den Stress in irgendeiner Weise zu reflektieren. Davon gibt Goya ein dramatisches Beispiel.

Wenn El Greco der Künstler der Kirche und Velazquez des Hofes war, unterschied sich Goya von beiden, indem er der Künstler des Volkes war. Es gibt einen bemerkenswerten Kontrast zwischen ihm und Velazquez. Letzterer war im Wesentlichen der große Gentleman wie Rubens, der ein Leben in aristokratischer Ruhe im Escorial führte und im kühlen Zwielicht eines Raumes malte, der vor dem Sonnenschein draußen geschützt war, unberührt von den Ereignissen in der Außenwelt und vielleicht noch distanzierter die nationalen Anliegen von Spanien als Sohn eines portugiesischen Vaters. Goya, der Sohn eines kleinen spanischen Handwerkers, Josef Goya, Vergoldungsmeister bei Fuentetodos in Aragon, hatte eine abwechslungsreiche Erfahrung und reagierte so auf Ereignisse, dass seine Arbeit eine ganze Geschichte einer Epoche der Gewalt darstellt. Der letzte Schlag des Rokoko Die Fröhlichkeit des Ancien-Regimes spiegelt sich in den Gemälden wider, die als Wandteppichkopien entworfen wurden und Szenen des spanischen Lebens und Ablenkungen mit einem Hauch von Tiepolos dekorativem und theatralischem Stil darstellen. Aber die Französische Revolution brachte ihn dazu, Gericht und Geistlichkeit kritisch zu sehen, und obwohl er im Mittelalter erst für Karl III. Und dann für Karl IV. Hofmaler war, blieb in seinem Denken eine revolutionäre Strömung, die sich kryptisch in seiner ausdrückt Zeichnung und Radierung . Die Taubheit, die auf eine Krankheit in den Fünfzigern folgte, erbitterte ihn und erlebte die Wildheit des Krieges und der Besetzung, von der er sein unsterbliches Zeugnis abgelegt hatte, umso schärfer. Als Karl IV. Und sein Sohn Ferdinand die Franzosen virtuell aufforderten, ihre Streitigkeiten zu übernehmen, indem sie sich Napoleons Schiedsverfahren unterwarfen, war es kaum verwunderlich, dass Napoleon beide durch seinen eigenen Familienkandidaten Joseph ersetzt haben sollte oder dass Goyas Porträts von ihnen geben sollten der Eindruck einer gnadenlos karikierten Dummheit.

"Rembrandt, Velazquez und die Natur" war Goyas eigene Zusammenfassung der Quellen seiner Inspiration. Eine Reminiszenz an Rembrandt Chiaroscuro kann im Schatten seiner Gefängnisszene gefunden werden ; der Einfluss von Velazquez auf die exquisiten Grautöne des posthumen Porträts (Prado) seines Schwagers, des Malers Francisco Bayeu . In seinem Bild von Lenden und Schafskopf einer Metzgerei wählte Goya als unkonventionelles Stilllebensthema Rembrandts Geschlachteter Ochse .

Seine Hingabe an die "Natur" bezieht sich eher auf sein Interesse am menschlichen Leben in all seinen Aspekten als auf Landschaftsmalerei , aber "Natur" hatte auch eine besondere Bedeutung für ihn. Die Objekte, die wir sehen, haben keine festen Umrisse. Indem er in seinen Gemälden auf Umrisse verzichtete, nahm er einen zentralen Punkt der impressionistischen Technik vorweg. In anderer Hinsicht hatte er eine Affinität zu oder Einfluss auf die französische Kunst des 19. Jahrhunderts. Die unheimlichen Gruppen, die er in seinen späteren Jahren mit dem Expressionismus malte, mit dem ihn seine Taubheit zum Verweilen gebracht haben könnte, verbinden ihn Honore Daumier (1808 & ndash; 79). Der dritte Mai 1808 aufgehetzt Edouard Manet (1832-83) die Hinrichtung des Kaisers Maximilian in ähnlicher Komposition zu malen. Im Vergleich dazu hat Goya den Vorteil, einen Schock direkt zu vermitteln, anstatt sich wie Manet ein historisches Ereignis aus der Ferne vorstellen zu müssen. Seine mythologische Malerei war besonders kreativ: siehe zum Beispiel: Der Koloss (1808-12, Prado, Madrid) und das Schreckliche Saturn, der seinen Sohn verschlingt (1821, Prado, Madrid).

Spanische Malerei im 20. Jahrhundert

Im neunzehnten Jahrhundert, nach Goya, war die Kunst in Spanien wieder ein brachliegendes Feld, in dem um die Jahrhundertwende nur der eindrucksvolle "Sonnenlicht" -Impressionismus des katalanischen Malers Joaquin Sorolla Y Bastida (1863-1923) zu sehen war. Aber das 20. Jahrhundert hat nach langer Zeit eine weitere außergewöhnliche Entwicklung erlebt, diesmal im internationalen Kontext. Die wichtigste Figur in der spanischen Malerei des 20. Jahrhunderts ist Pablo Picasso (1881-1973). Wie Goya ist ein Großteil von Picassos Kunst biografisch, obwohl er den größten Teil seines Lebens in Frankreich verbracht hat. Am besten erinnert für seine Miterfindung von Kubismus (mit Georges Braque), die wohl einflussreichste aller Bewegungen von moderne Kunst sowie ikonische Bilder wie: Les Demoiselles d’Avignon (1907, Museum of Modern Art, New York) und Guernica (1937, Reina Sofia, Madrid), war er ein einflussreicher und produktiver Künstler in einer Vielzahl von Medien. Nach 1940 erlangte sein Werk jedoch nie wieder seinen früheren Ruhm. Neben Picasso und Braque in der Pariser Kubistenbewegung in der Zeit von ca. 1910 bis 20 Juan Gris (1887-1927), (geb. Jose Victoriano Gonzalez), der zu einem führenden Theoretiker des Kubismus wurde und zu dem er beitrug Collage und lebendige Farbe. Er starb jung an Herzasthma. Etwa sechs Jahre jünger als der in Barcelona geborene Gris Joan Miro (1893-1983) wandte sich zunächst an Surrealismus , zu dem er eine Reihe faszinierender, später biomorpher abstrakte Gemälde . Obwohl er gelegentlich repräsentative Arbeiten produzierte, konzentrierte er sich auf abstrakte Kunst. Er experimentierte fast bis zu seinem Lebensende und schuf eine bemerkenswerte Reihe von blau-monochromen Gemälden (1961, Nationales Museum für moderne Kunst, Centre Pompidou, Paris). Der wohl außergewöhnlichste spanische Maler des 20. Jahrhunderts war Salvador Dali (1904-89) wandte sich der Klassiker dem Surrealismus zu, der das eindrucksvoll klingende Konzept der "kritischen Paranoia" erfand, um den Automatismus in der Malerei zu erklären. Berühmt für seine bizarren, halluzinatorischen Bilder, arbeitete Dali auch in zahlreichen anderen Medien, einschließlich Film. Trotz seines langen Lebens hat er seine Gemälde der 1930er Jahre nie verbessert. Aktiv in Barcelona, Antoni Tapies (* 1923) ist der bedeutendste spanische Maler der Nachkriegszeit. Nachdem er sich mit dem Surrealismus beschäftigt hatte, begann er nach Joan Miro und Paul Klee mit der Arbeit in gemischten Medien, um den Stil der Materiemalerei zu entwickeln . 1958 erhielt er den Malpreis der Carnegie International in Pittsburgh und den UNESCO-Preis der Biennale von Venedig.

Größte spanische Gemälde

Wichtige spanische Bildhauer und Maler

Alonso Berruguete (c.1486-1561)
Führender spanischer Manierist und Bildhauer.

Juan de Juni (1507-1577)
Französischer Künstler in Spanien tätig; rangiert neben Alonso Berruguete.

Juan Martinez Montanes (c.1568-1649)
Größter spanischer Bildhauer des Barock, berühmt für seine religiösen Holzschnitzereien.

Alonso Cano (1601-1667)
Der spanische Künstler nannte "der spanische Michelangelo" für seine Vielseitigkeit.

Spanische Kunstsammlungen

Werke spanischer Meister sind in vielen von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt, insbesondere die folgenden:

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona (MNAC)
Das Nationale Kunstmuseum Kataloniens wurde 1995 eröffnet und vereint die Bestände des ehemaligen Museu d’Art de Catalunya und des Museu d’Art Modern. Unter den spanischen katalanischen Malern und Bildhauern sind vertreten: Santiago Rusinol, Pau Gargallo, Antoni Gaudi , Ramon Casas, Isidre Nonell und viele andere.

Museu Picasso, Barcelona
Die Galerie wurde 1963 von Jamie Sabartes, einem engen Freund von Picasso, ins Leben gerufen und verfügt über eine der umfangreichsten Kunstsammlungen (3.500 Objekte) von Pablo Picasso.

Bilbao Guggenheim
Das Museum ist bekannt für sein postmodernistisches Architekturdesign und spezialisiert sich auf zeitgenössische Kunstformen wie Installation, Video und Film sowie Malerei, Skulptur und Assemblage.

Prado Museum, Madrid
Hier befindet sich die weltbeste Sammlung spanischer Malerei mit Meisterwerken von El Greco, Murillo, Ribera, Zurbaran und anderen alten spanischen Meistern. Zu den Highlights zählen: Las Meninas von Velazquez; und Nude Maja von Goya.

Reina Sofia, Madrid
Das spanische Nationalmuseum für Kunst des 20. Jahrhunderts besitzt bedeutende Bestände der beiden größten spanischen Maler des 20. Jahrhunderts – Pablo Picasso und Salvador Dali, einschließlich des berühmten Antikriegsgemäldes Guernica . Weitere vertretene Künstler sind Juan Gris, Joan Miro, Eduardo Chillida, Antoni Tapies und andere.