Spanische Malerei:
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Die Größe Spaniens in der Malerei manifestiert sich in einigen wenigen Künstlern, die ihre Mitstreiter so weit überragten, dass sie die Spitze der europäischen Kunst besetzten. Diese sind El Greco (1541-1614), Diego Velázquez (1599-1660) und Francisco de Goya (1746-1828). Eine gewisse Ähnlichkeit zwischen ihrer Bedeutung und der von Rembrandt in den Niederlanden und Rubens in den Spanischen Niederlanden kann festgestellt werden, obwohl es in den Niederlanden, sowohl im Norden als auch im Süden, nicht nur eine größere Anzahl weniger Alter Meister und mehr Künstler gab, die eine größere Originalität auf herausragendem Niveau zeigten, sondern auch eine konsequentere Linie der Entwicklung.

Es ist möglich, spanische Künstler wie Ribera und Zurbarán im Vergleich zu dem deutlich größeren Trio zu unterschätzen, aber der Verlauf der spanischen Kunst ist gebrochen und schwankend, abgesehen von den enormen Leistungen einiger weniger Personen. Wenn wir die Ursache in der Frühgeschichte suchen, müssen wir bis in die Zeit zurückgehen, als der größte Teil der Iberischen Halbinsel unter der Herrschaft der muslimischen Invasoren stand. Im Jahr 1100 hielten die Mauren noch zwei Drittel der Region besetzt.

Nach und nach eroberten die christlichen Regionen das Land zurück und errichteten in einem Viertel nach dem anderen Kirchen und ihre visuelle Botschaft. In Katalonien vermitteln Werke, die noch heute in den Museen von Barcelona zu sehen sind, die Kraft dieses aktiven Christentums in Gemälden im majestätischen romanischen Stil.

Erst gegen Ende des fünfzehnten Jahrhunderts war Spanien als Land geeint. Die Königreiche Kastilien und Aragonien wurden 1479 unter Ferdinand und Isabella vereinigt. Im Jahr 1492 wurden die Mauren aus ihrem letzten Stützpunkt Granada vertrieben. Infolge der langen Kämpfe kam es nur zu einer langsamen und ungleichmäßigen Ausdehnung des spanischen Staatsgebiets. Die Provinz Katalonien, die als erste von der muslimischen Besatzung befreit wurde, hatte einen Vorteil bei den Kontakten mit Frankreich und Italien während der Gotik im dreizehnten und vierzehnten Jahrhundert, was sich in den Werken von Ferrer Bassa (ca. 1290-1348) schwach widerspiegelt.

In den gotischen Kirchen Spaniens wurden mit der Vergrößerung der Fenster auf Kosten der Wandflächen, die zu einer Verkümmerung der Wandmalerei führte, riesige Altarbilder mit Tafeln geschaffen, die in einem Stil gemalt waren, der an die sienesische Schule der Malerei erinnerte, von Künstlern wie den Brüdern Pedro und Jaime Serra und Luis Borraza (gest. 1424).

Das fünfzehnte Jahrhundert brachte den Einfluss der großen Schule der flämischen Malerei, die durch den Besuch von Jan van Eyck eingeläutet wurde, der, wie später Rubens, die Funktionen des Diplomaten und des Malers vereinte. Der flämische Einfluss auf die spanischen Maler der Renaissance ist deutlich sichtbar in „dem Heiligen Dominikus von Silos“ (Prado) von Bartolomé Bermejo (tätig 1474-95). Aber der Kontakt mit der italienischen Kunst der Renaissance, der anderswo so fruchtbar war, war begrenzt. Eine Ausnahme bildete Pedro Berruguete (1450-1504), der in Urbino zur gleichen Zeit wie Piero della Francesca (1420-1492) arbeitete. In dieser inspirierenden Atmosphäre wurde sein Formensinn geschärft, aber er verließ Urbino nach dem Tod des Herzogs Federigo im Jahr 1482, und der Kompromiss - und einige Konflikte - zwischen der provinzialisierten flämischen Manier und den Lehren Umbriens sind in seinem späteren Werk offensichtlich.

16. Jahrhundert: die religiöse Kunst von El Greco

Im 16. Jahrhundert, als Spanien zu einer Weltmacht geworden war, die über ausgedehnte Besitztümer und Reichtümer in der Neuen Welt sowie über ganz Europa verstreute Besitztümer verfügte, hätte man erwarten können, dass eine kraftvolle nationale Schule der Malerei entstehen würde, die den etwas zögerlichen oder nachahmenden Charakter, den die Malerei Spaniens bis dahin hatte, verändern würde. Dies erwies sich jedoch nicht als der Fall. Während des größten Teils des sechzehnten Jahrhunderts blieb die Malerei geistlos. Sowohl Kaiser Karl V. als auch sein Sohn Philipp II. von Spanien waren Kunstmäzene, aber die großen Venezianer, insbesondere Tizian, fanden ihr größtes Interesse. Philipp schätzte auch die Fantasien von Hieronymus Bosch (1450-1516) - obwohl der höhere spanische Klerus in diesen seltsamen Gemälden aus den Niederlanden Ketzerei vermutete.

Porträts erhielten eine gewisse Förderung, aber es war der internationale Hofmaler Antonis More (1519-1576) aus Utrecht - oder Antonio Moro, wie er in Spanien genannt wurde - ein flämischer Meister mit einem an Tizian angelehnten Stil, den Philipp II. nach England schickte, um ein Porträt von Mary Tudor zu malen.

Philipp hatte jedoch zwei spanische Hofmaler, Alonso Sanchez Coelho (ca. 1531-1388), der seinen Stil auf der Grundlage des Stils von Moreau formte, und seinen Schüler, Juan Pantoja de la Cruz (1551-1608), der ihm folgte. Ihre Porträts sind würdevoll, mit einem Element von feierlicher Schlichtheit, das durch die detailreiche Kleidung betont wird, und geben einen Hinweis auf das, was Velázquez später erreichen sollte.

Das sechzehnte Jahrhundert war jedoch nicht nur das Zeitalter des materiellen Glanzes Spaniens, sondern auch das Zeitalter des großen Kampfes der Religionen, in den das Land unter der Herrschaft eines unerbittlichen Fanatikers verwickelt war. Die Ursache für diesen Fanatismus und die daraus resultierende Grausamkeit und Unterdrückung ist in dem jahrhundertelangen Kampf gegen die Muslime in Spanien zu suchen. Die spanischen Könige, die sich selbst als Verfechter und oberstes Bollwerk des Christentums betrachteten, sahen in der protestantischen Opposition gegen die katholische Kirche nichts anderes als die Handlungen von Ungläubigen, die genauso schlimm waren wie die Mauren und die mit der gleichen Unbarmherzigkeit behandelt werden mussten.

Die Inbrunst des religiösen Glaubens hatte noch keinen starken Ausdruck in den Bildern der christlichen Kunst gefunden, die nach den strengen Regeln der Kirche geschaffen wurden. In den Werken von Luis de Morales (ca. 1500-86) ist keine Explosion tiefer Emotionen spürbar, obwohl seine subtile Frömmigkeit in einem Stil, der von flämischen, möglicherweise in Sevilla tätigen Malern übernommen wurde, ihm den Titel „göttlich“ eingebracht hat. Doch auf den „göttlichen Morales“ folgt ein ungewöhnliches, unvorhersehbares Phänomen - das Erscheinen von El Greco . In seinen religiösen Gemälden entzündet sich die ganze Intensität des religiösen Gefühls in Spanien und bricht in ekstatische Flammen aus.

Es ist paradox, dass ein Künstler, der so viel Spanisch vermittelt, auf Kreta geboren sein soll. Und außerdem ist es seltsam, dass er, der im byzantinischen Stil dieser griechischen Insel ausgebildet wurde, die Lektionen der Hochrenaissance, die er bei Tizian und Tintoretto in Venedig gelernt hat, in sich aufgenommen hat . Bei seiner Ankunft in Spanien im Alter von etwa 36 Jahren konnte er als venezianischer Meister gelten. Aber durch die Werke der nächsten 37 Jahre, die er hauptsächlich in Toledo verbrachte, wird er untrennbar mit der Geschichte der spanischen Malerei verbunden.

In Toledo, dem spanischen Zentrum der Gegenreformation, dem Sitz der gefürchteten Inquisition und aller Leidenschaften des Glaubens, wurde die religiöse Kunst, die er in seinem riesigen, durch hohe, schmale Fenster erhellten Atelier schuf, zu einem Streben nach dem Erhabenen, einer fieberhaften Verherrlichung von Heiligen und Märtyrern, Seelendramen, die sich in langgestreckten Figuren, ruhigen Karmesin-, Blau- und Gelbtönen ausdrückten.

Sein bestes Werk, „Das Begräbnis des Grafen von Orgaz“, gemalt um 1586-88 für die Kirche Santo Tomé in Toledo, vereint himmlische Bewegung und Raum mit der statischen Strenge der Trauernden, eine Reihe von Ikonen, wie man sie sich vorstellen könnte, obwohl jedes bärtige Gesicht seinen eigenen Hinweis auf die innere Gewalt der Gefühle enthält, die unter strenger Kontrolle gehalten werden. Für seine anderen Meisterwerke siehe Die Nacktheit Christi (El Espolio) (1577); Ansicht von Toledo (1595-1600); Christus, der die Händler aus dem Tempel vertreibt (1600); Porträt eines Kardinals (1600); Porträt von Felix Hortensio Paravicino (um 1605).

17. Jahrhundert: Ribera und Velázquez

Obwohl El Greco zu seiner Zeit erfolgreich und angesehen genug war, um von seinen Nachfolgern in Toledo, wie Luis Tristan (1586-1624) und anderen, kopiert und nachgeahmt zu werden, stand eine neue Phase der spanischen Malerei bevor, ebenso wie eine neue Phase der spanischen Geschichte. Die spanische Vorherrschaft war mit der Niederlage der spanischen Armada 1588, der Abspaltung der nördlichen Niederlande und dem Tod Philipps II. im Jahr 1598 praktisch beendet. Philipp III., sein Sohn aus dritter Ehe, überließ die Verwaltung des Landes dem Herzog von Lerma, der, so eindrucksvoll er auf dem Reiterporträt von Rubens, das sich heute im Prado befindet, erscheint, öffentliche Gelder verschleuderte und Spanien in das sinnlose Elend des Dreißigjährigen Krieges stürzte.

Politische und wirtschaftliche Dekadenz kann ein langsamer Niedergang sein, in dessen Verlauf die Kunst oft ihr höchstes Niveau erreicht, obwohl zwischen beiden kein notwendiger Zusammenhang besteht, außer in der Förderung von Kunst und Literatur durch diejenigen, die ihnen mehr zugeneigt sind als der Politik. Die Kunst des spanischen Barock des siebzehnten Jahrhunderts spiegelt auf ihre Weise die gesamteuropäische Reaktion gegen den Manierismus des sechzehnten Jahrhunderts wider.

Ein Sinn für die Realität, den der Manierismus nicht bot, eine Projektion von Licht und Schatten, die eine Botschaft mit eindringlicher Kraft vermittelte, war universell. Dies lernten die spanischen Barockmaler, um eine düstere Pracht zu schaffen, in der die nationale Stimmung zu erkennen war. Der Genius des Zeitalters neigte die Künstler zum Realismus oder Naturalismus in der religiösen Kunst, indem sie gekrümmte Bauernmodelle und proletarische Typen anstelle von idealisierten Figuren einsetzten und die Qualen des Martyriums unerbittlich in grausamen Details darstellten.

Diese Züge finden sich in Italien in den Werken von Caravaggio, dessen Einfluss weitreichend war. Aber Francisco Ribalta (1565-1628), der in Solsona in Katalonien geboren wurde, obwohl er hauptsächlich mit Valencia in Verbindung gebracht wird, hatte den Stil tenebrismo bereits gepflegt, bevor Caravaggio seine Karriere begann.

Jucepe Ribera (1591-1652) war in einem Alter, in dem er beide Stile zu schätzen wusste. Er mag bei Ribalta studiert haben, aber im Alter von 25 Jahren ließ er sich in Neapel nieder, wo er als wichtigster Anhänger Caravaggios angesehen wurde. Er arbeitete für die spanischen Vizekönige in Neapel, und seine Gemälde wurden für den königlichen Hof nach Spanien geschickt. Vielleicht aus diesem Grund und um seinen Patriotismus zu bekräftigen, fügte er seiner Unterschrift gewöhnlich den Namen seines Geburtsortes „Jativa“ oder einer benachbarten Stadt „Valencia“ bei.

Im Jahr 1600 war die spanische Kolonie Neapel die zweitgrößte Stadt Europas (nach Paris) und ein wichtiges Zentrum der Gegenreformation, auch für die Künste. (Nach zwei Besuchen von Caravaggio (1606, 1609-10) wurde sie zu einem Zentrum des Caravaggismus. Siehe Malerei in Neapel (1600-1700).

Ribera stellt das Martyrium mit grimmigem Vergnügen dar. Wie Caravaggio schuf er aus dem Kontrast zwischen Licht und dichten Schatten ein gewaltiges Drama. Sein Realismus zeigt sich nicht nur in religiösen Qualen, sondern auch in alltäglichen Themen, die die Idee des Leidens oder der Hässlichkeit beinhalten. Ein Beispiel dafür ist sein Gemälde eines humpelnden Igels mit gebrochenen Zähnen in militärischer Pose, Der Junge mit dem Stummelfuß (1642, Louvre, Paris), ein herausragendes Werk seiner späteren Jahre.

So wie der Realist sich an die Massen wandte, um Typen für die religiöse Komposition zu finden, so scheint Ribera einen neapolitanischen Bettler ausgewählt zu haben, um die Aufgaben des großen Mannes der klassischen Antike zu erfüllen. Der Archimedes im Prado ist ein genialer Schurke, der ein Gewand mit vielen Flicken trägt, das grob mit Schnüren über seiner nackten Brust drapiert ist, und der, dem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, den ironischen Scherz des Künstlers teilt. Obwohl er nicht in Spanien lebte, hatte Ribera mit seinen Gemälden offensichtlich einen starken Einfluss auf die Verbreitung des Idioms des Caravaggismus, das sich von der rhapsodischen Emotionalität des Barocks deutlich unterscheidet.

Ein der Größe nahe stehender Künstler ist Francisco Zurbarán (1598-1664). Als Junge arbeitete er im Atelier des sevillanischen Malers Juan de las Roelas (ca. 1560-1625), der realistische Tendenzen in die sevillanische Malerei einführte, die im Gegensatz zum damals vorherrschenden, aus Rom entlehnten Manierismus standen.

Zurbarán, der sich in Sevilla niederließ, hatte schon früh Erfolg: Kirchen und Klöster überhäuften ihn mit Aufträgen für fromme und andächtige Gemälde. Im mittleren Alter ließ seine Popularität jedoch nach. Der leichte Stil der Barockmalerei, der von dem jungen Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) propagiert wurde, führte eine sentimentale Religiosität ein, die im Gegensatz zu seinem realistischen Genre stand und der sich Zurbarán nicht anpassen konnte.

Wie originell er war, ist eine vergleichsweise moderne Entdeckung. Die düsteren Schatten von Ribera und der neapolitanischen Schule halfen ihm, die Trostlosigkeit der klösterlichen Meditation darzustellen. Im Gegensatz zu El Greco stellte er einen Heiligen oder einen Mönch dar, der meditiert, anstatt himmlische Visionen zu haben. Er vermittelte die Psychologie frommer Menschen, die den Tod betrachten, gemäß den jesuitischen Regeln. Seine realistische Einstellung ermöglichte es ihm auch, Stillleben zu schaffen, in denen die Betrachtung der materiellen Substanz fast so intensiv ist wie eine religiöse Übung.

Vor diesem sevillanischen Hintergrund erscheint Diego Rodríguez de Silva y Velázquez zum ersten Mal . Eine Reihe von Verbindungen zu seinen Zeitgenossen ermöglichte ihm eine realistische Sicht der Dinge. Er teilte eine allgemeine Begeisterung für Caravaggio oder zumindest für die Auswirkungen seines Stils. Sein Studium der Stillleben war ebenso intensiv wie das von Zurbarán, einem Freund seiner Jugend. Jede Rille im Krug seiner „Wasserträger in Sevilla“ (um 1618-22, Apsley House, London) ist so sorgfältig gezeichnet, wie ein Porträtist die Falten eines menschlichen Gesichts zeichnen würde.

In Riberas Stil stattete er seine zeitgenössischen Figuren mit den Namen antiker Persönlichkeiten aus - dem Philosophen Menippus, dem Fabeldichter Äsop. Er zögerte auch nicht, die traurigen Grotesken und Zwerge am Hof Philipps IV. so realistisch darzustellen wie Ribera den lüsternen Jungen. Die Bodegones oder „Küchengemälde“ seiner frühen Jahre in Sevilla stellen ihn in die Nähe von Caravaggio, und seine frühen religiösen Bilder weisen Parallelen zu denen von Zurbarán auf; aber ab einem bestimmten Punkt hört er auf, den anderen zu ähneln, und wird im Stil völlig individuell.

Mit wenigen Ausnahmen - siehe Der gekreuzigte Christus (1632, Prado) - hören religiöse Themen auf, ihn zu beschäftigen (vielleicht nicht ganz zum Bedauern eines Realisten, der in menschlichen Angelegenheiten aufgeht), nachdem er zum Hofmaler Philipps IV. ernannt wurde

Danach wurde die Porträtmalerei seine Hauptaufgabe, aber er zeigt eine bemerkenswerte Vielfalt an Themen. Unter den Malern des religiösen Spaniens war er der einzige, der sich der mythologischen Malerei zuwandte, wenn auch, wie Rembrandt, mit anti-idealistischer Gesinnung. Seine erste Komposition, die die Aufmerksamkeit des Hofes auf sich zog, war Triumph des Bacchus (1628, Prado), auch bekannt als Dopers . Die klassische Anspielung war jedoch nur ein Vorwand für ein so lebendiges Bild, wie es jemals von einer Gruppe spanischer Bauern gemalt wurde.

Die Mythologie erlaubte die Darstellung eines männlichen Aktes, eine Seltenheit in der spanischen Kunst, abgesehen von der hängenden und ausgemergelten Gestalt Christi am Kreuz. Die Schmiede des Vulkan (1630) und Mars (1639-41), beide im Prado, waren Sujets, die es Velázquez erlaubten, der männlichen Figur gerecht zu werden, aber noch bewundernswerter ist Rokebys Venus (1647-51, National Gallery, London), die ebenso wenig mythologisiert ist wie Rembrandts Dänen .

Das Mysterium des Raums und der Beziehung der Gegenstände beschäftigt ihn in Meninas (1656, Prado), einem der größten Porträtgemälde, in dem der Künstler an seiner großen Leinwand quer durch den Raum auf sich selbst blickt, wie er auf seiner Leinwand malt, während der König und die Königin, die ihm über die Schulter schauen, sich in einem Spiegel am gegenüberliegenden Ende des Raums spiegeln.

Ein komplexes Thema wird auch in der abwechslungsreichen Handlung „Tapisserieweber“ (Las Hilanderas) (1659, Prado) entwickelt. Zu seinen besten Beispielen der Historienmalerei gehört „Die Kapitulation von Breda“ (Las Lanzas) (1635, Prado), das einen der flüchtigen Siege Spaniens in der verlorenen Schlacht mit den rebellischen Provinzen der Niederlande darstellt und zeigt, wie Justin von Nassau 1625 die Schlüssel der Stadt an den spanischen Feldherrn Spinola übergibt. Das Bild, das etwa zehn Jahre nach diesem Ereignis gemalt wurde, ist nicht nur wegen seiner Gestaltung berühmt, sondern auch wegen des freundschaftlichen Austauschs von Höflichkeiten, der im Verhalten von Sieger und Besiegtem zum Ausdruck kommt und in dem etwas von Velázquez’ eigener geistiger Großmut die Übertragung des Ereignisses gefärbt haben mag. Diesen Großmut zeigte er mit der gleichen Höflichkeit gegenüber seinen Zuschauern, ob es sich nun um den Hofzwerg, den dummen Narren, die Infantin oder den melancholischen König selbst handelte.

Velázquez konnte während seiner beiden Italienaufenthalte Rubens persönlich kennen lernen und die Werke der Renaissancemeister studieren, ohne auch nur ein Jota von seinem ganz eigenen Malstil abzuweichen. In seinen reifen Werken ist es nicht mehr die Dunkelheit des Schattens, die den Betrachter trifft, die ihm eigen ist.

In seinen reifen Werken ist es nicht mehr die Dunkelheit des Schattens, die dem Betrachter auffällt, sondern die Farbe, die mit unendlicher Ansprache in glitzernden, von silbrigem Grau abgesetzten Strichen eingesetzt wird. Was in den Porträts von Sanchez Coelho eine bloße Nachahmung des Musters eines reichen Kleides war, wird in Velázquez’ barocken Porträts von Philipps IV. zweiter Gemahlin, Marianne von Österreich, und der Infantin Margarita zu einer chromatischen Vibration von Blau, Rosa und Grau. In diesen und in zwei kleinen Ansichten der Gärten der Villa Medici, die bei seinem zweiten Besuch in Italien entstanden, gibt er einen Vorgeschmack auf das, was später die Methode des Impressionismus wurde.

Die letzten und besten Barockgemälde waren die von Velázquez, der keinen bedeutenden Einfluss auf die spanische Malerei hinterließ. Sein Schüler und Schwiegersohn Juan Bautista del Mazo (ca. 1612-1667) kopierte ihn in einer oberflächlichen Art und Weise, die in der Vergangenheit zu einigen irrtümlichen Zuschreibungen an Velázquez selbst geführt hat. Juan Pareja (ca. 1606-70), der Diener von Velázquez, ahmte ihn ebenfalls nach. Jahrhundert erlebte die spanische Kunst eine weitere Periode des Niedergangs, auch wenn das Land in einer Zeit der friedlichen Reaktion nach Kriegen, in denen ein Besitz nach dem anderen verloren ging, zeitweise wieder zu Wohlstand kam.

18. Jahrhundert: Goya ist ein Volkskünstler

Die Hofmaler von Philipp V. (1683-1746), dem ersten spanischen König der Bourbonendynastie, waren Franzosen (Ranck, Ouasset, Van Loo). Sein Sohn Ferdinand VI. (1713-1759) bevorzugte italienische Künstler (Amiconi, Giacinto). Lange Zeit mangelte es an einheimischen Talenten, mit Ausnahme von Luis Meléndez (1716-1780), der die spanische Tradition der Zurbarán-Stillleben gekonnt fortsetzte, und Sánchez Cotán (1560-1627). Dann kommt wieder ein ungewöhnliches, unvorhersehbares Phänomen in der Person von Francisco de Goya (1746-1828).

Spanien erlebte zu Goyas Zeit einen dramatischen Schicksalswandel. Der wohlwollende Despotismus Karls III., der die Nachfolge Ferdinands VI. antrat und von 1759 bis 1788 regierte, brachte wirtschaftliche Stabilität. Die Rücksichtslosigkeit von Karl IV., dem Nachfolger Karls III., beendete den Wohlstand und ebnete den Weg für die Invasion Napoleons und die damit verbundenen Schrecken.

Die Veränderungen, die vor der Französischen Revolution und in der darauf folgenden Zeit stattfanden, betrafen ganz Europa in einem größeren Maßstab. Kein großer Künstler hat diese unruhige Zeit durchlebt, ohne in gewissem Maße ihre Stürme und Belastungen widerzuspiegeln. Goya veranschaulicht dies auf dramatische Weise.

Wenn El Greco ein Künstler der Kirche und Velázquez ein Künstler des Hofes war, so unterschied sich Goya von ihnen darin, dass er ein Künstler des Volkes war. Zwischen ihm und Velázquez besteht ein auffallender Kontrast. Letzterer war im Grunde ein großer Herr wie Rubens, führte ein Leben in aristokratischer Ruhe im Escorial, malte im kühlen Zwielicht eines vom Sonnenlicht geschützten Raumes, ließ sich von den Ereignissen der Außenwelt nicht stören und war vielleicht umso mehr von den nationalen Problemen Spaniens losgelöst, als er der Sohn eines portugiesischen Vaters war.

Goya, der Sohn eines spanischen Handwerkers aus einer Kleinstadt, Josef Goya, eines Vergoldermeisters in Fuentetodos in Aragonien, hatte eine Vielzahl von Erfahrungen und war so sensibel für die Ereignisse, dass sein Werk eine ganze Geschichte eines Zeitalters der Gewalt darstellt. Das letzte Aufflackern des Rokoko des Ancien Régime spiegelt sich in Gemälden wider, die für die Vervielfältigung auf Wandteppichen bestimmt sind und Szenen des spanischen Lebens und der Unterhaltung mit einem Hauch des dekorativen und theatralischen Stils von Tiepolo darstellen. Doch die Französische Revolution veranlasste ihn zu einer kritischen Haltung gegenüber dem Hof und dem Klerus, und obwohl er im mittleren Alter zunächst Hofmaler von Karl III. und dann von Karl IV. war, blieb die revolutionäre Strömung in seinem Denken erhalten, was in seinen Zeichnungen und Radierungen kritisch zum Ausdruck kommt.

Verbittert durch die Taubheit nach einer Krankheit in seinen Fünfzigern, empfand er die Grausamkeit des Krieges und der Besatzung, von der er sein unsterbliches Zeugnis ablegte, noch stärker. Da Karl IV. und sein Sohn Ferdinand die Franzosen förmlich dazu eingeladen hatten, die Macht in die eigenen Hände zu nehmen, indem sie ihre Streitigkeiten der napoleonischen Schiedsgerichtsbarkeit unterwarfen, ist es nicht verwunderlich, dass Napoleon beide durch seinen eigenen Kandidaten aus der Familie, Joseph, ersetzte, oder dass Goyas Porträts von ihnen den Eindruck von Schwachsinn vermitteln, der gnadenlos karikiert wird.

„Rembrandt, Velázquez und die Natur“ - so fasste Goya selbst die Quellen seiner Inspiration zusammen. Eine Reminiszenz an Rembrandts Helldunkel findet sich in den Schatten seiner Gefängnisszenen ; der Einfluss von Velázquez in den exquisiten Grautönen des posthumen Porträts (Prado) seines Schwagers, des Malers Francisco Bayeu. Mit der Darstellung einer Lende und eines Widderkopfes auf der Metzgertheke wählte Goya ein für ein Stillleben ebenso unkonventionelles Thema wie Rembrandts „Geschlachteter Stier“.

Seine Hingabe an die „Natur“ kann als ein Interesse am menschlichen Leben in all seinen Aspekten und nicht an der Landschaftsmalerei gesehen werden, aber die „Natur“ hatte auch eine besondere Bedeutung für ihn. Die Gegenstände, die wir sehen, so stellte er fest, haben keine festen Umrisse. Indem er in seinen Bildern auf Umrisse verzichtete, nahm er ein wesentliches Moment der impressionistischen Technik vorweg.

In anderer Hinsicht war er mit der französischen Kunst des neunzehnten Jahrhunderts verbunden oder von ihr beeinflusst. Die unheimlichen Gruppen, die er in seinen letzten Lebensjahren im Expressionismus malte und die möglicherweise durch seine Taubheit verursacht wurden, verbinden ihn mit Honoré Daumier (1808-1879). Der dritte Mai 1808 veranlasste Édouard Manet (1832-1883), die Hinrichtung Kaiser Maximilians in einer ähnlichen Komposition zu malen. Im Vergleich dazu hat Goya den Vorteil, dass er den unmittelbar erlebten Schock vermittelt und nicht, wie Manet, das historische Ereignis aus der Ferne darstellen muss. Seine mythologische Malerei war besonders phantasievoll: siehe zum Beispiel Koloss (1808-12, Prado, Madrid) und das entsetzliche Saturn verschlingt seinen Sohn (1821, Prado, Madrid).

19. und 20. Jahrhundert

Im 19. Jahrhundert, nach Goya, war die Kunst in Spanien wieder ein ungepflügtes Feld, und erst um die Jahrhundertwende erschien der stimmungsvolle „Sonnenlicht“ Impressionismus des katalanischen Malers Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923). Doch im 20. Jahrhundert kam es nach einer langen Pause zu einer weiteren außergewöhnlichen Entwicklung, diesmal in einem internationalen Kontext.

Die wichtigste Figur der spanischen Malerei des 20. Jahrhunderts ist Pablo Picasso (1881-1973). Wie Goya ist ein Großteil von Picassos Werk biografisch geprägt, obwohl er den größten Teil seines Lebens in Frankreich verbrachte. Am bekanntesten ist er als Erfinder des Kubismus (mit Georges Braque), der vielleicht einflussreichsten aller Bewegungen der modernen Kunst, sowie für ikonische Bilder wie: „Les Demoiselles d’Avignon“ (1907, Museum of Modern Art, New York) und „Guernica“ (1937, Reina Sofia, Madrid), war er ein äußerst einflussreicher und produktiver Künstler in einer Vielzahl von Bereichen.

Nach 1940 erlangte sein Werk jedoch nie wieder seinen früheren Ruhm. Neben Picasso und Braque in der Pariser kubistischen Bewegung in der Zeit von ca. 1910-20 war er“ ein sehr einflussreicher Künstler. 1910-20 war Juan Gris (1887-1927), (geboren als José Victoriano González), der führende Theoretiker des Kubismus, in den er die Collage und die lebhafte Farbe einführte. Er starb jung an Herzasthma. Der sechs Jahre jüngere Juan Miró (1893-1983) aus Barcelona wandte sich zunächst dem Surrealismus zu, in den er eine Reihe faszinierender phantastischer, später biomorpher abstrakter Bilder einführte. Obwohl er gelegentlich gegenständliche Werke schuf, konzentrierte er sich auf die abstrakte Kunst. Fast bis zu seinem Lebensende experimentierte er und schuf eine bemerkenswerte Serie blauer monochromer Gemälde (1961, Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Pompidou, Paris).

Der vielleicht ungewöhnlichste spanische Maler des 20. Jahrhunderts war Salvador Dalí (1904-1989), ein Klassizist, der zum Surrealisten wurde und das beeindruckend klingende Konzept „der kritischen Paranoia“ erfand, um den Automatismus in der Malerei zu erklären. Dalí, der für seine bizarren, halluzinatorischen Bilder bekannt ist, arbeitete auch in vielen anderen Medien, darunter im Film. Trotz seines langen Lebens war er nie in der Lage, seine Gemälde aus den 1930er Jahren zu verbessern.

Antoni Tapies (geb. 1923) ist der bedeutendste spanische Maler der Nachkriegszeit. Nach seiner Faszination für den Surrealismus begann er, in Anlehnung an Joan Miró und Paul Klee, mit gemischten Materialien zu arbeiten und entwickelte einen Stil Malerei der Materie . 1958 erhielt er den Preis für Malerei beim Carnegie International Festival in Pittsburgh und den UNESCO-Preis bei der Biennale in Venedig.

Andere bemerkenswerte spanische Bildhauer und Maler

Alonso Berruguete (ca. 1486-1561)
Führender spanischer Maler und Bildhauer der manieristischen Periode.

Juan de Juni (1507-1577)
Französischer Künstler, der in Spanien arbeitete; wird als Alonso Berruguete bezeichnet.

Juan Martínez Montañez (ca. 1568-1649)
Größter spanischer Bildhauer des Barock, bekannt für seine religiösen Holzschnitzereien.

Alonso Cano (1601-1667)
Spanischer Maler, der wegen seiner Vielseitigkeit den Spitznamen „der spanische Michelangelo“ erhielt.

Die größten Gemälde der spanischen Künstler

Juan de Juanes (Vicente Juan Masip) (1510-1579)
Führender Maler von Valencia im späten 16. Bekannt für seinen italienischen Malstil mit niederländischem Einschlag.
Das letzte Abendmahl (ca. 1560) Prado, Madrid.

El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (1541-1614)
Dreifaltigkeit (1577-9) Prado.
Begräbnis des Grafen von Orgaz (1586) Kirche von Santo Tomé, Toledo.
Porträt eines Kardinals (1600) Metropolitan Museum of Art, New York.
Ansicht von Toledo (1610) Metropolitan Museum of Art, New York.

Juan Sánchez Cotán (1560-1627)
Der in der Provinz La Mancha geborene Cotán spezialisierte sich auf ultra-realistische Stillleben.
Stillleben mit Wild (um 1602) Art Institute of Chicago.

Francisco Ribalta (1565-1628)
Sein Realismus veränderte den spanischen Barock und ebnete den Weg für Velázquez, Ribera und Zurbarán. Es war sein größtes Meisterwerk.
Christus umarmt den Heiligen Bernhard (1625-27) Prado.

Jucepe de Ribera (1591-1652)
Porträt des Archimedes (1630) Prado.
Heilige Dreifaltigkeit (1635) Prado.
St. Paulus der Einsiedler (1640) Prado.
Knabe mit einem Klumpfuß (1642) Louvre, Paris.

Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Christus am Kreuz (1627) Art Institute of Chicago.
Unbefleckte Empfängnis (1630-35) Prado.
Stillleben mit Orangen und Zitronen (1633) Fondazione Contini-Bonacossi.

Diego Velázquez (1599-1660)
Schmiede des Vulkans (1630) Prado.
Christus am Kreuz (1632) Prado.
Kapitulation von Breda (Las Lanzas) (ca. 1635) Prado.
Porträt von Papst Innozenz X. (1650) Galleria Doria Pamphili, Rom.
Las Meninas (1656) Prado.

Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682)
Junger Bettelknabe (1645) Louvre, Paris.
Anbetung der Hirten (1646-50) Eremitage, St. Petersburg.
Rosenkranzmadonna (1649) Prado, Madrid.
Erscheinung des Jesuskindes vor dem Heiligen Antonius von Padua (1656) Kathedrale von Sevilla.
Mädchen und ihr Duenna (1670) National Gallery of Art, Washington.
Unbefleckte Empfängnis Escorial (1678) Museo del Prado, Madrid.

Francisco Goya (1746-1828)
Maya-Akt (Maya de Nuda) (1800) Prado.
Porträt von Karl IV. und seiner Familie (1800) Prado.
Koloss (1810) Prado.
Dritter Mai 1808 (1814) Prado.
Saturn verschlingt seinen Sohn (1823) Prado.
Invention Serie (Gemälde, 1793)
Caprices Serie (Radierungen, 1799)
Disasters of War Serie (Aquatinten, 1812-15)
Black Paintings Serie (14 Fresken, 1820-23)

Mariano Fortuny i Carbo (1838-1874)
Ein führender katalanischer Maler des 19. Jahrhunderts, der hauptsächlich in Italien tätig war und durch diese und andere Werke internationalen Ruhm erlangte.
La Vicaria (Spanische Hochzeit) (1870) Museum für Moderne Kunst, Barcelona.
Akt am Strand von Portici (1874) Prado.

Ramon Casas (1866-1932)
Der katalanische Künstler Casas war neben Santiago Rusinol einer der führenden Vertreter des katalanischen Modernismus (ca. 1888-1911).
Chica in einer Bar (1892) Museo de la Abadia, Montserrat, Spanien.

Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923)
Der von Velázquez und Goya beeinflusste spanische Maler Sorolla wurde durch seinen Sozialrealismus international bekannt, bevor er einen eher impressionistischen Stil annahm.
Trauriges Erbe (1899) Caja de Ahorros de Valencia.

Ignacio Zuloaga (1870-1945)
Nachdem er sich in den frühen 1890er Jahren in Paris für den Impressionismus interessiert hatte, kehrte er nach Spanien zurück, wo er sich von den reichen Farben und der traditionellen Kleidung Andalusiens inspirieren ließ.
Gräfin Mathieu de Noailles (1913) Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Pablo Picasso (1881-1973)
La Vie (Leben) (1903) Cleveland Museum of Art.
Blauer Akt (um 1904) Picasso-Museum, Barcelona.
Junge mit Pfeife (1905) Privatsammlung.
Mädchen im Hemd (1905) Sammlung Tate, London.
Porträt von Gertrude Stein (1906) Metropolitan Museum of Art, New York.
Avignon Demoiselles (1907) Museum of Modern Art, New York.
Porträt von Ambroise Vollard (1909-10) Metropolitan Museum of Art, New York.
Frau in Weiß (1923) Metropolitan Museum of Art, New York.
Akt, grüne Blätter und Büste (1932) Privatsammlung.
Guernica (1937) Museo del Prado, Madrid.
Weinende Frau (1937) Tate Modern Gallery, London.

José Solana (1886-1945)
Der in Madrid geborene und an der Akademie ausgebildete Solana beteiligte sich an der Bewegung „Generation 1898“.
„Clowns“ (1919) Museum des Kunstzentrums Königin Sofia, Madrid.

Juan Gris (1887-1927) führender Theoretiker des Kubismus.
Porträt von Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Landschaft in Keret (1913) Moderna Museet, Stockholm.

Juan Miró (1893-1983)
Der Bauernhof (1921-2) National Gallery of Art, Washington, D.C.
Ankunft des Harlekin (1924-5) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York.
Hund bellt den Mond an (1926) Philadelphia Museum of Modern Art.
Frau (1934) Privatsammlung.

Salvador Dalí (1904-1989)
Permanenz der Erinnerung (1931) Museum of Modern Art.
Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (1936), Philadelphia Museum of Art.
Versuchung des Heiligen Antonius (1946), Königliche Museen, Brüssel.
Auflösung der Beständigkeit der Erinnerung (1952-4) Salvador Dali Museum, St. Petersburg, Florida, USA.

Antoni Tapies (geb.1923)
Weiß und Orange (1967) Privatsammlung.

Manolo Migliares (*1926-1972)
Einer der Gründer der Avantgardegruppe „El Paso“ („Step“), der auch mit den Informellen in Verbindung gebracht wurde. Er ist vor allem für seine Collagen bekannt, für die er Sand, Zeitungsschnipsel, Holz und Textilien verwendete.
Malerei 150 (1961) Sammlung Tate, Liverpool.

Sammlungen spanischer Kunst

Werke spanischer Meister sind in vielen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen, insbesondere in den folgenden:

Museu Nacional de Arte de Catalunya, Barcelona (MNAC)
Das Museu Nacional de Arte de Catalunya wurde 1995 eröffnet und vereint die Bestände des ehemaligen Museu de Arte de Catalunya und des Museums für moderne Kunst. Zu den vertretenen katalanischen Malern und Bildhauern gehören: Santiago Rusinol, Pau Gargallo, Antonio Gaudi, Ramon Casas, Isidre Nonel und viele andere.

Picasso-Museum, Barcelona
Die 1963 auf Initiative von Jamie Sabartes, einem engen Freund Picassos, gegründete Galerie verfügt über eine der umfangreichsten Kunstsammlungen (3.500 Objekte) von Pablo Picasso.

Bilbao Guggenheim
Das für seine postmoderne Architektur bekannte Museum ist auf zeitgenössische Kunstformen wie Installationen, Video und Film sowie Malerei, Bildhauerei und Assemblage spezialisiert.

Museo del Prado, Madrid
Dieses Museum beherbergt die weltweit bedeutendste Sammlung spanischer Malerei mit Meisterwerken von El Greco, Murillo, Ribera, Zurbarán und anderen alten spanischen Meistern. Zu den wichtigsten Exponaten gehören „Las Meninas“ von Velázquez und „Nackte Maya“ von Goya.

Reina Sofia, Madrid
Das Nationalmuseum für die Kunst des 20. Jahrhunderts in Spanien, das bedeutende Sammlungen von zwei der größten Künstler des 20. Jahrhunderts, Pablo Picasso und Salvador Dalí, beherbergt, darunter das berühmte Antikriegsbild Guernica . Weitere vertretene Künstler sind Juan Gris, Joan Miró, Eduardo Chillida, Antoni Tapies und andere.