Expressionistische Bewegung: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen

Einführung

Expressionismus war sicherlich keine Schule, in dem Sinne, dass es nicht darum ging, dass eine Reihe von Künstlern auf der Grundlage eines bestimmten Programms eine Gruppe bildete und sich denselben Techniken widmete. Vielmehr stellt der Expressionismus einen Geisteszustand dar, der im intellektuellen Bereich nicht nur die Poesie und Malerei, sondern auch die Prosa, die Architektur, das Theater, die Musik, die Wissenschaft, die Universität und die Schule reformiert hat.

Zu den anerkannten Pionieren des Expressionismus gehört der autobiografische Maler Van Gogh (1853–1890), der Symbolist Paul Gauguin (1848-1903) und der primitivistische deutsche Porträtkünstler Paula Modersohn-Becker (1876 & ndash; 1907).

Die Geschichte des Begriffs "Expressionismus"

Das vor uns liegende Problem besteht darin, den Begriff Expressionismus zu definieren und herauszufinden, wie er entstanden ist. Viele Autoren behaupten, dass es über Willhelm Worringer, den Autor von Abstraction and Empathy , nach Deutschland gelangte, der es angeblich 1911 zum ersten Mal benutzte.

Andere hingegen verleihen diese Ehre dem Kunsthändler und Herausgeber Paul Cassirer (1871-1926), der 1910 vor einem Bild von Paul Cassirer angekündigt haben soll Max Pechstein (1881-1955) als Antwort auf die Frage, ob dies ein Beispiel des Impressionismus war, dass es ein Beispiel des Expressionismus war . Infolge dieses Witzes soll der Begriff in künstlerischen Kreisen in Mode gekommen sein, bevor er sich in die Nachrichtenspalten der Zeitschriften verbreitete.

In ihrem Bemühen um Genauigkeit haben Forscher versucht, sich weiter mit seiner Etymologie zu befassen. Armin Arnold hat zum Beispiel gezeigt, dass im Juli 1850 eine englische Zeitung, Tail’s Edinburgh Magazine , in einem anonymen Artikel eine expressionistische Schule erwähnt moderne Kunst und dass Charles Howley 1880 in Manchester der Moderne einen Vortrag widmete, in dessen Herzen er die Moderne identifizierte expressionistische Maler Mit diesem Begriff beschreiben sie diejenigen, deren Absicht es war, ihre Gefühle und Leidenschaften auszudrücken. In den Vereinigten Staaten erschien nach Angaben von Armin Arnold 1878 eine Gruppe von Schriftstellern, die sich Expressionisten nannten, in einem Roman von Charles de Kay, The Bohemian .

Tatsächlich entspricht dieser angelsächsische Gebrauch keineswegs einer Beschreibung eines klar definierten Stils oder einer bestimmten künstlerischen Tendenz. Gleiches gilt für Frankreich, wo der mittelmäßige und weitgehend vergessene Maler Jules – Auguste Herve unter der Überschrift Expressionnismes acht seiner Gemälde aus der Zeit des 19. Jahrhunderts ausstellte Salon des Independants Offensichtlich wurde das Wort in Bezug auf den Impressionismus und als Reaktion darauf geprägt. Aber anders als in Deutschland oft behauptet, ist es im französischen Alltag genauso ungewöhnlich geblieben wie in der Kunstkritik. Seine Verwendung ist umso außergewöhnlicher geblieben, als Jules-Auguste Herve in der Geschichte von keine denkwürdigen Spuren hinterlassen hat Französische Malerei . Darüber hinaus deutete die Verwendung des Plural anstelle des Singular darauf hin, dass er nicht daran dachte, ihn als ästhetische Bewegung zu fördern. Siehe auch: Geschichte der expressionistischen Malerei (c.1880-1930).

Der Expressionismus ist keine französische Kunstbewegung

Zu Recht daher 1919 in der Zeitschrift Das Kunstblatt der berühmte Kunsthändler Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) griffen die in ganz Deutschland verbreitete Idee an, der Expressionismus sei französischen Ursprungs. Dieser Begriff, betonte er, sei in Frankreich nicht verbreitet und der bildenden Kunst völlig fremd. Er wusste, wovon er sprach, weil er ein leidenschaftlicher Förderer neuer Talente und einer der einflussreichsten war Kunstsammler , er wurde zum Heft in der Pariser Kunstwelt eingebettet. Diese Sorge um die Genauigkeit wurde ihm durch den Wunsch diktiert, die Verwirrung zu zerstreuen, die jedes ästhetische Urteil verfälschte. Er antwortete insbesondere Theodor Daubler, der fast bis zur Gründung reichte Matisse (1869-1954) als der authentische Führer des Expressionismus und der behauptete, ohne Zweifel den Begriff zu verwechseln mit Fauvismus , wofür er ja verantwortlich war, dass der Kritiker Louis Vauxcelles (1870-1943) war der Urheber dieser neuen Beschreibung von Matisse.

Tatsächlich war die Anspielung von Theodor Daubler auf Matisse nicht völlig unbegründet. Wenn man den Namen Matisse nennt, um die Richtung zu beschreiben, die die deutsche Malerei seit einiger Zeit eingeschlagen hat, erkennt man darin bestimmte Merkmale, von denen er tatsächlich der Vorläufer war, nachdem er sich vom Neoimpressionismus losgesagt hatte: Ein Werk kopiert nicht Natur; es ist eine Ablehnung aller Zwänge; es ist irrational und entspringt dem Temperament des Schöpfers, im Gegensatz zu den Ansprüchen der Positivisten und der Wissenschaftler; es verkörpert eine Beziehung mit Farbe das ist aggressiv und von einer unbekannten Kraft befohlen. Während Matisse im Winter 1908 in Berlin das Recht auf die erste bedeutende Ausstellung seiner Werke in Deutschland hatte, veröffentlichte Kunst und Kunstler 1909 seine Painter’s Notes , die im Dezember 1908 in der Grande Revue erschienen waren. Hier behauptete er individualistisch und subjektiv zu sein, und schrieb, "was ich vor allem suche, ist ein Ausdrucksmittel." Es ist nicht unmöglich, dass dieses Eingeständnis von Matisse, obwohl es von anderen Aussagen begleitet ist, die mit den Bestrebungen der deutschen Maler, die gewöhnlich als Expressionisten bezeichnet werden, eher unvereinbar sind, zur Bildung des Gattungsbegriffs Expressionismus führte.

Berliner Sezession Ausstellung (1911)

Die Ankunft des Wortes in der Öffentlichkeit erfolgte jedoch weder durch eine Anleihe aus dem englischsprachigen Raum noch durch einen Verweis auf Jules-Auguste Herve oder Matisse. Die Gelegenheit ergab sich durch eine Ausstellung: die Berliner Sezession , die von April bis September 1911 stattfand. Unter der Leitung von Luis Corinth wurde die impressionistische Tradition fortgesetzt, aber ungewöhnlich wurden neue französische Maler eingeladen. In einem Raum waren Bilder von Andre Derain (1880-1954), Kees van Dongen (1877-1968), Raoul Dufy (1877-1953), Orthon Friesz (1879-1949), Henri-Charles Manguin (1874-1949), Charles Camoin (1879-1965), Albert Marquet (1875-1947), Pablo Picasso (1881-1973) und Maurice de Vlaminck (1876-1958). Sie wurden als Expressionisten in den Katalog aufgenommen.

Wer war für diese Beschreibung verantwortlich? Es ist heute schwierig, die Antwort darauf zu finden. Es ist jedoch sicher, dass es nicht von den betroffenen Malern stammt, wie lange in Deutschland gedacht wurde. Kurt Hiller glaubte in seinen nach 1945 verfassten Memoiren nach wie vor an die Legende, dass der Begriff von jungen französischen Malern aus dem Ecole de Paris , die mit dem Impressionismus unzufrieden waren. Ab April 1911 war dies tatsächlich das, was von Zeitgenossen berichtet wurde Kunstkritiker in ihren Rezensionen zur Ausstellung der Berliner Sezession . Walter Hegmann, der im Juli 1911 in einem Artikel in Der Sturm oft als erster Mensch beschrieben wurde, der das Wort „Expressionismus“ in Deutschland verwendete, tat genau dies. Er erklärte: "Eine Gruppe französisch-belgischer Maler hat beschlossen, sich Expressionisten zu nennen."

Eine Reaktion gegen den Impressionismus

Es ist jedoch nicht zu leugnen, dass als Ergebnis der Artikel und Diskussionen über das Neue Kunst , ob französisch oder deutsch, eine reihe von Ästhetik Form angenommen. Ausgehend von einem ungenauen Begriff wurde der Expressionismus durch Scharmützel zwischen zwei unterschiedlichen Tendenzen, dem Traditionalismus und dem Modernismus, klarer definiert. Als der Traditionalist Carl Vinnen seine Stimme gegen den Einmarsch von Ausländern in deutsche Galerien erhob, erwiderte Wilhelm Worringer im August 1911 in Der Sturm , dass die Expressionisten (auch er beschrieb die französischen Maler, die in der Berliner Sezession ausstellten) dies nicht taten in einer Leere anfangen, aber antiimpressionistische Techniken geerbt haben (heute unter dem Begriff zusammengefasst) Post-Impressionismus ) von Cezanne (1839-1906), Van Gogh (1853-90) und Matisse.

Diese Herangehensweise ermöglichte es französischen und deutschen Malern, die die neue Kunst repräsentierten, ohne Diskriminierung miteinander verbunden zu werden. Alle, die gegen die impressionistische Redewendung reagierten, wurden als Expressionisten bezeichnet. Nur wer die Realität nicht mehr darstellen, kopieren oder nachahmen wollte, zählte. Der österreichische Schriftsteller Hermann Bahr hat daher in einem 1914 verfassten Buch als Teil der expressionistischen Bewegung Matisse, Picasso, die Futuristen, Fauvisten, Mitglieder der avantgardistischen deutschen Gruppen Die Brücke und Der Blaue Reiter sowie mit einbezogen der Wiener Porträtist und Landschaftskünstler Oskar Kokoschka (1886-1980) und der Zeichenmeister Egon Schiele (1890-1918).

Waldens Geschichte des Expressionismus

Mit Ausnahme einiger weniger Namen blieb dieses Bild des Expressionismus in Deutschland gültig. Jemand, der maßgeblich zur Verbreitung beigetragen hat, schrieb als Direktor der Zeitschrift Der Sturm , nämlich Herwath Walden (1878-1941), eine Geschichte des Expressionismus: Am Anfang, so sagt er, war dann Kokoschka Futurismus vor allem Umberto Boccioni (1882-1916), dann die ausgewanderten Russen Wassily Kandinsky (1866-1944) und Marc Chagall (1887-1985), die Deutschen Franz Marc (1880-1916) und August Macke (1887–1914), Schweizer Fantasiemaler Paul Klee (1879-1940) und der Franzose Robert Delaunay (1885-1941). Expressionismus war für ihn eine Kunst, die dem Erlebten Gestalt gab, das am tiefsten in sich selbst liegt. Die Nuancen des Stils waren unwichtig, solange jede Nachahmung der Natur abgelehnt wurde.

Subjektivität des expressionistischen Künstlers

Denn "Nachahmung kann nie Kunst sein, egal ob auf Bilder oder auf die Natur angewendet", fasst Walden es in seinem Vorwort zum Katalog des Herbstsalons zusammen , den er im Oktober 1913 in Berlin veranstaltete. Und ein wenig später beschreibt er das Kreative prozess wie er es sah: "was der maler malt, ist das, was er in seinen innersten sinnen wahrnimmt, es ist der ausdruck seines seins; alles vergängliche ist für ihn nur ein symbolisches bild: sein eigenes leben ist seine wichtigste überlegung: was die Außenwelt prägt ihn, drückt er aus sich selbst. Er vermittelt seine Visionen, seine inneren Landschaften und wird von ihnen vermittelt. "

Von da an musste jedes künstlerische Schaffen die Projektion des tiefgründigen Selbst des Künstlers sein. Es ist diese Opposition gegen den Impressionismus und allgemein gegen den Naturalismus, die als Grundpfeiler der neuen Ästhetik erscheint. Das bedeutet in erster Linie Expressionismus. In einem Artikel über das Theater, der 1919 in der Zeitschrift Die Neue Schaubuhne veröffentlicht wurde, zeigte Herbert Kuhn deutlich, auf welchem ​​Grundprinzip die schöpferische Tätigkeit nun beruhte, unabhängig von ihrer Ausdrucksform. "Das Ziel des Impressionismus war das Objekt, das er darstellte: Was er auf dem Bild sehen konnte, war auch die Bedeutung des Bildes. Nicht mehr. Nicht weniger. Mit der Nachahmung von etwas Äußerem beschränkte sich sein Universum auf das Konkrete. Mit dem Expressionismus, das darzustellende Subjekt und das Objekt selbst, die Darstellung, waren vollständig voneinander getrennt. "

Das Werk berücksichtigte nicht mehr die äußere Realität, sondern setzte sich für eine andere Realität ein, nämlich die des Künstlers. Bereits im Jahr 1912 hatte Carl Einstein, der Autor des Romans Bebuquin , in der Zeitschrift Die Aktion darauf bestanden und darauf hingewiesen , dass die Rolle der Kunst darin bestehe, eine Befreiung von allem zu erreichen, was die alltägliche Realität vorschrieb (das Nebensächliche, Psychologische und Logische) und dank individueller kreativer und imaginärer impulse rekonstruieren. Für den Expressionisten, wie auch Kasimir Edschmid 1918 erklärte, lag die reale Realität in sich selbst: "Nichts kann die Tatsache in Frage stellen, dass das, was als äußere Realität erscheint, nicht authentisch sein kann. Die Realität muss von uns geschaffen werden Ziel ist es, herauszufinden, was jenseits seines Erscheinungsbildes liegt. Man kann sich nicht damit zufrieden geben, an eine Tatsache zu glauben oder sie sich vorzustellen oder zu registrieren. Man muss eine reine, makellose Widerspiegelung des Weltbildes geben. Und das findet man nur in uns. "

Der Expressionismus gewann daher an Dynamik als Gegner von Naturalismus . Ob es nun das innere Bedürfnis ist, die von Kandinsky geforderte Innerlichkeit zu schaffen Emile Nolde (1867-1956), die Unlogik, dass Carl Einstein das einzige Gesetz in seinem Bebuquin machen wollte, die Triebkräfte in Kurzgeschichten wie Carl Sternheims Busekow oder Alfred Doblins Die Ermordung einer Butterblume , Oskar Kokoschkas Gewalt in Murderer, der Hoffnung der Frauen Überall tauchte eine Subjektivität als Absolutes auf, als expressive Exteriorisation oder als Selbstverteidigung. Es handelte sich wie im Naturalismus immer weniger um eine vorgefasste Idee, ein zu reproduzierendes Modell oder eine äußere Motivation zu veranschaulichen oder zu vermitteln.

Zwei expressionistische Tendenzen: Intellektualismus und Sentimentalität

Dem Ausdruck der Subjektivität den Vorzug geben, indem alle Absicht der Treue zur konkreten Realität verworfen wird, vorausgesetzt, der Schöpfer berücksichtigt zwei wesentliche Elemente: das Herz und den Intellekt und nicht mehr die Sinne wie beim Impressionismus. Dies führte zu erheblichen Unterschieden in den verfügbaren Ausdrucksmitteln, aus denen sich jedoch zwei Ansätze ergaben, je nachdem, ob dem einen oder anderen dieser beiden Elemente Vorrang eingeräumt wurde: eine Kunst der intellektuellen Ausarbeitung, die manchmal abschätzend als zerebral bezeichnet wird, und eine Kunst der sentimentale Ergreifung. Dies ist auch der Grund, warum die beiden Extreme im Expressionismus verschmolzen sind. Es gab eine Reinigung der Formen, um eine expressive symbolische Strenge zu schaffen, als ob die Sprache mit einer unendlichen Vielfalt von Möglichkeiten überlastet worden wäre. Diese Unterscheidung ist in der Tat nur annähernd und eine gegenseitige Befruchtung fand zwischen den beiden Ansätzen statt. Sie bilden jedoch im Kontext aller Künste die besondere Situation, die zwischen 1910 und etwa 1925 in Deutschland bestand.

In erster Linie war das Endziel abstrakte Kunst . Dies definierte Oswald Herzog 1919 in Der Sturm als Abstrakter Expressionismus . "Es ist die physische Konfiguration dessen, was auf spiritueller Ebene erreicht wird. Es schafft Objekte, beginnt aber nicht mit Objekten – sondern mit Subjekten. Das Objekt trägt für den materiellen Expressionismus zur Konfiguration bei. Es destilliert das Wesen eines Subjekts, indem es es ablehnt alles, was für seine Reinheit und Intensität nicht wesentlich ist. " Daraus lässt sich ein Ansatz ableiten, der Kandinskys Bild- und Theaterexperimente, August Stramms poetische Analyse, Lothar Schreyers Drama, Emil Pirchans Bühnenbilder und einige Stücke von Hindemiths Musik definiert. Im Drama führte die Ablehnung der Psychologie zu mehr oder weniger abstrakten Charakteren, die vor allem Ideen verkörperten. In jedem Bereich wurden Formen und Linien im Übermaß gereinigt, um maximale Ausdruckskraft zu erzielen.

Das Erbe von Französisch und Belgisch Symbolismus Als Reaktion auch auf den Naturalismus ist hier zu erwähnen. (Der Einfluss von Gauguins Symbolik auf die französische und deutsche Avantgarde zum Beispiel als Ergebnis seiner Retrospektive von 1906 an der Salon d’Automne , war enorm.) Reine Malerei, reine Musik, reine Poesie, wie Waldens Kreis und Der Sturm betonten, waren Forderungen der symbolistischen Tradition, die zur Beseitigung des Objekts führten, um die künstlerische Tätigkeit auf ein bestimmtes Material zu konzentrieren. Durch eine aufs Äußerste getriebene Stilisierung gipfelte seine Suggestionskraft, die das Grundelement der symbolistischen Ästhetik darstellte, in der Abstraktion von Kandinskys Theaterideen. Er behauptete auch, seine erste abstrakte Komposition um 1910 gemalt zu haben und erreichte ein Stadium, in dem er die symbolistischen Dichter gewissenhaft las.

Der andere Trend entspricht eher einer Explosion unterdrückter Gewalt. In der Kunst gab es krampfhafte Grimassen und verzerrte Formen. Es bestand aus einem Pathos, einer Übertreibung, dem Schrei der Revolte, der ekstatischen Begeisterung der Poesie; ein Theater der Paroxysmen und Haranguings; ein krankhaftes Klima, eine Atmosphäre der Angst, ein Universum der Spannungen. 1924 brachte der zweisprachige deutsch-französische Dichter Yvan Goll (1891-1950) nur einen Teil dieser Seite des Expressionismus zum Ausdruck, als er ihn als "eine Faust eines impotenten Mannes beschrieb, die sich wütend gegen das Firmament ballte". Es war nicht immer grotesk und verzweifelt. Es war auch vertreten, in einem Stil, der an. Erinnert Afrikanische Kunst nach einem Holzschnitt von Conrad Felixmüller (1897-1977), in dem der Mensch, in seiner ganzen ursprünglichen Reinheit aufrecht stehend, in einem prometheischen Streben schwingt, dem Ideal der Menschlichkeit.

Die Zeitschrift Die Weissen Blatter versuchte 1913, diesen Aspekt des Expressionismus in der folgenden Definition zusammenzufassen: "Konzentration, Ökonomie, massive Kraft, fest zusammengefügte Formen, ein Pathos, das eine intensive Leidenschaft ausdrückt, das sind die Merkmale, die seine wahre Natur offenbaren. " Der Kunstkritiker Wilhelm Hausenstein betrachtete es mit einem Hauch von Ironie: "Im Expressionismus gibt es sozusagen einen überlasteten Stromkreis, der vielleicht eine schematische Darstellung davon ist. Man könnte es ungefähr so ​​definieren: eine geschaffene Form aus Verzerrung. Dies wäre ein negatives Urteil. Positiver könnte man sagen, eine Form, die aus der Phantasie geschaffen wurde. "

Merkmale des Expressionismus

Durch diese Kunst der Verzerrung, Verformung, Erhöhung, Verschärfung und des intensiven Ausdrucks erhielten die einzelnen Stile im Allgemeinen das Zeichen des Expressionismus. Und da dies ein Problem der Terminologie, insbesondere in Bezug auf erstellt Visuelle Kunst Man kann behaupten, dass es tatsächlich einen universellen und zeitlosen expressionistischen Stil gibt, der keineswegs das Attribut einer bestimmten historischen Periode im deutschsprachigen Raum ist. Der Expressionismus ist nichts anderes als die Projektion einer inneren Welt durch Ausdrucksmerkmale Afrikanische Skulptur und Ozeanische Kunst , bei Malern wie dem intensiven Deutschen Matthias Grunewald (1475-1528) und der Distortionist El Greco (1541 & ndash; 1614). Auf diese Weise wird ein großer Teil der westlichen Musik auch expressionistisch, einfach weil sie expressiv ist. Der Ausdruck Expressionismus bedeutet aber letztendlich nur eine Stilisierung und Verzerrung und eine unterdrückende Vereinfachung der Formen. Es hat ebenso konzeptionelle Bedeutung wie der Begriff eines jungen Malers von heute, unter dem Vorwand, dass er die Realität, die er nach seinen Eindrücken wahrnimmt, auf die Leinwand überträgt. Sobald man versucht, einen Stil zu definieren, ohne den historischen Kontext zu berücksichtigen, wird die Bezeichnung so unklar, dass es unmöglich ist, genau zu sein. Die Unterschiede in den verschiedenen Interpretationen des Expressionismus lassen sich sehr oft durch Unkenntnis konkreter nationaler Situationen und den Wunsch erklären, alle historischen Überlegungen abzulehnen. Nun, wie wir bereits gezeigt haben, wurde das Wort Expressionismus erst wirklich Teil des künstlerischen Klimas in Deutschland, wo es zunächst die Entdeckung der gesamten modernen Kunst bedeutete, bevor es eine an die historische Situation in Deutschland angepasste Bedeutung annahm. Wenn man nur den formalen Aspekt betrachtet, der in diesem speziellen Fall ein sehr zweifelhafter Ansatz ist, wurden dieselben ästhetischen Innovationen in anderen Ländern mit unterschiedlichen Namen versehen. Dies ist der Grund, warum es von Land zu Land und unter Bezugnahme auf dieselben Bilder bestimmte Maler gibt, die entweder tatsächlich deutsch oder eng mit Deutschland verbunden waren (Jean Arp, Lyonel Feininger, Otto Freundlich, Erich Heckel, um nur einige zu nennen) abwechselnd als Expressionisten, Kubisten, Kubo-Expressionisten und manchmal als Dadaisten oder Surrealisten eingestuft.

In Russland wurden Künstler, die normalerweise Futuristen genannt werden, als Expressionisten bezeichnet. Der Begriff scheint sich hier wie in Deutschland diskriminierungsfrei auf alle Künstler zu beziehen, die modernistische Tendenzen vertreten. Lunatscharski, der erste Volkskommissar für öffentliche Bildung in der Sowjetunion und eine angesehene Autorität für deutsche Literatur, verlieh Maiakovsky in den 1920er Jahren den Titel des typischsten expressionistischen Dichters. In der belgischen Zeitschrift L’Art Libre wurde 1919 in einem Artikel von David Eliasberg aus dem Russischen übersetzt, dass die Sowjetregierung den Expressionismus von ganzem Herzen übernommen und alle Lehrer an den Kunstakademien durch Expressionisten ersetzt habe. Ein sowjetischer Kritiker, GA Nedochivin, zögerte nicht, in den 1960er Jahren das Etikett der Futuristen zu schreiben Mikhail Larionov (1991-1964), Natalia Goncharova (1881-1962) war unzureichend und stand den deutschen Expressionisten viel näher als den Vertretern des Futurismus wie Gino Severini (1883-1976), Carra (1881-1966) und Filippo Marinetti (1876-1944).

Was Frankreich betrifft, so war der Begriff des Expressionismus, wie wir bereits sagten, einige Zeit unbekannt. In der Zwischenkriegszeit aus Deutschland importiert, musste es an die französische Situation angepasst werden und in den bestehenden Kategorien eine bildliche Bedeutung erhalten. Der Expressionismus konnte weder Futurismus noch Kubismus, noch Orphismus oder Surrealismus sein. Darüber hinaus war das antigermanische Gefühl so ausgeprägt, dass die kulturellen Ergebnisse der deutschsprachigen Länder oft missverstanden oder verunglimpft wurden und keine akzeptable Definition der Bewegung entstand. Auf Initiative von Aragon wurde Klee 1926 zum ersten Mal in Paris ausgestellt, und der Schweizer Surrealist wurde als ein Deutscher begrüßt, der nicht zeichnen konnte!

Die Verwendung des Wortes verbreitete sich in der Malerei und umfasste auch die Ausdruckskunst Andre Lhote 1928 sprach sich in der Nouvelle Revue Francaise gegen diese Praxis aus. Eine der ersten Ausstellungen, in denen der Begriff für französische Maler verwendet wurde, fand Ende 1935 in Paris unter der Schirmherrschaft der Gazette des Beaux-Arts statt . Als Untertitel "Geburt des Expressionismus" war es den "instinktiven Malern" gewidmet. Wem gehörte es? Bilder von Marie Laurencin (1883-1956), Modigliani (1884-1920), Jules Pascin (1885-1930), Maurice Utrillo (1883-1955), Chaim Soutine (1893-1943) und Chagall versammelten sich. In der Einleitung zum Katalog Deutscher Expressionismus wurde gesagt, um zurück zu datieren Marc Chagall (1887-1985) (!) Und verdankt ihm damit die Zusammenführung deutscher und französischer expressionistischer Stile. "Eine bedeutende Ausstellung seiner Arbeiten, die im März 1914 auf Empfehlung Apollinaires in Berlin gezeigt wurde, hatte große Wirkung – und dies war der Beginn des deutschen Expressionismus." Als Beweis für diesen legendären Status als Urheber des Expressionismus wurde auf seine Memoiren und auf einen Auszug aus einem Brief von Ludwig Rubiner verwiesen, der ihm vor der Kriegserklärung aus Berlin schrieb: "Wissen Sie, dass Sie es sind? berühmt hier? Ihre Bilder haben Expressionismus geschaffen. Sie verkaufen sich zu einem sehr hohen Preis. "

Beispiele des Pariser Expressionismus sind: Porträt von Juan Gris (1915, Metropolitan, NY) und Jeanne Hebuterne (1918, Metropolitan) von Modigliani; Porträt von Madeleine Castaing (1928, Metropolitan) von Chaim Soutine; und das Grüne Bluse (1919, Metropolitan) von Pierre Bonnard.

Trotz ihrer Verwirrung sollte ein Aspekt dieser Ausstellung in Erinnerung bleiben: die instinktive Seite, die dem expressionistischen Stil zugeschrieben wird. Dieser Stil zeichnete sich mehr und mehr durch die Äußerlichkeit der impulsiven Lebensreaktionen des Malers aus und beschäftigte sich weniger mit der Ausarbeitung von Bildmaterial und Formen als mit dem Ausdruck seiner tiefsten inneren Gefühle; der expressionistische Maler selbst wurde zum Schöpfer einer Kunst der Angst, des Unbehagens, der Neurose und der apokalyptischen Bedrohung, einer Kunst der Fantasien, die in Form einer kreativen Spontaneität projiziert wurden. Unabhängig von der Art der Malerei wurde die äußere Realität zugunsten ihres verinnerlichten Bildes geopfert. Diese Ansicht, die jetzt unter den französischen Kunstkritikern vorherrschte, war der Lehre des deutschen Expressionismus nicht ganz fremd, obwohl sie keine adäquate Beschreibung ist. Vor allem aufgrund seiner allgemeinen Natur kann man Maler klassifizieren, die sich nur schwer in andere Kategorien einordnen lassen und die nur nach einer Möglichkeit suchen, ihre unterdrückten Gefühle, ihre Emotionen und Leidenschaften auszudrücken. Man kann damit auch Künstler als Expressionisten bezeichnen, zu denen man nicht in der Lage war, einfach weil das Wort nicht existierte, wie: Edvard Munch, Vincent van Gogh, der Belgier James Ensor und die Fauves . Bei der letzteren Gruppe ändert derjenige, der den Begriff im Herbstsalon von 1905 geprägt hat, nämlich Louis Vauxcelles, seine Terminologie: 1958 legt er in einem Buch über den Fauvismus vor Georges Rouault (1871-1958) als "Führer des französischen Expressionismus".

Expressionismus in Deutschland: Eine künstlerische und kulturelle Erneuerung

Diese Korrelation zwischen den Begriffen und den Folgen, insbesondere in Deutschland, und eine unwiderlegbare Übereinstimmung der Ansichten in Europa rechtfertigen offensichtlich die Einbeziehung der Fauves in die allgemeine Bewegung des Expressionismus.

Wenn man jedoch die streng bildlichen Techniken und die tiefgreifenden Absichten des Expressionismus betrachtet, erscheint ihre Präsenz zwangsläufig eher zweifelhaft, wenn ein gewisses Zusammenspiel der beiden Sätze nicht stattgefunden hätte: Was die Fauves betrifft, so ist der Unterschied zwischen ihrem expressionistischen Stil und dem, was war wirklich deutscher expressionismus ist sehr klar.

Es ist in der Tat selbstverständlich, die Gründung einer dem Fauvismus ästhetisch sehr nahen Gruppe im Jahre 1905 in Dresden zu betrachten. Die Brücke (Die Brücke) als Zeichen des entscheidenden Wandels im deutschen Kulturleben. Die Initiative ging von einem Architekturstudenten aus, Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), zu dem auch andere junge Künstler gehörten: Fritz Bleyl (1880-1966), Erich Heckel (1883-1970) und Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976). Obwohl älter, mischte sich auch Emile Nolde (1867-1956) mit ihnen, bevor er sie achtzehn Monate später aufgab. Max Pechstein (1881-1955), von 1906 bis 1912, und Otto Müller (1874-1930) von 1910 waren auch von ihrer Zahl. Diese Gruppe löste sich 1912 auf und löste sich 1913 offiziell auf. Wenn sie nun, wie die Fauves , Affinitäten zu Van Gogh und Paul Gauguin behaupteten, distanzierten sie sich schnell von der Bedeutung, die sie den Bildqualitäten der Kunst beimaßen. Während die Fauves von Gauguin die Verwendung riesiger flacher Farbtöne erbten, interessierten sie sich vor allem für dekorative Kunst Kirchner und seine Freunde hielten an der Bedeutung des Intellekts fest und beschäftigten sich nicht nur mit der Form. Sie wollten die tiefe Präsenz der Natur betonen. Exazerbation und Robustheit sollten vor allem ein Gefühl der ursprünglichen Gemeinschaft vermitteln.

Sicherlich ist dieses Gefühl von Primitivismus war eines der Hauptphänomene des Beginns des Jahrhunderts. Die internationale Zusammenarbeit zwischen Malern war zu dieser Zeit häufig und fruchtbar, und in Paris wurde wie in Dresden und München die primitive Kunst wiederentdeckt. Die Brücke basierte jedoch auf einem philosophischen Programm, das die allgemeine Bewegung in Richtung einer Wiederbelebung der Künste vorwegnahm, die zum deutschen Expressionismus wurde. Dieses Programm drückte die Notwendigkeit eines kollektiven Ideals aus, den Wunsch, mit der Vergangenheit zu brechen, eine messianische Sicht der Kunst und erhöhte intuitive schöpferische Kräfte. Beeinflusst von den Philosophen Nietzsche und Bergson, appellierte es an die Künstler, sich von den vitalen Quellen der Elemente mitreißen zu lassen. Der vage Wunsch, die bestehende Ordnung zu transformieren, wurde mit einer Individualität kombiniert, die den kreativen Impuls erhob.

Diese Situation, für die Kirchner verantwortlich ist, zeigt sich in den vielen Bildern der Maler von Die Brücke . Eine mit Bedeutung für die Gemeinschaft aufgeladene Realität war mit einer Religiosität oder symbolischen Bedeutung behaftet. Dies ist auch das Unterscheidungsmerkmal der Fauves . Der Künstler spiegelte nicht einfach das Zeitalter wider, in dem er lebte: Neben dem anekdotischen Thema musste es eine universelle menschliche Wahrheit geben.

Ende 1911, zu einer Zeit, als die Brucke- Bewegung auseinander zu brechen begann, tauchte in München eine weitere Gruppe namens auf Der Blaue Reiter (Blauer Reiter) zentriert herum Franz Marc (1880–1916), Kandinsky und sein Partner Gabriele Munter (1877-1962) und Alexei von Jawlensky (1864-1941) die "Russische Matisse", zusammen mit anderen talentierten Malern wie Lyonel Feininger (1871-1956). Wie Die Brücke reagierte die Gruppe gegen den Naturalismus, gegen den Impressionismus und bestand auf den instinktiven Kräften des Künstlers. Was die Künstler des Blauen Reiters betrifft, so war Kandinskys Kreis von einer Rückkehr zu den Ursprüngen des Menschen heimgesucht. Es gab eine anti-materialistische und vor allem anti-positivistische Reaktion, die zu einem literarischen Interesse an mystischen Denkern führte und auch behauptete, ein bestimmtes Element des Primitivismus zu beinhalten. Der Blaue Reiter veröffentlichte 1912 einen Almanach, in dem die von Kandinsky sorgfältig ausgewählten Illustrationen zwischen Bildern und zahlreichen populären Drucken aus Russland, China, Borneo, Kamerun, der Osterinsel und Neukaledonien wechselten.

Eine Stimmung, die praktisch eine ganze Generation von Intellektuellen teilt, wurde um 1890 geboren und entwickelte sich ab 1911. In diesem Jahr begannen die neuen Bestrebungen auszubrechen. Im Juni eröffnete Kurt Hiller in Berlin sein Cabaret Neo-Pathetique . Jakob van Hoddis wurde plötzlich berühmt, als er dort ein Gedicht namens End of the World las, das als ein entscheidender Wendepunkt empfunden wurde. Etwas Unbestimmtes war zu sehen. Es gab den Wunsch, mit der Vergangenheit zu brechen. Alle Konventionen wurden gestürzt, um auf eine neue Welt hinzuarbeiten, die sie bereits vorhersehen konnten. Die Menschen versammelten sich um Bewertungen, die ihre Revolten und Bestrebungen bekannt machten. Als das Wort Expressionismus selbst geprägt wurde, bildete es einen Schwerpunkt für ihre Gefühle, die seit Jahrzehnten in der Schwangerschaft waren und alles zerstörten, was ihnen im Weg stand. Bevor wir über die Subjektivität gesprochen haben, auf der die den Expressionisten gemeinsame Ästhetik basiert, haben wir absichtlich Beispiele aus der Zeit vor 1912 verwendet: 1907 wurden Fragmente von Bebuquin von Carl Einstein veröffentlicht. Die Ermordung einer Butterblume ist eine Kurzgeschichte von Doblin im Jahr 1905. Oskar Kokoschka veröffentlichte die erste Version von Murderer, The Hope of Women , im Jahr 1910.

Es war am 3. März 1910, als der berühmteste der Avantgarde-Kritiken (und Galerien), Der Sturm , seine erste Nummer herausbrachte. Es wurde gegründet von Herwarth Walden (1878-1941), der ein Kritiker und eine führende künstlerische Figur war. Ab 1903 verkörperte er diese neue Stimmung und 1910 wurde sie wirklich populär. Durch die Zusammenführung von Malern und jungen Schriftstellern wurde versucht, eine Synthese der Künste zu erreichen. Es enthielt Einzelheiten zu bestehenden künstlerischen Bewegungen wie Futurismus und Kubismus und löste allgemeine Überlegungen zu ästhetischen Problemen aus: Franz Marc, Hans Arp und Kandinsky entwickelten Theorien, die unser Verständnis der modernen Kunst dieser Zeit stark erweitert haben. Neben der Überprüfung im März 1912, die Sturm Galerie Berlin wurde eröffnet und mit einer Ausstellung des Blauen Reiters eröffnet .

Ein Jahr nach der Gründung von Der Sturm erschien eine weitere Zeitschrift mit dem Titel Die Aktion , die als Konkurrent zehn Jahre lang erfolgreich die Stimmung einer Generation widerspiegelte, die sich gegen ihr Alter auflehnte. Sein Direktor Franz Pfemfert definierte es als politisch-literarische Wochenzeitschrift. Sein erklärtes Ziel war es, erbarmungslos und unermüdlich das zu bekämpfen, was er "Kultur" oder Barbarei nannte. Er behauptete, es sei ein schwieriger Kampf, da man den Eindruck hatte, in einem Wirbel von Kleinigkeiten mitgerissen zu werden, der einen zu verschlucken drohte. "Das Fehlen einer Seele ist das destruktive Zeichen unserer Zeit. Ein Individuum zu sein, bedeutet, eine Seele zu haben. Das Zeitalter, in dem wir leben, erkennt Individuen nicht." Die Seele, der Verstand, das sind die Schlüsselwörter, die überall auftauchen. Es war unerlässlich, das Individuum in seiner ganzen schöpferischen Kraft wiederherzustellen und die Fesseln zu zerstören, die seine Vorstellungskraft inhaftierten. Es war gegen die seelenlose Realität, dass ein Teil der deutschen Jugend rebellierte. Was es ablehnte, war die Versklavung des Geistes. Es attackierte das Maschinenzeitalter, die herrschenden moralischen Werte. Es wollte den menschlichen Zustand regenerieren. Durch die Zusammenführung aller Mittel und der Kraft der Kunst sollte eine Renaissance der Gesellschaft erreicht werden. Die Wiederbelebung der Künste, die durch die Zerstörung der konkreten Realität und zugunsten der Schaffung einer re-humanisierten Realität erreicht wurde, bedeutete eine moralische Reform der Gesellschaft.

Franz Marc drückte in einem einleitenden Artikel zum zweiten Almanach des Blauen Reiters , der am Ende nicht veröffentlicht wurde, genau diese Verbindung aus, die die Expressionisten zwischen ihren künstlerischen Bemühungen und der sozialen Bedeutung, die sie ihnen zuschrieben, hergestellt hatten. Das kreative Abenteuer lag in einem völligen Bruch mit der Welt der Vergangenheit: "Durch diese Aktion werden wir der großen Herausforderung unserer Zeit gerecht. Es ist die einzige Aktivität, die das Leben und Sterben lohnenswert macht. Eine Aktion, die bedeutet Respektlosigkeit gegenüber der Vergangenheit, aber wir wollen etwas anderes, wir wollen nicht wie glückliche Erben leben und von der Vergangenheit leben, und selbst wenn wir wollten, könnten wir das nicht. Das Erbe ist jetzt überflüssig: Die Fortsetzung der Vergangenheit macht die Welt vulgär Deshalb sind wir dabei, in neue Bereiche vorzudringen und einen großen Umbruch zu erleben, in dem noch alles erreicht, gesagt, organisiert und erforscht werden muss. "

Die deutsche expressionistische Vision

In dieser Hinsicht hat der deutsche Expressionismus die Idee eines expressionistischen Stils bei weitem übertroffen. Trotz der unzähligen Programme, zu denen es Anlass gab, präsentierte es im Übrigen nicht die Kohärenz einer literarischen und künstlerischen Schule. Wenn es eine Bewegung war, dann deshalb, weil sie alle Aspekte des Lebens beeinflusste und nicht weil sie sich auf einen Rahmen von Prinzipien wie Futurismus oder Surrealismus stützte. Es ist unmöglich, es auf eine ästhetische Bewegung zu beschränken. Der subjektive Individualismus, der seine Grundlage war, lehnt alle Beschränkungen und Tabus jeglicher Art ab, die seine Initiative hätten einschränken können. Es vergrößerte notwendigerweise seine Ausdrucksmittel, indem es im Namen aller das Aufblühen der innersten Originalität des Menschen begünstigte. Es ist nicht verwunderlich, dass viele Expressionisten vom Anarchismus ideologisch versucht wurden, oder dass sie Bewunderer von Nietzsche waren. Im Expressionismus herrschte eine Vision der Welt vor; es präsentierte notwendigerweise unterschiedliche Bilder, abhängig von den Gruppen und sogar Einzelpersonen, aber es ist Teil einer bestimmten Periode der Geschichte, nämlich der von Deutschland von 1910 bis ungefähr 1925.

Erstens war Expressionismus untrennbar mit einem Gefühl der Krise verbunden. Dies wurde von allen Vertretern der Generation durchlebt und zum Ausdruck gebracht, die zwischen 1905 und 1914 anfingen, Stücke zu schreiben, zu malen und zu produzieren. Sie empfanden eine Unruhe, eine Unmöglichkeit der Selbstverwirklichung, eine Unzufriedenheit mit der Realität, die sie zuvor hatten ihre Augen. Sie litten unter der zunehmenden Industrialisierung Deutschlands, die ihre moralischen Grundlagen erschütterte. Zerbrechliche menschliche Beziehungen, das rasante Leben in den Städten, Sklaverei jeglicher Art waren die Norm. Als Beweis gegen die Bestrebungen des Einzelnen erwies sich diese Realität als eine gewaltige Zerstörungsmaschine. Es musste getötet werden. Dies war es, was sich in ihren Werken durch ihre Themen und Formen zeigte. Es gab eine echte Generation Lücke, ein Konflikt zwischen Vater und Sohn, der im expressionistischen Drama dargestellt wurde. Sie verteidigten den Aufstand. Sie waren gegen die Familie, die Lehrer, die Armee, den Kaiser, alle Schergen der etablierten Ordnung. Auf der anderen Seite wurde die Solidarität mit allen gedemütigten Seelen, denen am Rande des Systems, der Versammlung der Unterdrückten, der Armen, der Prostituierten, der Verrückten und der Jungen, befürwortet.

Deutsche expressionistische Skulptur

Obwohl dieser Artikel der expressionistischen Malerei gewidmet ist, ist auf die beiden großen expressionistischen Bildhauer hinzuweisen, die im Vorfeld des Ersten Weltkriegs in Deutschland tätig waren. Dies sind die Holzschnitzer Ernst Barlach (1870-1938) und die Gotik inspiriert Wilhelm Lehmbruck (1881-1919).

Erster Weltkrieg

Sie waren in das Gemetzel des Ersten Weltkrieges geraten und hatten die schrecklichen Katastrophen in beeindruckenden prophetischen Visionen vorausgesehen. Die expressionistische Generation forderte daraufhin den Aufstieg eines neuen Menschen. Ab 1916 ging es in Richtung Pazifismus (auch Hanns Johst, der künftige Inbegriff der nationalsozialistischen Schriftsteller). Nach der Ankündigung des Weltuntergangs waren Apokalypse, Regeneration, Wiederaufbau Schlüsselwörter. Angesichts von Gräueltaten schien der utopische Idealismus für viele die Grundlage für eine mögliche Lösung zu sein. Die Erlösung wurde nicht im Kontext eines kollektiven sozialen Kampfes gesehen, in einer wirtschaftlichen und politischen Transformation der Gesellschaft, sondern in einer inneren Erneuerung des Menschen. Einige der Expressionisten (Ludwig Rubiner, Rudolf Leonard, Ludwig Baumer, Johannes R. Becher, die Aktivisten um Kurt Hiller und seine Publikation Das Ziel ) fand auch auf verschiedene Weise den Weg zu einer Art politischem Engagement. Die revolutionären Ereignisse, die Deutschland im November 1918 erschütterten, ließen einige von ihnen unsicher, was zu tun war (Gottfried Benn, Oskar Kokoschka, Paul Kornfeld), aber viele beteiligten sich aktiv: Ludwig Baumer war einer der Verantwortlichen für das Bremer Konzil, Ernst Toller einer der Führer der unabhängigen sozialistischen Republik Bayern. Der Maler Conrad Felixmüller und der Dramatiker Friedrich Wolf befanden sich in der Schlacht von Dresden. Wieland Herzfelde und Franz Pfemfert wurden im Zuge des Sieges der Konterrevolution ins Gefängnis geworfen; Carl Einstein war einer der Architekten des Brüsseler Soldatenrates im November 1918.

Herbert Kuhn, 1919, sah in dieser Art von Engagement, das oft eine religiöse und mystische Dimension hatte, eine logische Erweiterung des Expressionismus: "Es gibt keinen Expressionismus ohne Sozialismus. Es ist kein Zufall, dass Jugendstil war so energisch offen für Politik. "Yvan Goll gab 1921 eine Erklärung ab, die in die gleiche Richtung ging:" Der Expressionismus ist die Literatur des Krieges und der Revolution, des intellektuellen Kampfes gegen die Mächtigen, des Aufstands des Gewissens gegen den blinden Gehorsam, der Schrei des Herzens gegen den Donner der Massaker und das Schweigen der Unterdrückten. "

Rückgang des Expressionismus in Deutschland

Diese Meinungen waren kompromisslos, und nicht alle, die als Expressionisten galten, teilten sie (z. B. Herwath Walden, dessen politische Entwicklung in Richtung Kommunismus Ende der zwanziger Jahre begann und der zu dieser Zeit gegen jede Politisierung der Kunst war)). Sogar unter denen, die sie teilten, gab es eine Reihe ideologischer Unterschiede. Sicher ist jedoch, dass die revolutionären Misserfolge nur die Auflösung der Bewegung beschleunigten. Sein Scheitern und sein Niedergang begannen 1919-20. Einige wurden verbittert und verfielen in Irrationalität, andere passten sich dem damaligen Klima an. Die letztere Gruppe bildete revolutionäre politische Organisationen, insbesondere wurden sie Mitglieder der Kommunistischen Partei Deutschlands. Der schöne Traum des neuen Mannes war definitiv zusammengebrochen. Es war historische Bedingungen, ohne Zweifel, das bestimmte das Ergebnis des deutschen Expressionismus. Eine weitere Krise, die schon fast erschöpft war, brachte langsam ihren Tod: die Inflation und das Elend der Nachkriegszeit. Die Gemeinschaft zwischen Künstlern und Massen war vorbei. Deutschland war hungrig und erschüttert. Schauspieler streikten, weil ihr Gehalt nur zwei Paar Schuhe wert war. Dieselbe Generation erlebte nach dem Zusammenbruch ihrer humanitären Bestrebungen auch den Zusammenbruch der Fähigkeit zur Schaffung aufgrund wirtschaftlicher Zwänge. Ein anderes Zeitalter begann: das einer Rückkehr zur Ordnung, die in Literatur und Malerei von der sogenannten Neuen Sachlichkeit geprägt ist (siehe:Deutschland war hungrig und erschüttert. Schauspieler streikten, weil ihr Gehalt nur zwei Paar Schuhe wert war. Dieselbe Generation erlebte nach dem Zusammenbruch ihrer humanitären Bestrebungen auch den Zusammenbruch der Fähigkeit zur Schaffung aufgrund wirtschaftlicher Zwänge. Ein anderes Zeitalter begann: das einer Rückkehr zur Ordnung, die in Literatur und Malerei von der sogenannten Neuen Sachlichkeit geprägt ist (siehe:Deutschland war hungrig und erschüttert. Schauspieler streikten, weil ihr Gehalt nur zwei Paar Schuhe wert war. Dieselbe Generation erlebte nach dem Zusammenbruch ihrer humanitären Bestrebungen auch den Zusammenbruch der Fähigkeit zur Schaffung aufgrund wirtschaftlicher Zwänge. Ein anderes Zeitalter begann: das einer Rückkehr zur Ordnung, die in Literatur und Malerei von der sogenannten Neuen Sachlichkeit geprägt ist (siehe: Die Neue Sachlichkeit ), eine Tendenz, der Felix Berteaux, ein renommierter Journalist der Nachkriegszeit, sehr zutreffend den Namen "starre Ordnung" gab. [Aber sehen Sie den ausdrucksstarken Realismus der deutschen Nachkriegsmaler gern Max Beckmann (1884-1950), Otto Dix (1891-1969) und George Grosz (1893-1959)].

Der Expressionismus starb jedoch nicht sofort. Die letzten Funken gingen noch einige Jahre weiter, besonders im Theater mit den Inszenierungen von Leopold Jessner oder im Kino mit Carl Mayers Szenarien. Aber seine grundlegenden Bestrebungen gehörten der Vergangenheit an. Nur seine Prinzipien und künstlerischen Techniken blieben erhalten, bis sie zu einer Mode wurden, die nicht mehr dem berühmten inneren Bedürfnis entsprach, von dem Kandinsky gesprochen hatte, und die zu einem aggressiven Snobismus führte. Gebrochene Linien und Formen, Disharmonien, Dissonanzen, aggressive Farben und künstlicher Rückgriff auf Primitivität, all diese Methoden wurden nur verwendet, um in der Öffentlichkeit kalkulierte emotionale Schocks zu provozieren. Paradoxerweise wurden genau diese Eigenschaften beibehalten, um die Existenz eines expressionistischen Stils zu bestätigen. Andererseits ist es offensichtlich, Dass viele Schriftsteller und Künstler, die im expressionistischen Klima gelebt hatten, während sie sich einer anderen Phase ihrer Kreativität zuwandten, etwas von ihrem früheren Selbst in ihrer Herangehensweise beibehielten. Schönbergs Arbeit zum Beispiel hatte bis Moses und Aaron , 1920-32 komponiert, ein Pathos darüber, das in der glücklichen Hand wieder vorhanden war ; Es war lange her, dass Becher eine explosive und ekstatische Sprache verwendet hatte, obwohl er Kommunist geworden war. Die Architekten Erich Mendelsohn, Bruno Taut und Hans Scharoun ihrerseits versuchten, im Bereich des Städtebaus und des Baus von Gebäuden nicht auf ihre eigene Vorstellungskraft zu verzichten.

Expressionismus außerhalb Deutschlands

Der Expressionismus im eigentlichen Sinne hatte, soweit er eng mit der Geschichte Deutschlands und der deutschen Gesellschaft verbunden war, im Ausland kaum Anhänger, außer in Ländern, die enge Beziehungen zur germanischen Kultur unterhielten. In Ungarn zum Beispiel hat Lajos Kassak, der Kontakte zu Franz Pfemfert hatte, Affinitäten zur expressionistischen Ästhetik behauptet, und die Zeitschrift, die er von 1917 bis 1925, Ma , herausgab, hat auf den ersten Blick vieles gemeinsam, schon allein wegen ihres äußeren Erscheinungsbildes, mit Die Aktion . Einer seiner Mitarbeiter, Sandor Barta, betonte 1922, dass seine Generation den Weg zur Sozialreform und zum Sozialismus über den Expressionismus gefunden habe. Auch in den Niederlanden und im flämischen Belgien machte sie der intellektuelle Austausch mit Deutschland mit expressionistischer Kunst und Rezension sowie der flämischen Renaissance in Belgien vertraut Holzschnitte viel zu deutschen Bemühungen verdankt. Vor allem Frans Masereel fällt neben Joris Minne, Henri von Straeten, Jan Cantre und Josef Cantre auf, weil er direkt mit den deutschen Expressionisten zusammengearbeitet und Werke von Becher oder Sternheim illustriert hat; Darüber hinaus teilte er als Ergebnis einer idealistischen Inspiration und eines Sinns für das Kosmische, seines sozialen Engagements und Themen wie Stadt und Aufstand die Bestrebungen, die im Kreis der Aktion aufkamen.

Für Frankreich ist etwa die politische Situation zwischen 1918 und 1925 zu berücksichtigen, in der der deutsche Expressionismus aufkam. Vor 1914 bestanden sehr fruchtbare Beziehungen zwischen Malern aller Länder, so dass Alfred Kubin es zu Recht als Verbrüderung zwischen jungen Künstlern bezeichnete. Aber schon jetzt hatten die meisten französischen Intellektuellen das Interesse verloren. Angesichts der imperialistischen Politik Wilhelms II. Wurde das antigermanische Gefühl virulenter. Während die neue Generation in Deutschland durch unzählige internationale Kontakte gegenüber der Außenwelt offener wurde, war ihr französisches Äquivalent unter das Joch des Nationalismus geraten. Dies ist der wichtigste Einstellungsunterschied, der einer möglichen Entdeckung des Expressionismus im Wege stand. Der Krieg folgte, und bis 1920 waren die kulturellen Beziehungen zwischen Frankreich und Deutschland gering und zerbrechlich. In dem Moment, als der Expressionismus für die Franzosen hätte zugänglich werden können, war es vorbei.

Das Ergebnis ist, dass etablierte und populäre Zeitschriften dem Expressionismus weder vor noch nach 1914 Beachtung schenkten. Nur bescheidenere Publikationen wie Clarte , Action , Esprit Nouveau oder La Revue Europeenne widmeten ihm informative Artikel oder veröffentlichten Auszüge aus expressionistischer Literatur. Der Hauptmediator war Yvan Goll aus Lothringen, der, weil er zweisprachig war, in den meisten deutschen expressionistischen Zeitschriften mitgearbeitet hatte. Sogar die Surrealisten blieben in Unkenntnis des Expressionismus. Während avantgardistische Maler und Dichter in Deutschland weithin geschätzt wurden, weckte nur das neue deutsche Kino Interesse an Frankreich.

Im französischsprachigen Belgien hingegen bekannten sich Schriftsteller und Maler offen zu expressionistischen Tendenzen und wurden von Zeitschriften wie Lumiere , Resurrection , L’Art Libre , Selection und Ca ira unterstützt . Unabhängig von ihren Unterschieden war Expressionismus für sie moderne Kunst schlechthin. Es gab zwei Haupttrends, die der Aufteilung zwischen Der Sturm und Die Aktion entsprachen . Einerseits verraten Artikel von Andre de Riddler und Malern wie Constant Permeke (1886-1952) oder Gustave de Smet (1877-1943) eine humanitäre Tendenz. Zum anderen mit dem Kritiker George Marlier und einem Maler wie Paul Joostens eine Vorliebe für nicht-objektive Kunst aufgetaucht.

In den 1920er Jahren wurden in anderen Ländern Behauptungen über einen aus ganzem Herzen stammenden Expressionismus und nicht mehr nur eine bowdlerisierte Form aufgestellt. Im flämischen Belgien ist Paul van Ostaijen neben der Zeitschrift Het Getij (1916-24) ein Beispiel. In Jugoslawien gab es die Belgrader Gruppe um Stanislav Vinaver, der 1911 das expressionistische Manifest verfasste. 1919 veröffentlichte Ippolit Sokolov in Russland ein Buchmanifest , Bunt-ekspresisionista , und wenig später der Maler Matthis-Teutsch in Rumänien. In Polen wurde der Expressionismus von der Zdvoj- Gruppe und in der Tschechoslowakei von der Osma in den Vordergrund gerückt Gruppe. Schließlich war es in Lateinamerika Gegenstand einer Reihe von Artikeln und Debatten, in denen der Schwerpunkt ebenso auf der Kunst lag (in Mexiko mit Diego Rivera (1886-1957), Jose Clemente Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) in Peru, bei Sabogal und Coresido, in Brasilien bei Anita Malfatti, die seitdem in Dresden und Berlin studiert hatte) als Literaturwissenschaftlerin es wurde sogar behauptet, die modernistische Bewegung habe in ihrer ersten Periode (1915 bis 1930) expressionistische Obertöne gehabt.

Nachkriegs- und Neo-Expressionismus

Nach dieser viel zu kurzen Zusammenfassung bleibt die Hauptfrage: Wie relevant ist der Expressionismus heute? Wenn man sich darauf beschränkt, es als einen Stil zu betrachten, der ausschließlich der bildenden Kunst gewidmet ist, ist klar, dass es sehr lebendig ist: Abstrakte expressionistische Malerei in den Vereinigten Staaten, Art Informel in Frankreich ist die Cobra – Gruppe in den Niederlanden und viele andere seit 1945 ein Teil davon. Seit den 1970er Jahren hat der Expressionismus mit der Entstehung des Elternstils von auch die zeitgenössische Kunst in ganz Europa beeinflusst Neo-Expressionismus und seine Varianten Neue Wilden (Deutschland); Transavantguardia (Italien), Figuration Libre (Frankreich). In Amerika wurde der Stil als Energismus bezeichnet und beinhaltete Bad Painting und New Image Painting. Aber was ist mit Expressionismus als allgemeine Kunstbewegung? Zusammen mit Futurismus und Surrealismus, die beide auch darauf abzielen, auf alle Künste anwendbar zu sein, gehört sie zur sogenannten historischen Avantgarde. In dieser Eigenschaft wurde es erst in den 1960er Jahren wiederentdeckt. Und immer mehr ist aufgefallen, wie viel noch darüber zu sagen ist. Denn es repräsentiert sowohl die Genese der Moderne, die zu einer sozialen Kunst führt, verbales Experimentieren, bildliche Abstraktion, ein synthetisches Drama, zeitgenössische dissonante Musik und den Treffpunkt aller lebenden Tendenzen der Zeit. Kein anderer Jahrhundertismus war so in die kollektiven und individuellen Konflikte seiner Zeit verwickelt;Keiner hat sich so sehr bemüht, das Herz seiner Widersprüche zu erreichen, um sie zu überwinden.

Expressionistische Gemälde sind in den meisten von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt.