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Kunst der Renaissance in Venedig (um 1400-1600)

Einführung in die venezianische Kunst

Venedig, ein anderes Zentrum von Renaissance-Kunst ist eine schimmernde, traumhafte Stadt der Kanäle, die Italien seit Jahrhunderten mit dem exotischen Osten verbindet. Die Stadt war von Anfang an ein Zufluchtsort für die Bewohner benachbarter Städte wie Padua zu Zeiten der gotischen und lombardischen Invasionen des 5. und 6. Jahrhunderts n. Chr. Die Stadt, die im 6. und 7. Jahrhundert von den byzantinischen Kaisern regiert wurde, stand unter dem religiösen und zeitlichen Schutz des Exarchen von Ravenna. Ravenna war zu dieser Zeit eine Stadt mit prächtigen, mit Mosaiken gefüllten Kirchen (Einzelheiten siehe: Ravenna Mosaiken ) und ein wichtiger, wohlhabender Seehafen, der wichtiger ist als Venedig. Im neunten Jahrhundert war Venedig eine sich entwickelnde Macht und ein Zentrum für den Austausch von Luxusgütern wie Gewürzen und Seiden aus dem Osten gegen italienisches Holz, Getreide und Wein geworden. Es war, wie andere italienische Städte dieser Zeit, das Zentrum eines wachsenden Netzes von Handelsrouten, das sie mit Europa und dem Osten in Kontakt brachte – sogar mit dem Fernen Osten. Die kulturelle Entwicklung Venedigs war jedoch weitgehend unbeeinflusst von den Ereignissen in anderen italienischen Städten. Dies erklärt sich zum Teil aus ihrer Lage an der Adria und ihrer langen Verbindung mit dem Byzantinischen Reich und seinem Zentrum Konstantinopel.

Der byzantinische Osten und der gotische Westen trafen sich in Venedig und der Malerei der schönen Kunst Skulptur und Architektur, die im späten 14. und frühen 15. Jahrhundert entstanden sind, zeigen die Vermischung der beiden großen kulturellen Kräfte. Die Fassaden des Markusplatzes und die zahlreichen Palazzi, die von der wachsenden Handelsaristokratie erbaut wurden, vereinen die Spitzbögen und das Gewölbesystem von gotisch Architektur mit byzantinischen Mosaikkunst und bunte Murmeln. (Lesen Sie über den großen venezianischen Architekten: Andrea Palladio (1508-80), berühmt für seine Kirchenfassaden und Villen.) Diese Synthese führte zu einer Architektur von bemerkenswerter Leichtigkeit und Fülle, deren Brillanz durch schimmernde Reflexionen in den vielen Kanälen der Stadt blendend verstärkt wird. Für mehr über Christliche Kunst in Venedig während der Spätrenaissance: Venezianische Altarbilder (c.1500-1600).

Hinweis: Eine Anleitung zur venezianischen Skulptur in der Zeit von 1400 bis 1530 finden Sie unter: Italienische Renaissance-Skulptur .

Die für Ost und West so charakteristische Vermischung Venezianische Renaissance-Architektur war auch charakteristisch für ihre Bevölkerung. Eine wachsende Kolonie ausländischer Kaufleute aus Nordeuropa errichtete Lagerhäuser und baute sich Paläste am Canal Grande. Spätestens ab dem 15. Jahrhundert wuchs die Bevölkerung der Stadt durch eine erhebliche Abwanderung aus dem christlichen Osten. Der berühmteste der vielen griechischen Einwanderer in Venedig ist wahrscheinlich der Maler Domenikos Theotocopoulos, der bei dem großen Meister in Venedig studierte Tizian (c.1485 / 8-1576) und erlangte später seinen eigenen Ruhm in Spanien, wo er genannt wurde El Greco (1541-1614), nach seiner Heimat. Die Migrationen aus dem Osten brachten sowohl Kaufleute als auch eine intellektuelle Elite nach Venedig. Die Stadt wurde vor allem nach der muslimischen Vorherrschaft im Nahen Osten zum Hüter der Griechische Kunst und Kultur und ein wichtiges Zentrum für Orientalistik – vor allem Medizin und Geographie, in denen sich die Araber hervorgetan haben. Obwohl Literatur im intellektuellen Leben der Stadt eine eher geringe Rolle gespielt zu haben scheint, war sie reich an Kunst und Architektur. Mit Sicherheit galt die Stadt ab dem 16. Jahrhundert für Kaufleute, Künstler und Genießer aus ganz Europa als unverzichtbarer Zwischenstopp. Ihre Schönheit wurde in Theaterstücken und auf Gemälden gefeiert, während der magische Name Tizians neben dem der Giganten der Florentiner Renaissance , einschließlich Leonardo (1452-1519) Raphael (1483-1520) und Michelangelo (1475 & ndash; 1564).

Das Meer brachte der Stadt nicht nur Wohlstand, sondern versorgte die Maler auch mit außergewöhnlichem Rohmaterial. Von Vittore Carpaccio (ca. 1455-1525) an ließen sich venezianische Maler inspirieren, die blendenden Lichteffekte auf die Gebäude und Brücken, die die Kanäle säumen, aufzuzeichnen. Sie haben das Treiben des Kanalverkehrs dargestellt, die für weltliche Feste oder religiöse Prozessionen geschmückten Gondeln und in großen Gemälden wie Carpaccios "Legende der heiligen Ursula" sogar die hochmastigen Handelsschiffe, zu denen Luxusgüter transportiert wurden die Stadt aus allen Teilen der Welt.

Mit dem Beginn der quattrocento (15. Jahrhundert) begann Venedig eine Politik der Stärkung seiner Position auf der italienischen Halbinsel. Sie eroberte die Nachbarstädte Padua, Verona und Vicenza und knüpfte enge diplomatische und wirtschaftliche Kontakte zu Mailand und Mantua. Als der venezianische Senat 1424 einen Mosaiker finden wollte, der in der Lage war, einige der Wanddekorationen im Markusdom zu restaurieren, sandten sie ihn an den Florentiner Meister Paolo Uccello, um die Bemühungen der lokalen Künstler zu überwachen. Uccellos Kommen beendete die künstlerische Isolation Venedigs. Bald mehrere aktive Figuren in der Italienische Renaissance – Einschließlich der einflussreichen, aber kurzlebigen Andrea del Castagno (1420-57) und der Bildhauer Donatello (1386-1466) – folgten ihm in die Stadt.

Jacopo, Gentile und Giovanni Bellini

Zum Zeitpunkt dieses neuen Kontakts mit florentinischen Künstlern waren die bekanntesten Vertreter von Venezianische Malerei Es waren die drei Mitglieder der Familie Bellini, Jacopo (um 1400-70) und seine Söhne Gentile (um 1429-1507) und insbesondere Giovanni (um 1430-1516), die als Vater der venezianischen Malerei bekannt wurden.

Jacopo war Schüler von Gentile da Fabriano und einer der ersten Venezianer Alte Meister ein Interesse an Geradlinige Perspektive . Seine Söhne lernten schnell die Perspektivtechnik ihres Vaters und ihre Entwicklung wurde stark von ihm beeinflusst. Der Bellini-Workshop war außerordentlich beliebt, belagert von Aufträgen für große zeremonielle Altarbilder wie Gentiles "Prozession des Wahren Kreuzes auf dem Markusplatz" oder Porträts wie Giovannis wunderbare Darstellung des Dogen Leonardo Loredan. Gentile hatte ein Jahr in Konstantinopel am Hof ​​des Sultans verbracht und prächtige Skizzen der exotischen Persönlichkeiten angefertigt, die die überfüllten Straßen dieser Stadt zierten.

Gentiles "Prozession des Wahren Kreuzes auf der Piazza San Marco" ist typisch für die zahlreichen Werke, die uns einen Blick auf Venedig geben, wie sie Ende des 14. Jahrhunderts erschien. Die große Detailgenauigkeit in Gentiles gemalten Panoramen dokumentiert die Renaissance-Stadt, ihre Denkmäler, Gebäude und Kostüme fast fotografisch. In diesem Gemälde schildert der Künstler die jährliche Fronleichnamsprozession, als Relikte – Splitter vom Wahren Kreuz – von den frommen Mitgliedern einer populären religiösen Gesellschaft feierlich durch die Straßen getragen wurden. Tausende von Zuschauern waren jedes Jahr Zeuge dieser Zeremonie, zusammen mit dem Dogen, Vertretern der örtlichen Regierung und besuchenden Würdenträgern. (Siehe auch Gentile Bellini Biografie .)

Venedig war der erste moderne Staat, der eine Gruppe von Porträts seiner obersten Verwaltungsbeamten in Auftrag gab. Giovanni Bellinis Gemälde des Dogen Leonardo Loredan ist ein eindrucksvolles und eindringliches Beispiel für diese Art von Porträtkunst . Wie viele nordeuropäische Maler hat Giovanni die Formel der Frührenaissance des Profilporträts zugunsten einer Dreiviertelansicht des Dargestellten aufgegeben. Der Doge in der zeremoniellen Kleidung aus Brokatmantel und Mütze ist hinter einem kurzen, dunklen Sims abgebildet, der als räumliche Barriere zwischen dem Betrachter und dem Dargestellten fungiert. Giovanni hat die Texturen der Gewänder und die straffe, dicke Haut des Dogengesichts eingefangen. Sein Kopf hebt sich scharf vom dunkelblauen Hintergrund ab, und der Gesamteindruck ist kaum weniger dreidimensional oder skulptural als die Porträts zeitgenössischer Florentiner wie Filippino Lippis "Portrait of a Youth" und Botticelli Porträt "Giuliano de ’Medici".

Giovanni Bellini gehörte zu den ersten venezianischen Künstlern, die Öl aufnahmen, auch aufgrund seiner Reaktion auf das Sizilianische Antonello da Messina (um 1430-1479), der 1475/76 die Stadt besuchte. Bekannt für seine naturalistische Christus mit Dornen gekrönt (1470) hatte Antonello kennengelernt Kunst der nördlichen Renaissance in Neapel und war infolgedessen einer der frühen italienischen Pioniere von Ölgemälde – eine Methode, die er an seine venezianischen Gastgeber weitergab. Obwohl er nur kurze Zeit in Venedig war, machte seine Kunst einen starken Eindruck. Siehe zum Beispiel: Die Ekstase des heiligen Franziskus (1480, Sammlung Frick, New York), Dogen Leonardo Loredan (1502, National Gallery, London) und The Altarbild von San Zaccaria (1505, Kirche von San Zaccaria, Venedig). Seine konzentrierten, auf das Wesentliche reduzierten Bilder vereinten die italienische Physiognomie mit dem niederländischen Realismus und nutzten die Öltechniken von Künstler der nördlichen Renaissance in der Schaffung von Glanz und Tiefe. Giovanni Bellini hatte großen Einfluss auf venezianische Künstler – sowohl zu Lebzeiten als auch später – wie Giorgione, Tizian, Lorenzo Lotto (1480–1556), Sebastiano del Piombo (1485-1547) und andere.

Andrea Mantegna

Der erste Künstler, der die Venezianer mit dem Interesse der Florentiner an der Natur und der klassischen Vergangenheit bekannt machte, war Andrea Mantegna (1430-1506), der zunächst in der nahe gelegenen Universitätsstadt Padua und anschließend am Hof ​​des Herzogs von Mantua arbeitete, der sich der Kunst verschrieben hatte. Der Schüler eines örtlichen Meisters in Padua heißt Francesco Squarcione Mantegna zeigte ein so ungewöhnliches Talent, dass er die interessierte Aufmerksamkeit von Jacopo Bellini auf sich zog. Später bildete Mantegna nicht nur eine künstlerische Allianz mit den Bellini, sondern auch eine Familienallianz, als er eine von Jacopos Töchtern heiratete.
Wir wissen wenig über Mantegnas frühes Training, außer dass sein Meister Squarcione vermutlich eine große Liebe hatte Antike Kunst ; Früher forderte er von seinen Schülern, Kopien von Stücken zu machen Griechische Skulptur dass er in seiner Werkstatt zusammengebaut hatte. Diese frühe Ausbildung diente Mantegna im späteren Leben, als er ernsthaft begann, alte Denkmäler zu studieren und zu kopieren. Im Jahr 1447 der große Florentiner Bildhauer Donatello kam in Padua an, um einen Reiter zu errichten Skulptur ein Denkmal für einen erfolgreichen General. Mantegna war sowohl beeindruckt von Donatellos Nachbildung eines klassischen Prototyps als auch von den zahlreichen Perspektivstudien des Florentiner Bildhauers. Von Donatellos Beispiel bewegt, brachte Mantegna sich durch vorsichtige, disziplinierte Haltung bei Zeichnung .

Als er gerade zwanzig war, produzierte Mantegna eine Reihe von Fresken in der Eremitenkirche in seiner Geburtsstadt Padua. Die Bilder beschreiben das Leben des heiligen Jakobus; Sie gehören zu den erstaunlichsten Errungenschaften der frühe Renaissance in ihrer Simulation außergewöhnlicher Tiefe und in ihrer wissenschaftlichen Nachahmung klassischer Kunstformen. Um sich auf diese und ähnliche Arbeiten vorzubereiten, fertigte Mantegna unglaublich detaillierte Zeichnungen von überlebenden klassischen Statuen und Gebäuden an, die er in Norditalien und später bei Besuchen in Rom gesehen hatte. Viele dieser Zeichnungen dienten als Grundlage für Kompositionen, die er später gravierte und die als Drucke weit verbreitet waren. Heute genießt Mantegna den Ruf, einer der größten Vertreter von Grafik-Design das Italien jemals produziert hat. Mantegna wurde als klassischer Gelehrter so bekannt, dass Papst Innozenz VIII. Ihn in den 1480er Jahren nach Rom einlud.

Im Jahr 1459 nahm Mantegna eine Einladung des Herzogs von Mantua an, sich seinem Dienst anzuschließen. Er blieb für den Rest seines Lebens mit diesem Gericht verbunden – mit kurzen Abwesenheiten für Reisen nach Venedig, Rom und Verona.

Ein Stück von Altarbild Kunst Von Mantegna für die herrschende Familie Gonzaga geschaffen, zeigt er seine Fähigkeit, seine eigene Beherrschung der menschlichen Anatomie mit den neuen räumlichen Techniken der Florentiner zu kombinieren. Das Altarbild ist ein Triptychon oder dreiteiliges Werk, dessen rechter Flügel "Die Darstellung Christi im Tempel" ist. Die Figuren, die am jahrhundertealten jüdischen Beschneidungsritus teilnehmen, sind imposant, elegant und doch menschlich. Die Szene spielt in einem hohen Saal, der kunstvoll mit klassischen Säulen geschmückt ist, einer mit Marmor überzogenen Wand mit Blumenmotiven und simulierten skulpturalen Reliefs mit Szenen aus dem Alten Testament.

Eine weitaus einfachere Arbeit, die jedoch die Kommunikation menschlicher Emotionen noch stärker beeinflusst, ist Mantegnas "Judith mit dem Kopf des Holofernes". Die Arbeit ist erledigt in Tempera die Technik, bei der eine Mischung von Farbpigmenten mit einer viskosen Substanz wie Eigelb auf eine behandelte Holzplatte aufgebracht wird. Dieses akribische Verfahren wurde lange vor der Entwicklung des Ölgemäldes auf Holz oder Leinwand angewendet. Das Ergebnis sind brillante, reine Farben und eine glatte Oberfläche. In dieser Komposition hat Mantegna die sorgfältige Beobachtung und Darstellung naturalistischer Details mit einem Bewusstsein für die klassischen Regeln der Körperproportionen kombiniert, um Figuren von seltener Schönheit hervorzubringen. Obwohl die Arbeit sehr realistisch ist – beachten Sie das besonders erschütternde Detail des Fußes des Toten auf dem Bett im Hintergrund – vermittelt Mantegna immer noch einen Eindruck von ergreifender Traurigkeit. Besonders berührend ist der erbärmliche Blick von Judith, die es vermeidet, auf den grausam abgetrennten Kopf des assyrischen Generals Holofernes zu blicken, den sie erschlagen hat, um ihre Landsleute, die Israeliten, zu schützen. Als sie ihrem Assistenten den Kopf übergibt, könnte man Mantegnas Judith leicht für die Heldin einer klassischen griechischen Tragödie halten.

Die weltbeste Kunst
Für eine Liste der Top 10 Maler / Bildhauer: siehe: Beste Künstler aller Zeiten .
Für die Top 300-Öle, Aquarelle siehe: Größte Gemälde aller Zeiten .
Zu den Top 100 der Skulpturen siehe: Größte Skulpturen aller Zeiten .

Vittore Carpaccio

Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) war wahrscheinlich ein Schüler von Gentile Bellini. Seine Gemälde sind mit einer Fülle naturalistischer Details angereichert, die möglicherweise durch seine Untersuchung der Maler des Nordens, insbesondere der flämischen Meister, beeinflusst wurden Jan Van Eyck . Wie die Mitglieder der Familie Bellini zeigte er Panoramablicke auf Venedig, zeigt jedoch eine noch größere Sensibilität für die besondere Qualität des atmosphärischen Lichts als diese.

Zu den größten Gemäldeserien von Carpaccio zählen die großen Altarbilder, die er um 1496 für die Bruderschaft der hl. Ursula fertigte und die Szenen aus dem Leben dieses Heiligen zeigen. Die Altarbilder waren für eine Kapelle in der Schule der hl. Ursula bestimmt, einem kleinen Gebäude, das jetzt in das große Museum der venezianischen Malerei, die Accademia, integriert ist. Carpaccio erzählt die verschiedenen Momente im Leben der jungen Märtyrerin vor dem Hintergrund einer Stadt, die unter anderem an die Städte Köln und Rom erinnert. Seine Arbeit ist lebendig im Trubel der überfüllten Straßen des zeitgenössischen Venedig, und er genießt es besonders, dem Betrachter alle exotischen Inszenierungen der Besucher aus dem Nahen Osten vorzuführen, die er in der Stadt beobachtet hat. In seiner "Disputation of St. Stephen" erfreut er sich an der besonderen Darstellung von Kostümen und bestimmten rassischen und nationalen Charaktertypen. Der Betrachter ist jedoch noch mehr beeindruckt von der Schaffung der Illusion eines tiefen, großzügigen Raums, in dem Vordergrund, Mitte und Hintergrund klar und logisch angedeutet sind.

Giorgione

Während Künstler der frühen Renaissance in Florenz hatte harmonische Kompositionen geschaffen, indem sie eine Balance zwischen Linie und Licht und Schatten erreichten, und während der Renaissance in Rom Die Venezianer beherrschten die Kunst des Dramatischen und perfektionierten den subtilen Einsatz von Farben. Zu den wichtigsten Vertretern des venezianischen Kolorismus gehörte Giorgio da Castelfranco, genannt Giorgione (c.1477-1510).

Über diesen Künstler, dem nur fünf oder sechs Gemälde mit Sicherheit zugeschrieben werden, ist wenig bekannt. Vermutlich war er ein Schüler von Giovanni Bellini, und sicherlich gibt es Eigenschaften, die seine Werke mit denen des älteren Mannes gemeinsam haben. Der früheste Hinweis auf Giorgione weist darauf hin, dass er 1508 im Fondaco dei Tedeschi ("Zunfthaus der deutschen Kaufleute") in Venedig mit der Bemalung von Fresken beauftragt und dabei vom jungen Tizian unterstützt wurde.

Giorgiones berühmtestes Bild ist " Der Sturm "(1506-8, Galerie der Akademie von Venedig ). Das Thema der Komposition ist etwas mehrdeutig: Es kann eine Szene aus einem klassischen Gedicht darstellen.

Ein anderes Gemälde von Giorgione, "Die drei Philosophen", vermittelt eine ähnlich lebhafte Stimmung und ist auch ein ungewöhnlich sensibles Studium der verschiedenen Lichtwirkungen. Manchmal als "die drei Zeitalter des Menschen" oder "drei Temperamente" charakterisiert, sind die einzelnen Identitäten der Figuren eindeutig festgelegt, und sie erscheinen vor einer Landschaft von großer Schönheit. Jede kann eine andere philosophische Tradition darstellen, wie man vermutet – die christliche, die arabische und die hebräische -, wie sich an ihrer stark individualisierten Kleidung ablesen lässt. Wie die Heiligen in einem Renaissance-Altarbild ist jeder Mensch in seine eigenen Spekulationen vertieft.

Das "Concert Champetre" ("Concert in the Countryside") dürfte eines der letzten Bilder des Künstlers gewesen sein. Auch hier werden die atmosphärischen Effekte von Licht und die Feinheiten der Beziehung zwischen Figuren untersucht. Die charmante pastorale Szene, wie die des früheren "The Tempest", könnte ein klassisches Gedicht widerspiegeln; Es war eine übliche Konvention einiger klassischer Dichter, Ereignisse auf dem Land zu veranstalten, wobei die Hauptfiguren als einfache Hirten dargestellt wurden. Wie in der früheren Arbeit gibt es einen Kontrast zwischen gekleideten männlichen Figuren und nackten Frauen. Es gibt jedoch kein gegenseitiges Bewusstsein: Die Jugendlichen spielen und unterhalten sich, ohne die Anwesenheit der schönen jungen Frauen anzuerkennen. Vielleicht schildert Giorgione auf phantastische Weise einen Moment, in dem die Sänger, die von der Schönheit der Natur verzaubert sind und Liebeslieder für klassische Gottheiten komponieren, tatsächlich von den göttlichen Geistern besucht wurden, die sie feiern.

Giorgiones poetische Visionen eines klassischen Paradieses können als Teil der venezianischen Entwicklung von den großen zeremoniellen Gemälden Bellinis bis zu den Werken seines Nachfolgers Tizian angesehen werden, der sich mit der Vermittlung des greifbaren und sinnlichen Aspekts lebhafter und lebloser Formen befasst. Sein unvollendetes Meisterwerk – später von Tizian etwas unangemessen vollendet – war Schlafende Venus (1510, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden).

[ANMERKUNG: Zu den bekannteren Bildhauern der venezianischen Renaissance gehörten: Jacopo Sansovino (1486-1570).]

Tizian

Einer der größten Maler der Welt Kunstgeschichte , Tiziano Vecellio oder Tizian (um 1485/8-1576) schufen fast im Alleingang den Ruf von Malerei der Hochrenaissance in Venedig. Während der Hohe Renaissance und später Manierismus In dieser Zeit erlangte er eine Berühmtheit, die mit Michelangelos Ruhm mithalten konnte. Er wurde in den südlichen Alpen in der Stadt Cadore geboren. Nach seiner Ankunft als junger Mann in Venedig scheint er bei Gentile und Giovanni Bellini studiert zu haben, bevor er Schüler von Giorgione wurde. Es ist bekannt, dass er 1508 mit Giorgione an den Fresken des Fondaco dei Tedeschi gearbeitet hat, aber sein eigenes künstlerisches Temperament scheint sich sehr früh durchgesetzt zu haben – er entwickelte einen visuellen Ausdrucksstil, der weitaus dramatischer ist als die stillen Betrachtungen seines Meisters. In seinem Leben der Künstler , Giorgio Vasari erzählt eine Anekdote, die diesen Unterschied verdeutlicht. Zur Beschreibung der Zusammenarbeit an den Fresken des Fondaco dei Tedeschi führt er aus:

"Im Zusammenhang mit dieser Fassade deckte Tizian einen Teil seines Tuns auf, und dann gratulierten viele Herren Giorgione fröhlich, als sie ihn zufällig trafen, und sagten, er arbeite besser an der Die Fassade in Richtung Merceria war so groß wie für den Teil, der über dem Canal Grande liegt. Dies erzürnte Giorgione, dass er sich von da an kaum mehr im Freien zeigen würde, bis Tizian vollständig fertig war und sein Anteil an der Arbeit zum Allgemeinwissen geworden war Er würde niemals zulassen, dass Tizian mit ihm in Verbindung tritt oder sein Freund ist. "

Ein religiöser Geschichtsmalerei veranschaulicht Tizians Beherrschung von Landschaftskunst : sein "Noli me tangere" zeigt den auferstandenen Christus, der Maria Magdalena warnt, ihn nicht anzufassen, weil er sich seinem Vater noch nicht angeschlossen hat. Der Hintergrund zeigt, wie auf Giorgiones Gemälden, sanfte Hügel, Bauernhäuser und grasende Schafe. Was jedoch sehr unterschiedlich ist, ist das Ausmaß der Figuren und die dramatische und intime Beziehung, die durch ihre Gesten hergestellt wird, im Gegensatz zu der mehrdeutigen, fernen Melancholie von Giorgiones Kompositionen. Auffällig ist auch die neue Intensität von Tizian Farbmalerei – das lebendige, warme Scharlachrot der Magdalena und das satte Grün der Vegetation. Sehen Sie seine energischen heidnischen Werke Bacchus und Ariadne (1520-23) und Bacchanal der Andrians (1523-5) sowie sein weiblicher Akt Venus von Urbino (1538, Uffizien).

Noch bevor Raffael starb, galt Tizian als außergewöhnliches Talent – zeugen Sie von seinem beeindruckenden Altarbild Mariä Himmelfahrt (c.1518). Nach Raphaels Tod wurde Tizian der berühmteste Porträtist seiner Zeit. Zu seinen Besten Porträtkunst ist sein Porträt des Malers und Kritikers Pietro Aretino und ein wunderbarer Selbstporträt . Sowohl das um 1555 entstandene Gemälde von Aretino als auch das um 1563, dreizehn Jahre vor dem Tod des Künstlers, entstandene Selbstporträt belegen seine Beherrschung der Ölmaltechnik. In jedem Fall taucht der Dargestellte vor einem dunklen Hintergrund auf, und sein nachdenkliches Gesicht wird in einer Dreiviertelansicht dargestellt, die teilweise von qualifizierenden Schatten verdeckt wird. Ein warmes, goldenes Licht durchdringt jede Leinwand und animiert die reichhaltigen Texturen der Kleidung der Dargestellten. Verglichen mit der "Frau im Pelz", die etwa zwanzig Jahre zuvor gemacht wurde, wirkt der Pinselstrich von Tizians späteren Porträts viel freier und der Effekt spontaner. Siehe auch: Venezianische Porträtmalerei (c.1400-1600).

Die zunehmende Freiheit des Pinselstrichs oder der malerischen Qualität, die Tizians späten Stil kennzeichnet, ist auch im Porträt seiner Gruppe zu erkennen Papst Paul III. Mit seinen Enkeln Dies könnte mit Raffaels Porträt von Papst Leo X. und seinen Neffen verglichen werden. Im Gegensatz zu der hochveredelten Oberfläche von Raffaels Werk wirkt Tizians Leinwand fast unvollständig: Farbrisse sind sichtbar und Teile der Leinwand bleiben praktisch unberührt, während an anderen Stellen das Pigment stark aufgetragen ist und Kügelchen aus glänzendem Öl fast zu sein scheinen an der Oberfläche haften.

Tizians geschickte Fähigkeit, die Persönlichkeit oder den Charakter des Darstellers zu erfassen, ist bemerkenswert. Auf dem Gemälde von Paul III. Und seinen Neffen wird diese Charakterabgrenzung sehr stark betont. Die zerbrechliche, belastete Gestalt des Papstes dominiert eindeutig die seiner Begleiter und gibt einen interessanten Kommentar zur Art der Beziehung ab; der maler unterstreicht die abhängigkeit der jüngeren männer von ihrem mächtigen onkel.

Zu seinen Lebzeiten erhielt Tizian den Titel "Prinz unter den Malern". Vasari bemerkte in seinem Leben als Tizianer, dass es kaum einen großen Lord oder eine Dame gab, deren Ähnlichkeit er nicht malte. Er war ein Liebling des Kaisers Karl V., der ihn 1534 zum Pfalzgrafen machte. Seine Manieren wurden gepflegt und sein Haushalt luxuriös, und er empfing regelmäßig alle wichtigen Würdenträger, die nach Venedig kamen. Einer Biografie von Tizian zufolge schätzte ihn der Kaiser so sehr, dass er sich beim Besuch seines Ateliers die Ehre erwarb, einen Pinsel aufzugreifen, den der Maler fallen gelassen hatte. Die Wirkung der koloristischen Innovationen von Tizian war so groß, dass selbst die Florentiner Bewunderung fanden. (Siehe auch: Tizianische und Venezianische Farbmalerei c.1500-76.) Michelangelo, obwohl er Tizians Mangel an beklagte " disegno ", oder Zeichnung, lobte ihn dennoch hoch für sein Kolorit und seinen Stil. Der volle Einfluss von Titians Errungenschaften war wahrscheinlich erst im 17. Jahrhundert zu spüren, als unzählige Künstler aus Italien und Nordeuropa nach Venedig reisten, um seinen außergewöhnlichen und berühmten Stil zu studieren und aufzunehmen.

Für Details der Farbpigmente von Malern der venezianischen Renaissance verwendet, in Fresken-, Tempera- und Ölgemälden: Renaissance-Farbpalette . Eine allgemeine Übersicht über Kolorismus finden Sie unter: Farbe in der Malerei .

Paolo Veronese

Paolo Veronese (1528-88) kam nach einer gründlichen künstlerischen Ausbildung in seiner Heimat Verona nach Venedig. Kurz nach seiner Ankunft in der Stadt wurde er einer der führenden Manieristische Künstler und Vertreter der farbenfrohen venezianischen Art, die sich in seinen monumentalen Leinwänden widerspiegelt Das Hochzeitsfest in Cana (1563). Dieses Werk ist nur eine von mehreren von Veronese ausgeführten Bankettszenen: "Das Mahl im Hause Simon" und "Das Mahl im Hause Simon" Fest im Hause Levi (1573) gehören zu den anderen berühmten Werken, die den zeitgenössischen Geschmack für ausgefeilte Gruppierungen von Menschen und Tieren vor palastartigen architektonischen Hintergründen verkörpern. Veroneses Gemälde scheinen beinahe Theateraufführungen von spektakulärem Ausmaß und Pracht zu sein. In der exotischen Atmosphäre und Architektur des Venedigs des 16. Jahrhunderts werden reich gekleidete Herren und Damen gezeigt, die die Freuden des Lebens inmitten einer Fülle von materialdetailglänzenden Goldgefäßen und weingefüllten Gläsern genießen.

Veronese übersetzt das Alte Testament in seinen Gemälden mit feierlichen religiösen Geschichten wie "Die Entdeckung des Moseskindes" in ein zeitgenössisches Idiom. Die Tochter des ägyptischen Pharaos und ihre Begleiterin werden als zwei exquisit gekleidete venezianische Damen dargestellt, die einen Spaziergang durch die die Stadt umgebende Landschaft unternehmen, begleitet von Dienstmädchen und einem missgebildeten Zwerg. Die Freude und Prahlerei der Renaissance-Gesellschaft springt ziemlich weit über Veronese hinaus, und es ist nicht verwunderlich, dass seine Bilder beim Publikum großen Anklang fanden, obwohl ihr weltlicher Geist die Kirche dazu veranlasste, den Künstler zu tadeln. Für Veronese Zeichnungen finden Sie unter: Venezianische Zeichnung (c.1500-1600).

Siehe auch den venezianischen Manieristen: Jacopo Bassano (1515 & ndash; 92).

Tintoretto

Der letzte große venezianische Meister des 16. Jahrhunderts war Jacopo Robusti, genannt Tintoretto (1518 & ndash; 94). Der Legende nach hat der Künstler seine Absicht bekundet, die Farbe Tizians mit der Zeichnung Michelangelos zu kombinieren, und selbst ein flüchtiger Blick auf seine Leinwände und Fresken zeigt, wie unterschiedlich sie von den stattlichen Kompositionen seines Meisters Tizian sind. In einem Gemälde wie "Christus mit Maria und Martha" beobachten wir trotz seiner klaren Verbindung mit der üppigen Tradition des venezianischen Kolorismus eine neue Erregung, ein neues Gefühl dramatischer Dringlichkeit, das typisch ist für Manieristische Malerei in Italien (c.1530-1600). Tintoretto führt eine starke diagonale Bewegung ein, die das Auge des Zuschauers von Figur zu Figur über die Tischkante zieht. Außerdem setzt Tintoretto anstelle der satten, warmen Farben von Tizian oder Veronese eine subtile, aber unverwechselbare weiße Untermalung ein, die die Gewänder aller Figuren auf verstörende und übernatürliche Weise beleuchtet.

Mit der Entwicklung seines Stils schienen Tintorettos Gemälde dramatischer und bewegter zu werden. Dies ist in seinem Gemälde "Der Transport des Leichnams des Hl. Markus" zu sehen, eine von drei Szenen, die die Legende des venezianischen Schutzheiligen wiedergeben, die der Künstler zwischen 1548 und 1566 für die Scuola di San Marco gemalt hat. In dieser Arbeit ist die diagonale Bewegung in den Raum noch übertriebener als in "Christus mit Martha und Maria", und die Farbverfälschungen sind ebenfalls verstärkt worden. Die gesamte psychologische Atmosphäre des Gemäldes wird verstärkt, vor allem aufgrund der unheimlichen und bedrohlichen Lichtqualität, die dazu neigt, Formen ihrer Dreidimensionalität zu berauben. Der Betrachter spürt, dass er Zeuge eines außergewöhnlichen Ereignisses ist – der Wiedererlangung und Rückgabe des Leichnams des toten Markus von seiner Grabstätte in Alexandria in die Stadt Venedig -, denn das Ereignis wird auf emotionalste und dramatischste Weise dargestellt. Tatsächlich wurde der Leichnam des Hl. Markus 828 von zwei abenteuerlustigen venezianischen Kaufleuten aus Alexandria gestohlen, und es war dieses Ereignis, das den Dogen Giustiniano Partecipazio dazu inspirierte, eine Kirche zu errichten, um das heilige Relikt zu schützen.

Tintoretto opferte die gesunde Farbe Tizians zugunsten von Farben, die im Vergleich hart oder ungewöhnlich intensiv wirken, um seinen neuen Bildstil der manieristischen Malerei zu entwickeln, der zu einem äußerst erfolgreichen Mittel für die Vermittlung des starken Gefühls religiöser Geschichten wurde. Es wird berichtet, dass Tizian den jungen Tintoretto aus seinem Atelier vertrieb, weil er mit seinen verzerrten Formen und Farben unzufrieden war. Doch so wie Tizians Gemälde die Errungenschaften der Renaissance noch einen Schritt weiter trugen, ebneten die Werke von Tintoretto den Weg für die zusätzlichen formalen und psychologischen Neuerungen der Barockstil im nächsten Jahrhundert. Zum Einfluss der venezianischen Maler auf die europäische Kunst siehe: Vermächtnis der venezianischen Malerei (nach 1600).