Barockmalerei: Geschichte, Charakteristika, Stile Automatische übersetzen
Einführung
Im Allgemeinen spiegelte die "Barockmalerei" die tiefgreifenden politischen und kulturellen Veränderungen wider, die sich dann in ganz Europa abzeichneten. Barock- Gemälde Im Großen und Ganzen fiel dies mit dem 17. Jahrhundert zusammen, obwohl in einigen Gebieten – insbesondere in Deutschland – einige seiner Erfolge erst im 18. Jahrhundert erzielt wurden. Obwohl der Begriff eine verwirrende Vielfalt von Stilen umfasste, war er in der Regel durch zwei Dinge gekennzeichnet: ein Gefühl der Größe (oder des sinnlichen Reichtums) sowie einen offensichtlichen emotionalen Inhalt. Durch diese beiden Elemente versuchten die Barockmaler, emotionale Zustände im Betrachter hervorzurufen, indem sie die Sinne ansprechen, oft auf dramatische Weise. Warum haben sie die Zuschauer auf diese Weise angesprochen? Weil das Leben im 17. Jahrhundert in Europa plötzlich zu einer Konkurrenz zwischen zwei mächtigen Kräften geworden war.
Historischer Hintergrund: Status Quo versus Reform
Auf der einen Seite standen diejenigen, die die katholische Kirche und das göttliche Recht der Könige unterstützten – im Wesentlichen den Status quo. Zu letzteren gehörten die Könige von Frankreich, Spanien, Österreich und Großbritannien. Auf der anderen Seite befanden sich diejenigen, die eine Reform wünschten: Dazu gehörten diejenigen, die der neuen protestantischen Religionsbewegung angehörten, sowie diejenigen, die an nationale oder persönliche Selbstbestimmung glaubten. Die ersteren setzten aktiv die Malerei und andere künstlerische Disziplinen ein, um ihre Versammlungen und Untertanen mit der Wahrheit ihrer Botschaft zu beeindrucken.
So bauten die Kirchenbehörden prächtige Kirchen, die mit illusionistischen Elementen geschmückt waren Freskenmalerei an den Decken und Wänden mit den neuesten Quadratur- Techniken und Trompe l’oeil- Methoden, um die Frömmigkeit anzuregen und einen Eindruck von der Pracht des Göttlichen zu vermitteln. Und sie ließen einen endlosen Strom von Biblische Kunst, entworfen, um wichtige Teile des katholischen theologischen Dogmas zu veranschaulichen. In der Zwischenzeit ernannten Kaiser und Könige ihre eigene Autorität, indem sie Architekten beauftragten, mit Wandgemälden geschmückte Paläste zu bauen. Ölgemälde und andere Formen von dekorative Kunst.
Reformer missbilligten typischerweise diese Art von religiöse Kunst stattdessen lieber die Innenräume der Kirchen tünchen. Unter den Nationen und Provinzen Nordeuropas zeichnete sich jedoch eine neue Art von Schutzpatron ab – der Mittelklasseprofi, Kaufmann oder Büroinhaber – der begann, kleine Kunstwerke zu kaufen, um seinen wachsenden Wohlstand zu feiern und seine eigene Kultur zu fördern Werte. So boomte zum Beispiel in Holland ein neuer realistischer Staffelei-Kunststil, als die neu ermächtigten Mittelschichten in Auftrag gegeben wurden Genrebilder, Stillleben oder Einzelperson / Gruppe Porträtmalereien um ihren neuen Status zu zeigen. In Frankreich zeigte sich der gleiche Trend bei der Nachfrage nach realistischen Werken der Brüder Le Nain und ähnliche Künstler. Interessanterweise hatten die Kirchenbehörden in Italien, wo zum ersten Mal realistische „Low Brow“ -Inhalte aufgetaucht waren (in Werken von Caravaggio), diese geschickt für ihre eigenen Zwecke ausgenutzt, um die Heiligen menschlicher erscheinen zu lassen. So waren fast alle Gemälde von Caravaggio religiös.
Barockmalerei – in diesem Fall Landschaftsmalerei – wurde auch von der allgemeinen Erweiterung des geistigen Horizonts des Menschen beeinflusst, ausgelöst durch Entwicklungen in der Wissenschaft und durch geografische Erkundungen des Globus. Diese beiden Faktoren erzeugten ein neues Gefühl sowohl für die menschliche Bedeutungslosigkeit als auch für die mysteriöse Komplexität der natürlichen Welt. So sehen wir in der Landschaftsmalerei der damaligen Zeit Menschen oft als winzige Figuren in einer weiten natürlichen Umgebung dargestellt.
Eigenschaften
Zusätzlich zu den beiden oben beschriebenen Hauptmerkmalen der Barockmalerei:
❶ Größe oder Sinnlichkeit – siehe zum Beispiel religiöse Werke von Peter Paul Rubens oder die eleganten Porträts von Anthony Van Dyck ; und
❷ starker emotionaler Inhalt – siehe insbesondere Werke von Spanische Barockkünstler wie Ribera, Zurbaran, sogar Velazquez; Wir sollten zwei andere wichtige, aber widersprüchliche Tendenzen beachten:
❸ Naturalismus oder Realismus und
❹ Klassizismus oder "Ideal". Der Naturalismus lässt sich am besten am Beispiel von Caravaggio (Realismus von Jan Vermeer); Während der Klassizismus der Hauptimpuls in Werken von ist Alte Meister wie Annibale Carracci, Peter Paul Rubens, Nicolas Poussin und Claude Lorraine. Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts. Darüber hinaus
❺ Barocke Architekten nutzten die Fähigkeiten von Malern wie Andrea Pozzo und Pietro da Cortona für die Wandmalerei voll aus, deren Trompe l’oeil- Deckenfresken bis heute inspirieren.
Illusionistische Architekturmalereien und Deckengemälde
Es ist angebracht, eine Darstellung der Barockmalerei mit ihrem bevorzugten Genre und ihrer charakteristischen Funktion zu beginnen: der illusionistischen Dekoration der Wände eines Innenraums. Offensichtlich war die Idee, eine Wand zur Darstellung einer gemalten Szene zu verwenden, so alt wie die Kunst. Was neu oder fast neu war, war der Einsatz dieser Technik von Wandmalerei von Barockkünstlern. An den Wänden und vor allem an den Decken von Kirchen und Palästen malten sie riesige, geschäftige Szenen, die den Betrachter zumeist zu einem Bild werden lassen trompe l’oeil den Eindruck erwecken, dass Wände oder Decken nicht mehr existieren oder sich zumindest auf aufregende Weise öffnen. Auch dies war nicht wesentlich neu: Solche Experimente waren in der Renaissance von Mantegna und am spektakulärsten von Correggio in seiner außergewöhnlichen Mariä Himmelfahrt (Kathedrale von Parma) (1526 & ndash; 30). In der Barockzeit wurde es jedoch fast zur absoluten Regel und kombinierte wie alle ästhetischen Merkmale der Zeit: Größe, Theatralik, Bewegung, Darstellung der Unendlichkeit und darüber hinaus eine technische Fähigkeit, die beinahe übermenschlich erscheint. Es zeigte sich die Tendenz, verschiedene Kunstformen zu einem einheitlichen Effekt zu kombinieren, der das markanteste Merkmal des Zeitalters war.
Solche illusionistische Kunst – darunter einige der beste barocke Gemälde jemals erschaffen – sehr unterschiedlich in den Geschichten, die sie erzählten – Leben von Heiligen, Geschichten von Dynastien, Mythen oder Geschichten von Helden – aber sie waren konsistent in den Komponenten, die sie einsetzten: architektonische Herrlichkeiten, die sich gegen den Himmel abheben; hochfliegende Engel und Heilige; Figuren in rascher Bewegung, deren Gewänder sich im Wind wogen; alle fett dargestellt Verkürzung – der perspektivische Effekt, von unten nach oben oder umgekehrt von oben nach unten zu schauen, wodurch die Zahlen kürzer erscheinen. Das Genre war so lebendig, dass es sich nicht nur im 17. Jahrhundert, sondern auch im 18. Jahrhundert fortsetzte und die Grenzen der Zeit überschritt, die allgemein als Abgrenzung der nachfolgenden Rokoko-Bewegung angesehen wurden.
Zu den auf solche Wand- und Deckenmalereien spezialisierten Barockmalern gehörte: der Vorläufer Annibale Carracci (1560-1609) – Mitbegründer zusammen mit seinem Bruder Agostino Carracci (1557-1602) und Cousin Ludovico Carracci (1555-1619) des einflussreichen Bologneser Schule – Wer war bekannt für seine Farnese Galerie Fresken in Rom und seine Anhänger Guido Reni (1575–1642), Guercino (1591-1666) und insbesondere Domenichino (1581-1641), deren aufwändige klassische Kompositionen Nicolas Poussin beeinflussen sollten. Danach haben wir Parma geboren Giovanni Lanfranco (1582-1647), beeinflusst von den Fresken von Correggio; Bernini (1598-1680), berühmter als Architekt und Bildhauer; Pietro da Cortona (1596-1669) – siehe seine unsterbliche Allegorie der göttlichen Vorsehung (1633–39, Palazzo Barberini); Andrea Sacchi (1599-1661), der für den hochbarocken Klassizismus steht, und sein Schüler Carlo Maratta (1625 & ndash; 1713). Luca Giordano (1634-1705) und Andrea Pozzo (1642-1709) – siehe seine Apotheose des heiligen Ignatius (1688-94, Sant’Ignazio, Rom) – waren auch große Vertreter des Barockstils von Rom Quadratura Deckendekoration. Siehe auch den neapolitanischen Dekorationsmaler Francesco Solimena (1657-1747), dessen Fresken das Spätbarock mit dem Rokoko verbinden. Weitere Informationen finden Sie unter: Barocke Architektur (1600-1750).
Ein weiterer wichtiger italienischer Künstler war Giovanni Benedetto Castiglione (1609-64), am bekanntesten für seine Radierung, biblische Genremalerei (mit Tieren) und seine bahnbrechende Verwendung von Monotypie. Siehe auch: Italienische Barockkünstler.
In Frankreich, Charles Le Brun (1619-90) war der Erbe von Pietro da Cortonas dekorativer Brillanz, die er an seinen Wandgemälden an der Schloss von Versailles vor allem die im Spiegelsaal. Le Brun nutzte seine Position als Direktor der Französische Akademie totale Kontrolle über Französische Malerei (1663 & ndash; 83). Siehe auch: Französische Barockkünstler.
Für das goldene Zeitalter der Innenarchitektur in Frankreich im Barock siehe: Französische dekorative Kunst. Zur Ausstattung siehe: Französische Möbel (1640-1792). Für Künstler und Handwerker siehe: Französische Designer.
Licht: Das Hauptmerkmal der Barockmalerei
Natürlich war das Malen nicht auf die Wände von Gebäuden beschränkt. Es gab auch und vor allem eine Tradition der Malerei auf Leinwand, und wie bei der Architektur unterschieden sich die Merkmale der verschiedenen nationalen Schulen stark voneinander. Sie hatten jedoch eines gemeinsam: das Studium des Lichts und seiner Wirkungen. Trotz der großen Unterschiede zwischen den Werken verschiedener Künstler im Barock – so große Unterschiede wie viele Kunstkritiker sind nicht bereit, ihre Arbeit durch ein einziges gemeinsames Adjektiv zu bezeichnen – die thematische Verwendung von Licht und Schatten bei der Konstruktion bedeutender Arbeiten war allen mehr oder weniger gemeinsam, da sie das Hauptmerkmal und das einheitliche Bild waren Motiv des Zeitalters.
Caravaggio (1573-1610)
Der Anstoß zur Übernahme dieser Redewendung kam aus Italien, und zwar von einem einzigen italienischen Künstler, Michelangelo Merisi, bekannt als Caravaggio Aus dem Namen der kleinen Stadt, in der er geboren wurde. Obwohl sein Werk von einigen Kritikern eher angegriffen als geschätzt wurde, steht außer Zweifel, dass er den Beginn einer neuen Epoche markierte. Zur Zeit von Caravaggio hatte die Malerei die vor zwei Jahrhunderten festgelegten Ziele voll erreicht – die perfekte Darstellung der Natur in all ihren Erscheinungsformen. Es war eine neue Untersuchungsrichtung erforderlich, die dem Alter angemessen war. und diese Caravaggio geliefert. Seine Bilder zeigten robuste Bauern, Gastwirte und Spieler; und obwohl sie manchmal als Heilige, Apostel und Väter der Kirche verkleidet sein mögen, repräsentierten sie die Realität in ihrer gröbsten und rauesten Form. Dies war an sich schon ein Bruch mit der Kunst der Renaissance mit ihren aristokratischen Figuren und ihrer idealisierten Umgebung. Der wichtigste Aspekt der Barockmalerei war jedoch nicht, was dargestellt wurde, sondern wie es dargestellt wurde. Das Gemälde war nicht gleichmäßig beleuchtet, sondern fleckig; Details, die von hellem, intensivem Licht getroffen wurden, wechselten sich mit dunklen Schatten ab. Wenn im Endeffekt ein Renaissance-Gemälde eine farbige Zeichnung mit Gesamtbeleuchtung war, war eine Leinwand von Caravaggio eine Leopardenhaut aus starkem Licht und tiefem, intensivem Schatten, in der die Glanzlichter symbolisch sind; das heißt, sie wiesen auf die wichtigen Elemente der Zusammensetzung hin. Es war ein dramatischer, gewalttätiger, gequälter Malstil, der sich hervorragend für ein Zeitalter starker ästhetischer Kontraste wie in der Barockzeit eignet. Zu seinen größten Gemälden gehören:
Karavaggismus
Caravaggios Temperament scheint eher mit dem spanischen als mit dem italienischen Charakter verwandt gewesen zu sein, und Neapel, das zu dieser Zeit eine enge Beziehung zu Spanien hatte – und auch ein Zentrum des religiösen Quietismus war – war ein Schlüsselzentrum von Karavaggismus beeinflussen. Für das spätneapolitanische Werk des Künstlers siehe: Caravaggio in Neapel. Eine Anleitung zur Kunst in der Stadt finden Sie unter: Malen in Neapel (1600-1700). Weitere Einzelheiten zur Kunst des frühen 17. Jahrhunderts in Neapel finden Sie unter: Neapolitanische Malschule (1600-56). Für spätere Arbeiten siehe: Neapolitanischer Barock (c.1650-1700). Die führenden Caravaggisti in Neapel enthalten Battistello Caracciolo (1578-1635), der einflussreiche Jusepe Ribera (1591-1652) und die große Malerin Artemisia Gentileschi (1597-1651), bekannt für Judith enthauptet Holofernes (1620, Uffizien, Florenz).
Die reifen Werke von Francisco Ribalta (1565–1628) zeigen caravaggesken Einfluss; Die frühen Gemälde von Velazquez (1599-1660) zeigen es ebenso wie die anderer spanischer Meister des 17. Jahrhunderts wie Zurbaran (1598-1664). Aber sein Einfluss reichte viel weiter als in Spanien, obwohl dort die Art des Meisters am genauesten verfolgt wurde. In Holland, Gerrit van Honthorst (1592-1656) scheint etwas von Caravaggios dramatischem Gebrauch von übertragen zu haben Chiaroscuro zu seinem großen Landsmann, Rembrandt ; während in Frankreich der etwas mysteriöse Meister, Georges de la Tour (1593-1652) war ein geschickter, aber anscheinend isolierter Exponent von Tenebrismus ’, wie diese Verwendung von tiefen Schatten, die von einer einzigen Lichtquelle geworfen werden, um einer Komposition Einheit zu verleihen, genannt wird. Adam Elsheimer (1578-1610) war ein weiterer einflussreicher Vertreter dieser Tendenz; während es vielleicht nur erwähnenswert ist, in diesem Zusammenhang den Namen des einen englischen Tenebristen zu nennen, Joseph Wright von Derby (1734 & ndash; 97). Unter den italienischen Anhängern von Caravaggio waren die bekanntesten Mattia Preti (1613-1669) und Domenico Fetti (1589-1624); während Salvator Rosa (1615-1673), ebenfalls ein Neapolitaner, hat eine Affinität zu seiner Vorliebe für Wildheit und Lebenseinschränkungen, für Banditen, die zwischen wilden und felsigen Landschaften streiten und zechen. Salvator ist besonders interessant für seine Bedeutung für die Entwicklung der romantischen Landschaft; Der Genueser Magnasco (1667-1749) aus dem 18. Jahrhundert hat etwas mit ihm gemeinsam.
Venezianische Barockmalerei
Abgesehen von Caravaggio gab es in Italien nur wenige Maler des 17. Jahrhunderts, die zu den großen Namen des 15. und 16. Jahrhunderts zählten. Obwohl sowohl Tizian als auch Tintoretto viel unternommen haben, um den Weg für den Barock zu ebnen, war der führende Vertreter des Barockstils in Venezianische Malerei war Tiepolo (1696-1770), in dessen Händen die illusionistische Freskenmalerei in den Würzburger Rezidenzfresken (1750-3) in Deutschland ihren Höhepunkt erreichte. Mit dem Tod von Tiepolo war das goldene Zeitalter der venezianischen Kunst vorbei.
Für Maler in Deutschland und Österreich im 17. Jahrhundert siehe: Deutsche Barockkünstler.
Klassizismus
Bevor wir Italien verlassen, sollten wir feststellen, dass es in der europäischen Malerei einen eigenen Trend gibt, der üblicherweise als "klassische" Tradition bezeichnet wird. Ein Kater, wenn Sie so wollen, aus der Renaissance, der Klassizismus war das Gegenteil von Romantik, ein Kunststil, bei dem das Festhalten an anerkannten ästhetischen Idealen Vorrang vor der Individualität des Ausdrucks hat. In einfachen Worten, es war ein zurückhaltender, harmonischer Stil, der eher an das Primat des Designs glaubte als an (sagen wir) Farbe oder Expressionismus. Es war eng mit " akademische Kunst ", der Stil, der in den meisten europäischen Akademien der bildenden Künste gelehrt wurde. In der Barockzeit des 17. Jahrhunderts verkörperte der französische Künstler die klassische Tradition Nicolas Poussin (1594-1665), der den größten Teil seiner Karriere in Rom verbrachte, wo er unter anderem von Kardinal Francesco Barberini (1597-1669) und dem Kardinalsekretär Cassiano dal Pozzo (1588-1657) unterstützt wurde. Poussin ist wahrscheinlich am bekanntesten für seine mythologische Malerei – Siehe zum Beispiel seine Entführung der Sabinerinnen (1634-5) und Et in Arcadia Ego (1637) – obwohl er auch ein wichtiger Pionier der klassischen arkadischen Landschaftsmalerei war – ein Genre, das von einem anderen französischen Maler mit Sitz in Rom dominiert wird, Claude Lorrain (1600-82), der den "Claudean" -Stil initiierte. (Beachten Sie, dass Claude Lorrain besonders von der. Beeinflusst wurde Deutsche Barockkunst von Adam Elsheimer.) Wie Poussin und Claude, Simon Vouet (1590-1649) verbrachte ebenfalls einen Großteil seiner Karriere in Rom, bevor er als Hofmaler König Ludwigs XIII. Nach Paris zurückkehrte. Er zeichnete sich insbesondere durch seinen zurückhaltenden Stil der Barockmalerei aus, der sowohl den extremen Naturalismus und das Drama von Caravaggio als auch die künstlichen Effekte der intensiveren italienischen Barockkunst vermeidet.
Niederländische Barockmalerei
In Flandern und Holland hatte die Malerei florierende lokale Schulen entwickelt, die weit davon entfernt waren, Stauwasser zu sein. Die flämischen Maler hatten zwei Arten von Bildern geschaffen – oder zumindest stark verbessert -, die sich mit der getreuen Darstellung des häuslichen Lebens und der alltäglichen Realität befassten: Genremalerei und Stillleben. In Italien gab es keine Entsprechung – wo es in der Tat keine Nachfrage nach solchen Bildern gab. Es waren die flämischen Maler, die die Technik der Ölmalerei exportiert hatten, die den Künstlern der frühen italienischen Renaissance früher unbekannt war. Jetzt verbanden sie schnell ihre eigene Tradition mit der aus Italien – eine Ehe, aus der Werke hervorgingen, die zu den größten Errungenschaften der Kunstgeschichte gehörten. Diese Entwicklung hatte unterschiedliche Ergebnisse in Flämische Malerei im Vergleich zu den Niederlanden und war jeweils mit den beiden zutiefst unterschiedlichen Menschen verbunden: nämlich Peter Paul Rubens (1577-1640) und Rembrandt (1606-1669).
Meisterwerke von Rubens sind:
Meisterwerke von Rembrandt sind:
Weitere Einzelheiten finden Sie unter: Flämische Barockkunst und Niederländische Barockkunst.
Siehe auch: Niederländische Malerei (17. Jahrhundert) und Niederländische realistische Künstler.
Spanische Barockmalerei
In den späten 1570er Jahren war Rom nicht mehr das Zentrum der Welt. Die Italiener trugen spanische Kostüme, und das Herz der Gegenreformation lag in Spanien. Das Escorial wurde als neue Zitadelle des Glaubens erbaut, und die Paläste von Toledo wurden in Klöster und Klöster umgewandelt. Schönheit weicht der Heiligkeit. Im Frühjahr 1577 residierte der Manierist El Greco (1541-1614) fanden in der spanischen Stadt Toledo die bekannten Formen seiner kretischen Heimat, die Gebäude des mohammedanischen Ostens, alle in der dringenden und nachdrücklichen spanischen Form. Zwei Jahre lang malte er sein erstes großes Werk, das Altarbild für San Domingo el Antiguo. Der leidenschaftliche und oft extravagante Geist des Barocks hatte ihn jetzt besessen. Seine Holztafeln und bescheidenen Leinwände waren vergessen; Er malte jetzt Bilder von enormen Dimensionen.
Unter El Greco größte religiöse Gemälde der folgenden Periode war die Darstellung des Wunders, das angeblich während des Begräbnisses des Grafen Orgaz geschah, als der heilige Augustinus und der heilige Stephanus erschienen und die Pflichten des Klerus erfüllten Am stürmischen Himmel hat El Greco das Wunder in einem überirdischen Licht gemalt, nicht als übernatürliches, sondern als höchst natürliches Ereignis, von dem das gesamte spanische Volk, seine Priester, seine Adligen und seine Gläubigen durch ihre Anwesenheit Zeugnis ablegen auf dem festen Boden der Kirche. Sehen: Beerdigung des Grafen Orgaz (1586 & ndash; 88). Einige haben El Grecos Bilder asketisch, ekstatisch, grausam, nervenlos und farblos genannt. Trotzdem sein Porträt eines Kardinals (1600) von Don Fernando Nino de Guevera – wie der des Großinquisitors mit der stärksten Färbung gemalt; Nur bei El Grecos Heiligen finden wir absichtliche Verzerrungen und eine überirdische Ausstrahlung. Wenn er normale Menschen wie seine Tochter malt, ist es, als würden sie sich in einem Spiegel widerspiegeln. Die endgültige Entwicklung von El Grecos Kunst versetzt ihn trotz seiner Besonderheiten in das Herz der Barockzeit, indem er die Renaissancegesetze von Komposition und Farbe aufgibt und sich der internationalen Kunst der Barockzeit zuwendet.
Andere wichtige Mitglieder der spanischen Barockschule waren: Jusepe (Jose) de Ribera (1591-1652), der in Neapel lebende spanische Caravaggesque-Künstler, der für seine realistischen Gemälde zu religiösen und mythologischen Themen bekannt ist; der Fromme Francisco de Zurbaran (1598-1664), bekannt für seine intensiven religiösen Bilder, Stillleben und Beherrschung des Tenebrismus; Diego Velazquez (1599-1660), offizieller Maler am spanischen Hof in Madrid, der Realismus mit der barocken Betonung von Licht und Illusionismus verband.
Meisterwerke von Velazquez sind:
Zu den weiteren bedeutenden Malern der spanischen Schule gehört der sentimentale Sevilla-Maler Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), deren religiöse Werke und Genrebilder von Velazquez, Zurbaran und Caravaggio beeinflusst wurden. Einzelheiten finden Sie unter: Spanische Barockkunst.
Barockmalerei ist in der zu sehen beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt.
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