Englische figurative Malerei, 18./19. Jahrhundert Automatische übersetzen
Meisterporträtisten des 18. Jahrhunderts
In der Folgezeit bedeutender englischer Miniaturisten wie Nicholas Hilliard (1547-1619), Isaac Oliver (1568-1617) und Samuel Cooper (1609-1672), der Innovative William Hogarth (1697-1764), der Porträtist im "großen Stil" Joshua Reynolds (1723-92) und der Singular Thomas Gainsborough (1727-88) sind die drei Künstler, die das Beste aus Figur-Zeichnung und Figurenmalerei im achtzehnten Jahrhundert in England und überschatten den Rest ihrer Zeitgenossen. [Anmerkung: Der schottische Porträtmaler Allan Ramsay (1713-84) – offizieller Porträtist von König Georg III. – ist von diesem Vergleich ausgeschlossen.]
George Romney, fast allein, ist dieser teilweisen Dunkelheit entkommen. Nach dem Tod von Gainsborough war er Reynolds ’einziger ernsthafter Rivale als Porträtmaler, und sein Ruf hat die Wechselfälle des Geschmacks bis heute überstanden. Seine Bilder haben im Auktionssaal extravagante Preise erzielt, und sein Name wird oft mit denen von Reynolds und Gainsborough als drittes Triumvirat großer englischer Porträtmaler in Verbindung gebracht. Ein so hohes Ansehen wird kaum verdient. Sein Gemälde ist hübsch, charmant, hat einen Sinn für lineare Muster und eine direkte Handhabung des Klangs, aber keine der Eigenschaften, die Reynolds und Gainsborough zu den großen Meistern zählen. Dennoch war er kein abgeleiteter Maler, und deshalb verdient er zu Recht, über den direkten Anhängern von Reynolds zu stehen.
George Romney (1734-1802)
Romney wurde in Dalton-le-Furness in Lancashire geboren und im Alter von neunzehn Jahren von seinem Vater zu einem wandelnden Porträtmaler namens Steele ausgebildet. Steele, der angeblich ein Schüler von Van Loo war, war in vielerlei Hinsicht kein sehr zufriedenstellender Meister, aber er war der einzige Meister, den Romney je hatte, und es scheint, nach dem Zustand von Romneys Bildern zu urteilen, dass er es war rein technische Ausbildung war solide. Im Jahr 1757 veranlasste Romney Steele, ihn von seinen Artikeln zu befreien, und für die nächsten fünf Jahre praktizierte er als unabhängiger Maler in Kendal. Hier hatte er viele Porträtaufträge zu niedrigen Preisen und erlangte einen beachtlichen lokalen Ruhm. Dies befriedigte jedoch seinen Ehrgeiz nicht und 1762 machte er sich auf den Weg nach London, um nach Ruhm und Reichtum zu suchen, wobei er seine junge Frau und seine Kinder zurückließ. Er besuchte sie in den nächsten siebenunddreißig Jahren nur zweimal.
Romney war ein Liebling des Glücks, und in London gelang ihm der Erfolg fast so leicht wie in Kendal. Er ließ sich in einem kleinen Studio in Dove Court nieder und führte dort eine Komposition des "Death of Wolfe" durch, die von der Society of Arts mit einem Preis von fünfzig Guinea ausgezeichnet wurde. Dieses Bild, so seltsam es heute erscheinen mag, galt zu seiner Zeit als revolutionär. Das Thema wurde für zu modern gehalten, um für die historische Malerei geeignet zu sein, und Romney hatte die weitere Entschlossenheit begangen, seine Figuren in der Kleidung ihrer Tage statt in den Kostümen der Antike zu kleiden. Eine solche unerträgliche Vulgarität war zu viel für den Magen von Kunstkritiker und Kenner, die einen solchen Aufschrei auslösten, dass die Gesellschaft der Künste gezwungen war, ihre Entscheidung rückgängig zu machen, und Mortimer den Preis für ein Bild von "Edward dem Beichtvater, der den Schatz seiner Mutter beschlagnahmt", einem edlen und zugleich antiken Thema. Das Fazit der ganzen Angelegenheit war, dass Romney 25 Guinea-Gewissensgeld erhielt und eine Abneigung gegen Reynolds empfand, den er zu Recht oder zu Unrecht für verantwortlich hielt, was sie überdauerte. Die Feindseligkeit zwischen den beiden Männern hielt an und erklärt wahrscheinlich die Tatsache, dass Romney nie akademische Auszeichnungen suchte oder erhielt.
Trotz dieser offiziellen Ablehnung konnte Romney es bald mit Reynolds aufnehmen, wenn auch nicht mit Genialität. "Die Stadt ist in eine Reynolds- und eine Romney-Fraktion unterteilt, und ich gehöre der Romney-Fraktion an", schrieb Lord Chancellor Thurlow einige Jahre später, und man kann nicht sagen, dass sein Erfolg insgesamt unverdient war. Er war mehr als ein modischer Porträtmaler, und seine Inspiration, wenn auch nicht sehr tiefgreifend, war jedenfalls aufrichtig. Leider hatte er wie Reynolds Ambitionen, die über die Porträtmalerei hinausgingen, und er strebte danach, auf großartige Weise ein historischer Maler zu sein. 1764 gewann er erneut den Preis der Gesellschaft der Künste, und diesmal wurde ihre Entscheidung nicht rückgängig gemacht. In Begleitung des Miniaturmalers Ozias Humphrey machte er sich 1773 auf den Weg nach Italien. Er blieb zwei Jahre dort und kopierte Raphael und andere Meister.
Seine Arbeit hat nicht in dem Maße profitiert, wie es Reynolds von seinem Aufenthalt in Italien getan hatte, aber sein Stil wurde erheblich verändert. Bei seiner Rückkehr trat er in die erfolgreichste Phase seiner Karriere ein. Sein Einkommen soll zwischen 3.000 und 4.000 GBP gelegen haben, was, wenn man die vergleichsweise niedrigen Preise von Porträts in jenen Tagen berücksichtigt, ein Maß für seinen Erfolg ist.
1782 lernte er Emma Harte (später Lady Hamilton) kennen und ließ sich von ihrer Schönheit verzaubern. Seine romantische Bindung an sie beherrschte die verbleibenden Jahre seines aktiven Lebens. Studie für Studie malte er und lehnte sogar Aufträge ab, damit er mehr Zeit hätte, um ihre Schönheit zu feiern. Dennoch gab er sein historisches Gemälde nicht auf. Er arbeitete in der Shakespeare-Galerie von Alderman Boydell mit und zog 1797 nach Hampstead, um ’großartige Entwürfe’ auszuführen. Aber dieser großartige Entwurf war nicht zur Erfüllung bestimmt. Seine mentalen Kräfte ließen bereits nach. 1799 hatte er das Malen ganz aufgegeben und kehrte zu der Frau zurück, die er vor siebenunddreißig Jahren verlassen hatte. Er versank schnell in Schwachsinn, und seine heldenhafte Frau pflegte ihn bis zum Ende mit unverminderter Zärtlichkeit. Er ist verstorben am 15. November 1802.
Die beiden Laster von Romneys Kunst sind oberflächliche Hübschheit und prätentiöse Größe. Die Erhabenheit war vor allem seinen historischen Bildern vorbehalten, die Schönheit vieler seiner Porträts. Bilder wie die "Parson’s Daughter" und viele Studien von Lady Hamilton erheben sich kaum über das Niveau der Pralinenschachteldekoration. andere, wie "Mr. und Mrs. William Lindow" (Tate Gallery, 1396), haben eine prosaische Gewöhnlichkeit, die wenig mehr Beachtung verdient. Er zeigt nie die spirituelle Einsicht von Gainsborough, noch die großartige Farbe und den bildnerischen Erfindungsreichtum von Reynolds, aber seine Natur war sympathisch, und angesichts eines Themas, das ihn ansprach, konnte er oft ein Porträt mit viel Charme produzieren. Das unvollendete Porträt von sich in der National Portrait Gallery zeigt ihn von seiner besten Seite als Charakter-Maler, während die "Lady and Child" (National Gallery, 1667) mit ihrer frischen Farbe, sauberen Farbe und natürlichen Pose die sentimentalere Seite seines Werkes gut repräsentiert insgesamt ist er in den öffentlichen galerien nicht gut vertreten. Sein größtes Talent war das lineare Muster, und er hatte wenig Verständnis für den dreidimensionalen Raum. Beim Versuch, eine Modellbreite zu erreichen, erreichte er normalerweise nur die Leere, aber dies führt manchmal zu einer dekorativen Ebenheit, die sich mit seinem linearen Muster zu einer sehr angenehmen Wirkung verbindet. Was auch immer seine Fehler waren, er hatte eine eigene Persönlichkeit, die immer noch einen verführerischen Charme ausüben kann, wie es zu seiner Zeit der Fall war.
Andere figurative Maler des 18. Jahrhunderts
Die verbleibenden Maler von Porträts, historischen und Genre-Themen als kleinere Maler mit einem bloßen Katalog von Namen und Daten abzulehnen, würde bedeuten, dass sie viel weniger als fällig sind. Das allgemeine Niveau von Porträtkunst war außergewöhnlich hoch, vielleicht höher als jemals zuvor in England. Das Beispiel von Reynolds und Gainsborough, die räumlicheren Zeiten, die große Nachfrage nach Porträts, das große Interesse der gebildeten Klassen an den Künsten und die größeren Bildungschancen schlossen sich zusammen, um eine Schule der Figurenmaler ins Leben zu rufen, von der wir nur können Seien Sie zu Recht stolz, und das kann einen Vergleich mit ausländischen Schulen ziemlich ertragen. Unter den weniger bekannten Malern gibt es einige, die im allgemeinen die malerischen Qualitäten ihres Werkes, den Sinn für Charakter, die Zeichenkunst und die Glückseligkeit des Arrangements beherrschen, die es verdienen, zumindest Romney gleichgestellt zu werden, auch wenn sie nicht ganz die gleichen sind Individualität und offensichtlicher Charme kennzeichnen seine Arbeit. Der dominierende Einfluss unter den Porträtmalern war Reynolds, der seine Anhänger natürlich durch seine Persönlichkeit, seine Position und seinen Erfolg sowie durch die guten Eigenschaften seiner Arbeit anzog. Die Merkmale der Porträts des späten 18. Jahrhunderts sind Würde und Differenziertheit, eine reiche Qualität der Farbe und ein Gespür für Stil, das sie über die rein beschreibende Malerei des 19. Jahrhunderts erhebt. All diese Eigenschaften sind in Reynolds zu finden, und am besten kommen seine Anhänger ihm sehr nahe. Seltsamerweise ähnelt das englische Porträt des 18. Jahrhunderts dem in Russland. Weitere Informationen finden Sie unter: Russische Malerei: 18. Jahrhundert.
Francis Cotes, Joseph Wright von Derby, Tilly Kettle
Das schönste Werk von Francis Cotes RA (1725-70) und Joseph Wright von Derby (1734-97) könnte fast mit Reynolds verwechselt werden, und Tilly Kettle (um 1740-86) verleiht seinen Bildern manchmal ein sehr Reynolds-ähnliches Aussehen, obwohl die Qualität seiner Farbe viel dünner ist. Cotes, der verhältnismäßig jung starb, obwohl er ein enger Anhänger von Reynolds war, hatte eine eigene Persönlichkeit. Seine Darstellung des Charakters ist sensibel und seine Farbschemata sind individuell, kühler als die von Reynolds. Joseph Wright war wie Reynolds, ein Schüler von Hudson, ein feiner Maler, hatte aber keine sehr ausgeprägte Individualität und stand unter verschiedenen Einflüssen wie Reynolds, der manchmal dem Werk von Francis Hayman oder dem frühen Gainsborough näher kam. Aber sehen Sie sein Meisterwerk Ein Experiment an einem Vogel in der Luftpumpe (1768). Tilly Kettle hatte wiederum keine besonders ausgeprägte Persönlichkeit und konnte nur einen Teil der Oberflächenqualitäten von Reynolds ’Kunst absorbieren. Wie einige andere Maler dieser Zeit verbrachte er einige Jahre in Indien, wo er unter den Bediensteten der East India Company einen besseren Markt für seine Arbeit fand als in England.
John Hoppner
John Hoppner RA (1758-1810) hat einen dauerhafteren Ruf als jedes andere Mitglied der Reynolds-Schule erlangt. Obwohl er deutscher Abstammung ist, wurde er in London geboren und arbeitet ausschließlich in englischer Sprache. An der Akademie erzogen, geriet er früh unter den Einfluss von Reynolds, doch seine Arbeit beginnt den Niedergang der Tradition des 18. Jahrhunderts zu zeigen, die in den frühen Jahren des 19. Jahrhunderts rasant weiterging. Während er Reynolds ’allgemeinen Behandlungsstil übernahm, besaß er nicht die Gabe des Idealismus, die es ihm ermöglicht hätte, seine Figuren mit ihren künstlichen Hintergründen in Einklang zu bringen. Seine Frauen- und Kinderfiguren sind hübsch, aber seine Vision ist alltäglich, und er hat kein Verständnis für sein Gesamtbild, was die Porträts von Reynolds und Gainsborough zu so befriedigenden Wesenheiten macht. Zu oft scheinen die Figuren nur Studiostudien zu sein, denen ein aktueller Hintergrund hinzugefügt wurde, der an einen inzwischen glücklich veralteten Fotostil erinnert, in dem der Dargestellte vor einem bemalten Hintergrundstoff posiert zu denen es keine Beziehung in Beleuchtung oder Design hat. Dennoch hat sein Gemälde eine Frische und Spontanität, die es attraktiv machen. Es kann nicht als große Kunst angesehen werden, ist aber weit entfernt von der eisigen Konventionalität der Kneller-Schule zu Beginn des Jahrhunderts.
John Opie
Auch John Opie RA (1761-1807) verdankte Reynolds etwas. Die in Cornwall geborene Arbeit erregte bereits als junger Mann Aufmerksamkeit durch ihre Vitalität und erhielt den Spitznamen "The Cornish Wonder". Sein Umgang ist besonders kräftig und seine Persönlichkeit stark ausgeprägt, aber in der Farbe neigt er zu einer deutlichen und düsteren Schwärze. Er ist in Köpfen wie "Porträt des Malers" (Nationalgalerie) und "Porträt eines Jungen" (Nationalgalerie) von seiner besten Seite.
Benjamin West
Eine Gruppe von Malern aus den amerikanischen Kolonien arbeitete zu dieser Zeit in England. Von diesen ist der bekannteste Name Benjamin West (1738-1820), Reynolds Nachfolger als Präsident der Akademie, aber John Singleton Copley (1737-1815) und Gilbert Stuart (1755-1828) waren bedeutendere Künstler. West, der in Rom gearbeitet und die älteren Meister aus erster Hand studiert hatte, verdankte Reynolds weniger als vielen seiner Zeitgenossen. Die Hauptmerkmale seines Stils wurden bereits geformt, als er 1763 nach England kam. Außerdem Geschichtsmalerei er malte Porträts, die eine gewisse Lebendigkeit haben, und Landschaften die nicht leicht zu merken sind. Raphael Mengs wurde als prägender Einfluss auf seinen Stil vorgeschlagen. Mengs war während seines Aufenthalts in Rom, und es mag sein, aber welche Einflüsse auch immer seinen Stil West prägten, sie hatten nicht das malerische Genie, viel Frucht zu bringen.
John Singleton Copley
Obwohl Copley in Boston geboren wurde, war er britischer Abstammung und hatte, wie West, Italien besucht, bevor er sich in England niederließ. Zunächst praktizierte er hauptsächlich als Porträtmaler, widmete sich aber später hauptsächlich historischen Gemälden seiner Zeit, an die er sich vor allem erinnert. Er war ein verdientermaßen erfolgreicher Maler und wurde zum Mitglied der. Gewählt London Royal Academy Seine Arbeit ist nicht unbeeinflusst von Reynolds, aber er hatte eine starke eigene Persönlichkeit und war keineswegs nur ein Nachahmer. Er ist ein sehr lebhafter, wenn nicht sogar sehr subtiler Zeichner, der mit vollem Pinsel und einer kraftvollen Fingerspitzengefühl malt, was seine Bilder am ermutigendsten und aufregendsten erscheinen lässt. Seine historischen Bilder sind nicht im "großen Stil", aber sie sind voller Bewegung und Prunk. Er hatte ein scharfes Auge für die malerischen Möglichkeiten seiner Zeit und konstruierte feine Designs und schöne Farbschemata. Bilder wie "Der Tod von Chatham" (Nationalgalerie), "Der Tod von Major Pierson" (Tate Gallery), "Die Belagerung und Erleichterung von Gibraltar" (Tate Gallery) machen für die Ereignisse ihrer Zeit das, was Reynolds für das getan hat Einzelpersonen. Die Meister dieser Art von Arbeit wurden gewöhnlich in der Neuzeit unter den Franzosen und Franzosen gefunden John Singleton Copley kann den Vergleich mit den Besten aushalten.
Gilbert Stuart
Gilbert Stuart (1755-1828), geboren in Narragansett, Rhode Island, wurde nach seinem Abschluss an der University of Glasgow Schüler von Benjamin West. Seine fast ausschließlich auf Porträts beschränkte Arbeit zeigt nicht die Laster seines Meisters. Es ist einfach, aufrichtig und direkt und zeigt keine sehr stark ausgeprägten äußeren Einflüsse. Kaum ein kreativer Künstler, war er ein sehr sympathischer Interpret des Charakters. In einigen seiner glücklichsten Porträts ist vielleicht nur ein Hauch von Gainsborough zu sehen, in anderen jedoch eine grimmigere Note. Die unauffällige Aufrichtigkeit und das einfühlsame Gefühl seiner Arbeit verdienen höchsten Respekt.
Ein Zweig der Porträtmalerei, die kleine Familiengruppe oder ein Gesprächsstoff, entging fast vollständig dem Einfluss von Reynolds.
Konversationsstücke (Genrewerke)
Eine große Anzahl von Malern beschäftigte sich mit der Produktion dieser kleinen Bilder und sie bilden einen der attraktivsten Aspekte der Kunst des 18. Jahrhunderts. Hogarth, Gainsborough und Romney produzierten alle Arbeiten dieser Klasse, und sogar Reynolds selbst produzierte gelegentlich ein Beispiel davon, wie in einer halb-humorvollen Gruppe seiner Freunde und einem anderen aus einer Gruppe von Mitgliedern des Dilettanti-Clubs. Es war jedoch eine Art Bild, für das Reynolds ’Gaben ihm nicht besonders passten. Beobachtungsgabe, dramatischer Sinn und die Kraft einer einfachen und unprätentiösen Gruppierung waren die wesentlichen Merkmale dieser Bilder, die den pompösen historischen Gemälden am anderen Ende der Skala gegenüberstehen. Bescheiden in ihrer Kunst wie in ihrer Größe präsentieren sie einen vollständigen Mikrokosmos des häuslichen Lebens des 18. Jahrhunderts. Neben den bereits erwähnten Künstlern JM Laroon (1679-1772), Joseph Highmore (1692-1780), Thomas Patch (d.1774), Joseph Nollekens (1702-48), Francis Hayman (1708-76), Arthur Devis (1711-87), John Downman (1750-1824), Johann Zoffany (1733-1810), Francis Wheatley (1747-1801) und viele andere arbeiteten in diesem Malgenre.
Johann Zoffany
Von diesen ist Johann Zoffany der wichtigste. Obwohl er kein gebürtiger Engländer ist, berechtigt ihn der Charakter seiner Arbeit und seines langen Aufenthalts in England, als Mitglied der englischen Schule angesehen zu werden. Als eines der Gründungsmitglieder der Royal Academy war er einer der erfolgreichsten Künstler seiner Zeit, da er für uns einer der attraktivsten bleibt. Seine Charakteristik ist scharf und es gibt in seiner Arbeit etwas von dem lebendigen Leben von Hogarth, allerdings ohne seine Satire. Seine und die anderen Gesprächsstücke des Zeitalters haben ein Interesse, das den anderen Porträts fehlt, um uns die Dargestellten in ihrer eigenen natürlichen Umgebung zu zeigen. Die Hintergründe sind nicht einfach phantasievolle Szenen, deren Funktion nur dekorativ und suggestiv ist. Es sind reale Räume und reale Landschaften, von denen einige noch zu erkennen sind. Aus der immensen Vielfalt von Zoffanys Werken ist es nicht einfach, bestimmte Beispiele von besonderem Interesse auszuwählen, sondern "Lord Willoughby de Broke mit seiner Frau und seinen drei Kindern", "The Dutton Family" (Spielkarten) und "Music Party on" Die Themse in Fulham "sind schöne Beispiele für seine lebhafte Kunst. Wie Hogarth war Zoffany eng mit der Bühne verbunden, und Porträts von Schauspielern und Szenen aus Stücken bilden einen großen Teil seiner Arbeit.
Der Gesprächsstoff ist natürlich fast verbündet mit Genre-Malerei und einige Künstler produzierten beide Typen. Francis Wheatley, dessen "Cries of London" so bekannt sind, war einer. Henry Walton (1746-1813) war ein weiterer Maler von Genre-Themen, dessen Anmut und Charme an den großen Jean Chardin erinnern.
Zu diesen Malern zählen die Animaliers und Maler von Tier- und Sportthemen, die im Laufe des achtzehnten und frühen neunzehnten Jahrhunderts populär waren. John Wooton (1668-1765) und James Seymour (1702-52) waren frühe Mitglieder einer Schule, die in der Arbeit von George Stubbs (1724-1806) ihre höchste Stufe erreichte.
George Stubbs
Geboren in Liverpool, George Stubbs studierte Anatomie in York und besuchte Italien im Jahr 1754, aber er machte nicht den Fehler, italienische Kunst nachzuahmen. Wenn die Italiener ihn überhaupt beeinflussten, dann in der Entwicklung seiner Zeichenskunst und seines feinen Sinns für Form. Ein Großteil seines Lebens verbrachte er damit, die Anatomie des Pferdes zu studieren, und sein Buch über dieses Thema brachte ihm einen internationalen wissenschaftlichen Ruf ein. Ein zweites Buch über die vergleichende Anatomie von Pferd und Mensch blieb bei seinem Tod unvollendet. Die meisten von Stubbs ’Bildern sind klein, fein und präzise gemalt, mit einem charmanten Gefühl für Atmosphäre in seinen Landschaftshintergründen.
Obwohl das Pferd das Hauptstudium seines Lebens war, sind die kleinen Porträtfiguren ebenso gut und einfühlsam gemalt, und er würde unter den Malern von Gesprächsstücken auf diesen allein einen hohen Platz einnehmen. Er gab sich, wie viele der sportlichen Maler, niemals mit einer technischen Beschreibung eines Pferdes zufrieden, die nur ein farbiges Diagramm darstellte. Bei all seinen wissenschaftlichen Kenntnissen über die Anatomie eines Pferdes sieht er immer mit dem Auge eines Künstlers und erzeugt ein Bild, das sowohl ästhetisch als auch anatomisch reizvoll ist. Stubbs war in großem Maßstab ebenso erfolgreich wie in kleinem, und sein größtes Kunstwerk, "Hambletonian Beating Diamond at Newmarket", misst 13 Fuß 7 Zoll mal 8 Fuß 2 Zoll. Ein weiteres, fast ebenso großes Bild von Hambleton mit einem Bräutigam und einem Stallknaben ist wahrscheinlich sein Meisterwerk. Es hat eine Größe des Sehens und eine Größe der Handlung, die wirklich Michelangelesque sind, und es ist weit mehr echt im "großen Stil" als die selbstbewussten Anstrengungen der Historienmaler. Kein Lobwort darf ihm zu hoch sein. In Zeichnung, Design und Umgang mit Farbe ist es eines der größten Bilder der englischen Kunst. Aus dem einfachsten Material und ohne die geringste Anstrengung nach der Wirkung hat er ein Bild geschaffen, das mit den Werken der großen Meister vergleichbar ist.
Kein anderer Sportmaler gleicht Stubbs, aber Benjamin Marshall (1767-1835) setzte die Tradition von Stubbs fort und malte viele Jagd- und Rennszenen mit künstlerischem Wert.
Tiere spielten eine große Rolle in der Arbeit von George Morland (1763-1804), obwohl er kein sportlicher Maler war. Er war im Wesentlichen der Maler des Hofes, des Gasthauses und des Lebens auf dem Land. Morland mag als ein genialer Mann beschrieben werden, aber seine Gaben wurden durch sein zersplittertes Leben größtenteils verschwendet. Er konnte sehen und malen, aber ein Großteil seiner Arbeit wurde in Eile und nachlässig hergestellt, um den Gastwirten als Preis für seine Tafel und sein Getränk ausgehändigt zu werden. Sein Blick auf das Landvolk ist eher maudlin und sentimental, und er verleiht seinen Charakteren in seinen "Cries of London" den gleichen Ausdruck von Unschuld mit großen Augen und zerzaustem Kopf wie Wheatley. Aber was auch immer seine Fehler waren, er konnte den Stall und das landwirtschaftliche Pferd mit einem Reichen bemalen, wie es nur wenige getan haben pastos von Farbe und einer Lebendigkeit der Berührung, die der Hand des Trunkenbolds glauben.
Im stärksten Gegensatz zu solchen Künstlern wie diesen stehen die Maler bombastischer Geschichtsbilder. Anstatt sich von der Natur inspirieren zu lassen, orientierten sie sich an dem Stil, den zweitklassige italienische Künstler aus dem späteren Schaffen Michelangelos entwickelt hatten. Hier hatte der große Einfluss von Reynolds seine katastrophalste Wirkung, denn er ermutigte Maler, die weder die Vorstellungskraft noch die technische Ausrüstung hatten, solche Arbeiten durchzuführen. Wie wenig Gespür für großartige Dekorationsarbeiten er selbst hatte, zeigen seine wenigen historischen Bilder und sein bemaltes Fenster in der New College Chapel. Reynolds war in dieser Angelegenheit nur das Kind seines Alters. Kritiker und Kenner, die keines seiner Genies hatten, priesen diese akademischen Irrtümer, und selbst der geradezu Hogarth selbst hatte Sehnsüchte nach dieser überhasteten Sirene der Künste, dem "großen Stil". Die Arbeit der meisten Historienmaler ist geschmeichelt von der Vergessenheit. Benjamin Wests Auftritte waren akademisch und leblos, Hogarths und Romneys wenig besser.
James Barry
James Barry (1741-1806), ein hochtalentierter Ire, war einer der am wenigsten erfolgreichen. Wie so viele Künstler seiner Zeit besuchte er Italien, wo er sich mit dem Virus des "großen Stils" infizierte, aber er war ein fähiger Maler. Seine Bilder handelten hauptsächlich von klassischen und biblischen Themen, aber er unternahm manchmal Abenteuer in der Geschichte seiner Zeit. Vielleicht warnte er Romneys Schicksal und malte ein Bild des Todes von Wolfe, in dem alle Figuren nackt waren. Es gelang ihm jedoch nicht mehr, die Zustimmung von Reynolds zu erlangen, dessen zartes Anstandsgefühl in Sachen Kleidung erneut verletzt wurde, und die verärgerte Frage, was General Wolfe hätte tragen sollen, um darin zu sterben, bleibt ungelöst. Ein kleines Selbstporträt von Barry im Victoria and Albert Museum zeigt, welche Kräfte er verschwenden musste.
JH Mortimer
JH Mortimer ARA (1741-89), das Thema eines entzückenden kleinen Porträts von Richard Wilson war ein anderer, der durch historische Malerei einen gewissen Ruf erlangte, und Henry Fuseli (1741-1825) gehört zur selben Schule. Der in Zürich geborene Fuseli kam 1770 mit einem Empfehlungsschreiben an Reynolds nach London und studierte anschließend acht Jahre lang Kunst in Italien. 1778 kehrte er nach England zurück, um riesige Leinwände mit fliegenden und spreizenden Akten zu malen. Er trug zu Boydells Shakespeare-Galerie bei und schuf siebenundvierzig große Gemälde, die das verlorene Paradies veranschaulichen. Diese prallen Bilder wären von geringer Bedeutung, wenn sie nicht das Genie von Fuselis Freund William Blake beeinflusst hätten. Fuseli war jedoch ein intellektueller Mann, und seine Kommentare zu seinen Malerkollegen waren immer prägnant und zutreffend. Siehe auch sein Meisterwerk – Der Albtraum (1781, Detroit Institute of Arts). Die Zeichnungen des Bildhauers John Flaxman (1755-1826) gehören in gewisser Weise zu dieser Schule, obwohl sie hauptsächlich auf der griechischen Vasenmalerei beruhen und auch das Interesse haben, Blake beeinflusst zu haben. Aber die Gemälde der modernen Geschichte von JS Copley, die bereits besprochen wurden, waren all diese großartigen Entwürfe wert.
Miniaturen
Einige kleinere Zweige der Figurenmalerei des 18. Jahrhunderts müssen noch betrachtet werden. Miniatur-Porträtmalerei, die Ende des 17. und Anfang des 18. Jahrhunderts unter dem allgemeinen Niedergang litt, gewann gegen Ende des Jahrhunderts wieder an Bedeutung. Nathaniel Hone the Elder (1718-84), ein irischer Maler, der auch Ölporträts mit einem unverwechselbaren Stil malte, gehörte zu den ersten bedeutenden Miniaturisten des 18. Jahrhunderts und überbrückte die Kluft zwischen dem 17. und dem späten 18. Jahrhundert. Einer der beste Miniaturisten Zweifelsohne war Richard Cosway (1740-1821) der größte Meister am Ende des Jahrhunderts, aber Ozias Humphrey (1742-1810) und viele andere brachten feinste und charmanteste Arbeiten hervor. John Russell (1745-1806), Francis Cotes und einige andere machten bewundernswerte Arbeit in Wachsmalstift und Pastell- und gegen Ende des Jahrhunderts eine Mode für kleine Porträtzeichnungen in Plumbago oder Blei Bleistift kam herein. Viele von diesen sind faszinierende kleine Bilder.
Figurative Maler des frühen 19. Jahrhunderts
In der Porträtmalerei überlebte die Tradition des 18. Jahrhunderts bis in das 19. Jahrhundert hinein, und Maler wie James Northcote (1746-1831), John Jackson (1778-1831) und Sir William Beechey (1753-1839) waren direkte Anhänger der Reynolds-Schule. Sir Thomas Lawrence (1769-1830), der 1820 die Nachfolge von West als Präsident der Royal Academy antrat, obwohl er zur gleichen allgemeinen Tradition gehörte, war ein Künstler von mehr Individualität, und in seinen Händen begann sich diese Tradition in etwas Bestimmtes zu verwandeln charakteristisch für das neunzehnte Jahrhundert.
Sir Thomas Lawrence
Thomas Lawrence (1769–1830) begann seine Karriere als Wachsmalstiftporträtist und war bereits ein praktizierender Künstler, als er 1787 an die Royal Academy Schools wechselte. Vier Jahre später wurde er zum Associate der Academy und 1794 zum ordentlichen Mitglied gewählt war ein einfacher Manager, und er strebte immer danach, ein Bild zu produzieren, das mehr als eine bloße Kopie seines Modells war. Sein Werk ist voller Vitalität und entartet nie im schlimmsten Fall in den Attrappen-Kunststil des Schneiders, der zu Beginn des achtzehnten Jahrhunderts mit aktuell war Charles Jervas und andere Mitglieder der Kneller-Schule. Trotz dieser Tugenden wirkt er etwas knallig und boshaft, und die Brillanz seiner Technik führt ihn zu oberflächlichen Feuerwerkskörpern. Er ist der typische Maler der Regentschaftszeit, und sein Werk spiegelt die funkelnde Vulgarität der von ihm gemalten Welt wider, der Welt von Byron, Brummell und des Brighton Pavilion. Eine oberflächliche Politur spielt über seine Porträts, schwarz gepeitschte Augen glänzen glasig auf seinen Leinwänden und Figuren sind vor zinnoberroten Vorhängen oder dem Hintergrund von Byronic-Düsterkeit, die mit schwelenden Rot- und Blautönen geschossen wurden, abgelöst. Überall ist Oberflächenpolitur und die Atmosphäre der Wardour Street-Romantik zu spüren, die zu dieser Zeit sowohl in England als auch in Frankreich für viele Gemälde typisch waren. Herr Martin Archer Shee (1769-1850), der Lawrence als Präsident der Royal Academy folgte, hatte einen ähnlichen Glanz, aber er hatte nicht die Vitalität und den "Teufel", die Sir ausmachen Thomas Lawrence so verhaftet trotz seiner Oberflächlichkeit.
Sir Henry Raeburn
Kopf und Schultern über diesen steht Herr Henry Raeburn (1756-1823), ein schottischer Künstler, der es weitaus besser verdient als Romney, bei Reynolds und Gainsborough eingestuft zu werden. Raeburn wurde in Stockbridge bei Edinburgh geboren und lernte zunächst einen Goldschmied, Gilliland, der ihn dem Porträtmaler David Martin vorstellte. Er begann seine berufliche Laufbahn als Miniaturmaler, was angesichts des Charakters seines reifen Werkes ein merkwürdiger Anfang war. Um 1778 kam er nach London und befragte Reynolds zu seinem Gemälde. Der Rat, den Reynolds ihm gab, war, nach Italien zu gehen und Michelangelo zu studieren, und dementsprechend ging er 1785 nach Italien, aber es gibt keine Beweise in seiner Arbeit, die belegen, dass er den Rest von Reynolds Rat ausführte. Keine Spur von Michelangelo und der "großartigen Art" ist irgendwo in seinem Gemälde zu finden, und es wurde vermutet, dass das Porträt von Velazquez von Papst Innozenz IV. Im Vatikan das war, was er in Italien am meisten studierte. Ansonsten ist es schwierig, eine Quelle für seinen entwickelten Stil zu finden. Zu seiner Zeit steht er ganz alleine da, und abgesehen von den Kostümen seiner Sitter und den konventionellen Hintergründen, die die Mode waren, gibt es nichts, was ihn mit seinen Zeitgenossen in Verbindung bringen könnte. Seine frühen Werke sind streng in der Handhabung und ohne große Unterschiede und lassen in keiner Weise die Breite und Schärfe seines späteren Stils erkennen.
Nach seiner Rückkehr aus Italien ließ sich Raeburn in Edinburgh nieder und produzierte dort den größten Teil seines besten Werkes. Er hat in der schottischen Hauptstadt eine ebenso lebendige und aufschlussreiche Gesellschaftsgeschichte hinterlassen wie Holbein vom Hof Heinrichs VIII. Oder Van Dyck vom Court of Charles I. Auch jetzt ist sein Werk in englischen Galerien nur unzureichend vertreten, und es ist notwendig, zur schottischen Nationalgalerie zu gehen, um den vollen Umfang seines Genies einzuschätzen. Er ist am besten in Porträts von Hochlandhäuptlingen in Nationaltracht, von alten schottischen Damen und von Richtern und anderen juristischen Personen zu sehen; Aber was auch immer sein Thema ist, es gibt den gleichen durchdringenden Sinn für Charakter, die gleiche Breite des Sehens und die gleiche sichere, scharfe Berührung.
Raeburns natürlicher Platz in der Kunst ist mit Velasquez, Manet und John Singer Sargent Seine Affinität zu Sargent war besonders groß. Manchmal, wie im Porträt von John Home in der National Portrait Gallery, verhindert das System seiner Pinselführung das von Sargent mit einer erstaunlich prophetischen Genauigkeit. Die Offenheit seiner Vision erstreckt sich in der Regel nicht auf seine Hintergründe, in denen die Konventionen seiner Zeit noch immer vorherrschen, und dies verhindert, dass viele seiner Porträts die Aktualität eines Velasquez oder eines Manet haben. Wenn er fünfzig Jahre später gelebt hätte, als die letzten Spuren der Künstlichkeit des achtzehnten Jahrhunderts verschwunden waren, hätten wir in ihm einen der größten naturalistischen Porträtmaler haben sollen.
Die Tendenz zu einer buchstäblicheren und naturalistischeren Vision nahm in den ersten Jahren des Jahrhunderts rapide zu, und die Arbeit eines anderen schottischen Porträtmalers, Sir John Watson Gordon, trug die naturalistische Sichtweise ein Stück weiter, aber er hatte nicht Raeburns Genie und Größe des Sehens. Generell ist die Porträtkunst des neunzehnten Jahrhunderts im Vergleich zu der des achtzehnten zeigt sich ein Stilverlust, und ist wörtlich und in der Behandlung einfallslos. Naturalismus in den Händen genialer Männer kann ästhetisch bedeutsame Ergebnisse bringen, aber bei geringeren Männern degeneriert er zu oft zu einer bloßen Beschreibung von Äußerem ohne Vitalität oder Stil, und das spätere Porträt des Jahrhunderts fehlt mit einigen bemerkenswerten Ausnahmen leider in künstlerischer Auszeichnung jeglicher Art.
John Constable
Obwohl als Landschaftskünstler weithin bekannt, John Constable (1776-1837) schuf auch eine Reihe von Porträts (z. B. Maria Bicknell, 1816; Tate Gallery) und andere figurative Werke. Siehe auch: Englische Landschaftsmalerei.
Ein weiterer bemerkenswerter viktorianischer Porträtist war GF Watt (1817-1904), der talentierte Maler und Bildhauer, der oft mit dem 19. Jahrhundert in Verbindung gebracht wird Symbolismus.
Kultur des 19. Jahrhunderts in England
Der wörtliche Ausdruck der Darstellung in Kombination mit der Armut der Vorstellungskraft kennzeichnet einen Großteil der anderen Figurenwerke dieser Zeit, und der polierte Glanz, der bereits in Lawrences Porträts erwähnt wurde, wird zu einem gemeinsamen Merkmal in der Arbeit der Maler des historischen und häuslichen Genres. Bilder von häuslichen, historischen und romantischen Motiven sowie Illustrationen populärer Romane und Gedichte bilden einen großen Teil des Schaffens dieser Zeit und sind in der Regel sentimental, literarisch und oberflächlich. Sie spiegeln eine allgemeine Geschmacksänderung wider, die durch die damaligen Umstände begünstigt wurde. Leihbibliotheken wurden nun üblich, und die von ihnen angebotenen Lesemöglichkeiten förderten die Popularität des Romans und förderten die Verbreitung neuer Ideen, die in der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts entstanden waren. Die religiöse Erneuerung, die mit dem Methodismus begonnen hatte, führte zu einer Zunahme des Interesses an den Leben der ärmeren und weniger glücklichen Teile der Gemeinschaft, was in der Literatur der damaligen Zeit zum Ausdruck kam. Die Poesie von Scott und Byron drückte eine neue Romantik von eher künstlicher und rhetorischer Art aus.was in der Malerei von einem trockenen Mittelalter und Orientalismus wiederholt wurde. Ritter und Damen, Sultane und Odalisken, italienische Banditen und griechische Mädchen wurden zur Handelsware des romantischen Malers, da Dorfschullehrer, Geistliche, karitative Damen, Sängerknaben und Bauernmädchen zu den Malern des Dorflebens zählten. Bei alledem war die Inspiration des Malers die Literatur, nicht das Leben, mit der Folge, dass seine Bilder zu oft buchstäbliche Übersetzungen von Wörtern in Farbe waren und keine eigenständigen plastischen Vorstellungen wie die von Hogarth, die trotz ihrer literarischen Inhalte visuell konzipiert wurden.Wohltätigkeitsfrauen, Knabenchöre und Bauernmädchen gehörten zu den Malern des dörflichen Lebens. Bei alledem war die Inspiration des Malers die Literatur, nicht das Leben, mit der Folge, dass seine Bilder zu oft buchstäbliche Übersetzungen von Wörtern in Farbe waren und keine eigenständigen plastischen Vorstellungen wie die von Hogarth, die trotz ihrer literarischen Inhalte visuell konzipiert wurden.Wohltätigkeitsfrauen, Knabenchöre und Bauernmädchen gehörten zu den Malern des dörflichen Lebens. Bei alledem war die Inspiration des Malers die Literatur, nicht das Leben, mit der Folge, dass seine Bilder zu oft buchstäbliche Übersetzungen von Wörtern in Farbe waren und keine eigenständigen plastischen Vorstellungen wie die von Hogarth, die trotz ihrer literarischen Inhalte visuell konzipiert wurden.
Eine illustrative Arbeit dieser Art war in England keine völlig neue Sache, aber wie die meisten anderen Arbeiten ihrer Zeit war es die Entwicklung eines Stammes, der bereits im achtzehnten Jahrhundert existierte. Highmore, mit seinen künstlichen Illustrationen zu Richardson’s Pamela und Wheatley mit seinen "Cries of London", sind beide Vorläufer des sentimentalen Anekdotenmalers des neunzehnten Jahrhunderts. Die meisten Maler dieser Schule sind fast vergessen, außer von Schülern dieser Zeit, aber einige haben Anspruch auf dauerhafte Erinnerung, allen voran Sir David Wilkie.
Sir David Wilkie
David Wilkie (1785-1841), der an der Trustees ’Academy in Edinburgh und an den Royal Academy Schools ausgebildet wurde, erregte mit einundzwanzig Jahren Aufmerksamkeit in London mit Bildern des Dorflebens wie "The Village Politicians". "The Blind Fiddler" (Tate Gallery) und "Blind Man’s Buff" (National Gallery). In diesen zeigt er eine akute Beobachtung von rustikalen Typen und einen beträchtlichen Sinn für Humor, obwohl sie in ihrer Stimmung trivial sind und auf eher konventionellen Kompositionsplänen basieren. Die niederländischen Maler des niedrigen Lebens sind seine Inspiration, und er kann nicht ungerechtfertigterweise als ein Maler wie Van Ostade eingestuft werden, trotz der sentimentalen Ader in seinem Werk, die ganz in seinem Alter liegt. Er hatte viel Geschick in Ölgemälde und in der Umgebung seiner Inszenierung, aber er hatte nicht das tiefe Verständnis und die Aufrichtigkeit von Jean-Francois Millet in seiner Behandlung des Lebens des Volkes. Im späteren Leben nach einem Besuch in Spanien veränderte er seinen Stil unter dem Einfluss von Velazquez und anderen spanischen Malern vollständig, und seine späteren Bilder, von denen "Die Predigt von John Knox vor den Herren der Kongregation", jetzt in der Tate Gallery, Ist ein Beispiel, sind mutig im Umgang, eher dunkel im Ton und melodramatisch konzipiert. Wilkie hat wahrscheinlich mehr als jeder andere das rustikale Motivbild populär gemacht und seinen Einfluss sogar beeinflusst Turner, der ein paar eher unfähige Imitationen seines Stils hervorbrachte. Thomas Webster (1800-86) malte Motive mit ähnlichem Charakter und war vielleicht der beste seiner Anhänger, und Thomas Faed (1826-1900) führte diese Tradition mit weniger Humor und mehr Sentimentalität bis zum Ende des Jahrhunderts fort.
William Mulready
William Mulready (1786-1863) malte einige Bilder in einer Art, die Wilkies ähnelt, sowie andere, die einen pseudo-poetischen Charakter haben. Er war ein sehr vorsichtiger Handwerker und bestenfalls ein guter Kolorist, aber seine Motive sind gewöhnlich trivial, und seine weiblichen Gesichter haben keinerlei Charakter. Er war in gewisser Weise ein Vorläufer der präraffaelitischen Bewegung. "Die Wahl des Hochzeitskleides", möglicherweise sein bestes Bild, hat eine Brillanz der Farben, eine kristalline Textur der Farbe und ein feines Finish, die ganz im Stil der Präraffaeliten gehalten sind, aber das Fehlen von Charakter in den Gesichtern und das Fehlen von lebhafter Geste oder dekorativer Qualität betonen die Unterscheidung zwischen den Präraffaeliten und ihren unmittelbaren Vorgängern.
Daniel Maclise
In gewisser Weise Daniel Maclise (1806-70), ein irischer Künstler mit herausragenden Fähigkeiten als Zeichner, gehört derselben Schule an. Seine Motive waren häufig Shakespeare, und "Malvolio and the Countess" und "The Play Scene" aus Hamlet sind typisch. Seine Farbe und sein Ton sind etwas schwer und seine Vorstellungen theatralisch, aber er hatte eine fruchtbare Phantasie, und seine Zeichnungen von bedeutenden Männern seiner Zeit für Fraser’s Magazine sind es am besten, mit Ingres verglichen zu werden. Die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er damit, zwei große Wandgemälde in den Houses of Parliament, "The Meeting of Wellington and Blucher" und "The Death of Nelson", herzustellen. Diese Bilder zeigen seine charakteristischen Fehler des dunklen Tones und des Mangels an Farbe, aber sie werden mit einer großartigen Kompetenz der Zeichnung und Ausführung ausgeführt, die im Vergleich zu späteren und unmittelbar attraktiveren Wandgemälden an derselben Stelle von großem Vorteil ist.
Das schöpferische Genie von William Blake
Doch im Bereich der kreativen figurativen Malerei des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts steht William Blake (1757-1827) über seinen Zeitgenossen. Für biografische Details siehe William Blake.
Andere figurative Künstler des 19. Jahrhunderts
CR Leslie, EM Ward, GS Newton
CR Leslie (1794-1859), EM Ward (1816-79) und GS Newton (1794-1835) waren kompetente illustrative Maler von historischen und Genre-Themen. "Onkel Toby und die Witwe Wadman" und "Sancho Panza und die Herzogin" von Leslie, "Yorick und die Grisette" von Newton und "The South Sea Bubble" von Ward sind typische Exemplare ihrer Arbeit. Leslie, ein gebürtiger Amerikaner, war vielleicht der vitalste der drei. Seine Technik hatte eine männliche Qualität, die unter Malern dieser Schule eher selten ist. Aber wie die anderen sind auch seine Gesichter, insbesondere die der Frauen, charakterlos, eine modische, fade Art von Schönheit, dunkeläugig, oval, mit kleinem Mund und kleinem Kinn, die für alle Charaktere Pflicht ist. William Powell Frith (1819-1909), dessen "Derby Day" und "Railway Station" viktorianische Sensationen waren, übertrug diese wörtlichen Darstellungen künstlicher Vorstellungen auf einen späteren Tag und kann mit ihm als AL Egg (1816-63) eingestuft werden, dessen Subjekte von Das häusliche Drama in einer viktorianischen Umgebung scheint jetzt mehr Komödie als Pathos zu haben.
John Phillip, Frederick Hurlstone
John Phillip (1816-67) und Frederick Yeates Hurlstone (1800-69) waren zwei Maler von Genre-Themen, deren Werk spanischen Einfluss zeigt. Phillip begann mit der Entwicklung des späteren Stils seines Landsmanns Wilkie. Später studierte er die Kunst von Velasquez und malte viele spanische Szenen. Hurlstone hatte eine Kraft der Ausführung und der feinen Qualität der Farbe, die unter den Malern von Thema-Bildern in seiner Zeit selten sind, Qualitäten, die in seiner "Szene von Gil Blas" (Tate Gallery), einem großartigen Stück der Malerei ohne irgendwelche gut veranschaulicht werden glänzende Fettleibigkeit seiner Zeitgenossen.
Sir Edwin Landseer
Bei den Malern von Gattungsgegenständen können einige Tiermaler in Betracht gezogen werden, da ihre Arbeiten sehr ähnliche Tendenzen aufweisen. Herr Edwin Landseer (1802-73) war das prominenteste Mitglied einer Schule, die sentimentale Anekdoten in Tierbilder einführte und Pferden und Hunden menschliche Motive und Emotionen unterstellte. Die Titel seiner Bilder wie "High Life", "Low Life", "The Monarch of the Glen" und "Onkel Tom und seine Frau zum Verkauf" (ein Bild von zwei Möpsen) zeigen seine geistige Einstellung deutlich genug. Seine Fähigkeiten als Zeichner und Maler waren sehr beachtlich, aber seine Aufmerksamkeit konzentrierte sich zu sehr auf den emotionalen Vorwand seiner Bilder und die exakte Wiedergabe der verschiedenen Texturen von Fell und Haaren, und seine Arbeit zeigt einen großen Abfall vom Himmel Standardset von George Stubbs. JF Herring (1795-1865), dessen "Scanty Meal", ein Gemälde von Pferdeköpfen, bekannt ist, war auch geneigt, die sentimentale Seite seiner Untertanen zu betonen. Auf einer niedrigeren Ebene befand sich noch Sidney Cooper (1803-1902), dessen mechanische Renderings von Rindern und Schafen aus der Ferne von Cuyp stammten.
J Ward
J Ward (1769-1859) malte auch Vieh, brachte aber eine Kraft der Ausführung und eine Kraft der Vorstellungskraft in seine Arbeit ein, die seine Bilder zu einer willkommenen Ausnahme unter diesen einfallslosen Malern machen. Seine Malerei orientiert sich eng an Rubens und sein Vieh wird meist in großartige Landschaftsbilder versetzt, wie in "Gordale Scar", zu der mit dem "Harlech Castle" (Nationalgalerie) und "Landscape with Cattle" (Tate Gallery) gehört die belebendsten Produktionen der Zeit.
Thomas Stothard
Einige Maler phantasievoller und phantasievoller Motive verdienen Erwähnung. Dazu gehört Thomas Stothard (1755-1834), der am besten durch sein Gemälde der "Canterbury Pilgrims" (Tate Gallery) und durch kleine, gravierte Buchillustrationen von Amoren und dergleichen bekannt ist. Er hatte eine ziemlich ausgefallene, aber keine wirkliche Vorstellungskraft, und "Cupids Preparation for the Chase" (Tate Gallery) und "Cupid Bound by Nymphs" (Tate Gallery) sind typisch für seinen Stil.
William Etty
Das Thema von William Etty (1787-1849) ähnelt dem von Stothard, und er hatte keine aufrichtigere Vorstellungskraft und eine weniger charmante Fantasie, aber er war ein geborener Maler, der Stothard nicht war, und ein Kolorist der Delikatesse und Pracht. Als Aktmaler ist er fast konkurrenzlos unter den englischen Künstlern, und die meisten seiner Bilder sind nichts weiter als Studien des Aktmodells, dem er einen phantasievollen Vorwand gegeben hat. In Gesicht und Figur gehören seine Nymphen und Göttinnen zu den ovalen, korsetttaillierten, modischen Typen seiner Zeit, aber die perlmuttartige Qualität seines Fleisches und die Pracht seiner Farbe und Handhabung lösen seine Fehler, wie in der "Jugend" der Bug und das Vergnügen am Helm "(Nationalgalerie), die ein günstiges Exemplar seiner Kunst ist. William Hilton (1786-1839) behandelte Themen der gleichen Art, aber ohne Etty Genie.
BR Haydon
BR Haydon (1786-1846) unternahm wirklich große Anstrengungen, um große Themen würdig zu behandeln. Er hatte hohe Ambitionen und kämpfte mit großen historischen Themen, die durch Mangel an Mitteln und Anerkennung behindert wurden. Die großen Hoffnungen, die auf die Gelegenheit für dekorative Arbeiten an den neuen Parlamentsgebäuden gesetzt wurden, wurden enttäuscht, und einige Jahre später endete eine tragische Karriere mit Selbstmord. Trotz der Mängel hatte sein Gemälde eine männliche Kraft und Ernsthaftigkeit des Zwecks, die den größten Respekt fordern. Ein anderer Maler von wirklicher Vorstellungskraft war David Scott (1806-49), der wie Haydon enttäuscht war von seiner Hoffnung, Arbeit in den Houses of Parliament zu finden. Sein vergleichsweise früher Tod verkürzte das, was eine glänzende Karriere versprach.
Neoklassizistische Maler des 19. Jahrhunderts
Der virtuose figurative Themenmaler Lawrence Alma-Tadema (1836-1912) war einer der beliebtesten Künstler der neoklassischen Bewegung in Viktorianische Kunst, mit einer Reihe von weiblichen Akten in römischen Einstellungen, wie das Tepidarium (1881). Fiel bei seinem Tod plötzlich aus der Mode; aber in den 1980er Jahren "wiederentdeckt". Herr Frederic Leighton (1830-1896) kombinierten opulent gefärbte klassische Gemälde mit einflussreichen Skulpturen. Leighton, zusammen mit dem weniger bekannten Klassiker Albert Moore (1841-93), veranschaulichte auch die kreative Philosophie der Ästhetizismusbewegung des 19. Jahrhunderts. Für einen kleinen Vergleich siehe den englischen Romantiker John William Waterhouse (1849-1917).
Präraffaeliten-Bewegung
Das Präraffaelitische Bruderschaft, gegründet 1848 von Dante Gabriel Rossetti (1828-82) William Holman Hunt (1827-1910), John Everett Millais (1829-96) und Ford Madox Brown (1821-93) – und später einschließlich Edward Burne-Jones (1833-1898) – war die bedeutendste Künstlergruppe des viktorianischen Zeitalters in England. Es weckte erneut das Interesse an der Dekoration Kunst- und Handwerksbewegung (1862-1914) und andere und gab den traditionellen Stilen der figurativen Malerei Auftrieb.
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