Abstrakter Expressionismus: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen
Einführung
"Abstrakter Expressionismus" ist ein vager Begriff, der sich auf eine allgemeine Bewegung weitgehend nichtrepräsentativer Malerei bezieht, die in den 1940er und 1950er Jahren in den USA florierte. Angeführt von einer Generation amerikanischer Künstler – stark beeinflusst von europäischen Expatriates -, die während der Depression aufgewachsen waren und sowohl vom Zweiten Weltkrieg als auch von den Folgen des Kalten Krieges beeinflusst wurden. abstrakte expressionistische Malerei war auch nicht ganz abstrakt Noch Expressionist und umfasste mehrere ganz unterschiedliche Stile. Trotzdem hatten die verschiedenen Vertreter des Abstrakten Expressionismus mehrere Ziele gemeinsam, nicht zuletzt den Wunsch, das Wesen der Malerei neu zu definieren und dabei ein neues zu schaffen Art der Kunst .
Führen abstrakte Maler Zu den mit der Bewegung assoziierten Personen zählen: Jackson Pollock (1912-56), seine Frau Lee Krasner (1908-84), Franz Kline (1910-62), Robert Motherwell (1915-91), Willem De Kooning (1904-97)., Mark Rothko (1903-70), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70), Josef Albers (1888-1976), Philip Guston (1913-80), Adolph Gottlieb (1903-74) und William Baziotes (1912-63). Zu den Malern der zweiten Generation gehörte Sam Francis (1923-94).
Der Begriff "Abstrakter Expressionismus" wurde ursprünglich in Europa geprägt, um Werke von Deutscher Expressionist Maler. Erst später, im Jahr 1946, wurde es angewendet Amerikanische Kunst von dem Kunstkritiker Robert Coates. Ein alternatives Label, "Action Painting", wurde 1952 von geprägt Harold Rosenberg (1906-78), der zusammen mit Clement Greenberg (1909-94), war der einflussreichste Kritiker und Apologet der neuen Bewegung, die auch als "The New Yorker Schule "Bis 1955 war der abstrakte Expressionismus fast zu einer neuen Orthodoxie geworden. In der Zwischenzeit erschienen parallele Bewegungen in Westeuropa unter verschiedenen Titeln, wie Art Informel (um 1945-60), zusammen mit Untervarianten wie Lyrical Abstraction (spät) 1940er, 1950er Jahre), Tachisme (ca. 1945-60) und die COBRA-Gruppe (1948-51) In Osteuropa galt Art Informel als Ausdruck leidenschaftlichen Individualismus, und die kommunistischen Behörden lehnten ihn gänzlich ab.
Anmerkung: Für frühere Formen des Expressionismus siehe: Expressionistische Malerei .
Geschichte
Das Amerika der 1940er Jahre, aus dem der Abstrakte Expressionismus hervorging, litt noch immer unter dem Zusammenbruch der Weltordnung, der durch den Zweiten Weltkrieg ausgelöst wurde. Dies war ein wichtiger Einfluss auf die Künstler des Landes – viele von ihnen erinnerten sich noch an die Weltwirtschaftskrise und ihre Hilfsprogramme wie die Works Progress Administration, die ihnen die Möglichkeit geboten hatten, eine Karriere als Maler aufzubauen, und sie begannen, nach Wegen zu suchen, um auf das Ungewisse zu reagieren Klima.
Das Problem war, dass die beiden wichtigsten Kunstbewegungen der 1930er Jahre – der Regionalismus und der soziale Realismus – ihren Wunsch nach einem Bruch mit dem gegenwärtigen Denken nicht befriedigten. Sie waren dabei stark beeinflusst von der Ankunft zahlreicher moderner Künstlerflüchtlinge aus Europa, deren radikale Annäherung an die Kunst eine Reihe neuer Möglichkeiten eröffnete.
Zu diesen Verbannten gehörten Persönlichkeiten wie der in Armenien geborene Arshile Gorky , der sich 1920 in den USA niederließ, und der in Deutschland geborene Hans Hofmann, der 1930 nach Amerika auswanderte, sowie der deutsche Expressionist George Grosz (1893-1959), der Kubist Fernand Leger (1881-1955), der Bauhaus-Abstraktionsmaler Josef Albers (1888-1976) und der geometrische Abstraktionist Piet Mondrian (1872-1944). Andere einflussreiche Einwanderer waren der Dadaist Marcel Duchamp (1887-1968) und die Surrealisten Yves Tanguy (1900–55), Andre Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976) und Andre Breton (1896-1966). Das Surrealistische Künstler waren besonders einflussreich, mit ihrer Idee von unbewusster "automatischer" Malerei, die von Jackson Pollock und anderen aufgegriffen wurde. Siehe auch: Geschichte der expressionistischen Malerei (c.1880-1930).
Die Bedeutung dieser Künstler für die neue amerikanische Bewegung wurde bereits 1944 von Jackson Pollock selbst anerkannt: "Die Tatsache, dass gute europäische Moderne heute hier ist, ist sehr wichtig, weil sie ein Verständnis für die Probleme der modernen Malerei mit sich bringt."
Der Ideenaustausch wurde in New York durch eine wachsende Infrastruktur von Veranstaltungsorten und Ausstellungen unterstützt, die moderne Kunst fördern, wie das Museum of Modern Art (gegründet 1929), in dem Ausstellungen über Kubismus, verschiedene andere Stile der abstrakten Kunst, Dada, Fantastische Kunst und Kunst gezeigt wurden Surrealismus, zusammen mit Retrospektiven von Leger, Henri Matisse und Pablo Picasso, unter anderem. Werke von Gabo, Mondrian, El Lissitzky und anderen avantgardistischen Künstlern wurden auch im Museum of Living Art von Albert Gallatin gezeigt. Ein weiterer Veranstaltungsort war das Museum für gegenstandslose Malerei (gegründet 1939), der Vorläufer des Solomon R. Guggenheim Museums, das für seine Gemäldesammlung von Wassily Kandinsky (1866-1944) bekannt war. Die Themen und Ideen der europäischen Moderne wurden auch durch Bildung verbreitet. Der deutsche Künstler-Einwanderer Hans Hofmann hat durch seine New Yorker Kunstschule, an der er von 1933 bis 1958 unterrichtete, einen großen Einfluss auf Maler, Kritiker und die Entwicklung der amerikanischen Moderne Kunstkritiker sowie wohlhabende Gönner und Sammler – vor allem Peggy Guggenheim (1898-1979) und Leo Castelli (1907-99) – die aktive Agenten für die neue Bewegung waren. Siehe auch: Kunstmuseen in Amerika .
Schlüsselfiguren in der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus
Unter indigenen Malern, Albert Pinkham Ryder (1847-1917) gilt als früher Vorläufer der expressionistischen Abstraktion. Darüber hinaus war eine Schlüsselfigur Übergang zwischen Vorkriegs- und amerikanischer Nachkriegskunst Stuart Davis (1894-1964), der seinem Streben nach Bildstruktur eine fokussierte Integrität verlieh. (In einer merkwürdigen Parallele zu George Stubbs ’monatelangem Studium von Pferdeschlachtkörpern, um sein Wissen über die Anatomie eines Pferdes zu verbessern, schloss sich Davis 1927 für einen langen Zeitraum aus, um einen Schneebesen zu studieren.) Sein Beitrag kann als eine amerikanische Erweiterung des Kubismus angesehen werden: Er stand zuweilen Fernand Leger nahe, verwendete jedoch Farben sehr unterschiedlich, hell und klar, fest und flach. Zusammen mit seiner auffälligen Modernität war seine Verwendung des banalen Vokabulars des städtischen Alltags ein entscheidender Einfluss auf die Künstler der 1940er und 1950er Jahre und dann auf die Pop-Art. Bedeutsam waren auch die Precisionists , eine lose vereinte Gruppe, die das zeitgenössische Amerika in einer kantigen, kühnen Version des Kubismus porträtierte. Zu ihnen gehörte eine Zeitlang Georgia O’Keeffe (1887-1986), die in einer langen Karriere eine zunehmend abstrakte Bildsprache entwickelte, die auf vergrößerten organischen Formen und den sanften, windgepeitschten Ebenen von Texas basierte.
Aber die beiden wichtigsten Vorläufer des Abstrakten Expressionismus waren Arshile Gorky (1905-48) und Hans Hofmann (1880-1966), von denen keiner mit dem frühen verbunden war expressionistische Bewegung in Deutschland. Gorki war 1942 zu einem sehr freien, kalligrafischen Pinselstrich gekommen, der eine sehr helle Farbe aufwies und oft ganz ohne figurativen Bezug war. "Ich beende nie ein Bild, ich höre nur für eine Weile auf, daran zu arbeiten." Hofmann gründete in New York eine zutiefst einflussreiche Schule, in der er nicht nur die nicht-figurative Kunst eindringlich theoretisch untermauerte, sondern auch offen für die Anregungen des Neuen blieb. Insbesondere reflektierte er symbolistische Vorstellungen von der Unabhängigkeit der Welt der Kunst von der Welt der Erscheinungen: Er verwendete Farbe, um die Stimmung auszudrücken, wie Kandinsky es getan hatte, behielt jedoch ein Gefühl für Struktur, das von Paul Cezanne (1839-1906) und dem Kubismus herrührt. Als er Pollock vorwegnahm, experimentierte er 1940 sogar mit "Tropf" -Techniken, aber seine magischsten koloristischen Erfindungen, die am Ende seines Lebens auftauchten, drücken eine strahlende Gelassenheit aus, die sich von allem unterscheidet, was Pollock hervorgebracht hat. Unter Hofmanns Gefolgsleuten befand sich der Kunstkritiker Clement Greenberg, ein energischer Verfechter des Abstrakten Expressionismus, und unter seinen Schülern befand sich der Künstler Lee Krasner, der Hofmann ihrem Ehemann Jackson Pollock vorstellte.
Eigenschaften: Die zwei Stile
Einfach ausgedrückt umfasste die Bewegung des Abstrakten Expressionismus zwei breite Gruppierungen. Dazu gehörten: (1) die sogenannten " Action Painters " wie Jackson Pollock und Willem De Kooning, die sich auf einen ausdrucksstarken Stil konzentrierten gestische Malerei ; und (2) die passiveren " Farbfeld " -Maler, insbesondere Mark Rothko , Barnett Newman und Clyfford Still , die sich mit Reflexion und Stimmung befassten. Trotzdem ist es nicht immer einfach, eine genaue Grenze zwischen diesen beiden Arten des Abstrakten Expressionismus zu ziehen, und mehrere Künstler haben zu beiden beigetragen.
Action-Malerei
Nach zahlreichen "all over" abstrakten Gemälden im Jahr 1947 – siehe zum Beispiel Pasiphae (1943, Metropolitan Museum of Art) – Jackson Pollock , unterstützt von seiner Frau Lee Krasner (1908-84) entwickelten eine radikale neue Technik (eine, die Hofmann und Krasner zuvor ausprobiert hatten) mit dem Namen " Action-Painting ", bei dem verdünnte Farbe mit breiten und rhythmischen Bewegungen eines großen und beladenen Pinsels (wenn ein Pinsel verwendet wurde) oder, in der Regel direkt von der Dose aus – weit entfernt von der traditionellen malerischen Methode, mit der auf den Boden gelegte rohe Leinwand getropft wurde Englisch: emagazine.credit-suisse.com/app/art…1007 & lang = en Das Pigment wurde mit einem Pinsel auf eine Leinwand auf einer Staffelei aufgetragen. Pollock arbeitete sehr spontan improvisatorisch und tanzte auf der Leinwand herum, um Farbe darauf zu gießen, zu werfen und zu tropfen Leinwand, in Form von automatischem oder unbewusstem Malen Jackson Pollocks Gemälde (1940-56).
Pollocks Gemälde haben alle Konventionen der traditionellen amerikanischen Kunst zerschlagen. Ihr Gegenstand war völlig abstrakt, ihr Umfang war riesig, und ihre ikonoklastische Produktionsmethode wurde fast so wichtig wie die Werke selbst. Denn für diese Abstrakten Expressionisten lag die Authentizität eines Gemäldes in seiner Direktheit und Unmittelbarkeit des Ausdrucks: in der Art und Weise, wie der Künstler seine inneren Impulse, sein unbewusstes Sein, übermittelte. In gewisser Weise wurde das Gemälde selbst zu einem Ereignis, einem Drama der Selbstoffenbarung. Daher der Begriff "Action Painting".
Ein wichtiges Merkmal dieses "Ereignisses" war der "allover" oder formlose Charakter der Bilder. Vor allem Pollocks Arbeiten schienen über die Leinwand hinaus zu fließen und nur durch die physikalischen Grenzen der Leinwandkanten abgeschnitten zu werden.
Kurz gesagt, Pollock (und andere) haben alle traditionellen Konzepte von Komposition, Raum, Volumen und Tiefe verworfen, sodass die Ebenheit der Bildebene im Mittelpunkt stand. Es überrascht nicht, dass die Bilder für Aufsehen sorgten. Der Kunstkritiker der New York Times John Canaday war äußerst kritisch, aber Clement Greenberg proklamierte den abstrakten Expressionismus im Allgemeinen und Jackson Pollock im Besonderen als den Inbegriff des ästhetischen Werts und unterstützte Pollocks Arbeit aus formalistischen Gründen enthusiastisch als das beste Gemälde seiner Zeit und Erbe einer Kunsttradition der Kubismus von Pablo Picasso, die würfelförmigen Bilder von Paul Cézanne und die Seerosenserie von Claude Monet – deren charakteristisches Merkmal die Herstellung von Markierungen auf einer ebenen Fläche ist. Harold Rosenberg hob die "existenzielle" Natur von Pollocks Werk hervor und erklärte, dass "das, was auf die Leinwand kommen sollte, kein Bild, sondern ein Ereignis war".
Obwohl Willem De Kooning ist auch mit Pollock in der hoch aufgeladenen aktiven Art des Abstrakten Expressionismus zusammengefasst, seine Werke unterscheiden sich sowohl technisch als auch ästhetisch von denen des letzteren. Seine gewalttätige und finstere Frauenserie mit sechs Gemälden (1950-3), die eine dreiviertel lange weibliche Figur porträtiert, veranschaulicht seinen figurativen Stil, obwohl er auch abstraktere Werke hervorbringt. Siehe auch sein früheres Meisterwerk, Sitzende Frau (1944, Metropolitan Museum of Art), ein Prototyp für die Woman- Serie. Wie Pollock glaubte De Kooning fest an die Idee, dass ein Künstler seine inneren Impulse ausspielte und dass etwas von seiner Emotion oder seinem Gemütszustand vom Betrachter in den resultierenden Malmarken gelesen werden konnte. "Ich male auf diese Weise, weil ich immer mehr Dinge hineinstecken kann – Drama, Wut, Schmerz, Liebe… durch deine Augen wird es wieder zu einer Emotion oder einer Idee."
Weitere wichtige Beiträge zum Action Painting sind: Mark Tobey bekannt für seinen weißen Schreibstil des kalligraphischen Gesturalismus; Franz Kline , ein Künstler, dessen Werke Farbfeldkompositionen sowie lebhafte gestische Arbeiten umfassen, manchmal verglichen mit gigantisch vergrößerten Fragmenten der chinesischen Kalligraphie; Robert Motherwell (in seiner Serie mit dem Titel Elegy to the Spanish Republic und seinen kraftvollen Schwarz-Weiß-Gemälden); Cy Twombly (in seinen gestischen Arbeiten basierend auf kalligrafischen, linearen Symbolen) und Adolph Gottlieb (Bekannt für seine abstrakten surrealistischen Serien, darunter Pictographs , Imaginary Landscapes und Bursts ).
Künstler, die mit der Technik des Action-Painting in Verbindung gebracht werden, sind bei Sammlern nach wie vor sehr gefragt. Sowohl Jackson Pollock als auch Willem De Kooning sind weltweit vertreten Top 10 der teuersten Gemälde .
Farbfeld Malerei
Etwas später als Action-Painting entwickelte sich ein zweiter Stil des Abstrakten Expressionismus, der als bekannt wurde Farbfeld-Malerei . (Ein Ableger dieses Stils war Josef Albers ’ Hommage an die Square- Serie.) Es stellte sich heraus, dass in den späten 1940er und 1950er Jahren mehrere bedeutende amerikanische Künstler (z. B. Mark Rothko, Clyfford Stills, Barnett Newman) mit der Verwendung von Flat experimentierten Bereiche oder Farbfelder, die den Betrachter zum Nachdenken anregen – bis hin zu einer mystischen Intensität. Sie befanden sich im Gegensatz zur Agitation von Pollock oder De Kooning sehr auf dem passiven Flügel der Bewegung des Abstrakten Expressionismus, obwohl es schwierig ist, eine definitive Trennungslinie zu ziehen. Die Arbeit von Clyfford Stills zum Beispiel kann von heftiger Stimmung sein, ist aber im Gegensatz zu Pollocks Handlung positiv streng. Die Arbeit dieser Künstler war in einem sehr großen Maßstab, in dem sie sich stark von den damit verbundenen Untersuchungen von Albers und anderen unterschied, wobei der Maßstab zur Schaffung des Effekts notwendig war.
Der Impuls hinter der Farbfeldmalerei war reflektierend und zerebral, gekennzeichnet durch einfache Bildwelten, die eine emotionale Wirkung erzielen sollten. Unter anderem beschrieben Rothko und Newman ihren Wunsch, das "Erhabene" und nicht das "Schöne" zu erreichen. Als eine Art farbintensiver Minimalismus zielte ihr Stil (laut Newman) darauf ab, den Künstler von "allen Zwängen der Erinnerung, Assoziation, Nostalgie, Legende und Mythos, die die Geräte der westeuropäischen Malerei waren", zu befreien. Rothkos eigene rechteckige Formen mit weichen Kanten und leuchtenden Farben wollten den Betrachter einhüllen und bis zu den Tränen eine semi-religiöse emotionale Erfahrung auslösen. Wie Pollock und die Action-Maler wurden auch die Farbfeldbilder im monumentalen Maßstab ausgeführt, um eine optimale Wirkung zu erzielen – nicht um heroische Größe zu erreichen, sondern um eine enge Beziehung zum einzelnen Zuschauer herzustellen und zu beeinflussen. Rothko sagte: "Ich male groß, um intim zu sein."
Der bedeutendste dieser Farbfeldmaler war Mark Rothko . Er wurde zusammen mit Clyfford Still als Hauptvertreter des "American Sublime" beschrieben. Er wurde erstmals 1929 gezeigt und arbeitete um 1940 in einer surrealistischen Ader. Bis 1947 entwickelte er jedoch die Formel, der er für den Rest seines Lebens treu bleiben sollte. Diese Formel, obwohl im Allgemeinen monumental interpretiert, ist fast so einfach wie Josef Albers ’Quadrat. Mark Rothkos Gemälde umfassen typischerweise zwei oder drei horizontale oder vertikale Rechtecke unterschiedlicher Farben, die sich in der Breite oder in der Höhe unterscheiden, auf einem gleichmäßigen farbigen Hintergrund. Die Rechtecke sind mit Farbe gefüllt, die mit sich ändernden Farbtönen und Lichtintensitäten gewaschen oder gebeizt wird, und ihre Ränder verschwimmen in Weichzeichnung. Durch diese Unschärfe der Kanten scheint die Farbe zu schweben. Der Eindruck einer geheimnisvollen Ausstrahlung dieser großartigen Leinwände ist so kraftvoll und intensiv, dass der Betrachter selbst ein schwebendes Gefühl verspüren kann.
Clyfford immer noch , immer eine freistehende Figur, wirkte auch sehr groß. Sein Unterschriftenstil ist schwer ungepflastert gezackte Form, die sich in dramatischem Kontrast zu einer breiten, gleichmäßigen Farbfläche abhebt.
Barnett Newman , der 1947 mit Rothko und Motherwell bei der Gründung einer Kunstschule in der 8th Avenue in New York zusammenarbeitete, arbeitete eine Zeitlang an der Zeitschrift The Tiger’s Eye , die die Meinung vieler Mitglieder der Gruppe zum Ausdruck brachte. In seiner ausgereiften Arbeit gelangte er zu noch einfacheren Lösungen als Rothko und ließ sich nie von Pollocks gestischer Malerei beeinflussen. In seiner Formel wird das mystische Ziel jedoch auf die spärlichste symbolische Geometrie reduziert, bei der es sich um eine rechteckige Leinwand handelt, deren Farbfläche durch einen oder mehrere vertikale Streifen unterteilt ist. Seine Arbeit ist von unübertroffenem Charakter und im Wesentlichen cool.
Zu den weiteren Künstlern von Colour Field gehörte William Baziotes, der sowohl Mark Rothko als auch Barnett Newman nahe stand, mit der Ausnahme, dass er einen Stil entwickelte, der der Figuration nahekam, wie es ihre nie taten. Seine Bilder enthalten relativ komplexe Formen, die auf lebhafte oder leblose Formen hindeuten. Philip Guston (1913-80), der seine ganz persönliche Variante hatte, manchmal als "Abstrakter Impressionismus" bezeichnet, von dem er Ende der 1950er Jahre zu einem ausdrucksstärkeren Stil überging; Adolf Gottlieb, ein enger Zeitgenosse von Clyfford Stills, nutzte die surrealistischen Bilder in den 1930er Jahren, interessierte sich aber auch sehr dafür Indianische Kunst und daraus entwickelte er in den 1940er Jahren seine sogenannten "Pictographs", die sich durch sehr freudianische Bildsprache auszeichneten. Eine weitere wichtige Figur in der Entwicklung der Farbfeldmalerei war Helen Frankenthaler (* 1928), der als Kubist begann, bevor er sich in den frühen 1950er-Jahren mit den Stilen des Abstrakten Expressionismus befasste und Pollocks "Tropf" -Technik maßgeblich weiterentwickelte.
Mark Rothkos Gemälde White Center (1950) wurde 2007 für den Rekordpreis von 72, 8 Millionen US-Dollar versteigert. Die Welt sehen Top 20 teuersten Gemälde .
Josef Albers: Hommage an den Platz
Ein Ableger der Farbfeldkunst, der Harmonie und Proportion im Abstrakten Expressionismus erforschte, wurde vom deutschen Maler entwickelt Josef Albers , ab 1933 Lehrer am Black Mountain College in North Carolina. In seinem Unterricht untersuchte er die Beziehungen zwischen Geometrie und Farbe in einer Reihe von Gemälden mit dem Titel Variationen über ein Thema . Nach seinem Umzug nach Yale im Jahr 1950 begann er seine Sequenz mit dem Titel Homage to the Square . Dieses gewaltige Werk bestand aus Hunderten von Gemälden und Drucken im quadratischen Format. Sie unterscheiden sich zwar in der Größe, weisen jedoch alle drei oder vier übereinanderliegende Quadrate auf – ein Nest aus Quadraten mit vertikaler, aber nicht horizontaler Symmetrie. Albers verwendete die Formel, um seinen festen Glauben an eine wesentliche Dichotomie der Kunst zu demonstrieren – "die Diskrepanz zwischen physikalischer Tatsache und physikalischer Wirkung" -, so dass die lineare Struktur seiner quadratischen Bilder von einfachster Klarheit ist. Die Farbstruktur entsteht ebenfalls in gleichmäßig aufgetragener Farbe, direkt aus der Tube. Die Farbe jedes der drei oder vier Quadrate hat normalerweise keine Variation der Intensität und ist daher für jede andere Qualität als für den jeweiligen Ton völlig unaussprechlich. In den Augen des Betrachters wird die flache Bildebene dreidimensional, wenn eine Farbe entsprechend ihrer kontrastierenden Natur voranzukommen scheint, während eine andere zurückzutreten scheint. Darüber hinaus wird die reine Gleichmäßigkeit der Farbe in jedem Quadrat durch die Reaktion auf seine Nachbarn optisch beeinflusst, und alle Farben ändern ihren Charakter, wenn sich das Licht ändert, in dem sie gesehen werden.
Einige Kunstkritiker haben Albers ’ Homage to the Square- Serie mit Claude Monets berühmten Water Lily-Gemälden verglichen, mit der Ausnahme, dass Albers’ Erben die Amerikaner der späten 1950er und 1960er Jahre waren, die unter Respektierung der Errungenschaft des Abstrakten Expressionismus in seinen Arbeiten ein Muster und ein Muster fanden intensives Farbempfinden, auf dem sie aufbauen konnten. Später wurde sein Interesse an Wahrnehmung wieder relevant für die Op Art und sogar für die Konzeptkunst.
Für andere Bewegungen, die der Malerei des abstrakten Expressionismus ähneln, siehe Kunstbewegungen, Perioden, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).
Erbe
Die erste Generation von Künstlern des Abstrakten Expressionismus blühte zwischen 1943 und Mitte der 1950er Jahre. Sie hatten großen Einfluss auf den Ruf der amerikanischen Malerei und führten zur Etablierung von New York als Zentrum der Weltkunst. Der Stil wurde in den 1950er Jahren von dem kanadischen Künstler Jean-Paul Riopelle (1923-2002) in Paris eingeführt, der von Michel Tapiés wegweisendem Buch Un Art Autre (1952) tatkräftig unterstützt wurde. Michel Tapié förderte auch die Werke von Jackson Pollock und Hans Hofmann in Europa. Gleichzeitig gefallen neue amerikanische Teilbewegungen Hard-Edge-Malerei erschienen, beispielhaft dargestellt von Künstlern wie Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (geb. 1936), Jules Olitski (geb. 1922) und Al Held (geb. 1928). In Europa war der abstrakte Expressionismus in den 1940er und 1950er Jahren als bekannt Art Informel (Kunst ohne Form). Unter-Varianten von Art Informel enthalten: Tachisme (c.1945-60), gekennzeichnet durch die unregelmäßige Verwendung von Farbklecksen. Zu den Vertretern gehörten Künstler wie Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), Pierre Soulages (* 1919) und der amerikanische Künstler Sam Francis (1923 & ndash; 94). Eng verwandt mit Tachisme ist Lyrische Abstraktion , eine weichere Art abstrakter Malerei, die einige der subjektiveren Elemente von Art Informel beseitigt hat – ein Stil, für den beispielhaft steht Nicolas de Stael (1914-1955), Jean Paul Riopelle (1923-2002) und der Kolorist Patrick Heron (1920-99). Siehe auch: COBRA-Gruppe . Der Begriff Lyrical Abstraction wurde in den frühen 1960er Jahren auch in Amerika verwendet, um sich auf einen rein abstrakten Stil der Farbfeldmalerei zu beziehen, der in Werken von Helen Frankenthaler, Morris Louis (1912-62), Kenneth Noland (geb. 1924) und andere. Es verzichtete auf den emotionalen oder religiösen Inhalt des früheren Stils des Abstrakten Expressionismus sowie auf die damit verbundene höchst persönliche oder gestische Anwendung. 1964 kuratierte der Kunstkritiker Clement Greenberg eine einflussreiche Ausstellung (" Nachmalerische Abstraktion ") von Werken von 31 Künstlern, die mit dieser Entwicklung im Los Angeles County Museum of Art assoziiert sind. Die Ausstellung reiste anschließend in bedeutende Kunstmuseen in ganz Amerika. In Großbritannien erschien in den 1960er Jahren eine neue Variante der Farbfeldmalerei in Werken von Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith und andere.
In den 1960er Jahren wurden die Hauptwirkungen des Abstrakten Expressionismus gründlich aufgegriffen, obwohl seine Themen und Techniken auch später Künstler aus verschiedenen Schulen beeinflussten, darunter Op Art, Fluxus, Pop Art, Minimalismus Post-Minimalismus Neo-Expressionismus , und andere.
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