Malerei der Frührenaissance, Italien Automatische übersetzen

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Die frühe Renaissance in Italien: Merkmale (um 1400-1490)

Kunst der Frührenaissance in Italien war im Grunde genommen eine experimentelle Periode, die sich eher durch die Stile einzelner Künstler als durch einen einheitlichen Trend wie im Fall des Hohe Renaissance (c.1490-1530) oder Manierismus (c.1530-1600). Die Malerei der Frührenaissance wuchs in Florenz auf und breitete sich ab Mitte des Jahrhunderts in Städten wie Urbino, Ferrara, Padua, Mantua, Mailand und Venedig aus.

Das politische Klima der Renaissance in Italien war häufig instabil, obwohl Florenz ein intellektuelles und kulturelles Umfeld bot, das der Entwicklung der Kunst sehr förderlich war. Das vorherrschende philosophische Klima des Humanismus zum Beispiel förderte eine Tendenz, die sich bereits in der florentinischen Malerei abzeichnete Giotto (1270-1337), um die Welt menschlich zu sehen. Im frühen quattrocento Masaccio (1401-1428) betonte in seiner Malerei ausschließlich den menschlichen Blickwinkel Vertreibung aus dem Garten Eden (Brancacci-Kapelle, Santa Maria del Carmine, Florenz), und nicht die theologische. Auch scheinen sowohl Masaccio in seinem Freskengemälde Die Heilige Dreifaltigkeit (Santa Maria Novella, Florenz) als auch Fra Angelico (um 1400-55) in seinem Altarbild von San Marco viel mehr auf die menschlichen Beziehungen zwischen den Figuren abzustellen als auf die rein hingebungsvollen Aspekte der Komposition. In ähnlicher Weise beschäftigte sich der Renaissance-Maler immer mehr mit den Beziehungen zwischen dem Gemälde und dem Betrachter. Dieser besondere Aspekt beruhte stark auf der Erfindung des Einpunktes Geradlinige Perspektive System, das wiederum von neuem Lernen und einer neuen Vision der Welt abgeleitet ist. Das empirische System wurde durch mathematische Studien des Architekten entwickelt Filippo Brunelleschi (1377-1446) wurde theoretische Form gegeben und universelle Anwendung durch Leon Battista Alberti (1404-72) in seiner Abhandlung über Malerei der schönen Kunst , genannt Della Pittura .

Nach Albertis System stehen alle Teile eines Bildes in einem rationalen Verhältnis zueinander und zum Betrachter, denn die Entfernung, die dieser von dem Gemälde zu halten hat, wird vom Künstler bei der Organisation seiner perspektivischen Konstruktion kontrolliert. Dieses System ermöglicht es, den Mikrokosmos des Gemäldes und die Welt des Betrachters visuell zu vereinen, und der Betrachter nimmt sozusagen an dem teil, was er beobachtet. Um die Illusion eines Gemäldes als Fenster zur Welt zu verstärken, untersuchten die Maler des Quattrocento die Auswirkungen des Lichts in der Natur und wie man sie am besten auf einem Bild darstellt, sowie die menschliche Anatomie und die Welt um sie herum. Diese Eigenschaften sind im Wesentlichen das, was die Malerei der frühen Renaissance von der spätgotischen Malerei in Italien unterscheidet.

Anmerkung: Ein Großteil der frühen Arbeiten zur Zuordnung von Gemälden wurde vom Kunsthistoriker ausgeführt Bernard Berenson (1865-1959), der den größten Teil seines Lebens in der Nähe von Florenz lebte und eine Reihe von einflussreichen Werken über die Italienische Renaissance quer durchs Land.

Tommaso Masaccio (1401-1428)

Nicht überraschend, Masaccio ist bekannt als der Vater der Renaissance-Malerei, denn jeder bedeutende Maler des 15. und 16. Jahrhunderts in Florenz begann mit dem Studium von Masaccio Freskenmalerei . Masaccio ist der künstlerische Erbe der Traditionen von Giotto, es gibt jedoch keine direkte Anlehnung an den früheren Meister. Masaccio war auch ein Freund von Brunelleschi, der ihm vielleicht die Perspektive und die Schaffung eines rational artikulierten Raums beigebracht hat. Er war auch ein Freund des Florentiner Bildhauers Donatello (1386-1466), von dem er vielleicht gelernt hat, wie einfach ein Faltenwurf über einer mächtigen Figur wirkt. Was auch immer seine kreativen Ressourcen sein mögen, Masaccios überlebende Arbeit zeigt ein Interesse an einfachen Figuren, die in einfache Vorhänge gekleidet sind. Er beschäftigte sich auch mit Licht und wie es einer gemalten Figur die Illusion von Solidität verleiht. Er schuf einen klaren und gut organisierten Raum in seinen Gemälden und war vor allem bemüht, menschliche Charaktere zu erschaffen, die eine gezielte menschliche Tätigkeit ausüben. Sein einziges Werk, das eindeutig datiert werden kann, ist das Pisa-Altarbild von 1426 (von dem die zentrale Tafel mit der Madonna auf dem Thron mit Christkind und Engeln , die heute in der National Gallery in London hängt, den größten Teil darstellt). Während Masaccio der mittelalterlichen Tradition eines goldenen Hintergrunds folgte, zeigen die architektonischen Elemente des Throns ein Bewusstsein für den Einfluss des antiken Rom. Außerdem ist seine Madonna keine anmutige himmlische Königin mehr, sondern eine irdische Mutter mit einem Baby auf dem Schoß. Die Figur des Christuskindes ist eine anschauliche Demonstration, wie Licht und Schatten in einem Gemälde manipuliert werden können, um die Illusion eines dreidimensionalen Körpers zu erzeugen. In diesem Bild legte Masaccio den Grundstein für ein Hauptthema der florentinischen Malerei. Sein Fokus auf die skulptural konzipierte, in Licht getauchte und klar und einfach ausgeführte Figur schafft es, ein Werk von stiller Würde und großer Monumentalität zu schaffen, indem es größer erscheint, als es wirklich ist.

Masaccios große Serie von Brancacci Kapelle Fresken in der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz fügt der Kunst der Frührenaissance eine weitere Dimension hinzu. In diesem Erzählzyklus über das Leben des heiligen Petrus wählte er den wichtigsten Punkt in der Erzählung und hielt dann das Drama fest, indem er die menschlichen Reaktionen darauf offenlegte. In diesen Werken demonstrierte Masaccio auch seinen Sinn für die reale Welt, denn das Licht in den Gemälden, das durch ihre Schatten angezeigt wird, ist dasselbe wie das natürliche Licht, das auf die Wände der Kapelle fällt.

Die heilige Dreieinigkeit (1428) in Santa Maria Novella, Florenz, fasst effektiv Masaccios kurze Karriere sowie die Ästhetik der frühen Renaissance-Malerei. Die skulptierten Figuren haben eine noch größere Würde erlangt. Das Drama der Arbeit wird in berührenden menschlichen Begriffen präsentiert, als sich die Madonna an den Betrachter wendet, um auf ihren gekreuzigten Sohn hinzuweisen. Masaccio verwendet nicht nur Licht, um den Raum des Gemäldes mit dem Raum des Zuschauers zu verbinden, sondern auch das früheste Beispiel einer Einpunktperspektive, die später von Alberti artikuliert wurde. Alle erhabenen Ziele der Malerei der Frührenaissance sind in diesem Werk enthalten: Einfachheit, Stärke, Monumentalität; Mann als Beobachter und Teilnehmer.

Masaccio hatte keine unmittelbaren Anhänger von gleicher Statur, obwohl es eine Gruppe von anderen florentinischen Künstlern gab, die ungefähr gleich alt waren wie Masaccio, nämlich Fra Filippo Lippi, Fra Angelico und Paolo Uccello, die mehr oder weniger in seine Fußstapfen traten. Der innovative Sieneser Meister Giovanni di Paolo (c.1400-82), bekannt für seine kleinen religiösen Tafeln, war ein weiterer Zeitgenosse von Masaccio.

Fra Filippo Lippi (um 1406-69)

Fra Filippo Lippi war ein florentinischer Karmelitermönch, der seine Jugend und sein frühes Erwachsenenleben im Kloster Santa Maria del Carmine verbrachte, in dem Masaccio lebte religiöse Gemälde Jeden Tag standen vor seinen Augen Lippis frühestes Werk, die Madonna und das Kind (1437) aus Tarquinia Corneto, stützt sich auf die Madonna aus dem Pisa-Altarbild, doch in seinem Christus zeigt Fra Filippo bereits eine Erdigkeit und eine rührende Süße, die sich von nichts anderem von Masaccio unterscheidet. Die Madonna mit Kind und zwei Engeln (Uffizien, Florenz) – mit ihren igelartigen Engeln und der eleganten Madonna – ist vielleicht eines seiner berühmtesten Spätwerke: Die Platzierung der Madonna durch ein offenes Fenster ist eines der Hauptmerkmale der späteren Renaissance-Porträts – Zeuge Leonardo da Vincis Mona Lisa (1503-6) – während die Eleganz und Süße der Jungfrau ihren größten Ausdruck in der Arbeit von Lippis Schüler Alessandro Botticelli (1445-1510) finden sollte.

Fra Angelico (ca. 1400-55)

Kurz vor Masaccio geboren, Fra Angelico war ein Dominikaner, der in Fiesole und im Kloster Sylvestrine in San Marco in Florenz lebte. Sein frühestes Gemälde, der Linaiuoli-Altar (Museum San Marco, Florenz) von 1433, steht in der Tradition des Mittelalters Gotische Kunst , obwohl die männlichen Heiligen in den Seitenwänden bereits den Einfluss von Masaccio offenbaren. Das Altarbild Dass er zwischen 1438 und 1440 für den Hochaltar von San Marco schuf, ist ein Wahrzeichen der Frühzeit Florentiner Renaissance Kunst. Es ist der erste Auftritt der sacra conversazione in Florenz, ein Entwurf, bei dem Engel, Heilige und gelegentlich auch Spender im selben Raum wie die Madonna und das Christkind untergebracht sind und bei dem die Versuchspersonen scheinbar in ein Gespräch verwickelt sind. Und als Beispiel für eine neue Phase von religiöse Kunst Das Altarbild zeigt den Einfluss von Masaccio auf den skulpturalen Stil der Figuren und ein genaues Bewusstsein für Albertis Perspektiventheorien. Etwa zur gleichen Zeit erhielt Fra Angelico den Auftrag, die Mönchszimmer in San Marco mit traditionellen Andachtsbildern zu dekorieren, um einige seiner schönsten Werke zu vollenden. Das Verkündigung (1450) zum Beispiel, dass er für den Nordkorridor des Klosters malte, ist wahrscheinlich seine schönste Version dieses traditionellen Themas. Er folgte diesem Projekt mit den Gemälden in der Kapelle von Nikolaus V. im Vatikan.

Paolo Uccello (1397-1475)

Der Ruf von Paolo Uccello als früher exponent der perspektive hat er eher sein immenses talent für überschattet dekorative Kunst . Studien seiner Bilder zeigen, dass er sich mehr für die mittelalterliche Optik als für das mathematische Perspektivensystem von Alberti und Brunelleschi interessierte. Sein frühestes bekanntes Werk, das Freskengemälde " Sir John Hawkwood " von 1436 in der Kathedrale von Florenz, ist ein dekoratives Stück von sehr hohem Rang. Uccello ist am bekanntesten für die drei Tafeln, aus denen sein berühmter besteht Schlacht von San Romano (1438-55) für den Medici-Palast (heute im Louvre in Paris, in der Nationalgalerie in London und in den Uffizien) gemalt. Die Bilder waren als Wanddekoration gedacht und ähneln als solche Wandteppichen: Uccello ist nur daran interessiert, einen kleinen kastenartigen Raum für die Aktion zu schaffen, da er den Hintergrund mit einer tapetenartigen Komposition von Menschen und Tieren abschließt. Sein Hauptanliegen ist die rhythmische Anordnung der Elemente der Komposition über die Oberfläche, eine Betonung, die er mit einer Wiederholung von Bögen und Kreisen unterstreicht. Uccellos Fokussierung auf die dekorativen und linearen Aspekte der Malerei wirkte sich maßgeblich auf die Kassonenmaler von Florenz aus und fand seinen größten Champion im Florentiner Meister Botticelli. Siehe auch sein spätes Werk Im Wald jagen (1470), im Ashmolean Museum, Oxford.

Andrea del Castagno (1420-57)

Masaccio hatte wohl den größten Einfluss auf drei jüngere Maler, Castagno, Domenico Veneziano und Piero della Francesca. Die kurzlebigen Andrea del Castagno (1420-57) war der Anführer der Gruppe. Sein letztes Abendmahl (1447) für das ehemalige Kloster Sant’Apollonia in Florenz zeigt deutlich den Einfluss von Masaccio auf die skulpturale Behandlung der Figuren, den Umgang mit Licht und die Schaffung eines glaubwürdigen und rational konzipierten Raumes. Castagno zeigt auch ein pedantisches Interesse an der Antike durch die Verwendung von Sphinxen für die Bankenden und fiktiven Marmorplatten an der Rückwand, die beide präzise Kopien römischer Artefakte sind. In seiner letzten Periode änderte sich Castagnos Stil schlagartig, als er zu einem stark expressiven Emotionalismus überging, der – seltsamerweise – mit einer ähnlichen Entwicklung in der Arbeit seiner Zeitgenossen einherging. So wurde zum Beispiel seine Dreifaltigkeit, die den Heiligen Hieronymus, Paula und Eustochium (1455) in der Florentiner Kirche der Santissima Annunziata erscheint, mit ruhigen und ausgeglichenen Figuren gestaltet, wie die Untermalung zeigt. In der vollendeten Arbeit jedoch schwingen die Figuren, obwohl sie skulptural konzipiert sind, mit der Erregung über die ausgemergelte Gestalt des heiligen Hieronymus und den radikal konzipierten Körper des gekreuzigten Christus mit. Der Optimismus, die Rationalität und das entschlossene menschliche Drama der früheren Renaissance in Florenz sollten durch einen persönlicheren, expressiveren und lineareren Stil abgelöst werden.

Domenico Veneziano (um 1416-61)

Ein weiteres Merkmal dieser neuen Richtung ist in der Arbeit des Rätsels zu sehen Domenico Veneziano . Sein Name weist darauf hin, dass er aus Venedig stammte, und es wird aufgezeichnet, dass er 1438 in Florenz ankam. Er war sowohl mit Fra Angelico als auch mit Andrea del Castagno verbunden und war am Training des etwas jüngeren Piero della Francesca beteiligt. Das St.-Lucy-Altarbild von Veneziano (um 1445-50, Uffizien) ist ein Beispiel für das Genre der Sacra conversazione und verdankt sich eindeutig sowohl dem Gemälde von Masaccio als auch der früheren florentinischen Skulptur Nanni di Banco (1375 & ndash; 1421). Die Farbe des Altarbildes ist jedoch Domenicos eigen und steht in keinem Zusammenhang mit der florentinischen Tradition. Seine Nebeneinanderstellung von hellem Grün und Rosa und seine helle Tonalität deuten stattdessen auf das Renaissance von Venedig und seine Erstausbildung in der Stadt. Indem der Fluchtpunkt gesenkt wird, so dass die Figuren den Betrachter zu überragen scheinen, wird die Monumentalität des Gemäldes erhöht, aber das Gefühl des Betrachters, an dem Gemälde teilzunehmen, wird entsprechend verringert.

Piero della Francesca (1415-92)

Nach seiner frühen künstlerischen Ausbildung in Florenz Piero della Francesca verbrachte den größten Teil seiner Karriere als Maler außerhalb der Stadt, unter anderem in Urbino, Arezzo, Rimini und seinem Heimatort Borgo San Sepolcro in Umbrien. Sein bekanntestes Meisterwerk Geißelung Christi (1450-60), jetzt in der Galleria Nazionale delle Marche in Urbino, zeigt ein starkes Interesse an Mathematik, Perspektive und Proportionen. Die skulpturalen Figuren sind in einem klaren, rationalen Raum angeordnet und in ein kühles Licht getaucht. Dies verleiht ihnen eine ruhige Würde, die man nur mit der antiken griechischen Skulptur vergleichen kann. Eine ähnliche Tendenz zeigt Pieros Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo. Piero della Francescas Herangehensweise an die Malerei hatte einen spürbaren Einfluss auf jüngere Künstler wie den Verkürzungsexperten und den Quadraturisten Melozzo da Forli (1438 & ndash; 94).

In der Zeit von 1465 bis 1475 gab es eine vorübergehende Unterbrechung in der Malerei der Florentiner Renaissance. Alle älteren Künstler waren verstorben, und diejenigen, die das Schicksal hatten, die zweite Hälfte des Jahrhunderts zu beherrschen, waren zu jung, um einen längeren Kontakt mit ihnen zu haben. Drei dieser jüngeren Künstler, Antonio Pollaiuolo, Alessandro Botticelli und Andrea del Verrocchio, begannen ihre Karriere als Goldschmied, was die lineare und dekorative Betonung erklärt, wenn nicht auch den Sinn für Bewegung, der in der florentinischen Malerei des späteren Quattrocento spürbar ist.

Antonio Pollaiuolo (1432-98)

Abgesehen davon, dass er Goldschmied ist, Antonio Pollaiuolo war Bildhauer, Maler, Graveur und auch Architekt. Seine Arbeit zeigt eine Faszination für Muskeln in Aktion und er ist angeblich der erste Künstler, der einen menschlichen Körper seziert. Im berühmten Altarbild Das Martyrium des heiligen Sebastian (1475, National Gallery, London) zeigt er die Bogenschützen aus zwei Blickwinkeln, um ihre Muskelaktivität zu demonstrieren. Seine Skulptur Herkules und Antaeus porträtiert wie der Stich von Die Schlacht der Akte gewaltsame Kämpfe. Die Vergewaltigung von Deianira (Kunstgalerie der Yale University, New Haven, Connecticut) betont ein weiteres neues Element in der florentinischen Malerei, nämlich die Landschaftsgestaltung – in diesem Fall eine schöne Aussicht auf das Arnotal mit Florenz im Hintergrund.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Ein ähnliches Interesse an bewegten Figuren, ein Gefühl der Bewegung über die Oberfläche des Gemäldes und der Landschaft findet sich in den früheren Werken von Botticelli , einer von vielen großen Künstlern, die von der Medici-Familie in Florenz . In seiner berühmten Arbeit La Primavera (1482-3, Uffizien) verwendet er Linien in der Darstellung von Haaren, wogenden Gewändern und der Kontur eines Arms, um die Bewegung der Figuren zu suggerieren. Gleichzeitig erzeugte der Fluss der Figuren eine steigende und fallende lineare Bewegung über die Bildfläche. Ähnliche Bewegungseffekte zeigen sich auch in seinem anderen Meisterwerk Die Geburt der Venus (1484-6) Uffizien, Florenz). Botticellis bekannte Madonnen- und Kindermalereien enthüllen eine Süße, die von Fra Filippo Lippi stammen kann, zusammen mit seinem eigenen Sinn für Gnade. Leider nach dem Terror und dem Chaos des fanatischen religiösen Reformers Girolamo Savonarola Botticelli soll einen Zusammenbruch erlitten haben: Ein Ereignis, das ihn zu einem emotionaleren und offeneren Malstil veranlasste, der praktisch die gesamte Ästhetik der Renaissancekunst verneinte.

Andere Maler der Frührenaissance in Florenz

Florentiner Künstler, die gegen Ende des 15. Jahrhunderts tätig waren, gehören Andrea del Verrocchio (1435-1488), bekannt als der Meister von Leonardo da Vinci (1452-1519) und Perugino (1445-1523), bekannt für sein Fresko der Sixtinischen Kapelle Christus, der dem heiligen Petrus die Schlüssel übergibt (1482). Dazu kam Filippo Lippis Sohn Filippino Lippi (1457-1504), der nach dem Tod seines Vaters Schüler von Botticelli wurde. Filippino Lippi war für eine Gruppe von Madonnen verantwortlich , die leicht mit Botticellis eigener Arbeit verwechselt werden können. Bis 1485 entwickelte er jedoch einen ziemlich aufgeregten Malstil, wie er in seinem Meisterwerk, der expressiven Vision des hl. Bernhard in der Badia in Florenz, zeigt. Seine späteren Arbeiten wie die Freskenreihe in Santa Maria Novella (1502) zeichnen sich durch eine Farbe und Formverzerrung aus, die die Entwicklung des Manierismus etwa zwei Jahrzehnte später beeinflusst haben könnte. Eine weitere Figur, die in den letzten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts in Florenz tätig war, war Domenico Ghirlandaio (1449-94), der produktive und beliebte Freskenmaler, dessen künstlerische Laufbahn als Chronist des Lebens in Florenz verbracht wurde. Seine Gemälde zum Thema "Das Leben der Jungfrau in Santa Maria Novella" (um 1485-90) können sowohl als Leben eines jungen florentinischen Mädchens als auch als religiöse Erzählung verstanden werden. Seine Kunst, obwohl bereits altmodisch, half, eine große Anzahl von florentinischen Künstlern auszubilden, darunter Michelangelo (Schöpfer des Monumentalen Genesis Fresko und Fresko des Jüngsten Gerichts Zyklen in der Sixtinischen Kapelle), in der schwierigen Praxis der Freskenmalerei. Siehe auch sein großes humanistisches Porträt Alter Mann mit einem Jungen (1490, Louvre, Paris).

Die florentinische Renaissance breitet sich aus

Bereits Mitte des Jahrhunderts breiteten sich die künstlerischen Entdeckungen und Experimente des Florenz des Quattrocento in ganz Italien aus. Die Auswirkungen in Siena waren jedoch gering, da im Allgemeinen die Sienesische Malschule die konservativen dekorativen Traditionen der Internationale Gotik Stil, sowohl in Tafelbildern und Altarbildern als auch Internationale gotische Illuminationen . In Ferrara wurden Cosimo Tura, Ercole de ’Roberti und Francesco del Cossa jedoch alle durch die Werke von Piero della Francesca und Andrea del Castagno von Florenz beeinflusst. In der Zwischenzeit entstanden in den Zentren von Padua und Venedig Maler, deren Interpretation und Weiterentwicklung der florentinischen Techniken die Vormachtstellung der Hauptstadt der Renaissance in Frage stellten.

Andrea Mantegna (1430-1506)

Andrea Mantegna wurde maßgeblich von der Lehre seines Meisters beeinflusst, Francesco Squarcione (1395-1468), die Kunst der Antike um ihn herum und die Skulptur von Donatello in Padua. Die Fresken, die er 1455 in der Ovetari-Kapelle der Eremitani-Kirche in Padua malte (verloren im Zweiten Weltkrieg), entstammen den Traditionen von Florenz, auch wenn diese von Mantegna eigens interpretiert wurden. So hat sein Bildraum, ähnlich wie der der Florentiner, eine tiefere Horizontlinie, die seinen Figuren eine größere Monumentalität verleiht. Die Figuren selbst sind römischen Prototypen nach dem Vorbild von Donatello nachempfunden. Seine dekorative Finesse stammt aus der Antike und der fast archäologischen Ausbildung, die er in Squarcione erhielt. Um 1460 war Mantegna im Herzogspalast in Mantua, wo er offizieller Maler der Familie Gonzaga wurde und eine Reihe von Gruppenporträts der Familie anfertigte. Vielleicht noch wichtiger ist, dass er eine Reihe illusionistischer Meisterwerke schuf, wie zum Beispiel das Camera degli Sposi Fresken in der sogenannten Brautkammer des Palastes. Diese Fresken verwandelten die Kammer mit Farbe und zusätzlichem Raum unter Verwendung der trompe l’oeil Maltechnik bekannt als Quadratura . Sein Verständnis für die Perspektive, das sich in seiner Beherrschung der Verkürzung (Zeuge seiner Klage über den toten Christus (1470-80, Pinacoteca di Brera, Mailand) verlieh ihm mit seinen Altarbildern und Stichen eine künstlerische Vormachtstellung in Norditalien.

Bellini Familie – Venedig

Die venezianische Familie Bellini war eine der großen Dynastien der italienischen Kunst. Jacopo Bellini (um 1400-71), der Vater, ehemaliger Schüler von Gentile da Fabriano (c.1370-1427), hatte einen Stil, der den reichen Realismus von Flämische Malerei mit der Ästhetik der Renaissance. Er wurde von seinen Söhnen gelungen Nichtjüdischer Bellini (1430 / 5-1507) und Giovanni Bellini (1430 / 5-1516), die bis ins frühe 16. Jahrhundert die venezianische Malerei beherrschten. Ersterer ist am bekanntesten für seine venezianischen Prozessionen und seine Porträts von Dogen und Sultanen, die beide beeinflusst haben Vittore Carpaccio (1460 & ndash; 1525). Giovanni wurde stark von seinem Schwager Mantegna beeinflusst, und auch von der Ölgemälde des Niederländische Renaissance . Der sehr persönliche Stil, den er ab 1480 entwickelte, prägte maßgeblich die Arbeit der späteren venezianischen Maler. Seine Hauptmerkmale – zu denen die Schaffung eines weich gestreuten venezianischen Lichts gehört, das Konturen mildert und eine elegische Stimmung erzeugt – können nur mit einem Ölmedium erreicht werden. Seine Thronende Madonna aus San Giobbe (um 1488, Gallerie dell’Accademia di Venezia) definierte eine Komposition und eine Malweise, die in der venezianischen Malerei jahrhundertelang Bestand hatte. Sein Gefühl für Landschaftsmalerei war auch außergewöhnlich. In seinem Ekstase des heiligen Franziskus (um 1480, Frick Collection, New York) wird der Blick des Betrachters unweigerlich vom Heiligen und seiner Zelle in die ferne Landschaft gelenkt. Siehe auch seine Dogen Leonardo Loredan (1502, National Gallery, London) und der Altarbild von San Zaccaria (1505) Kirche San Zaccaria, Venedig Zu den venezianischen Malern, die besonders von Giovanni Bellini beeinflusst wurden, zählen Lorenzo Lotto (1480-1556), Giorgione (1477-1510) und Titian (1488-1576).

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Die Fortschritte und Widersprüche der florentinischen Malerei des 15. Jahrhunderts spiegeln sich in der Kunst des ersten authentischen Renaissance-Genies wider. Leonardo da Vinci . Obwohl er sich intensiv mit der Theorie und Praxis der Malerei befasste, interessierte er sich vor allem für das Erscheinungsbild und die Funktionsweise der Dinge. Diese intensive Neugier führte dazu, dass er eine enorme Menge Zeit damit verbrachte, alle Arten von natürlichen und mechanischen Phänomenen zu studieren, einschließlich Pflanzen, menschlicher Anatomie und vielen anderen Dingen. Sein überragendes Talent für das Zeichnen ermöglichte es ihm, die Ergebnisse dieser Studien aufzuzeichnen und sie in seiner Kunst anzuwenden. Leider erlaubte ihm sein entsprechender Sinn für Perfektionismus selten, ein Kunstwerk rechtzeitig fertig zu stellen.

Ausgebildet zu Andrea del Verrocchio, lernte Leonardo Zeichnung , die Herstellung und das Mischen von Farbpigmente und malen. Da Verrocchio selbst ausgebildeter Goldschmied war, lernte der junge Leonardo zweifellos auch das Modellieren in Wachs und Ton und das Gießen von Bronzeskulpturen. Er wurde auch in die Marmorskulptur eingeführt, obwohl er später zugab, dass er dieses schwierige Handwerk nicht mochte. Leonardos Talent zeigt sich bereits in der Taufe Christi (um 1474-75, Uffizien, Florenz), die er in Zusammenarbeit mit Verrocchio malte: Sein eigener Beitrag ist die Landschaft und die Gestalt eines Engels. Das unvollendete Altarbild Anbetung der Könige (1481, Uffizien) für das Kloster San Donato a Scopeto in der Nähe von Florenz ist zusammen mit den vorbereitenden Zeichnungen sowohl eine Zusammenfassung der florentinischen Kunst des 15. Jahrhunderts als auch eine Prognose dessen, was während des Hochs kommen sollte Renaissance. Obwohl er den rationalen Kompositionen des früheren Quattrocento , die auf der Grundlage ihres ausgeprägten Perspektivsinns entworfen wurden, eine klare Schuld zu verdanken hat, geht Leonardos Anbetung der Könige viel weiter. Es synthetisiert viele der unterschiedlichen Tendenzen der Florentiner Renaissance und seine Komposition ist gleichzeitig geordnet und frei, ruhig und voller Bewegung. Die Figuren sind in einem freien, aber regulierten Raum angeordnet, der ein Gefühl von Größe und Ausdehnung vermittelt. Wie die Arbeit nach Fertigstellung ausgesehen haben könnte, ist eine Frage der Vermutung, aber die geleistete Arbeit – zusammen mit der vorbereitenden Untermalung ihrer Figuren und Landschaftselemente – zeigt eine Meisterschaft und Innovation, die nur von der Gruppe der jüngeren Maler verstanden wurde, die um die 20 entstanden sind -25 Jahre in der Zukunft.

Im Jahr 1481 begann Leonardo eine 18-jährige Amtszeit in Mailand und arbeitete hauptsächlich im Dienste des Herzogs Ludovico Sforza (Il Moro), für den er eine Reihe von Gemälden und zahlreichen Zeichnungen fertigstellte, um ein nie zu beendendes Reiterdenkmal zu errichten Die Herzogsdynastie entwarf ein neues Kanalsystem für die Stadt, entwarf Theaterkostüme für verschiedene Unterhaltungszwecke und schrieb ausführlich in seine Notizbücher. Sein Gemälde Jungfrau der Felsen (c.1483-5, Louvre-Version) steht an der Schwelle der Hochrenaissance. In diesem Werk führt er die pyramidenförmige Komposition ein (auch von Raffael verwendet), die ein Markenzeichen der Malerei der Hochrenaissance werden sollte. Sein zartes sfumato Auch die Maltechnik wurde stark nachgeahmt, ebenso wie die Verwendung von Licht und Schatten als verbindender kompositorischer Faktor. Letzteres war ziemlich revolutionär: Nie zuvor war es einem Maler gelungen, eine solche tonale Kontinuität der Schatten zu erreichen, eine Kontinuität, die von einer drastischen Einschränkung der lokalen Farbe abhängt.

Diese malerischen Effekte sowie das zart diffuse Licht, charakteristisch für Venezianische Malerei , waren nur für Künstler mit dem Ölfarbenmedium der niederländischen Renaissance realisierbar, das es aufgrund seiner langen Trocknungszeit ermöglicht, alle Teile eines Gemäldes zusammen voranzutreiben und anzupassen, sowie die transparenten Glasuren, die Atmosphäre erzeugen und Chiaroscuro . Die kühne Wirkung von pastos (dick gestrichene Oberflächentexturen) war auch nur unter Verwendung des Ölmediums möglich und wurde insbesondere in Venedig genutzt, wo Leinwand erstmals regelmäßig Holztafeln zu ersetzen begann.

Leonardos mutiger, aber fehlgeleiteter Versuch, dieses neue Konzept der Malerei auf die mühsame Technik der Malerei zu übertragen Wandmalerei führte zur Tragödie von Das letzte Abendmahl (1495-8, Santa Maria delle Grazie, Mailand). Da die traditionelle italienische Methode der Freskenmalerei für Leonardos graduelleren Ansatz zu endgültig war, erfand er eine neue Technik (unter Verwendung einer Mischung aus Tempera und Öl auf Gips, Tonhöhe und Mastix), die es ihm ermöglichten, die Art der Ölmalerei weiter zu verändern. Die Technik erwies sich als fehlerhaft und das Gemälde begann sich zu Leonardos Lebzeiten zu verschlechtern. Trotzdem in seiner disegno (Konzeption und Komposition) Das Gemälde bleibt eine der schönsten Leistungen des Menschen. Alle Elemente lenken den Blick auf die balancierte, pyramidenförmige Gestalt Christi. Die Szene ist streng nach den Regeln der linearen Perspektive angelegt, wobei alle Linien der Architektur am Fluchtpunkt im Kopf Jesu zusammenlaufen. Kurz gesagt, Leonardo kombiniert das Drama und die Aufregung der verschiedenen Apostelgruppen, die zentrale Figur Christi und den rational gestalteten Raum der ersten Hälfte des Quattrocento mit der Bewegung und Emotion der zweiten Hälfte in einer neuen Synthese, die übertrifft bei weitem alles, was seine Vorgänger hervorgebracht hatten. Ein Grund, warum das Werk in Italien als Beginn der Hochrenaissance gilt.

Einzelheiten zu einem der ersten Maler, die Leonardo verstanden haben, finden Sie im Florentiner Piero di Cosimo (1462 & ndash; 1522).

Verehrt von Reisenden auf der große Tour Frührenaissancemalereien sind in der beste Kunstmuseen auf der ganzen Welt, vor allem die Pitti Palace und das Uffizien in Florenz und den Vatikanischen Museen in Rom. Die Ästhetik der Frührenaissance wurde im 19. Jahrhundert von Gruppen wie der Nazarener (aktiv 1810-30), die Purismusbewegung und die Präraffaeliten .