Amerikanische Kunst: Geschichte der schönen Künste in Amerika Automatische übersetzen

Amerikanische Kunst (um 1750-2000)

Dies ist eine kurze 20-stufige Anleitung zur Geschichte der amerikanischen Kunst, einschließlich Malerei, Skulptur, Architektur und zeitgenössischer Kunstformen seit der Kolonialzeit. Informationen zur frühen Kultur in Amerika finden Sie unter: Präkolumbianische Kunst (1200 BCE-1535 CE). Für die spätere indianische Kultur siehe: Indianische Kunst (1000 v. Chr. – 1900).

Zur Geschichte und zu den Merkmalen des Architekturentwurfs in den USA siehe: Amerikanische Architektur (1600-heute).

1. Kolonialkünstler des 18. Jahrhunderts

Amerikanische Kolonialkunst Während des 17. und 18. Jahrhunderts beschränkte sie sich hauptsächlich auf Porträtmalerei und Landschaftsmalerei. Die wenigen verfügbaren Möglichkeiten für Künstler ergaben sich aus Kontakten mit der Kolonialklasse. Wichtige amerikanische Kolonialmaler sind:

Benjamin West (1738-1820)
Der "Vater der amerikanischen Malerei", tätig in England, wo er eine Reihe von Künstlern aus Amerika beeinflusste, darunter John Copley, Gilbert Stuart und Allston Washington.

John Singleton Copley (1738-1815)
Bekannt für seine Porträts und Historienbilder in Boston und London.

Gilbert Stuart (1755-1828)
Stuart, der für seine Porträts von George Washington bekannt ist, gilt als der größte amerikanische Porträtmaler des 18. Jahrhunderts und als Schöpfer eines typisch amerikanischen Kunststils.

Weitere bekannte amerikanische Maler des 18. Jahrhunderts sind der Porträtist Ralph Earl (1751-1801) und der Porträt- / Historienmaler John Trumbull (1756-1843).

Die amerikanische Architektur der Kolonialzeit war typisch georgisch oder neoklassisch. Letzteres umfasste die Entwürfe „Federal Style“ und „Greek Revival“. Amerikanische Architekten des Zeitraums umfassen Thomas Jefferson (1743-1826) William Thornton (1759-1828), James Hoban (1762-1831), Charles Bulfinch (1763-1844) und Benjamin Latrobe (1764 & ndash; 1820).

2. Amerikanische Landschaftskunst des 19. Jahrhunderts

Ein unabhängiges Amerika bot allen, auch Künstlern, mehr Möglichkeiten. Obwohl die Fotografie (erfunden 1839) schließlich die Malerei als Chronist von Ereignissen und Erfahrungen ersetzte, verließ sich das Amerika des 19. Jahrhunderts auf Maler, um diese Dinge aufzuzeichnen. Das Porträtieren war weiterhin finanziell lohnend, aber auch Landschaften der amerikanischen Wildnis waren beliebt. Die beiden berühmtesten Stile der malerischen Landschaftsmalerei, beide sehr romantisch, waren von Thomas Cole inspiriert Hudson River Schule (c.1825-65) und sein späterer Ableger Luminismus (c.1850-75). Die französische Plein-Air-Barbizon-Schule war ebenfalls einflussreich, während ein Stil, der als Tonalismus bekannt ist, in den 1880er und 90er Jahren entstand. Wichtige amerikanische Landschafts- und Freilichtmaler des 19. Jahrhunderts sind:

Thomas Cole (1801-48)
Berühmt für die Größe und dramatische Qualität seiner Wildnisszenen.

George Inness (1825-1894)
Brachte Techniken der Barbizon-Schule nach Amerika und half dabei, die impressionistische Tonalistenbewegung zu definieren.

Frederic Edwin Church (1826-1900)
Als Schüler von Cole und Amerikas größtem romantischen Landschaftsmaler durchquerte Church den Kontinent und malte tropische Wälder, Wasserfälle, Vulkane und Eisberge.

Albert Bierstadt (1830-1902)
Deutscher Landschaftsmaler, Mitglied der Düsseldorfer Schule, der Hudson River School und der Rocky Mountain School of Romantic Landscape Art.

Weitere Hudson River-Künstler sind: Thomas Doughty (1793–1856), Asher Brown Durand (1796–1886), Robert Walter Weir (1803–1889), John William Casilear (1811–1893), Worthington Whittredge (1820–1910), Robert Duncanson (1821-1872), William Hart (1823-1894), David Johnson (1827-1908), Jervis McEntee (1828-1891), James McDougal Hart (1828-1901), Thomas Hill (1829-1908), Hermann Ottomar Herzog (1831–1932), William Stanley Haseltine (1835–1900).

Luministische Künstler sind ua John F. Kensett (1816-72), Martin Johnson Heade (1819-1904), Sanford Robinson Gifford (1823-80), Jasper Francis Cropsey (1823-1900), William Trost Richards (1833-1905). Norton Bush (1834-94), Edmund Darch Lewis (1835-1910), Alfred T. Bricher (1837-1908), Thomas Moran (1837-1926).

George Caleb Bingham (1811-1879)
Der gefeierte und sehr beliebte Grenzölmaler, Lichtgestalter und Genrekünstler aus Missouri.

Andere Maler der amerikanischen Grenze schließen ein Frederic Remington (1861-1909) der berühmteste Darsteller des Cowboy West; der Aquarellist Charles Russell (1864-1926); Der Genremaler William Sidney Mount (1807-68) war bekannt für seine ländlichen Szenen, die Stadtbewohner ansprechen. Albert Pinkham Ryder (1847-1917) zeichnete sich durch romantische, aber düstere mythologische Szenen aus.

Geschichtsmalerei
Die Tradition der Historienmalerei in Amerika war weitaus weniger populär als Landschaftsmalerei und Porträtmalerei und wurde vom deutsch-amerikanischen Maler fortgesetzt Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68), an den man sich am besten für sein Meisterwerk Washington Crossing the Delaware erinnert .

3. American Portraiture & Genre Painting des 19. Jahrhunderts

Amerikanische Künstler schufen neben Landschaften auch Porträts und eine Reihe von Themen- oder Genrebildern. John Singer Sargent war der größte Porträtist der damaligen Zeit, während Winslow Homer zu den führenden Malern gehörte. Die großen europäischen Kunstbewegungen des Impressionismus und Postimpressionismus hatten einige Anhänger in den Vereinigten Staaten, aber der Realismus blieb der vorherrschende Stil.

Wichtige amerikanische Porträt- und Genremaler des 19. Jahrhunderts sind:

Winslow Homer (1836-1910)
Homer, einer der berühmtesten amerikanischen Künstler, hatte das Talent, die Natur auf eine Weise darzustellen, die den amerikanischen Pioniergeist widerspiegelte. Seine Bilder sind sowohl in Aquarell- als auch in Ölmalerei Autodidakten und handeln vom dunklen Leben von Fischern, Soldaten, Seeleuten, Waldarbeitern, Jägern und Pionieren – dem Volk der Menschheit.

Thomas Eakins (1844-1916)
Einfach der größte amerikanische Vertreter des figurativen Realismus; erhielt zu seinen Lebzeiten weit weniger offizielle Anerkennung, als er verdient hatte.

John Singer Sargent (1856-1925)
Er war in Europa und London tätig und der beste amerikanische Porträtkünstler seiner Zeit. Seine größten Werke umfassen: Die Töchter von Edward Darley Boit (The Boit Sisters) (1882, Museum of Fine Art, Boston); Porträt von Madame X. (Madame Pierre Gautreau) (1884); und El Jaleo (1882, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston)

Realismus in der Skulptur
Realistische Statuen finden Sie unter Ende der Spur von James Earle Fraser (1876-1953) und Kampfhengste von Anna Hyatt Huntington (1876-1973).

4. Amerikanischer Impressionismus des 19. Jahrhunderts

Der Pionier von Amerikanischer Impressionismus war der im Ausland lebende tonalistische Maler James McNeill Whistler (1834–1903). Er ist in Großbritannien als Porträtist, Landschaftskünstler, Symbolist und Mitglied der ästhetischen Bewegung tätig und bekannt für seine Arrangements, Harmonien und Nocturnes. Zu den späteren Malern des amerikanischen Impressionismus gehörte der Künstler aus Pittsburgh Mary Cassatt (1844-1926); der Bostoner Childe Hassam (1859-1935) am bekanntesten für seine "Flaggemälde"; der in München ausgebildete Porträtist William Merritt Chase (1849-1916); J. Alden Weir (1852-1919), die sich durch Landschafts-, Stillleben- und Blumenmalereien auszeichneten; Theodore Robinson (1852–96), ein enger Freund von Claude Monet; der Cincinnati Künstler John H. Twachtman (1853 & ndash; 1902); Thomas Dewing (1851-1938), Innen- und Landschaftsmaler und Anhänger des Ästhetizismus; und John Singer Sargent (1856-1925). Auch Robert Henri (1865-1929) und William James Glackens (1870-1938), beide Mitglieder von The Eight , produzierten eine Reihe exzellenter Gemälde im impressionistischen Stil.

Mit der Expansion der amerikanischen Kunstwelt im 19. Jahrhundert wuchsen auch ihre Organisationen. Die American Academy of Fine Arts wurde bereits 1802 gegründet und lief bis 1841. Danach wurde sie von der 1825 in New York gegründeten National Academy of Design (ursprünglich als Society for Improvement of Drawing bezeichnet) abgelöst. Die National Academy war die aktivste Vereinigung der bildenden Künste in Amerika, bis sie aufgrund ihres konservativen Charakters allmählich zu einer historischen Institution wurde.

Darüber hinaus hat Amerika einen Großteil seiner Geschichte aus dem 19. Jahrhundert in Gedenkskulpturen festgehalten, zum Beispiel von Daniel Chester Französisch (1850-1931).

5. Architektur des 19. Jahrhunderts

Die Hauptstile der amerikanischen Architektur während des neunzehnten Jahrhunderts waren griechische Wiederbelebung, gotische Wiederbelebung, zweites Reich, zusammen mit einigen Entwürfen im italienischen und romanischen Stil. Die Wiederbelebung Griechenlands stand an erster Stelle, angeführt von Jefferson, Latrobe und Bulfinch. Das neugotische architektonische Design wurde durch die Arbeit von veranschaulicht Richard Upjohn (1802-78) und James Renwick (1818-95), während romanische Entwürfe von verfolgt wurden Henry Hobson Richardson (1838 & ndash; 86). Der weniger verbreitete Beaux-Arts-Stil – eine Mischung aus Neorenaissance- und Neobarock-Architektur – wurde insbesondere von verfochten Richard Morris Hunt (1827-95) und Cass Gilbert (1859-1934). In der Zwischenzeit wurden die ersten echten Wolkenkratzer von der Chicago School of Architecture (um 1880-1910), angeführt von William Le Baron Jenney (1832 & ndash; 1907).

6. 1900: Entwicklung der modernen Kunst in Amerika

Ab diesem Zeitpunkt haben die europäische Kunst – und vor allem die europäischen Künstler – einen viel größeren Einfluss auf Amerika. Dies ist das Ergebnis zweier Hauptfaktoren. (1) der Aufstieg der amerikanischen Handelsmacht – was wiederum zur Entstehung mächtiger amerikanischer Kunstsammler und Philanthropen führte, die europäische Kunst für Museen in den Vereinigten Staaten kauften. Das Wachstum der amerikanischen Städte machte sie übrigens zu idealen Kunden und Entwicklern neuer Stile europäischer Architektur wie Art Nouveau (geblüht 1890-1914) und Art Deco (1920er, 1930er). (2) Das Chaos und Gemetzel des Ersten und Zweiten Weltkriegs veranlasste viele kontinentale Künstler, in die Vereinigten Staaten auszuwandern. Ein Effekt dieses zunehmenden europäischen Einflusses war das allmähliche Entstehen einer Schule für abstrakte Kunst: Zunächst kubistisch orientiert, später geometrisch und koloristisch, bot sie einen offensichtlichen Kontrast zum einheimischen Repräsentationalismus.

Die berühmte Avantgarde Waffenschau (offizieller Titel der Internationalen Ausstellung für moderne Kunst) – von mehr als einer Viertelmillion Besuchern in New York, Chicago und Boston gesehen – markiert einen Wendepunkt im öffentlichen Interesse an moderner Kunst. Die Ausstellungen zeigten die größten modernen Gemälde, darunter Werke modernistischer amerikanischer sowie europäischer Künstler. Organisiert von Arthur B. Davies (1862-1928), Präsident der Vereinigung amerikanischer Maler und Bildhauer - eine Gruppe, initiiert von Robert Henri (1865-1929) – Die Ausstellung zog mehrere wichtige Förderer und Sammler an, darunter Lillie P Bliss (1864-1931) und Katherine Dreier (1877-1952), die beide wichtige Wohltäter des Museum of Modern Art (MoMA) New wurden York. Weitere bedeutende Ausstellungen aus dieser Zeit sind die Carnegie International Exhibition of Contemporary Art, die seit 1896 im Museum of Art des Carnegie Institute in Pittsburgh stattfindet. und natürlich die Whitney Biennale, eine Einladung seit 1932.

Mehrere berühmte amerikanische Kunstmuseen, die von US-amerikanischen Industriellen und Philanthropen ausgestattet wurden, stammen aus der Zeit um die Jahrhundertwende. Dazu gehören: Das Metropolitan Museum of Art in New York (1870), in dessen Besitz sich heute mehr als 3 Millionen Werke befinden; Das Museum of Fine Arts Boston (1870), dessen Sammlung jetzt 450.000 Werke umfasst; Das Philadelphia Museum of Art (1876) mit 200 Galerien und über 225.000 Objekten; Das Detroit Institute of Arts (Anfang der 1880er Jahre) mit 100 Galerien und einer Sammlung im Wert von über 1 Milliarde US-Dollar; Das Art Institute of Chicago (1893), dessen Sammlung 33 Meisterwerke von Claude Monet enthält!; Die Frick-Sammlung (1919), eines der weltbesten "Bijou" -Kunstmuseen; Die Phillips Collection (1921), ein weiteres der weltweit führenden "kleinen" Museen; Das Whitney Museum of American Art (1930), gegründet von Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942).

Ein wichtiger Einfluss auf die Entwicklung der amerikanischen Kunst im frühen 20. Jahrhundert war der amerikanische Fotograf, Herausgeber und Kunsthändler Alfred Stieglitz (1864–1946), später der Ehemann des Künstlers Georgia O’Keeffe, der – mit Hilfe seines engen Kollegen Edward Steichen (1879-1973) – widmete einen großen Teil seiner Energie der Förderung der Kunstfotografie sowie der modernistischen Malerei und Skulptur im Raum New York. Andere frühe Kamerakünstler eingeschlossen Dorothea Lange (1895-1965) und Walker Evans (1903–1975).

7. Amerikanische Urban Art des 20. Jahrhunderts

Der wachsende Beton-Dschungel amerikanischer Städte mit seinen hohen Türmen Wolkenkratzer-Architektur , zog die technischen und künstlerischen Fähigkeiten einer Reihe von talentierten Amerikanische Architekten , darunter so unterschiedliche Figuren wie Frank Lloyd Wright (1867-1959), Walter Gropius (1883-1969), Mies van der Rohe (1886-1969) – Meister der " Internationaler Stil und Anführer der Zweite Chicago School of Architecture – das weltberühmte Architekturbüro Skidmore, Owings and Merrill und sein revolutionärer Designer Fazlur Khan (1929-82) sowie Philip Johnson (1906-2005), IMPei (geb. 1917) und Frank O. Gehry (geb. 1929). Die urbane Szene erregte auch die Aufmerksamkeit mehrerer Mini-Kunst-Bewegungen. Dazu gehörten: die Ashcan Schule (New York c.1892-1919), eine fortschrittliche Sammlung amerikanischer Maler und Illustratoren, die das Leben in New York City in einem düsteren, unpolierten Stil darstellten. Die Ashcan-Schule (deren "Kern" als " Die Acht " bekannt war) umfasste Arthur B. Davies, William J. Glackens (1870-1938), Robert Henri (1865-1929), Ernest Lawson (1873-1939), George Luks (1867-1933), Maurice Prendergast (1858-1924), Everett Shinn (1876-1953) und John Sloan (1871-1951) George Wesley Bellows (1882-1925) und Edward Hopper (1882-1967), die zahlreiche realistische Genrewerke sowie Landschaften schuf – siehe zum Beispiel House by the Railroad (1925, Museum of Modern Art) und Leuchtturm bei zwei Lichtern (1929, Metropolitan Museum) und sein Meisterwerk Nighthawks (1942, Art Institute of Chicago).

Ein weiterer Einfluss auf die moderne Malerei in Amerika war Präzisionismus (oder kubistischer Realismus, 1920er Jahre), dessen Schwerpunkt moderne Industrie- und Stadtlandschaften waren, die sich durch die realistische Darstellung von Objekten auszeichneten, aber gleichzeitig ihre geometrische Form hervorhoben. Es wurde beispielhaft in Werken von Charles Demuth (1883-1935) und Charles Sheeler (1883-1965), während die Stadtbilder von Georgia O’Keeffe (1887-1986) sind auch mit dem präzisionistischen Stil verbunden. Andere Präzisionswissenschaftler sind: George Ault (1891-1948), Ralston Crawford (1906-78) und Niles Spencer (1893-1952). Ein späterer Stil von Sozialer Realismus wurde von urbanen amerikanischen Szene-Malern der Depression-Ära praktiziert, wie Ben Shahn (1898-1969), Moses Soyer (1899-1974), Raphael Soyer (1899-1987), Reginald Marsh (1898-1954), William Gropper (1897-1977), Jack Levine (geb. 1915) und Isabel Bishop (1902-88). Die meisten ließen sich von den Traditionen der New York Ashcan School und auch der Mexikanische Wandbilder von Diego Rivera (1886-1957), Jose Clemente Orozco (1883-1949) und David Alfaro Siqueiros (1896-1974).

8. Wachstum der indigenen modernen Kunst in Amerika (um 1920-1940)

Die meiste amerikanische Avantgarde-Kunst basierte auf Trends aus Paris, dem Zentrum der Weltkunst. Kubismus , Expressionismus , Dada und Surrealismus waren die wichtigsten dieser Bewegungen und zogen eine Reihe indigener amerikanischer Künstler an, darunter: den New Jersey Cubisten / Expressionisten John Marin (1870-1953); der kräftige Modernist Marsden Hartley (1877-1943); der expressionistische russisch-amerikanische Max Weber (1881-1961); der in New York geborene Bauhaus- Pionier Lyonel Feininger (1871-1956); der unglückliche Patrick Henry Bruce (1881-1937), bekannt für seine semi-abstrakten pastosen Bilder; Stanton Macdonald-Wright (1890-1973) und Morgan Russell (1883-1953), zwei in Paris lebende Amerikaner, die einen farbenfrohen abstrakten Stil erfanden, der als bekannt ist Synchronisation ; Arthur Garfield Dove (1880-1946) zeichnete sich durch kleine Zusammenfassungen, Collagen und Assemblagen aus; der von Mondrian und De Stijl inspirierte Burgoyne Diller (1906-65); der einflussreiche amerikanische Kubist Stuart Davis (1894-1964); der kalligraphische abstrakte Maler Mark Tobey (1890-1976); der surrealist Man Ray (1890-1976); der russisch-amerikanische Mixed-Media-Künstler Louise Nevelson (1899-1988); der Indiana Metallbildhauer David Smith (1906-1965); Joseph Cornell (1903-72) zeichnete sich durch seine Installationen aus; der Iowa-aufgewachsene Grant Wood (1892-1942) zeichnete sich durch sein Meisterwerk aus Amerikanische Gotik (1930) und der in Missouri geborene Thomas Hart Benton (1889-1975), die beide Land- und Kleinstadtmeister waren Regionalismus – Teil der umfassenderen realistischen Sprache von Amerikanische Szenenmalerei ; und Jacob Lawrence (1917-2000), der berühmte afroamerikanische Künstler. In der Zwischenzeit wurde die Schule des Vanille-Traditionalismus von Oma Moses (1960-1961) vertreten, die für ihre idyllischen ländlichen Szenen bekannt war. der sentimentale Illustrator und Porträtist Norman Rockwell (1894-1978); und Andrew Wyeth (* 1917) Der Aquarell- und Eitempera-Künstler, bekannt für seine nostalgischen, gelegentlich symbolischen Darstellungen von Pennsylvania und der Küste von Maine – wie Christina’s World (1948).

Erwähnt werden muss auch das Wachstum in der Kunstfotografie und das Aufkommen von Landschaftsfotografen wie Ansel Adams (1902-84), Imogen Cunningham und Edward Weston (1886-1958). Für Details anderer einflussreicher Kamerakünstler des 20. Jahrhunderts aus Amerika, wie Robert Mapplethorpe (1946-89) und Cindy Sherman (geb. 1954).

9. Ankunft moderner Künstler aus Europa (1920-40)

Wichtige Künstler, die Europa verließen und sich in der Zwischenkriegszeit in Amerika niederließen, waren die in Armenien geborenen Arshile Gorky (1905–48), der sich 1920 in den USA niederließ und in Deutschland geboren wurde Hans Hofmann (1880-1966), der Ex-Bauhaus-Maler Joseph Albers (1888-1976), der Kubist Fernand Leger (1881-1955), der geometrische Abstraktionist Piet Mondrian (1872-1944) und der Surrealist Yves Tanguy (1900-55), Andre Masson (1896-1987), Max Ernst (1891-1976), der die amerikanische Erbin und Sammlerin Peggy Guggenheim kurz heiratete, und Andre Breton (1896-1966). Die surrealistischen Künstler waren sehr einflussreich mit ihrer Idee von unbewusster "automatischer Malerei", die von Jackson Pollock und anderen aufgegriffen wurde.

Der Austausch von Ideen wurde in New York durch eine wachsende Infrastruktur von Veranstaltungsorten unterstützt, die für moderne Kunst werben, darunter das Museum of Modern Art (MoMA, gegründet 1929) und das Whitney Museum of American Art (gegründet 1931 von Gertrude Vanderbilt Whitney ), Albert Gallatins Museum für lebendige Kunst und das Museum für gegenstandslose Malerei (gegründet 1939), der Vorläufer des Solomon R. Guggenheim Museums . Auch die Bildung spielte eine Rolle: Der deutsche Künstler Hans Hofmann hatte durch seine New Yorker Kunstschule, an der er von 1933 bis 1958 unterrichtete, einen großen Einfluss auf die Maler. Schließlich kamen zahlreiche amerikanische Förderer und Sammler – vor allem Peggy Guggenheim - waren aktive und kreative Conduits.

Die Aktion konzentrierte sich auf New York. 1936 gründeten eine Reihe von New Yorker abstrakten Malern und Bildhauern eine Gruppe, die als American Abstract Artists bekannt ist. Sie stellten ihre Arbeiten aus und bewarben sie, insbesondere bei amerikanischen Institutionen wie dem Museum of Modern Art (MoMA), die tendenziell europäische Werke bevorzugten. Der erste Präsident der AAA war Balcombe Greene (1904-90), zu den frühen Mitgliedern gehörten Joseph Albers, Willem de Kooning und Jackson Pollock. Es war ein Zeichen der kommenden Dinge.

10. Abstrakter Expressionismus (um 1940-1960)

In den frühen 1940er Jahren, als Europa im Gange war, übernahm New York leise Paris als innovatives Kunstzentrum. Dies fiel mit dem Erscheinen einer ersten großen amerikanischen Kunstbewegung zusammen, die als abstrakter Expressionismus bekannt war (blühte 1943 bis Ende der 1950er Jahre). Zu den führenden Praktizierenden gehörten: Jackson Pollock (1912–56), seine Frau Lee Krasner (1908-84), Franz Kline (1910-62), Robert Motherwell (1915-91), Willem De Kooning (1904–97), Mark Rothko (1903–70), Clyfford immer noch (1904–80), Barnett Newman (1905–70), Josef Albers (1888–1976), Ad Reinhardt (1913–67), Philip Guston (1913–80), Adolph Gottlieb (1903-74) und William Baziotes (1912-63). Die zweite Generation umfasste: Morris Louis (1912-62), Norman Bluhm (1920-99), Richard Diebenkorn (1922-93), Jules Olitski (* 1922), Ellsworth Kelly (geb. 1923), Kenneth Noland (geb. 1924), Joan Mitchell (1926-92), Helen Frankenthaler (b.1928) und Frank Stella (geb. 1936). Der Stil, weder rein abstrakt noch expressionistisch, umfasste zwei große Gruppen: die Schule des "Action Painting" (ein Stil von gestische Malerei ), zu deren führenden Mitgliedern Jackson Pollock und Willem De Kooning gehörten; und der passivere Stil von Farbfeld Malerei von Mark Rothko und anderen geübt. Sehen: Mark Rothkos Gemälde (1938 & ndash; 70). Philip Guston entwickelte seine eigene Version, oft als "Abstrakter Impressionismus" bezeichnet, während Adolf Gottlieb sich intensiv für die Kunst der amerikanischen Ureinwohner interessierte, aus der er seine sogenannten "Piktogramme" entwickelte. Eine weitere wichtige Anhängerin des Farbfeldes war Helen Frankenthaler, die als Kubistin begann, bevor sie sich in den frühen 1950er Jahren mit der Malerei des abstrakten Expressionismus beschäftigte. Eine dritte, geringere Tendenz – geometrisch und rein abstrakt – verfolgten Josef Albers und Ad Reinhardt auf unterschiedliche Weise. In den späten 1950er und frühen 1960er Jahren entwickelten sich jüngere Künstler wie Ellsworth Kelly, Kenneth Noland und Frank Stella Hard-Edge-Malerei , dessen scharfe Konturen dem weicheren Fokus von Albers ’ Hommage an die Square- Serie und anderen ähnlichen Formen gegenüberstanden. 1964 erhielt diese Tendenz vom Kunstkritiker den Namen Post-Painterly Abstraction Clement Greenberg (1909-94) als er die einflussreiche Show kuratierte " Nachmalerische Abstraktion "im Los Angeles County Museum of Art.

11. Neo-Dada (1950er Jahre): Reaktion gegen abstrakten Expressionismus

In den frühen 1950er Jahren war eine antiästhetische Tendenz als bekannt Neo-Dada Kunst – am Beispiel von Robert Rauschenberg (1925-2008) & Jasper Johns (* 1930) – entstand als Reaktion auf den Intellektualismus des Abstrakten Expressionismus. Wie die frühere vollwertige Dada-Bewegung verwendete sie moderne Materialien, populäre Ikonografie und absurden Inhalt. Es fiel auch mit der Assemblage-Kunst zusammen – Kunstwerke, die aus Fragmenten von "gefundenen" Gegenständen wie Hausmüll, städtischem Abfall – in der Tat jeglichen (normalerweise erkennbaren) Materials, groß oder klein – hergestellt wurden. Neo-Dada war zwar kurzlebig und eine von mehreren solcher Anti-Kunst-Gruppen, aber er war der Vorläufer der Pop-Art. Siehe auch die Aktivitäten des bedeutenden Kunsthändlers und Sammlers Leo Castelli .

Andere moderne und zeitgenössische Bewegungen

Die kinetische Kunst (Handys) wurde vom renommierten Ingenieur, Karikaturisten und Gouachemaler entwickelt Alexander Calder (1898-1976). Outsider Art wurde in Amerika von Alfonso Ossorio (1916-90) vertreten, der Gemälde auf Wachspapier sowie dekorative Assemblagen auf Zement mit zahlreichen Zusätzen herstellte. Die amerikanische Op-Art wurde beispielhaft von Richard Anuszkiewicz (* 1930) dargestellt. Fluxus-Kunst wurde von George Brecht (* 1925), Ray Johnson (* 1927) und dem Japaner Yoko Ono (* 1933) praktiziert. Kiki Smith (* 1954), die Tochter des Bildhauers Tony Smith, zeigt zeitgenössische "Kunst der Körperflüssigkeiten".

12. Amerikanischer Konzeptualismus (1950er / 1960er Jahre)

Konzeptkunst oder Konzeptualismus ist eine weltweite Bewegung, die besagt, dass die "Idee" eines Kunstwerks wichtiger ist als das Werk selbst. Konzeptkünstler versuchen, raffinierte Ideen zu produzieren, die schockieren und amüsieren sollen, ohne beeindruckende Kunstwerke zu hinterlassen. Versuchen sie, formale Kunst zu verschrotten oder nur ihre Grenzen zu erweitern? Niemand scheint es genau zu wissen. Zu den wichtigsten Teilnehmern der amerikanischen Konzeptkunst gehört: der Avantgarde-Komponist John Cage (1912–1992), der die umstrittene Musikkomposition „4-33“ schuf, deren drei Sätze keinen einzigen Ton oder keine einzige Musiknote enthalten; der bildhauer Sol LeWitt (* 1928) für seinen einflussreichen Aufsatz "Paragraphs on Conceptual Art" (1967); Die Artisten Allan Kaprow (1927-2006), John Baldessari (* 1931), Edward Kienholz (1927-94) und Joseph Kosuth (* 1945). Das erste Stück konzeptueller bildender Kunst war Erased de Kooning Drawing (1953) von Robert Rauschenberg. Es befindet sich jetzt im San Francisco Museum of Modern Art.

Andere amerikanische Vertreter des Konzeptualismus sind: die in Ohio geborene Installationskünstlerin Jenny Holzer (geb. 1950); der Fotomontagekünstler Barbara Kruger (b.1945); der Bronx-Konzeptualist Lawrence Weiner (* 1942); und der in Pittsburgh geborene Mel Bochner (geb. 1940), der kubanisch-amerikanische Felix Gonzales-Torres (1957-96) und der Multimedia-Künstler Matthew Barney (geb. 1967).

13. Pop Art (1960er / 1970er Jahre)

Beeinflusst von Dada und Surrealismus, versuchten Pop-Künstler, sich von der hohen Brillanz des Abstrakten Expressionismus zu distanzieren, indem sie sofort erkennbare Bilder (Hamburger, Comicfiguren, Zigarettenstummel, Autos, Baseballhandschuhe) sowie moderne Drucktechniken wie z Siebdruck – allesamt eine humorvolle Auseinandersetzung mit der verbraucherorientierten amerikanischen Gesellschaft. Zu den berühmten US-Pop-Künstlern gehörten: Wayne Thiebaud (geb. 1920), Larry Rivers (1923-2002), Jim Dine (geb. 1935), Robert Indiana (auch bekannt als John Clark) (* 1928), Alex Katz (* 1927), Roy Lichtenstein (1923–97), Claes Oldenburg (geb. 1929), Ed Ruscha (geb. 1937), James Rosenquist (geb. 1933), Andy Warhol (1928-87) und Tom Wesselmann (* 1931). Weitere Informationen zum Anführer dieses Stils finden Sie unter Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre.

14. Environmental Art (1960er Jahre) (Erdarbeiten, Land Art)

Land Art war eine Form der zeitgenössischen Skulptur – in der die Landschaft manipuliert wird, um künstlerische Formen oder "Ereignisse" zu schaffen. Pioniere dieser Kunstform, von denen viele an einer großen "Earth Art" -Ausstellung im Andrew Dickson White Museum of Art der Cornell University teilgenommen haben, waren darunter Robert Smithson (1938-73), seine Frau Nancy Holt (* 1938), Walter De Maria (* 1935), Agnes Denes (* 1938), Dennis Oppenheim (* 1938), Alice Aycock (* 1946), James Turrell (geb. 1943), Michael Heizer (geb. 1944) und das Ehepaar Christo & Jeanne-Claude (1935-2009). Hinweis: Die Präsidentenporträts des Mount Rushmore gelten, obwohl sie eindeutig Kunstwerke sind, nicht als Land Art, da sie nicht das Land, sondern die daraus entstandenen Bilder zelebrieren.

15. Videokunst

Videokunst entstand um 1963 in den Vereinigten Staaten und dann in Europa. Es wurde von mehreren wichtigen Bewegungen aufgegriffen, darunter Conceptualism und Minimalism. Wichtige amerikanische Videokünstler sind: Joan Jonas (geb. 1936), Peter Campus (geb. 1937), Vito Acconci (geb. 1940), Bruce Nauman (geb. 1941), Dan Graham (geb. 1942), Gary Hill (geb. 1951), Tony Oursler (geb. 1957) und der große Bill Viola (geb. 1951). Spätere Exponenten sind: Matthew Barney (* 1967) und der japanisch-amerikanische Mariko Mori (* 1967).

16. Minimalismus (1960er Jahre)

Minimal Art ist eine puristische Form von abstrakte Kunst die zu einem weltweit einflussreichen Stil in den Bereichen Skulptur, Malerei und Architektur werden. Minimalistische Arbeiten (aus Skulptur und Malerei) bestehen typischerweise aus nackten, einheitlichen Elementen, die eine Art Raster oder Muster bilden. Erschreckendes Zeug! Der Begriff Minimalismus wird auch auf 3D-Werke von Künstlern wie dem in Massachusetts geborenen angewendet Carl Andre (* 1935), New Yorker Künstler Dan Flavin (1933–1996) und Ellsworth Kelly (* 1923), in Missouri geboren Donald Judd (1928-1994), der Connecticut-Bildhauer Sol LeWitt , der Kansas City-Künstler Robert Morris (* 1931), der in North Carolina geborene Kenneth Noland (* 1924), der San Franciscan Richard Serra (* 1939), Bildhauer aus New Jersey Tony Smith (1912-80) und die Baltimore-Künstlerin Anne Truitt (* 1933); und zu Gemälden der in Kanada geborenen New Yorker Ad Reinhardt (1913-67), Robert Mangold (* 1937) und Brice Marden (* 1938) Agnes Martin (1912-2004), der italienisch-amerikanische Frank Stella und der Tennessee-Künstler Robert Ryman (* 1930). Für den führenden Exponenten des Post-Minimalismus siehe: Eva Hesse (1936-70) der deutsch-amerikanische Schüler von Joseph Albers.

17. Amerikanische feministische Kunst (Ende der 1960er Jahre)

Aus der Frauenbefreiungsbewegung geboren, feministische Kunst Ziel war es, Künstlerinnen in der Geschichte bekannter zu machen und Künstlerinnen in der Kunstwelt besser zu behandeln. Zu den prominenten amerikanischen Feministinnen gehörten die in Cleveland, Ohio, geborene Nancy Spero (geb. 1926), Judy Chicago (geb. Judy Cohen) (geb. 1939), die in Oklahoma geborene Mary Kelly (geb. 1941), die in Iowa ausgebildete Miriam Schapiro (geb. 1923) und die in New Jersey geborene Barbara Kruger (geb. 1945). Beachten Sie auch die feministische Skulptur der in Frankreich geborenen Amerikanerin Louise Bourgeois (1911-2010).

18. Fotorealismus, Superrealismus (1960er, 1970er Jahre)

Diese Begriffe beschreiben einen Stil hyperrealistischer Malerei, der in den späten 1960er Jahren auftauchte und in dem die Motive wie ein Foto sehr detailliert dargestellt werden. Oft verwendet, um technische Virtuosität zu demonstrieren, wird die Sprache von Malern wie beispielhaft dargestellt Richard Estes (* 1932), der sich auf Straßenszenen spezialisiert hat; Chuck Close (* 1940), der monumentale Porträts und Selbstporträts produziert; Robert Cottingham (* 1935), der Werbeschilder darstellt; Audrey Flack (* 1931) zeichnete sich durch emotionale Stillleben aus; Howard Kanowitz (1929-2009), der geklebte Ausschnitte verwendete; Ralph Goings (* 1928), der sich auf Autos konzentriert. Prominente Bildhauer sind Duane Hanson (1925-96), der weltliche Konsumenten nachahmt, John de Andrea (geb. 1941), spezialisiert auf Aktskulptur, Carole Feuerman (geb. 1945), spezialisiert auf Schwimmer, und Robert Gober (geb. 1954), bekannt für seine Körperteile aus Bienenwachs.

19. Graffiti-Kunst (1970er, 1980er Jahre)

Auch "Schreiben", "Spraycan Art" und "Aerosol Art" genannt, Graffiti-Kunst ist eng mit der Kulturbewegung Hip-Hop verbunden, die in den frühen 1970er Jahren in verschiedenen amerikanischen Städten entstand, insbesondere in der New Yorker U-Bahn. Mitte der 1970er Jahre waren die meisten kreativen Standards in der Aerosol Art bereits festgelegt, und das Genre begann zu stagnieren. In den frühen 1980er Jahren hatte eine Gruppe avantgardistischer Maler des 20. Jahrhunderts, die als United Graffiti Artists (UGA) bekannt war und 1972 von Hugo Martinez gegründet wurde, ihre Mitgliedschaft um viele der führenden Graffiti- und Sprühgeräte erweitert zeigt Arbeiten an offiziellen Orten wie der Razor Gallery. In den späten 1980er und 1990er Jahren begannen bekannte Graffitikünstler, Studios zu mieten und ihre Werke in Galerien und Kunststudios zu zeigen. Der bekannteste amerikanische Graffitikünstler war wohl Jean-Michel Basquiat (1960-88). Andere schließen ein: Futura 2000 (b.1956), Keith Haring (1958-1990), David Wojnarowicz (1954-92), Rhonda Zwillinger, Mike Bidlo, Kenny Scharf, Rammellzee (geb. 1960), Blade (geb. 1957), Vinnie Ray und Shepard Fairey. Außerhalb der USA ist der bekannteste Graffiti-Maler der als Banksy bekannte Schablonenkünstler. Viele Werke der Graffitikunst sind in der B5 Gallery in New York zu sehen.

20. Neo-Pop Art (ab Ende der 1980er Jahre)

Die Begriffe "Neo-Pop" oder "Post-Pop" bezeichnen die Wiederbelebung des Interesses an den Themen und Methoden der Pop-Art-Bewegung der 1950er und 1960er Jahre. Insbesondere bezieht es sich auf die Arbeit von Künstlern wie der angloamerikanischen Ashley Bickerton (* 1959), Jeff Koons (* 1955) und Haim Steinbach (* 1944). Diese aktualisierte Form der Pop-Art, die erkennbare Objekte, Bilder von Prominenten und Symbole aus der Popkultur verwendet, wurde auch von Dada (bei der Verwendung von Readymades und Fundstücken) und vom modernen Konzeptualismus inspiriert.

21. Amerikanische Kunst im 21. Jahrhundert

Die postmoderne Kunst, beispielhaft dargestellt durch die kitschig-innovativen Werke von Jeff Koons, setzt sich in Amerika fort und spiegelt ähnliche Entwicklungen in Großbritannien wider, die in den Werken von Damien Hirst (* 1965) illustriert sind. Während jedoch in Großbritannien und auf dem Kontinent die postmoderne Kunst neben Michelangelo und Monet unbeholfen steht, tendiert die amerikanische Kunstwelt dazu, produktbezogener zu sein. Einfach ausgedrückt: Während sich die Europäer um die Ästhetik sorgen, kaufen und verkaufen die Amerikaner Kunst, als ob es sich nur um eine andere Produktreihe handeln würde. In diesem Fall dürfte die Rezession von 2008/09 einen neuen Stellenwert für amerikanische Kunstwerke aus dem 19. Jahrhundert, der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und der Gegenwart einnehmen. Die zeitgenössische Kunst hat bereits einen deutlichen Rückgang des finanziellen Wertes zu verzeichnen, während sich die Warhol-Zeit gut zu entwickeln scheint.

Die besten Kunstmuseen in Amerika

Besuchen Sie die Sammlungen in diesen Museen, um die amerikanische Malerei und Skulptur (ab 1750) von ihrer schönsten Seite zu erleben. Siehe auch Kunstmuseen in Amerika .

Amerikanische Kunstsammler

Siehe auch: Kunstsammler: Größte .

Isabella Stewart Gardner (1840-1924)
Bostoner Kunstsammler mit Schwerpunkt auf Gemälden der Renaissance.

Solomon R Guggenheim (1861-1949)
US-amerikanischer Kunstsammler, Museumsgründer, mit Schwerpunkt auf zeitgenössischer Kunst des 20. Jahrhunderts.

Dr. Albert C. Barnes (1872-1951)
Amerikas größter Kunstsammler, berühmt für seine Sammlung impressionistischer und postimpressionistischer Leinwände.

Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942)
Gründer des Whitney Museum, NY, das sich der amerikanischen Malerei und Skulptur widmet.

Duncan Phillips (1886-1966)
Gründer der Phillips Collection, eines der größten kleinen Kunstmuseen.

J Paul Getty (1892-1976)
Der Kunst- und Antiquitätensammler Oil Tycoon gründete die Getty Villa, das Getty Center und die Getty Foundation.

Peggy Guggenheim (1898-1979)
Gesammelte moderne abstrakte Kunst, untergebracht in ihrem Haus am Canal Grande in Venedig.