Deutsche Barockkunst Automatische übersetzen

Zu sehen, wie Barocke Kunst in Deutschland passt in die chronologische Entwicklung der europäischen Kultur, siehe: Zeitleiste der Kunstgeschichte . Für Biografien bestimmter Maler und Bildhauer siehe: Deutsche Barockkünstler .

Einführung

Mit dem Tod von Holbein im Jahre 1543 Deutsche Renaissancekunst zu einem Ende kommen. Es folgte ein künstlerisches Vakuum, das aufgrund der religiösen Konflikte der Reformation und des daraus resultierenden Chaos der nationalen Uneinigkeit zweihundert Jahre andauerte. Von allen europäischen Nationen waren die Deutschen am stärksten von diesen unglücklichen religiösen Auseinandersetzungen betroffen, da ihr Land zwischen Protestantismus im Norden und Katholizismus im Süden aufgeteilt war. (Bitte sehen Sie: Protestantische reformatorische kunst und Katholische Gegenreformation Art .) Auf dem Augsburger Konzil (1555) wurde ein Waffenstillstand ausgehandelt, dessen Bedingungen jedoch die Keime neuer Konflikte enthielten, die schließlich zum Dreißigjährigen Krieg (1618-1648) führten. Diese instabile Situation, der Mangel an politischer Kontinuität und das Fehlen einer gemeinsamen Ideologie schufen ein völlig ungünstiges Klima für die Entwicklung neuer künstlerischer Ideen. Folglich die Anfänge des Barock – das Ultimative religiöse Kunst – muss nach Italien zurückverfolgt werden. Dort teilte sich die Kirche nicht in zwei feindliche Lager auf, sondern unterstand der festen geistlichen Herrschaft der Jesuiten, der Führer der Gegenreformation, deren Aktivitäten sich nicht gegen den Papst richteten, sondern gegen das skandalöse Leben, das einige der Päpste führten, und der weltliche Geist der Renaissance-Kirche im Allgemeinen. Als Hauptinitiatoren der Gegenreformation hatten die Jesuiten einen entscheidenden Einfluss auf die kulturelle Entwicklung des Westens im Allgemeinen und der Kunstgeschichte speziell.

Strenge Maßnahmen wurden von den Jesuiten während der Manierismus Ära nach der Renaissance, die wie eine Rückkehr ins Mittelalter wirkte: Wiederbelebung der Inquisition, Druckzensur und Einschränkung der Künste und Wissenschaften. Nach den ersten fünfzig Jahren verlor die Gegenreformation jedoch ihre ursprüngliche Strenge, und es setzte sich ein neuer Geist durch, der in keiner Weise reaktionär oder restaurativ war und im Barock seinen Ausdruck fand. Anders als die transzendentale Herangehensweise des Mittelalters oder die intellektuelle Herangehensweise der Renaissance verwandelte der Barock die Religion in eine emotionale Erfahrung. Durch seinen neuen Stil von Christliche Kunst – In der Architektur ebenso wie in der Architekturskulptur und der Malerei: vor allem in ihren beeindruckenden Beispielen von Quadratura (eine Form von trompe l’oeil oder illusionistisch Wandmalerei ) von Meistern wie Andrea Pozzo und Pietro da Cortona – Es appellierte an die Emotionen und versuchte, ein Gefühl des Übernatürlichen zu vermitteln. In traumähnlichen Visionen, die jede natürliche weltliche Schönheit übertrafen, drückten die Künstler ihre Vorstellung von der allmächtigen Kraft Gottes aus. Fromme Frömmigkeit, verbunden mit der Betonung der Emotionen, wurde zu einem charakteristischen Merkmal des Barocks.

Deutsche Barockarchitektur

Der Überfluss der Barockkirchen feierte den Sieg der etablierten Religion über die Andersdenkenden; Die unbegrenzte Pracht der Barockpaläste war eine Hommage an die totalitäre Macht. Absolute Monarchen konkurrierten mit der siegreichen Kirche in spektakulären Luxusausstellungen, und die weltliche Kunst erreichte eine Position, die der der sakralen Kunst gleichgestellt war. Aber wie wir gesehen haben, sowohl weltlich als auch heilig Barocke Architektur In Italien und Spanien, wo die Behörden am wenigsten auf Widerstand stießen, und später auch in Frankreich, wo unter Ludwig XIV. der Absolutismus in seiner reinsten Form blühte, entwickelte er sich rascher.

St. Michael Jesuitenkirche in München (Sustris)

In Deutschland war nur der katholische Süden von der Gegenreformation betroffen, und erst zu Beginn des 18. Jahrhunderts begann der Barock nördlich der Alpen Fuß zu fassen. In der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts war St. Michael, die Jesuitenkirche in München, das erste deutsche Sakralbauwerk, das im Wesentlichen barocke Stilelemente aufwies. Der aus den Niederlanden stammende und in Italien ausgebildete Architekt Sustris orientierte sich in vielerlei Hinsicht an Il Gesu , der Jesuitenkirche in Rom. St. Michael hat ein Kirchenschiff mit Tunnelgewölbe ohne Seitenschiffe, das sich durch das Querschiff in einen engeren Chor fortsetzt und dem Bauwerk einen starken Orientierungssinn verleiht. Ein dynamischer Raumeindruck entsteht, wenn das Licht durch große Öffnungen über die Seitenkapellen geleitet wird. von dort strömt es in breiten Bächen ins Innere, ohne das Gewölbe zu berühren, und schafft einen lebendigen Kontrast zwischen der geheimnisvoll dunklen Gewölbedecke und den strahlend beleuchteten Chor- und Fensterbögen. Reicher Stuck und eine Fülle skulpturaler Ornamente artikulieren die soliden architektonischen Formen und verleihen dem Innenraum eine fast festliche Fröhlichkeit, die in der klar strukturierten Würde der Renaissancekirchen nicht zu finden ist. Trotz dieser dynamischen Auseinandersetzung mit Licht und Raum ist Sustris der Renaissance nicht ganz entwachsen, wie die statische Festigkeit des Bauwerks und die durchgehend geraden Linien von Leisten, Querbögen und Wandflächen belegen. Es waren die Architekten des Spätbarocks, die diesen Konflikt mit einem dynamischen Konzept lösten, das die gesamte Struktur umfasste.

Nach und nach entstehen deutsche Architekten

St. Michael in München war ein vielversprechender Beginn der Barockarchitektur in Deutschland, der aber vorerst bestehen bleiben sollte. Der Dreißigjährige Krieg beendete alle künstlerischen Bestrebungen und im 17. Jahrhundert beteiligte sich Deutschland nicht an der Entwicklung des Barocks. Während Bernini , Maderna, Rainaldi und Borromini perfektionierte den neuen Stil in Italien wie Jules Hardouin-Mansart in Frankreich und Christopher Wren In England befand sich Deutschland im Chaos des längsten Krieges seiner Geschichte. Als sich nach dem Westfälischen Friedensvertrag die politischen und wirtschaftlichen Verhältnisse allmählich stabilisierten und die lange vernachlässigten künstlerischen Bestrebungen langsam wieder aufnahmen, stellte sich heraus, dass der Krieg Deutschland künstlerisch völlig isoliert hatte. Kein Deutsch Barocke Architekten mit Erfahrung oder unabhängigen Ideen zur Verfügung standen, die neue Aufgaben bewältigen konnten; insbesondere aus italien mussten architekten aus anderen ländern hinzugezogen werden. In München baute Agostino Barelli die Theatinerkirche , Enrico Zuccalli war in Schleißheim tätig, Gaetano Chiaveri arbeitete in Dresden und Antonio Petrini in Würzburg. In dieser Zeit wurden in Deutschland mehr Kirchen von italienischen Architekten gebaut als in Italien. Kaiser, Fürsten sowie kirchliche und zivile Autoritäten engagierten die besten ausländischen Künstler und bildeten nach und nach eine neue Generation deutscher Architekten aus. Zu Beginn des 18. Jahrhunderts konnte das deutsche Handwerk wieder zu internationalen künstlerischen Entwicklungen beitragen, und deutsche Künstler zeigten bald eine Fülle und Vielfalt von Ideen, die den Spätbarock in vielerlei Hinsicht zu einem typisch deutschen Baustil machten.

Benediktinerabtei Melk (Jakob Prandtauer)

Die Benediktinerabtei in Melk an der Donau wurde von Jakob Prandtauer entworfen, und der Bau begann 1702. Der Architekt griff eine Idee auf, die bis in die spätromanische Zeit zurückreicht gotische Architektur Die zweitürmige Fassade beseitigte durch den dynamischen Aufstieg der Zwillingstürme erfolgreich den säkularen Aspekt zeitgenössischer italienischer Kirchenfassaden. Prandtauer betonte die Aufwärtsbewegung seines Entwurfs weiter, indem er das Kloster auf der Spitze eines steilen Felsens am Ufer der Donau platzierte. die spiegelung des baus im wasser erzeugt einen theatralischen effekt, der für die dramatischen, allumfassenden konzepte des barocks charakteristisch ist. Aufgrund der beengten Platzverhältnisse flankieren die Klostergebäude die Kirche nach beiden Seiten und erstrecken sich dahinter nach Osten. Große, regelmäßige Fenster gliedern die Wandflächen und beseitigen teilweise den monumentalen Eindruck, der durch die imposante Position des Bauwerks entsteht. Dieses fast paradoxe Zusammenspiel von Anmut und Solidität, von Schwerelosigkeit und Masse, von kompakten Wänden und durchsichtigen glitzernden Fenstern zeigt, dass das barocke Mönchtum in Deutschland die Dinge dieser Welt auf eine Art und Weise begeisterte, die für lateinische Länder völlig fremd ist.

Wallfahrtskirche in Vierzehnheiligen (Balthasar Neumann)

Balthasar Neumanns Wallfahrtskirche in Vierzehnheiligen bei Bamberg hat ebenfalls eine massive zweitürmige Fassade, die durch eine Vielzahl von Fenstern bereichert ist. Glasmalerei Kunst und einen konvexen Mittelabschnitt. Trotz dieses im Wesentlichen schlichten Äußeren setzt sich das Innere am anmutigsten aus kunstvoll ineinander verschlungenen Ovalen und Kreisen zusammen. Der Grundriss zeigt einen ovalen Chor, kreisförmige Querschiffe und ein Kirchenschiff, das aus zwei aufeinanderfolgenden Ovalen besteht, von denen eines die Größe des ovalen Chors hat und das andere beträchtlich größer ist und durch zwei kleinere verbunden ist. Diese vielfältigen Durchdringungen von Ovalen und Kreisen machen den Innenraum vergleichbar mit einer Bach-Fuge. Das große zentrale Oval wird von Säulen umschlossen und von einer flachen Kuppel überragt. In seiner Mitte steht der Altar der vierzehn Heiligen als dominierender Mittelpunkt der Kirche. Obwohl der alte basilikanische Grundriss von Schiff, Gängen, Querschiff und Chor im Grundriss erkennbar ist, verbindet das Gewölbe des Innenraums die einzelnen Einheiten so eng, dass einzelne Raumelemente kaum erkennbar sind. Die Vielfalt ist zur Einheit geworden und das Ideal einer absolut homogenen Struktur wird perfekt erreicht, während gleichzeitig eine Fülle überraschender Bewegungen präsentiert wird.

Deutsche Barockkirchen: Grundrissentwicklung

Der ovale Grundriss, eine der originellsten Erfindungen der Barockarchitektur, löste den alten Konflikt zwischen Mittelbau und Längsschnitt, der die Sakralarchitektur seit frühchristlicher Zeit beherrschte. Der Petersdom in Rom erfuhr während seiner Errichtung viele Veränderungen, da nicht entschieden werden konnte, ob dem von vorgeschlagenen zentralen Plan der Vorzug gegeben werden sollte Bramante und Michelangelo oder der konventionellere Längsplan. Das Oval hat die gleiche formale Unendlichkeit wie der Kreis, aber seine beiden Brennpunkte geben einen ähnlichen Orientierungssinn wie das Rechteck. es kombiniert auf anmutige Weise die Mittel- und Längspläne und schafft eine neue harmonische Einheit.

Die Entwürfe des süddeutschen Architekten Johann Michael Fischer veranschaulichen zwei Möglichkeiten, den Mittel- und den Längsplan zu verschmelzen. Der Grundriss der Benediktinerabtei in Ottobeuren zeigt die Zentralisierung eines Längsrisses, der durch die Verlagerung des Kuppelübergangs von Langhaus und Querschiff in die Mitte des Bauwerks zustande kam. Der Grundriss des hl. Michael in München zeigt dagegen, wie Fischer das Längselement einer im Wesentlichen zentralen Struktur durch Hinzufügen eines kleineren Kreises östlich des gewölbten kreisförmigen zentralen Raums festlegte. Dominikus Zimmermann ging noch einen Schritt weiter und gab der Wallfahrtskirche Die Wies die Form eines Ovals, das er um einen längsausgesprochenen Chor verlängerte, um die Betonung des Zentralplans zu kompensieren.

Das Äußere und der Grundriss der Barockkirchen zeugen von einem Wunsch nach Einheit, der sich wiederholt und in der Gestaltung und Verzierung des Innenraums verstärkt. Frühbarocke Kirchen wie St. Michael in München behielten eine grundlegende Nüchternheit bei, aber ihr Interieur deutete auf zukünftige Entwicklungen hin: Bildhafte und skulpturale Ornamente artikulieren die Wände und die Hinzufügung von Licht sorgt für eine lebhafte Bewegung. Die Wallfahrtskirche Die Wies verdeutlicht, inwieweit das Kircheninnere durch diese Entwicklungen verändert wurde. Die Wände werden durch dünne Säulen ersetzt und das Licht strömt von unerwarteten und oft nicht wiedererkennbaren Quellen herein: Es umgibt die festen Formen, lässt das Gold auf Altären und Kanzeln funkeln, fegt durch die Ansammlung von schwebenden Engeln und Heiligen und zwischen Sonnenaufgang und Sonnenuntergang, treibt die Schatten von einer Ecke der Kirche zur anderen. Die Stuckarbeiten und Skulpturen sind so ungezügelt und unberechenbar wie das Licht. Reiche Blumensträuße und Ornamente simulieren Hauptstädte und jeder Bogen hat einen festlichen Rahmen. Der Stuck kommt aber erst beim Voltigieren voll zum Tragen. Als ob alle Gesetze der Schwerkraft überwunden wären, verwischen Muscheln, Früchte, Blumen und Weinreben den Übergang zwischen Wand und Decke und diese faszinierende Ausstellung wird von Deckenfresken gekrönt. Der Himmel hat sich geöffnet und Engel und Heilige schweben, von einem übernatürlichen Licht erleuchtet, in die Kirche. Auch das kritische Auge kann den Übergang vom gemalten zum skulpturalen Ornament und von diesem zur reinen Architektur kaum erkennen. Der Altar scheint von den hohen Deckenhöhen herabzuschweben und zwischen dem Leben auf der Erde und dem übernatürlichen Schauspiel des Himmels zu schweben. In einer solchen Kirche werden die Gläubigen nicht wie in mittelalterlichen Sakralbauten gedemütigt; Sie werden Teil des Festzugs. Diejenigen in der Galerie schließen sich den darüber schwebenden Engeln und Heiligen an, während die darunter liegenden ein lebendiges Gegenstück zu den Gemälden und Skulpturen bilden, die sie umgeben. Der Gläubige wird in Ekstase versetzt, vergisst sich selbst, seinen Alltag und die Welt um ihn herum und erlebt die unbegrenzte Pracht und Allmacht des Übernatürlichen.

Deutsch-barocke Kirchendekoration: Skulptur & Malerei

Diese grandiose, theatralische Wirkung spätbarocker Sakralbauten wurde nicht rein architektonisch erreicht; Skulptur und Gemälde spielten auch ihre Rolle. Die drei Hauptarten von Kunst – Architektur, Skulptur und Malerei – galten in der Renaissance als eigenständige Kunstformen, aber der Barock glaubte an die Vereinigung aller Künste. Barocke Skulptur und Malerei wurde so zu einem integralen Bestandteil eines künstlerischen Schaffens und hatte als solche eine vorwiegend dekorative Rolle. Dies war keineswegs einschränkend; Die von den Architekten angestrebten illusorischen und dynamischen Effekte konnten nur mit Hilfe von einfallsreichen Dekorationen und Ornamenten erzielt werden. Die perfekte Einheit des barocken Interieurs wurde durch den kontinuierlichen Fluss von Wand zu Wand erreicht, von der bemalten Decke über Flachrelief und Stuck bis zur Skulptur. Es ist nicht verwunderlich, dass Künstler in jenen Tagen häufig mehrere Fähigkeiten kombiniert haben. Einer der wichtigsten dieser vielseitigen Handwerker war Egid Quirin Asam, der die Skulptur Mariä Himmelfahrt für die Abteikirche in Rohr in Bayern schuf. Die Jungfrau erhebt sich über den Figuren der zwölf Apostel und schwebt, unterstützt von Engeln, in der Mitte des Raumes vor dem Hintergrund reich modellierter Vorhänge. Sie bewegt sich auf eine transzendentale Welt zu, die völlig losgelöst vom Boden ist, wo die durch dieses Wunder geblendeten Apostel zurückgelassen werden. Die Figur der Jungfrau scheint nicht greifbar zu sein, eine übernatürliche Erscheinung, die über die rationale Kontemplation hinausgeht. Ein kritischer Betrachter könnte die perfekte Handwerkskunst bewundern, aber diese Skulptur ist mehr als ein Einzelstück von Kunst ; es muss als integraler Bestandteil seiner Umgebung gesehen werden, die durch die zwingende Vitalität und Schönheit dieser himmlischen Vision ihrer Weltlichkeit beraubt ist.

Hinweis: Ein Meisterwerk der deutschen Religionsskulptur ist der beeindruckende 10 Meter hohe Hochaltar der Jungfrau Maria (1613-16), der von geschnitzt wurde Jörg Zurn (1583-1638) in der Nikolaikirche zu Überlingen.

In der Abteikirche in Weltenburg in Bayern, die von Cosmas Damian Asam erbaut und mit Stuck und Skulpturen von Egid Quirin Asam verziert wurde, wirkt das Zusammenspiel von Architektur, Skulptur und Licht sehr auffällig. Das Kirchenschiff ist relativ sparsam beleuchtet, und der Altar, hinter dem ein massives Reredos angebracht ist, befindet sich in mystischer Halbdunkelheit, die von einem strahlenden Lichtstrom kontrastiert wird, der aus riesigen, gekonnt verborgenen Fenstern in den Raum hinter dem Altar strömt. Vor diesem Hintergrund von blendender Helligkeit steht ein silberner St. George zu Pferd, der ein flammenförmiges Schwert schwingt. Diese von göttlichem Glanz umgebene Reiterfigur erscheint als übernatürliche Vision auf der Bühne des Altars. Das religiöse Thema des Heiligen, der einer im Dunkeln bleibenden Welt Hilfe und Licht bringt, wird als Theaterspektakel präsentiert (siehe auch Ignaz Gunthers Schutzengel im Münchner Burgersaal).

Auch die Malerei war nötig, um die rationale Klarheit der Struktur in eine irrationale Erfahrung räumlicher Visionen zu verwandeln. Die vielen Beispiele der Decke Freskenmalerei – Fett gemalt Verkürzungstechnik – schuf eine imaginäre Welt von allegorischen und himmlischen Figuren, die sich steil nach oben zu erheben scheinen oder auf den Betrachter herabzustürzen scheinen. Die reale Architektur wird in einer gemalten Architektur von genial fortgesetzt Perspektive und verschmelzen so Realität und Illusion und erzielen einen Raumeffekt von unendlicher Breite und Höhe. Himmel und Erde, unsere Welt und die Welt der Heiligen und Engel hören auf, Gegensätze zu sein; Sie werden künstlerisch kombiniert, um ein Spektakel zu schaffen, das durch die Emotionen erlebbar wird. Während des Barocks waren die schönen Künste noch eng mit der Kirche verbunden, wie sie es seither waren Deutsche mittelalterliche Kunst Aber jetzt sollte die Religion den Geist, die Seele und die Gefühle des Menschen ansprechen.

Barocke Schlossarchitektur

Der Aufstieg des Absolutismus gab der Zivilarchitektur eine neue Bedeutung, und die Bedeutung der Paläste entsprach der der Sakralbauten im Barock. Der Herrscher "von göttlichem Recht" wurde nicht nur als höchster Vertreter des Staates geehrt, er verkörperte den Staat. Ein absoluter Monarch sah sein Reich als das weltliche Abbild des himmlischen Reiches; Die Hierarchie des Hofes und der Aristokratie entsprach der Hierarchie der Kirche. Zivilstrukturen begannen daher, heilige Strukturen in Glanz und Dimension zu gleichen und sogar zu übertreffen. Eine Kirche war vor allem nur eine Verbindung zwischen Himmel und Erde, während ein Palast, der Sitz der höchsten weltlichen Macht, des gesalbten Monarchen würdig sein musste.

Je mächtiger der Monarch, desto prächtiger sein Palast. Der barocke Absolutismus gipfelte in der Person König Ludwigs XIV. Von Frankreich und seiner Schloss von Versailles repräsentierte die ultimative Perfektion der barocken Zivilarchitektur. Der Lebensstil des Sonnenkönigs wurde von jedem europäischen Prinzen und Monarchen von Madrid bis St. Petersburg kopiert und ihre Residenzen wurden dem Palast in Versailles nachempfunden. Während sich in Frankreich die absolute Macht auf eine Person konzentrierte und damit die Stärke der Nation in ein Gebäude investierte, produzierten 350 deutsche Groß- und Kleinfürsten eine unbegrenzte Vielfalt an Palästen, ohne dass sich einer von ihnen den Dimensionen von Versailles näherte. Einer von ihnen war der Große Kurfürst von Brandenburg. Eine Statue dieser wichtigen Figur wurde von gebaut Andreas Schlüter – sowohl als Architekt als auch als Bildhauer tätig – der auch den größten Teil des Berliner Schlosses entwarf.

Bevor der Hof Ludwigs XIV. 1682 nach Versailles übersiedelte, entstanden am Rande der deutschen Hauptstädte deutsche Paläste wie Herrenhausen bei Hannover, Nymphenburg bei München und Schönbrunn bei Wien.

Nach dem Vorbild von Versailles errichtete Barockpaläste unterscheiden sich durch ihre Fassade leicht von den Renaissancepalästen, die in dieser Zeit weitergebaut wurden. Während der italienische Palazzo durch eine streng gegliederte Fassade gekennzeichnet war, die sich zu einem bescheidenen Innenhof hin öffnete, hatte der französische Palast die Form eines Hufeisens, das einen weiten Innenhof, den Cour d’honneur , umgab. Dieser Ehrenhof bot einen Ort für die Aufnahme von Gästen und schuf gleichzeitig eine Distanz zwischen den einfachen Bürgern und der Gesellschaft des Hofes. Die Hauptfassade des Palastes lag nicht mehr zur Straße, sondern zum Park im Hintergrund, in dem sich der König und sein Hof frei bewegen konnten, ohne die Blicke neugieriger Personen zu bemerken.

Fürstbischofspalast in Würzburg

Von der Straße aus gesehen das Fürstbischofspalast in Würzburg, erbaut zwischen 1719 und 1744 von Balthasar Neumann scheint fast bescheiden. Der Ehrenhof besteht aus zwei Flügeln, die in Größe und Verzierung dem Mittelteil entsprechen. Die Portiken, die von Balkonen überragt werden, vermitteln einen täuschend intimen und einfachen Eindruck. Beim Betreten zeigt sich jedoch die volle Pracht dieses beeindruckenden Bauwerks. Neumann plante den Bau von zwei identischen Treppenhäusern, von denen nur eine fertiggestellt war. Seine Pracht reicht jedoch aus, um der Eingangshalle eine festliche Atmosphäre zu verleihen, die sich im gesamten Gebäude fortsetzt. Eine gewaltige räumliche Abfolge fließt durch verschiedene Vorkammern und gipfelt in der Pracht des prächtigen Prunksaals, in dem Deckenfresken des Venezianers Giovanni Battista Tiepolo, der auch die Treppe dekorierte, den schwulen Rausch dieser Architektur noch weiter betonen. Einzelheiten finden Sie unter: Würzburger Residenz Fresken "Allegorie der Planeten und Kontinente" (1750-53) von Tiepolo, unterstützt von seinem Kollegen Gerolamo Mengozzi Colonna.

Was das Äußere betrifft, zeigt sich der wahre Charakter des Palastes in seiner Gartenfassade, die der Idee des Absolutismus einen architektonischen Ausdruck verleiht. Wie ein gekrönter Kopf erhebt sich der Mittelteil, angereichert mit Pilastern, Gesimsen, Säulen und phantasievoll geschwungenen Giebeln, in feierlicher Würde über den langen Flügeln, die sparsam mit zart geformten Giebeln über den Fenstern des Hauptgeschosses verziert sind. Das Würzburger Schloss ist eines der perfektesten Beispiele für ein Barockschloss in Deutschland.

Der Zwinger, Dresden

Der prunkvolle König von Sachsen und Polen, August der Starke, war einer derjenigen, die dem Sonnenkönig nacheifern wollten, aber sein Ehrgeiz, Dresden zur prächtigsten Hauptstadt Europas zu machen, wurde nie verwirklicht. Nur eines seiner vielen Projekte wurde zu Lebzeiten fertiggestellt: der Zwinger, eine kombinierte Orangerie und Tribüne für Turniere und Festspiele, die Teil eines elbübergreifenden Schlosses sein sollte. Ein quadratischer Grundriss wird auf zwei gegenüberliegenden Seiten durch schwingende Galerien erweitert, durch die sich große Fenster zu einem zarten Barockgarten öffnen. Zwei Pavillons, die sich im Scheitelpunkt dieser Galerien befinden, sind reich an skulpturalen Ornamenten. Karyatiden, die anscheinend die Lasten vergessen, die sie tragen, unterhalten sich lebhaft miteinander, während reichhaltige Fantasieentwürfe von Wappen, Früchten, Vasen und abstrakten Mustern Portale und Fenster verbinden. Diese ornamentale Fröhlichkeit setzt sich in den Pavillons fort; Das Untergeschoss besteht aus einer lebhaften Verwirrung von Konkavitäten, Miniaturbalustraden und Wendeltreppen, die zu einem ebenso reich verzierten kleinen Repräsentationsraum im Obergeschoss führen. Das Layout und die Verzierung dieses verantwortungslosen Schemas drücken auf charmante Weise den spielerischen Geist des Rokoko aus.

Das Schloss von Nymphenburg

Das Schloss Nymphenburg, das heute innerhalb der Stadtgrenzen von München liegt, wurde 1663 begonnen. Der Italiener Barelli entwarf es als kubisches Bauwerk und modellierte seine prächtig schlichte Fassade nach der der italienischen Renaissance- Palazzi . Ein klar abgegrenzter Mittelteil beherbergt die Prunkräume, die über eine Außentreppe zugänglich sind, während sich der Wohn- und Schlafbereich zu beiden Seiten befindet. Um diesem eher herrenhausartigen Bauwerk den Charakter eines Barockschlosses im französischen Stil zu verleihen, wurden 1702 zwei flankierende Pavillons hinzugefügt; etwas später wurden diese durch Arkaden mit der ursprünglichen Struktur verbunden. In weiterer Anlehnung an den Geist von Versailles wurden im Park eine Reihe kleiner Nebengebäude errichtet: die Pagodenburg im Jahre 1716, die Badenburg im Jahre 1718 und schließlich die Amalienburg, die von Cuvillies im reinen Rokokostil entworfen wurde. Große Wasserwerke und Brunnen tragen zur charmanten Vitalität der Anlage bei, die auf einer glücklichen Harmonie zwischen der Architektur und den sorgfältig geplanten Gärten in der Umgebung beruht.

Das Schloss Sanssouci

Das Potsdamer Schloss Sanssouci wurde nur fünfzig Jahre nach Versailles fertiggestellt, ist aber keineswegs ein Denkmal der absoluten Macht. Friedrich der Große selbst lieferte seinem Architekten Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff Skizzen für dieses Bauwerk; Was er wollte, war kein spektakulärer Rahmen für ein feierliches Gerichtsleben im Stil Ludwigs XIV., sondern eine bescheidene Residenz, in der er das gemächliche Leben einer Privatperson genießen konnte. Im Gegensatz zu den selbstverherrlichenden Einstellungen absoluter Könige sah sich Friedrich als erster Diener des Staates und betrachtete seine königliche Stellung als harte Pflicht.

Sanssouci ist ein einstöckiges Gebäude, das sich von hochbarocken Palästen insofern unterscheidet, als der zentrale Teil, in diesem Fall eine kleine, runde, gewölbte Halle, von zwei unteren und offenen Pavillons umgeben ist, die als Fortsetzung der Flügel unabhängig voneinander stehen der Hauptstruktur. Dieses Prinzip ist charakteristisch für Monarchen des Zeitalters der Aufklärung, die weniger vom Geist des Absolutismus als von der Idee der individuellen Freiheit beherrscht wurden. Nicht nur die bescheidene Größe von Sanssouci, sondern auch die gesamte Gestaltung seines Innenraums verdeutlichen, dass sich die äußeren Erscheinungsformen von unbegrenzter Macht abwenden. Es wurden keine Vorkehrungen für ein großes öffentliches Publikum oder eine große Gerichtsgesellschaft getroffen. Der Palast wurde entworfen, um nur einige ausgewählte politische Berater, Freunde, Künstler, Philosophen und Gelehrte unterzubringen, die der König empfangen wollte. Friedrich sagte über Sanssouci, dass "es uns einlädt, unsere Freiheit zu genießen". Barocke Fürsten hätten kaum zugestanden, dass Freiheit etwas ist, das man genießen kann. Zum Nachfolger des Rokoko siehe: Neoklassizistische Architektur .

Auch deutsche Architekten waren in der Ära von an der Gestaltung einer Reihe von Gebäuden beteiligt Petrine Art (1686-1725) in Russland. Andreas Schluter entwarf die Fassade des Sommerpalastes, während Gottfried Schadel (1680-1752) den Oranienbaum außerhalb von St. Petersburg und den Glockenturm für das Höhlenkloster in Kiew errichtete.

Der Rokokostil der dekorativen Künste in Deutschland

Der Geist von Rokokokunst äußerte sich in pastoralen Idyllen und Romanzen sowie in der gekonnten Umwandlung von Naturlandschaften in geplante Gärten und in der Bevorzugung kleinerer, intimerer Strukturen. Die Namen Mon repos , Solitude , Eremitage und Sanssouci belegen die Notwendigkeit, sich aus dem formellen Hofleben zurückzuziehen, um ihre kunstvoll geplanten Gärten in Einsamkeit zu genießen. Lukas von Hildebrandt entwarf für Prinz Eugen ein kleines Gartenschloss in Wien, das zwischen 1714 und 1723 erbaut wurde, bevor Schönbrunn, die Sommerresidenz des österreichischen Kaisers am Stadtrand von Wien, fertiggestellt wurde. Obwohl Belvedere nicht das gleiche Maß an Zurückhaltung aufweist wie Sanssouci, deutet das Fehlen des Ehrenhofs dennoch auf eine Abkehr vom französischen Konzept hin. Ein angenehmes Bewegungsgefühl wird durch die Verschmelzung verschiedener Elemente erreicht: Der eingeschossige Giebelportikus mündet in den Mittelteil, der beidseitig von breiten imposanten Flügeln flankiert wird, die den Eindruck von selbstbewusster Autorität vermitteln, ohne in irgendeiner zu sein Weg anmaßend, und zwei einstöckige Gebäude unterschiedlicher Breite führen zu vier turmartigen Pavillons, die in ihrer Monumentalität dem Baukörper den Charakter einer befestigten Burg verleihen. Eine Reihe von Ideen werden auf wunderbare Weise zu einer charmanten Einheit kombiniert, in der sich der Geist des Rokoko durch eine lebhafte Gruppierung widersprüchlicher Formen manifestiert.

Das Rokoko schuf keine eigene Architektur, sondern drückte sich vor allem im kleineren Maßstab der Strukturen und der Ornamentik ihrer Innenräume aus. Trotz seiner schwingenden Bewegung wurde der barocke Schmuck bestellt und reguliert. Es diente der Bereicherung und Hervorhebung von Architekturteilen und war mit dem architektonischen Rahmen verschmolzen, folglich war es immer symmetrisch. Rokoko dekorative Kunst andererseits war es das phantasievolle Produkt einer ausgelassenen Stimmung; Rokoko-Künstler entwickelten neue Formen, die auf der asymmetrischen Form der Schale basierten und daher Rocaille hießen. Dies führte zum Ausdruck "Rokoko" als Beschreibung des Stils, der durch seinen bloßen Klang die leichtfertige Leichtigkeit dieser Epoche ausdrückt.

Das Musikzimmer des Schlosses Sanssouci in Potsdam ist ein Musterbeispiel für die prägende Kraft des Rokoko. Das Grundkonzept der Struktur ist einfach und streng, ohne architektonische Verfeinerungen. Die Decken und Wände sind bloße Dekorationsträger, die dem Raum durch ihren Erfindergeist einen blühenden Charme verleihen und seinen unscheinbaren Charakter verbergen. Die Deckenverzierungen überragen die Wände und verbinden sich mit denen, die die Spiegel umgeben. Sie breiten sich autonom über den gesamten Raum aus, umschließen Wandteile und Türrahmen, wickeln sich über Bilder und Spiegel, schließen Möbel und Wandhalterungen ein und brechen dann in amüsanten Biegungen ab, um das Spiel an einem unerwarteten Ort wieder aufzunehmen.

Das Residenztheater in München, eines der wenigen verbliebenen Rokoko-Theater in Deutschland, wurde von Francois Cuvillies erbaut. Es erreicht seine festliche Fröhlichkeit nur durch Verzierung; Die feierlichen Balustraden der Kisten in den Ständen bewahren eine gewisse Würde, aber dieser Eindruck verändert sich im Kleiderkreis, in dem übermäßig unordentliche, geschnitzte Holzvorhänge die Balustraden überragen, und Herms, die das Gewicht des zweiten Stockwerks tragen, scheinen sich über das Schauspiel zu freuen um sie herum. Dieses burleske Spiel endet mit der stilvollen, zarten Verzierung des oberen Kreises, nachdem es einen Höhepunkt im Theaterdekor der Bühnenbox im Kleiderkreis erreicht hat, der zu einem Theater im Theater umgewandelt wurde, in dem sich die fürstlichen Zuschauer in Schauspieler verwandeln.

Ebenso sind Rokokotreppen grandiose Bühnenbilder, auf denen die Mitglieder des Hofes ihr Leben darstellten. Balthasar Neumanns Treppenhaus auf Schloss Augustusburg in Brühl ist gefüllt mit charmant animierten Figuren, die, obwohl unter den Decken- und Treppenuntersichten platziert, eher zum realen Leben auf der Treppe als zum leblosen Baukörper zu gehören scheinen. Durch das Nebeneinander von Säulen und Karyatiden, architektonischen und figürlichen Stützen wollte Neumann eine enge Verbindung zwischen dem Bauwerk und den Höflingen herstellen, deren farbenfrohe Kostüme diesem prächtigen Treppenhaus weiteren Glanz verliehen.

Das Innere der Bibliothek im Kloster Kremsmünster präsentiert eine reizvolle Mischung aus funktionalen Details und fetten architektonischen Ornamenten. Zweckmäßige Würde herrscht in den schlichten, hohen Bücherregalen, die die Wände säumen, aber nach oben hin enden diese in verspielten, durchbrochenen Schnitzereien, und reiche Stuckarbeiten umrahmen die farbenfroh bemalte Decke, die den Raum zu öffnen scheint, als müsste die abgestandene wissenschaftliche Luft herausgelassen werden. Eine Zeit des Selbsthohns hatte begonnen, das Leben bestand aus Spielen und Tänzen, Nöte waren Gegenstand von Spott, Unterhaltung wurde zum Sinn des Lebens. Dieser schwule Traum ging weiter, bis die Französische Revolution, III. 1789, ihn über Nacht zerstörte.

Deutsche Barockmalerei

Auf dem Gebiet der Barockmalerei Deutschland spielte eine sehr untergeordnete Rolle. Einer der wenigen Maler, die in der internationalen Kunstelite Anerkennung fanden, war Adam Elsheimer (1578 & ndash; 1610). Obwohl sein Output klein war, war sein Ölgemälde Es erwies sich als sehr einflussreich: Künstler wie Rembrandt, Rubens und Claude Lorrain waren ihm in hohem Maße verpflichtet. Leider blieb seine Arbeit in Deutschland völlig unbekannt und er hatte dort keine Anhänger; dies war darauf zurückzuführen, dass er mit zwanzig Jahren seine Heimatstadt Frankfurt verließ, um über München und Venedig nach Rom zu reisen, wo er mit zweiunddreißig Jahren starb. Seine begrenzte Produktion und seine Bevorzugung eines kleinen Formats sind weitere Gründe für die mangelnde allgemeine Anerkennung.

Die Flucht nach Ägypten spielt in einer weiten, offenen Landschaft, ähnlich der mittelalterlichen deutschen Bibeldarstellung, aber in Elsheimers Bild verbindet eine neue poetische Stimmung Landschaft und Figuren. Die Nacht wirkt als Schutzmantel für die Flüchtlinge, für die die Führung in der Dunkelheit durch verschiedene Lichtquellen erfolgt. Selbst die bedrohliche Dunkelheit der Bäume verliert ihre Gefahr und bietet Zuflucht, Schutz und Sicherheit. Hintergrund und Vordergrund verschmelzen sanft und das Fehlen einer detaillierten Beschreibung sowie das verbindende Medium Licht verleihen dieser Nachtszene ein hohes Maß an Einheit.

Abgesehen von Elsheimer brachte Deutschland im 17. und 18. Jahrhundert nur wenige Maler von mehr als regionaler Bedeutung hervor, mit Ausnahme einiger Künstler im katholischen Süden. Maler wie Rottmayr, Troger und Maulbertsch waren wichtige Vertreter des religiösen Barock und traten erfolgreich gegen die Italiener an.

Die Maler des protestantischen Nordens waren stark von Nachbarn beeinflusst Niederländische Barockkunst vor allem im kleinen Maßstab Niederländische realistische Genremalerei und häufig entwickelte bürgerliche Eigenschaften. In Johann Philipp Hackerts Küstenlandschaft werden Objekte und Figuren mit einer undramatischen Sachlichkeit dargestellt, die durch den sanft und zart gemalten Hintergrund wirkungsvoll kontrastiert wird. Hackert ließ sich wie seine Zeitgenossen aus verschiedenen Quellen inspirieren. Er arbeitete viele Jahre am Hofe des Königs von Neapel und lernte dadurch italienische Meister kennen, aber seine Bilder sind auch den niederländischen Gemälden und den Landschaften von Neapel verpflichtet Claude Lorrain . Inzwischen, Anton Raphael Mengs , den der deutsche Gelehrte Johann Joachim Winckelmann Gelobt als "der größte Künstler seiner Zeit und vielleicht der folgenden Zeit", war er auch für äußere Einflüsse empfänglich. Mengs lehnte die sinnliche Bildsprache des Barocks ab und versuchte, den großen Meistern der Renaissance nachzuahmen und wurde so zum Vorläufer der neoklassizistische Malerei .

Deutsche Barockskulpturen, Gemälde und dekorative Kunst sind in vielen von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt, einschließlich Sammlungen in Deutschland wie der Gemäldegalerie Alte Meister Dresden , das Wallraf-Richartz-Museum in köln die Gemäldegalerie SMPK Berlin , das Pinakothek Museum in München und die Kunsthistorisches Museum in Wien.