Postimpressionismus in Deutschland (1880-1910) Automatische übersetzen

Deutsche postimpressionistische Kunst: In Kürze

In Deutschland mangelt es an einer starken Tradition von Impressionismus , kombiniert mit dem Fehlen eines dominanten künstlerischen Zentrums, ergab sich eine relativ milde Form von Post-Impressionismus im Vergleich zu Frankreich. Zwar sorgte der norwegische Expressionist Edvard Munch 1892 in Berlin mit so krassen Werken wie Sick Child (1885–16; National Gallery, Oslo) für Aufruhr, was in avantgardistischen Kreisen Anklang fand. Aber der vorherrschende Stil unter moderne Künstler in Deutschland blieb Naturalismus am Beispiel von Hans von Marees und Lovis Corinth. (Siehe auch: Postimpressionismus in Holland .) Eine kleine Anzahl von Malern, wie der in der Schweiz geborene Arnold Bocklin und Ferdinand Hodler, die hauptsächlich in Deutschland arbeiteten, wechselten vom Naturalismus zu Symbolismus nach Hodlers Eurythmie (1895, Kunstmuseum, Bern). Eine wichtige Figur hinter der Einführung der Moderne Französische Malerei In Deutschland war der Kunstkritiker Julius Meier-Graefe, der viel dafür tat, dass die Werke von Van Gogh, Gauguin und den anderen Franzosen Maler nach dem Impressionismus wurde auf die deutsche Öffentlichkeit aufmerksam. Darüber hinaus trugen Besuche von Künstlern zwischen Frankreich und Deutschland wie Alexei von Jawlenski, Paul Serusier, Maurice Denis, Jan Verkade, Paula Modersohn-Becker und anderen zur Sensibilisierung für das Französische bei Postimpressionistische Malerei im kommenden expressionistische Bewegung in Deutschland.

Hintergrund

"Postimpressionistische Schulen blühen, man könnte sagen, sie toben in der Schweiz, in Österreich-Ungarn und vor allem in Deutschland. Soweit ich jedoch festgestellt habe, haben sie dem allgemeinen Ideenbestand kein positives Element hinzugefügt." Diese Worte wurden vom Kunstkritiker geschrieben Roger Fry (1866-1934), in seiner Einführung in den Katalog der 2. Postimpressionistischen Ausstellung, die 1912 in London stattfand. Die Ausstellung enthielt englische und russische Gemälde, die neben Meisterwerken von Cezanne und Gauguin, Picasso und Matisse hingen. Fry drückte das Vorurteil der Engländer gegen ausländische Kunst aus, die nicht französisch war, und machte nur für Russland eine Ausnahme. (Fry ignorierte auch die "Briten" Schottische Koloristen .) Er hat zu Recht gesagt, dass der Postimpressionismus in Deutschland "tobt", und unter Berücksichtigung der Lockerheit des Begriffs seit den 1880er Jahren. In fast jeder größeren deutschen Stadt, in München und Berlin, in Düsseldorf und Hamburg sowie in kleineren Städten wie Weimar, Darmstadt und Dresden, gab es Zentren, die auf die Impulse aus Frankreich unterschiedlich reagierten. Jedes hatte seine individuellen künstlerischen Eigenschaften.

Deutschland, das seit 1870 unter der preußischen Monarchie politisch vereint war, blieb in vielerlei Hinsicht kulturell fragmentiert, und obwohl Berlin in dieser Zeit eine immer wichtigere und aggressivere Rolle im Kunstleben Deutschlands spielen sollte, war es nie das unbestrittene Zentrum wie Paris oder Berlin London. Diese Diffusion macht Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts komplexer und voller innerer Widersprüche als die von Frankreich. Es ist kein Zufall, dass die Geschichte des Impressionismus und des Postimpressionismus in Frankreich entweder in Bezug auf technische Meisterschaft und Innovation oder als Produkt des Lebens des Künstlers und seiner Interaktion mit seinen Freunden und gleichzeitig in Bezug auf Kunst in Deutschland diskutiert und verstanden wurde wurde oft als Symptom der kulturellen und sogar politischen Welt angesehen, in der es geschaffen wurde. Es gibt nur wenige systematische Studien zu einzelnen Künstlern. Selbst im Fall von Edvard Munch (1863-1944), dem bekanntesten und am besten untersuchten der hier untersuchten Künstler, fehlt das Werkverzeichnis , das allein einen vollständigen Überblick über das Werk des Künstlers geben kann. Deutsche Maler wie Max Liebermann, Lovis Corinth, Max Slevogt (1868-1932) und viele andere in Deutschland tätige Künstler sind weniger erforscht, und die Schwierigkeit, sich einen Überblick zu verschaffen, ist größer.

Deutscher Impressionismus

Der Impressionismus hatte in Deutschland eine merkwürdige Geschichte. in der Tat ist es fraglich, dass der Ausdruck irreführend ist. Obwohl Künstler wie Manet, Renoir und Monet bis zum Ende des Jahrhunderts bekannt waren, hatte ihr direkter Einfluss auf die sogenannten Impressionistische Maler in Deutschland war nicht tiefgreifend. Liebermann zum Beispiel entwickelte seinen Stil teilweise durch seine Bewunderung für Deutsch realistische Malerei wie von Künstlern wie getan Wilhelm Leibl (1844-1900), der wiederum stark vom Kontakt mit. Profitiert hatte Gustave Courbet (1819-77) und die direkten ausländischen Einflüsse auf seine stilistische Entwicklung stammten aus dem stillen Naturalismus der Franzosen Barbizon Schule und niederländische Haager Schule. Er besuchte Barbizon im Jahr 1874, um in der Nähe zu sein Jean-François Millet (1814-75) und in den 1880er Jahren verbrachte er mehrere Sommer in Holland mit Jozef Israels (1824-1911). Die deutschen Maler, die Paris in den 1880er Jahren besuchten, kannten wenig von ihren französischen Zeitgenossen, mit der möglichen Ausnahme von Edouard Manet (1832 & ndash; 83). Nicht bis Neoimpressionismus Gibt es eine klare und eindeutige Verbindung zu Frankreich in der deutschen Maltechnik, und selbst diese wurde in erster Linie von dem Belgier Henri Van de Velde (1863-1957) vermittelt, bevor sie an Künstler wie Paul Baum (1859-1932) weitergegeben wurde?, Christian Rohlfs (1849-1938) und Curt Herrmann. Der sogenannte deutsche Impressionismus hat seine Wurzeln zum Teil in den frühen Gemälden des Berliner Künstlers Adolph Von Menzel (1815-1905) und teilweise in der Arbeit von Realisten, die in den 1860er und 1870er Jahren in München lebten – Wilhelm Leibl, Hans Thoma (1839-1924) und Wilhelm Trubner. Stränge des Symbolismus und Idealismus leiten sich jedoch ab Romantik waren in den 1880er Jahren nie weit von der Oberfläche entfernt. Künstler wie Arnold Bocklin (1827-1901) und Hans Von Marees (1837-1887) waren die bewunderten, wenn auch oft kontroversen Modelle, die einen nicht unähnlichen Einfluss ausübten Puvis de Chavannes (1824-98) in Frankreich. Die jüngere Generation hatte in den 1880er Jahren mit großen stilistischen Widersprüchen zu kämpfen, die erst Ende des Jahrhunderts gelöst wurden.

Neben diesen stilistischen Widersprüchen gab es auch sozialen Druck. Die Impressionisten und Postimpressionisten in Frankreich erreichten zunächst ein relativ enges Publikum, während die deutschen Maler, wie größere Fische in kleineren Teichen, im Fokus großer Aufmerksamkeit standen, wenn sie einigermaßen talentiert waren! So war Liebermann schon früh gesellschaftlich aktiv, gründete ausstellende Institutionen und mischte sich mit den neuen sozialen und wirtschaftlichen Eliten, die sich in Deutschland rasant entwickelten. Akademische Maler wie Anton Von Werner (1843-1915) und ihre Meister im Establishment lehnten die "Impressionisten" ab, und Kaiser Wilhelm II. Prangerte ihre Arbeit als "persönlich" an. Freilichtmalerei Freilichtmalerei . Einer dieser Maler war Korinth, der diese Spannung zwischen den beiden demonstriert Realismus und Idealismus in seiner ausgelassenen Kindheit des Zeus (1905, Kunsthalle, Bremen). Es stellt seine eigene Frau und seinen Sohn dar – eine typische wilhelminische Familie – aber in einer mythologischen Umgebung leicht verkleidet. Nur zwei Künstler lösten diesen Widerspruch zwischen modernem Leben und Mythos, der in den 1880er und 1890er Jahren die grundlegende künstlerische Suche darstellte. Keiner der Maler war Deutscher. Beide spielten jedoch eine einflussreiche Rolle in Deutschland und fanden dort ihre wichtigsten Plattformen. Sie waren Norweger Munch und Schweizer Hodler.

Edvard Munch in Deutschland (1892-5)

Edward Munch ist der einzige nordische Künstler dieser Zeit, der einen vergleichbaren internationalen Status wie die in Frankreich tätigen großen postimpressionistischen Maler erlangt hat. Seine Bedeutung liegt in der Schaffung eines schockierenden und archetypischen Bildes einer entfremdeten nordeuropäischen Gesellschaft, das offensichtliche Ähnlichkeiten mit der Arbeit von Strindberg und Ibsen aufweist, zwei großen skandinavischen Schriftstellern, die wie Munch ein universelles mythisches Potenzial aus ihrem bürgerlich-skandinavischen herausgezogen haben Milieu. Alle drei wurden erstmals im Ausland in Deutschland gefeiert. Munchs Landschaften, Interieurs und Porträts spiegeln alle diese dunkle, geschlossene Umgebung wider, in der physisches und spirituelles Licht im Vordergrund stand. Obwohl Munch schon in jungen Jahren in Norwegen als Talent anerkannt wurde, fand er in Deutschland eine ausreichend große Bühne, um seinen ersten großen Beitrag dazu zu leisten moderne Kunst . Wie Maler aus ganz Europa studierte er in Paris, wo er in den späten 1880er Jahren die Werke der Impressionisten und Postimpressionisten sah und schnell die Lehren aus ihrer Kunst aufnahm. Nach einer kurzen Zeit, in der seine Arbeit den objektiven Ansatz der Impressionisten widerspiegelte (wie in Rue Lafayette , 1891, National Gallery, Oslo), entwickelte er eine kühne koloristische Symbolik, die von der Arbeit von beeinflusst wurde Paul Gauguin (1848-1903) und sein Pont-Aven Kreis, den er verwendet, um Szenen voller psychologischer Dramatik zu vermitteln.

1892 wurde Munch, der gerade seine zweite Einzelausstellung in der norwegischen Hauptstadt Christiania hatte, eingeladen, im Verein Berliner Kunstler auszustellen "Realist-Impressionist" Weise. Seine Bilder wurden öffentlich als Ibsensche Stimmungbilder bezeichnet. Sie verursachten eine kritische Empörung – die erste von mehreren, die Munch provozierte, als seine Bilder in verschiedenen Teilen Deutschlands gezeigt wurden. Diese Arbeiten spielten eine wichtige Rolle, um deutsche Künstler zum Experimentieren mit neuen Stilen und Techniken zu ermutigen. Die Mitglieder des Vereins , schockiert über den Erfolg der Presse, der das Erscheinen der Bilder in der Ausstellung kennzeichnete, stimmten mit 120 zu 105 für die Entfernung der Bilder. Munch hatte seine Verteidiger, darunter Liebermann und der Kunstkritiker Julius Meier-Graefe, der in dieser Zeit mehr als jeder andere Kritiker für die Unterstützung jeder stilistischen Entwicklung verantwortlich war Gemälde und verschiedene Stile von angewandte Kunst wie es entstand, ob aus Frankreich, aus England oder innerhalb Deutschlands. Zu den Anhängern von Munch gehörten sogar einige reiche junge Kunstsammler. Ermutigt durch seinen Erfolg , entschloss er sich, sich in Berlin niederzulassen, wo er bald einen Platz im intellektuellen Kreis um Strindberg und den polnischen dekadenten Schriftsteller Stanislaw Przybyszewski fand. In seinen Gemälden und Drucken begann Munch eine Zeit intensiver schöpferischer Tätigkeit und entwarf viele Themen, die sich in seinem Leben wiederholten, einschließlich des Frieses des Lebens , eines Zyklus über Liebe und Tod, von dem Ashes (1894, Nasjonalgalleriet, Oslo), Pubertät (1894, Nasjonalgalleriet, Oslo), Eifersucht (1895, Rasmus Meyers Sammlinger, Bergen) und Der Schrei (1893, Nationalgalerie, Oslo) bilden einen Teil. Er blieb nur bis 1895 in Berlin, stellte dort aber regelmäßig aus. Aber diese kurze Zeit war wohl die wichtigste seiner Karriere.

Ferdinand Hodler

Wie Munch, Ferdinand Hodler (1853-1918) stammte aus einer geografischen Umgebung, die isoliert und bergig war. In der Schweiz wie in Norwegen gab es eine Tradition, die bis ins achtzehnte Jahrhundert zurückreicht Landschaftsmalerei mit den Bergen und Seen als perfektes Motiv, aber um 1880 war das künstlerische Klima in beiden Ländern von Realismus geprägt. Ende der 1880er Jahre begann Hodler aufgrund einer religiösen Erfahrung, die ihn fast zum Eintritt in die Kirche veranlasste, die realistische Herangehensweise seiner frühen Gemälde zu transformieren und entwickelte eine zunehmend komplexe Symbolik in einer Reihe sehr großer, symmetrischer Leinwände und rhythmisch, was mit Munchs Zyklen zu den Themen Leben und Tod verglichen werden kann. In der berühmtesten von ihnen, Night (1891, Kunstmuseum, Bern), sind die verschiedenen Aspekte des Schlafes – Albträume, Träume, Liebe und Ruhe – emblematisch dargestellt. Diese Bilder sind religiös, aber nicht im christlichen Sinne. Sie sind vielmehr Manifestationen von Schönheit, Reinheit und Erlösung durch Kunst – Altarbilder eines neuen persönlichen Glaubens. In der Eurythmie (1895, Kunstmuseum, Bern) bewegt sich ein Fries alter Männer langsam über die Leinwand. Ihre stilisierten Gesten haben etwas mit den Tanzbewegungen gemein, die von Lehrern wie Emile Jacques Dalcroze entwickelt wurden, mit denen Hodler später befreundet wurde. Das Gemälde stellt eine kontemplative Suche dar, die voller tragischer Implikationen nach geistigem Gleichmut ist. Es ist die Suche nach einer Alternative zur positivistischen und materialistischen Welt, die die Kultur des Europa des späten 19. Jahrhunderts beherrschte.

Nachdem Hodler die Nacht in der Schweiz gezeigt hatte , nahm er sie mit nach Paris, wo sie 1891 von einer Jury, zu der Puvis de Chavannes, Dagnan-Bouveret und Roll gehörten, in die Societe Nationale aufgenommen wurde. Hodler stellte 1892 auch im Salon de la Rose + Croix aus. Sein größter Erfolg war jedoch in Deutschland bei verschiedenen Sezessionsausstellungen zu verzeichnen. Die Nacht wurde 1894 in Berlin ausgestellt, und 1897 gewannen sie und Eurythmie eine Goldmedaille bei der Münchner Glasplast. Ab den 1890er Jahren erhielt Hodler verschiedene Aufträge für Wandmalerei Rathäuser, Universitäten und Museen zu schmücken, zuerst in der Schweiz und dann in Deutschland. Neben seiner Fresko Mit Wandmalereien und großen Leinwänden entwickelte Hodler auch eine Art der Landschaftsbehandlung, von der eines der frühesten Beispiele der Genfersee aus Chexbres (1895, Kunsthaus, Zürich) ist. Diese Landschaften der Berge und Seen der Schweiz drücken auch die Einheit, das Gleichgewicht und die Beständigkeit des Universums aus. Die Parallelen zwischen ihnen und den Landschaften von Paul Cezanne wurden oft gezogen; 1913 machte der bekannte deutsche Kunstkritiker Fritz Burger diesen Vergleich zum Thema eines Buches mit dem Titel Cezanne und Hodler . Beide Künstler monumentalisierten die Formen von Felsen, Bergen und Seen und ignorierten die menschliche Präsenz, aber Cezanne konzentrierte sich auf die farbigen Nuancen in der Szene, um Form und Raum und letztendlich Realität zu suggerieren, während Hodler durch Präzision von Linie und Realität eine erhöhte Realität schuf die Beseitigung der Luftperspektive.

Während Munch und Hodler ein erhabenes und dennoch modernes thematisches Repertoire anstrebten, waren die Ziele vieler der interessantesten deutschen Künstler in den 1880er und 1890er Jahren in ihrer Interpretation des Themas bescheidener. Die Generation der idealistischen Maler (Symbolisten, Romantiker), Hans Von Marees und Arnold Bocklin , wurden in Deutschland von vielen dieser Modernisten abgelehnt, die die impressionistischen Bewegungen unterstützten. Die Opposition zeigte sich in dem umstrittenen Angriff von Meier-Graefe (dem wichtigsten Befürworter der Impressionisten in Deutschland) auf Bocklin im Jahr 1905 mit dem Titel Der Fall Bocklin , in dem er Bocklins realitätsfremde Bilder nannte Fantasievoll und ’falsch’ in der Technik. Idealistische Stränge setzten sich jedoch fort, zum Beispiel in der Arbeit von Max Klinger (1857-1920), insbesondere in München im Werk des Sezessionisten Franz von Stuck (1863-1928) und des Illustrators Thomas Theodor Heine (1867-1948). Ihr dekorativer Stil und die Darstellung von erotischer Dekadenz stehen im Gegensatz zur eher philosophischen Ernsthaftigkeit von Munch oder Hodler.

Naturalismus

Viele der interessantesten deutschen Maler waren auf der Suche nach einem direkteren Naturalismus. Unter ihnen befanden sich drei hier vertretene Künstler, Liebermann, Corinth und Slevogt, die in den 1890er Jahren zur fortschrittlichen künstlerischen Einrichtung in Berlin wurden und letztendlich zu den führenden Malern der Sezession gehörten. Liebermann war ein Berliner Künstler; Corinth und Slevogt arbeiteten ursprünglich in München, aber in den späten 1890er Jahren zogen beide nach Berlin, wo sie eine günstigere kritische Aufnahme fanden. Sie entwickelten eine realistische Herangehensweise an das Malen durch eine immer schnellere malerische Handhabung, die einige der Techniken vorwegnimmt, die von der Die Brucke Gruppe .

Max Liebermann

Eva (1883, Kunsthalle, Hamburg), das frühere Gemälde von Max Liebermann wurde an einem einzigen Tag trotz seiner starken und direkten Zusammensetzung gemalt. Der breite Umgang mit Farbe und hell Farbe hat wenig mit zeitgenössischem Französisch gemein Impressionistische Gemälde trotz der open-air effekte im hintergrund. Das Gemälde besitzt ein Pathos, das jenen Arbeiten von viel näher kommt Jules Bastien-Lepage (1848-84), die viele englische Maler in der französischen Kunst zum Vorbild nahmen. Die von Liebermann favorisierten niederländischen Motive und die Tradition des malerischen Umgangs blickten auf zwei Künstler zurück, die Liebermann und seine Zeitgenossen sehr bewunderten – Frans Hals (1580-1666) und Rembrandt (1606 & ndash; 69). Hals appellierte wegen seiner brillanten Technik an Rembrandt wegen seiner Innerlichkeit. In den Jahren 1876 und 1877 malte Liebermann eine Reihe von Kopien nach Hals, deren Einfluss in seiner zu sehen ist Porträtkunst und in den breiten, virtuosen Strichen der Papageienallee von 1902 (Kunsthalle, Bremen), ein bildfreier in der Technik als Eva.

Lovis Corinth

Die Werte von Hals und Rembrandt wurden auch hinsichtlich ihrer deutschen oder nordischen Qualitäten verstanden. Holland sollte als „Niederdeutschland“ in ein gesamtgermanisches Kulturimperium aufgenommen werden, das Ende des 19. Jahrhunderts auf vielen Ebenen in Deutschland diskutiert wurde. Rembrandt wurde zu einem starken kulturellen Symbol. In seinem Selbstporträt mit Modell (1901, Kunstmuseam, Winterthur) Lovis Corinth identifiziert sich sowohl mit Rembrandt als auch mit Bismarck. Zu diesem Zeitpunkt hatten der Mythos von Rembrandt und der Mythos, der um den alten deutschen Eisenkanzler gewachsen war, viel gemeinsam. In Deutschland erschienen ab den 1890er Jahren viele Bücher mit Titeln wie Rembrandt als Erzieher (1890) und Der Rembrandtdeutsche (1892), beide von Julius Langbehn. Georg Simmel, einer der bekanntesten Soziologen seiner Zeit, schrieb in " Rembrandt, ein kunst-philosophischer Versuch" (1916) über diesen " Ausdruck des Seelichen", den er als Rembrandts Leistung ansah . Dies war es, was die deutschen Impressionisten mit naturalistischer Beobachtung zu verbinden versuchten und was die Expressionisten später durch verschiedene Techniken erreichen sollten; der Begriff des Geistigen , der Kandinsky Ebenfalls zum zentralen Element seiner Kunst und Theorie gemacht, war er tief in der deutschen Kunst verwurzelt.

Im Jahr 1890 waren Corinth und Slevogt in München, damals ein wichtiges Kunstzentrum, Franz von Lenbach (1836-1904), der auch Rembrandtesque-Porträts von Bismarck geschaffen hatte, war zu dieser Zeit der angesehenste Münchner Maler. Die progressiveren Künstler, angeführt von Von Stuck, standen in Kontakt mit symbolistischen Kreisen in Paris und gründeten 1892 die Münchner Secession – Die erste Sezessionsbewegung in Deutschland. Zu den Künstlern, die an dieser ersten Ausstellung teilnahmen, gehörten Corinth, Slevogt, Uhde und Trubner – die beiden letztgenannten Produkte der Leibl-Schule. Degas und Monet gehörten auch zu denen, die überredet wurden, Arbeiten aus Paris zu schicken. Der Sturm um Munchs Ausstellung im Jahr 1892 führte in Berlin dazu, dass 11 Künstler eine eigene Ausstellungsorganisation (Gruppe XI) gründeten, die den Kern der Ausstellung bildete Berliner Secession , gegründet 1898. Mitglieder waren Liebermann und der symbolistische Künstler Hofmann. Viele Ausländer stellten in der Berliner Secession aus, darunter so unterschiedliche Künstler wie Blanche, Brangwyn, Cottet, Hodler, La Touche, Luce, Monet, Pissarro, Raffaelli, Segantini, Vallotton, Vuillard, Whistler und Rodin. (Siehe auch: Wiener Secession .) Die zunehmende Bekanntheit von Kunsthändlern wie Gurlitt und Cassirer in Berlin und Arnold in Dresden führte zu einer umfassenden Ausstellung der Werke der Impressionisten und Postimpressionisten. Die Bilder von Van Gogh (1853-90), der Pointillist Georges Seurat (1859-91), Paul Cezanne (1839-1906) und Paul Gauguin (1848-1903) wurden zum Beispiel um die Jahrhundertwende bekannt. Ihre Werke wurden in Zeitschriften und Büchern illustriert und sie erreichten einen mythischen Status, bevor sie in England oder den Vereinigten Staaten berühmt wurden.

Seltsamerweise Pointillismus (der ’Punkt’ Stil von Divisionismus (Pionierarbeit von Seurat und Signac) wurde in Deutschland nie so populär wie in Holland oder Italien. Italienischer Divisionismus .

Der Zustrom französischer Postimpressionisten nach 1900 ebnete den Weg für frühere stilistische Experimente Expressionistische Malerei , in denen Farbe, Zeichnung und Gegenstand zunehmend verzerrt wurden und eine größere psychologische Intensität zum Ausdruck brachten, als sie Korinth in der Kindheit des Zeus vermittelt hatte .

Künstlerkolonien: Worpswede und Dachau

Es bleibt noch ein weiterer Strang deutscher Malerei zu berücksichtigen. So wie in Frankreich Künstler aus aller Welt in die Bretagne gezogen wurden, englische Künstler nach Cornwall und schottische Künstler nach Cockburnspath, so drückte sich in Deutschland der Wunsch aus, den Städten zu entfliehen, in im ganzen Land entstandenen Künstlerkolonien aus. Zwei der bekanntesten und künstlerisch bedeutendsten waren Worpswede im Norden und Dachau im Süden. Diese Kolonien waren geografisch nicht so weit entfernt wie Pont-Aven. Worpswede war ein Dorf etwa 32 km von Bremen entfernt, einem bedeutenden Kunstzentrum in der Nähe von Hamburg und den anderen großen Städten Norddeutschlands. Dachau war in der Nähe von München. Künstler beider Kolonien stellten bei Secessionist und anderen Ausstellungen in den Städten aus, aus denen sie unbedingt fliehen wollten. Diese Flucht in das Land, in dem die Gemeinschaft als Alternative zur Gesellschaft des Stadtlebens bestehen konnte, bildete die Grundlage vieler literarischer und künstlerischer Manifestationen dieser Zeit. (Siehe auch: Volkskunst 1889 kamen Fritz Mackensen (1866-1953) und Otto Modersohn (1865-1943), zwei Maler Anfang zwanzig, von der Akademie München und Düsseldorf nach Worpswede, um dem von ihnen als bürgerlich empfundenen Realismus zu entkommen der traditionellen Kunstinstitutionen der Städte. Bald kamen andere Künstler dazu und veranstalteten im Winter 1894/95 ihre erste Gruppenausstellung in der Bremer Kunsthalle, die dann in den Münchner Glaspalast verlegt wurde, wo ihre Arbeiten als deutsches Gegenstück zu Glasgow galten Jungs. Birken, Heiden, Moore und Kanäle waren die Themen ihrer Malerei, naturalistische Themen, die oft miteinander kombiniert wurden Jugendstil Einflüsse, Beeinflussung, Einwirkung, lenken, einwirken. Dies galt auch für die Dachauer Maler, wie das Werk von Ludwig Dill (1848-1940) zeigt. Der Dichter Rainer Maria Rilke suchte Worpswede auf, als er später Rodin ’aufsuchen’ sollte; er schrieb poetische evokationen beider künstlerischen phänomene. Er fand in Worpswede die fundamentale Bedeutung der nördlichen Landschaft, wie sie von perfektioniert wurde Jacob Van Ruisdael (1628 & ndash; 82). Als er Modersohn schrieb, sprach er folgendermaßen über den Künstler:

Er ist die Anerkennung der Wahrheit des Rembrandt-Deutschen. Auch für ihn sind Geflügel, Hering und Apfel bunter als Papagei, Goldfisch und Orange. Dies ist jedoch keine Einschränkung, sondern ein Unterschied. Er möchte nicht den südlichen Aspekt malen, der seine Farbe auf dem Ärmel trägt und damit prahlt. Dinge, die innerlich voller Farbe sind, die er selbst auf unverbesserliche Weise als die geheime Andachtsfarbe des Nordens bezeichnete, sind seine Aufgabe. Wir werden lernen, diese Aufgabe zu schätzen und nicht das Leben zu übersehen, das versucht, diese Aufgabe zu lösen. Es ist ein immer noch zutiefst empfundener Mann, der seine eigenen Mythen hat, seine eigene germanisch-nordische Welt.

Paula Modersohn-Becker

1898 kam die 23-jährige Paula Becker nach Worpswede, wo sie sich mit den anderen jungen Künstlern anfreundete, Rilke 1900 traf und Otto Modersohn 1901 heiratete. Allerdings fand sie die Arbeit ihrer Mentoren zu genrehaft und suchte eine Einfachheit von Form und Farbe, teilweise abgeleitet von ihrer Bewunderung für Von Marees und Bocklin, aber noch wichtiger von der Arbeit von Van Gogh und Gauguin, die sie in Paris gesehen hatte. Paula Modersohn-Becker war damit einer der ersten direkten Übermittler der Lehren der großen französischen Postimpressionisten nach Deutschland. Ihre Bilder stellen eine Ablehnung der naturalistischen Technik dar, ohne auf naturalistische Themen zu verzichten.

Deutscher Postimpressionismus: Idealismus versus Naturalismus

Der Konflikt zwischen Idealismus und Naturalismus war das zentrale Thema deutscher postimpressionistischer Maler dieser Zeit. Ihr Naturalismus wurde in der Ausführung immer bunter und freier, bis er dem Impressionismus ähnelte, obwohl er ganz andere Quellen hatte. Vor allem aber hat das Ideal, das seit dem Ende des 18. Jahrhunderts die dominierende Belastung der deutschen Kunst war, die Arbeit selbst der "impressionistischsten" Künstler nie wirklich verlassen. (Man könnte argumentieren, dass der Idealismus seit dem 19 Deutsche Renaissance Oberflächlich gesehen schien es in der europäischen Malerei um 1900 eine Art internationalen Stil zu geben. 1904 schrieb ein deutscher Kritiker, Albert Dresdner:

Pissarro in Paris, Liebermann in Berlin, Klimt in Wien, Claus in Belgien, Breitner in Holland, Maljavine in Russland scheinen auf den ersten Blick national und individuell sehr unterschiedliche künstlerische Persönlichkeiten zu sein – erst bei näherer Betrachtung zeigt sich eine recht überraschende Ähnlichkeit in Geist und Charakter und Zweck zeigen sich in den Werken all dieser Künstler. Sie sind erkennbar als Variationen des impressionistischen Konzepts von Kunst und zeigen sich von diesem Konzept so beherrscht, dass nationale Unterschiede verschwimmen und teilweise fast beseitigt werden. In Wahrheit – nie war Kunst so "un-national" wie heute in dieser Epoche des nationalen Prinzips.

Fritz Burger erkannte jedoch wichtige nationale Unterschiede zwischen französischer und deutscher Kunst. Für ihn wirkten die Franzosen pragmatisch und dennoch fest in einer klassischen Tradition verankert. Der deutsche Künstler habe sich zu sehr mit dem Thema befasst, um eine konsequente Technik zu entwickeln: "Er suche das Wesentliche im Thema selbst".

Munch und Hodler waren weniger in dieses Dilemma verwickelt, vielleicht weil keiner der beiden Deutsche war. In Deutschland war es erst nach 1905 so Deutscher Expressionismus Wege gefunden, Technik und Inhalt, Beobachtung und Ausdruck zu verschmelzen. Diese Dilemmata hatten jedoch die beste deutsche Kunst der Vorgängergeneration gestärkt. Insbesondere Liebermann und Corinth, die herausragenden deutschen Maler dieser Generation, teilten mit ihren französischen Zeitgenossen die Sorge, die Lehren aus dem Naturalismus in die fortdauernden Traditionen ihrer eigenen nationalen Kunst einfließen zu lassen.

Werke des deutschen Postimpressionismus sind in einigen europäischen Ländern zu sehen beste Kunstmuseen .