Realistische Malerei, 19. Jahrhundert: Geschichte, Charakteristika Automatische übersetzen

Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei und
andere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).

Zusammenfassung der Hauptmerkmale

Der Begriff " Realismus Kunstbewegung "bezieht sich traditionell auf den Stil der Mitte des 19 Französische Malerei veranschaulicht durch die Arbeit von Gustave Courbet sowie Honore Daumier und Jean-Francois Millet . Sie waren die aktivsten Vertreter einer Art sozialer Kunst, die den arbeitenden Menschen, sein Leben und seine Umwelt ehrte und mit dem Aufstieg der Wissenschaft und dem Wachstum der Industrie zusammenfiel. Mit seinem sozialen (wenn nicht sozialistischen) Inhalt und No-Nonsense-Stil gegenständliche Kunst Der Realismus lenkte die Aufmerksamkeit auf das Alltägliche, das Alltägliche und das Geringe und schuf dabei einige der auffälligsten Bilder der Neuzeit. Realistische Künstler beeinflusst Malerei in ganz Europa und bis nach Australien, obwohl die Dominanz der Beamten akademische Kunst seine Auswirkungen außerhalb Frankreichs verhalten. Auf jeden Fall ebnete es den Weg für Impressionismus und verschiedene Formen von Post-Impressionismus und entwickelte sich im Laufe des 20. Jahrhunderts weiter. (Hinweis: Weitere Informationen zu den Verbindungen des Realismus mit der Kunst des Impressionismus finden Sie unter: Realismus zum Impressionismus : 1830-1900).

Geschichte der realistischen Kunstbewegung

Das Leben in der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde durch das Wachstum von Wissenschaft und Industrie völlig verändert. Dies führte dazu, dass sich Kunst und Geschmack stetig in Richtung Realismus entwickelten. Diese Neuausrichtung war zunächst in Frankreich stark zu spüren und verbreitete sich später in ganz Europa. Es vermischte sich mit der Kunst des frühen 19. Jahrhunderts, die sich aufteilte Romantik und Klassizismus. (Weitere Informationen finden Sie unter: Klassizismus und Naturalismus im 17. Jahrhundert.)

In Frankreich zeigten sich von 1830 bis 1840 Anzeichen eines Rückgangs der Romantik. Es ist schwierig, die Symptome dieses Niedergangs herauszufinden, denn die romantische Kunst sollte noch viele Jahre überleben und in den Werken von fortgeführt werden Gustave Moreau (1826-1898) und Odilon Redon (1840-1916) und in den Schriften von John Ruskin (1819-1900) – der führende ’Kunstexperte’ in der Ära von Viktorianische Kunst . Tatsächlich kann die ästhetische Perspektive des gesamten 19. Jahrhunderts in vielerlei Hinsicht als romantisch angesehen werden.

Es ist ebenso wahr zu sagen, dass bis 1830 die romantische Bewegung auf dem Rückzug war. Von 1830 bis 1860 wuchs ein neuer und ganz anderer Geist. Die Romantiker mieden die zeitgenössische Realität, indem sie sich in der Vergangenheit oder in fernen Ländern verirrten. Sie tendierten zu Pessimismus oder Religiosität und waren im Allgemeinen subjektiv in ihrer Sichtweise. Die neue Realismus-Bewegung hingegen vergötterte den gegenwärtigen Moment und die unmittelbare Umgebung. Sie glaubten an Fortschritt, waren materialistisch und gingen vor allem objektiv an ihre Arbeit heran.

Einfluss der Wissenschaft und ihres Geistes der Objektivität

Das wichtigste Merkmal des neuen Geistes, der sich in ganz Europa ausbreitete, war die Vermehrung wissenschaftlicher Entdeckungen und Erfindungen. Die Physik machte durch die Arbeiten von Helmholtz, Carnot, Joule und Maxwell entscheidende Fortschritte; wenig später machte die Chemie wichtige Fortschritte in der Arbeit von Sainte-Claire Deville und Berthelot. Darwin veröffentlichte bereits 1839 verschiedene Veröffentlichungen, die den Auftakt zu seiner Entstehung der Arten darstellten , die zwanzig Jahre später folgen sollte. 1849 entdeckte Claude Bernard die glykogene Funktion der Leber und etablierte damit gleichzeitig die moderne Biologie und die moderne Medizin.

Im Gemälde Der neue Geist der Objektivität wurde durch die Bewegung des Realismus veranschaulicht. Der Name ist alles andere als ideal und noch weniger passend als der der Romantik, des Barocks oder der Gotik. Es war sicherlich nicht das erste Mal, dass Künstler das Leben und die Menschen ihrer Zeit malten. Es war seit Jahrhunderten eine regelmäßige Beschäftigung, die im 17. Jahrhundert einen Höhepunkt erreichte, in den Werken von Caravaggio (1571-1610) und Niederländische realistische Genre-Malerei (1600-60). Dass die Periode zwischen Romantik und Impressionismus als Realismus bezeichnet werden sollte, ist bedauerlich, wenn es andere Perioden und Schulen gegeben hat, in denen die gleichen ästhetischen Ziele gefunden werden können. Aber die Maler des 19. Jahrhunderts – sowohl für als auch gegen den Realismus – gaben der Bewegung ihren Titel. Im Jahr 1855 verwendete Courbet den Begriff Realisme , um seine Ein-Mann-Kunstausstellung auf der Place de l’Alma in Paris zu beschreiben, die aus Protest gegen die Pariser Salon für die Ablehnung seiner Ausführungen. Aber er gab im Katalog zu, dass "mir der Titel des Realismus auferlegt wurde, genau wie den Künstlern von 1830 der Titel der Romantik auferlegt wurde." Trotzdem nahm er den Begriff häufig an, wenn er später seine Kunst definierte. 1856 verwendete Duranty den Titel Le Realisme für eine von ihm gegründete Zeitschrift und Champfleury den gleichen Titel für ein Buch, das er im folgenden Jahr veröffentlichte.

Das Wort "Realismus" muss daher für den Stil akzeptiert werden, der von der Zeit der Zweiten Republik (1848) bis zur Mitte des Zweiten Reiches (1860) bestand. Diese Annahme darf jedoch nicht darüber hinwegtäuschen, dass es vor 1848 Bilder in diesem Sinne gab und dass es bis und sogar nach dem Ende der Regierungszeit Napoleons III. (1873) andere Bilder gab. Mitten in der Romantik zeichnete sich ein Prärealismus ab, und ein Postrealismus setzte sich neben dem Impressionismus fort. Das erste bereitete sich vor, das zweite verlängerte sich, und die beiden bildeten zusammen die Zeit des Realismus. Von diesen Nachbarn erhielt der Realismus seine Persönlichkeit und letztendlich seine verschiedenen Sprösslinge.

Frührealistische Malerei (1830-1848)

Die französischen Künstler der Romantik haben häufig in die Geschichte zurückgeschaut, um heldenhafte oder farbenfrohe Motive oder ähnliches zu finden Jean-Leon Gerome (1824-1904) – Sie wandten sich für ihre Hilfe an die Türkei oder Nordafrika Orientalistische Malerei der einheimischen Exotik. Einige der größten unter ihnen fanden im zeitgenössischen Leben und in ihrer eigenen französischen Landschaft Motive mit einer Schönheit oder malerischen Qualität, die sie oft mit großer Gelassenheit ausdrücken konnten. Es gab mehrere Faktoren, die dazu führten, dass sich Maler mehr für die Realität interessierten. Sie lebten in einer bürgerlichen Gesellschaft, und obwohl sie mit dieser in Konflikt standen und die Bourgeoisie als Philister behandelten, teilten sie dennoch ihren Geschmack. Alle bürgerlichen Gesellschaften, zum Beispiel Flandern im 15. Jahrhundert und Holland im 17. Jahrhundert, haben sich für Bilder interessiert, die sich auf sich selbst, ihre Umwelt und ihr tägliches Leben beziehen. Anstelle von Gemälden mittelalterlicher oder orientalischer Motive bevorzugte der gewöhnliche Franzose französische Motive, die auf der Figur von Monsieur Prudhomme beruhten, insbesondere, als er die malerische Anekdote versuchte. Monsieur Joseph Prudhomme drückte die pompösen Dummheiten eines karikierten Bürgertums aus; Er war die Schöpfung des Schriftstellers und Karikaturisten Henri Monnier. Mit Ausnahme der größten Maler lehnten sich nur wenige Künstler gegen anekdotische Themen auf.

Künstler waren eher bereit, diesen bürgerlichen Realismus zu nutzen, weil englische und niederländische Maler, die sie am meisten bewunderten, ihre Möglichkeiten aufgezeigt hatten. John Constable (1776-1837) hatte Erfolg, als er 1824 im Salon ausstellte . Die Werke von Thomas Girtin (1775-1802) und John Crome (1768-1821) war in Frankreich bekannt geworden. Richard Parkes Bonington (1802-28) verbrachte den größten Teil seines Lebens in Frankreich. Die Franzosen waren begeistert von den Ställen von George Morland, den Tieren von Sir Edwin Landseer (1802-73), die amüsanten oder sentimentalen Anekdoten von CR Leslie und David Wilkie (1785-1841) und das Erzählen von William Mulready (1786 & ndash; 1863). Weitere Informationen zu englischen Werken finden Sie unter: Englische Landschaftsmalerei (1700-1900) und Englische figurative Malerei (1700-1900).

Die Franzosen blickten jedoch noch mehr nach Amsterdam als nach London. Balzacs Cousin Pons sammelte verschiedene niederländische Bilder, sowohl gute als auch schlechte. Im Rijksmuseum und im Mauritshuis Fromentin lässt der Autor von Les Maitres d’Autrefois den Leser nicht nur vor Landschaften innehalten Jacob Van Ruisdael (1628-82), aber auch vor The Bull von Paulus Potter. Thore-Burger ’entdeckt’ Jan Vermeer (1632 & ndash; 75); der weniger informierte Durchschnittssammler schwärmte Gabriel Metsu (1629-67) und Adriaen van Ostade (1610 & ndash; 85). So großartig war der Ruf von Niederländische realistische Künstler dass alles an ihnen bewundernswert schien. Noch nie hatten sie in Frankreich so viel Zuspruch erhalten, auch nicht im 18. Jahrhundert.

Zu diesen Einflüssen, die den Vorrealismus der Julimonarchie (1830-48) beeinflussten, sollten diejenigen aus Spanien hinzukommen. Seit dem Ende des 18. Jahrhunderts Spanische Malerei war in Frankreich besonders geschätzt worden. Während der napoleonischen Kriege waren viele schöne spanische Gemälde geplündert worden und hatten ihren Weg in den Louvre und in Privatsammlungen, insbesondere die von Marschall Soult, gefunden. Radierungen von Goya (1746-1828) war seit dem Kaiserreich weit verbreitet, und Eugene Delacroix (1798-1863) hatte als junger Mann einige der von ihm bewunderten Drucke gezeichnet. Dennoch konnte sich ein Franzose nur in der Galerie Louis Philippe eine vollständige Vorstellung von der spanischen Kunst machen. Erst 1838 wurden diese Schätze allgemein zugänglich, und dies war zu spät, um einen bestimmenden Einfluss auf die Maler der vorrealistischen Generation auszuüben. Spanische Werke von Velazquez (1599-1660) Zurbaran (1598-1664) Ribera (1591-1652), Murillo und Goya sollten nicht so sehr die realistischen Künstler – Courbet und Bonvin waren stärker von den Holländern als von den Spaniern beeinflusst – betreffen, sondern jene Künstler, die sich in der Zeit von 1838 bis 1848 in ihrer Jugend befanden. Vorrealismus Daher wurde er nicht von der stolzen und aristokratischen Qualität, der Poesie und Größe des spanischen Realismus des 17. Jahrhunderts beeinflusst. Sie orientierte sich vielmehr an der bürgerlichen Gesinnung der englischen und niederländischen Kunst und an den kleinen Meistern des französischen 18. Jahrhunderts. Die vorrealistischen Künstler tendierten daher dazu, sich der Landschaft, der Tiermalerei und schließlich dem Genre zuzuwenden.

Eine Erklärung einiger herausragender realistischer Bilder finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Barbizon Schule: Naturalistische Landschaftsmalerei

Romantische Landschaftsmaler wandten sich in der klaudischen Tradition von der historischen Idylle ab und malten am liebsten die Landschaft ihres eigenen Landes Meindert Hobbema (1638-1709), Ruisdael, Crome und Constable hatten es getan, und der Franzose Georges Michel (1763-1843) hatte es bereits getan. Das Malen der eigenen Landschaft war der erste Schritt zur objektiven Realität.

Michel war der Vorläufer des Genies, der nicht nur der Romantik den Weg ebnete, sondern auch den Fauvismus durch die Breite seiner Vision und die expressionistische Lyrik seiner Pinselarbeit vorwegzunehmen schien. Diese französischen Landschaften wurden mit gewöhnlichen Bauern anstelle der alten klassischen Helden bevölkert. In den Werken eines Paul Huet (1803-69) fehlte es an nichts, dass seine Bilder getreue Bilder der französischen Natur und der französischen Realität waren.

Das Ziel des großen Landschaftskünstlers Theodore Rousseau (1812-1867) sollte direkter und objektiver sein. Sein stolzes Genie wirkte sich auf Jules Dupre (1811-89) und den in Spanien geborenen Maler Narcisse Diaz de la Pena (1807-76) aus und zog sie nach Barbizon im Wald von Fontainebleau, wo sich die Gruppe um 1830 bildete bekannt als Barbizon Schule (1830 & ndash; 75). Obwohl diese Schule heute zu Unrecht vernachlässigt wird, verdient sie nicht nur wegen ihrer Qualität besondere Aufmerksamkeit Landschaftsmalerei , sondern auch für die historische Bedeutung der Bewegung und ihre Auswirkungen auf Künstler in ganz Europa und Australien. Es war nicht nur die erste moderne Schule, die Meister wurde Naturalismus ("Landschaft trifft Realismus"), aber die schönsten Werke seines Führers Rousseau zählen zu den Meisterwerken der Landschaft des 19. Jahrhunderts.

Rousseau und seine Anhänger verzichteten auf das Malerische, sie verzichteten auf die anekdotische Interpretation der Natur, die die Werke der Romantiker belastet hatte, und sie verzichteten auf die Ausarbeitung der Szene oder die Erhöhung der emotionalen Spannung. Stattdessen widmeten sie sich leidenschaftlich der Analyse der Realität. Sie analysierten die Struktur eines Baumes, ihr Hauptmotiv, genau wie die Italiener des 15. Jahrhunderts die Anatomie der menschlichen Figur untersuchten. Sie wandten sich der Form des Bodens selbst zu, dem Raumgefühl, der grenzenlosen Entfaltung von Ebenen und der Darstellung der Atmosphäre. Auch das Licht selbst wurde zum Gegenstand ihrer gewissenhaften Untersuchung. Aus dem Vorstehenden ergab sich eine Synthese, die dem gesamten Zusammenhalt, der Kraft und der Poesie etwas gab. Sie waren Naturliebhaber und haben Naturporträts gemalt. Nichts wurde geopfert; ein Pinselstrich würde Festigkeit verleihen und gleichzeitig das Gefühl eines rauen Lebens vermitteln. Rousseau hat ihre Gefühle zutreffend ausgedrückt: "Unsere Kunst kann den Betrachter nur durch ihre Aufrichtigkeit bewegen."

Aufrichtigkeit war das herausragende Verdienst seiner Arbeit und die Grundlage seiner Innovation, und diese Aufrichtigkeit richtete sich auf das Pathos in der Arbeit von Rousseau und seinen Freunden. Sie gehörten zu ihrem Jahrhundert, sie fühlten die Natur intensiv, liebten sie eifersüchtig und mit so viel Vergnügen. Ihre schüchterne Melancholie gibt ihr Freilichtmalerei eine zurückhaltende Lyrik, die sich durch ihre Arbeit zieht. Diese Lyrik führt sie tendenziell zurück zum Drama, wodurch sich die Konvention wieder in ihre Bilder einschleicht. Manchmal wurden ihre Bilder ein wenig erfunden. Diese Tendenz war am deutlichsten bei Hauptwerken zu beobachten, die ausschließlich im Atelier ausgeführt wurden, abseits der Inspirationsquelle unter freiem Himmel, die sie zur Welt gebracht hatte. Die Ergebnisse zeigten eine Schwäche, die den Geschmack ihrer Zeit für das hochglänzende Hochglanzgemälde widerspiegelte. Auch als Innovatoren konnten sie es nicht vermeiden, sich bei der Entwicklung ihrer neuen Sprache auf die Vergangenheit zu stützen. Daher beeinträchtigte die Behandlung manchmal die Wahrheit und die Aufrichtigkeit ihrer Arbeit. Obwohl die Bilder korrekt sind, bleiben sie unwirklich, obwohl sie sich berühren und oft bewegen. Die Luft zirkuliert nicht und das Licht vibriert nicht. Dies ist der Grund für ihre Vernachlässigung durch unsere Zeitgenossen, die mit dem Impressionismus aufgewachsen sind und kaum jemals auf die Barbizon-Schule zurückblickten.

Die Barbizon-Maler hatten einen starken Einfluss auf die Generation der Realisten, die ihnen folgten. Sie lehrten sie, dass jede Landschaft, nicht nur die malerische, schön sei. Sie lehrten sie, Landschaft zu betrachten und sie mit Demut zu kopieren. Sie haben ihnen auch ihre Sensibilität mit ihren kraftvollen und dauerhaften Eigenschaften hinterlassen, und sie gaben ihnen die Gabe, in der Lage zu sein, Landschaft mit Erhabenheit zu gestalten. Die Landschaften von Courbet verdankten viel dem Barbizon-Stil realistischer Kunst.

Barbizon war nicht nur die Residenz der Landschaftsmaler, sondern auch das Zentrum der Tiermaler, die dem Studium der Tiere eine ähnliche liebevolle Geduld widmeten. Vergleicht man die ordentlichen Bullen von JR Brascassat mit den robusten und überzeugenden Tieren, die in den besten Werken von Constant Troyon oder Rosa Bonheur zu finden sind, so erkennt man sofort, was mit dem Geist von Barbizon gemeint ist. Diese Künstler wurden Opfer eines Erfolgs, der sie zwang, ihre Produktion zu vervielfachen. Vielleicht sollten wir uns der Arbeit von Charles Jacques zuwenden, um den Barbizon-Geist von seiner besten Seite zu sehen, und seinen Radierungen und nicht seinen Gemälden. Glücklicherweise wurde seine Beobachtung von einer diskreten und leicht prosaischen Poesie angeregt, die sie vor der Banalität bewahrte. Im Gegensatz dazu hatten die Pferde von Alfred Dedreux Eleganz und eine gewisse eintönige Ausstrahlung. Sie blieben überzeugend, obwohl der Künstler sich der künstlichen Brillanz opferte, die der englische Adel forderte. In seinem eigenen Fach vertrat er den profanen Realismus, der teilweise für die Genremalerei der Zeit verantwortlich war. Mit Roqueplan und Jadin war er der britischen Tiermalerei sehr verbunden. Siehe zum Beispiel die Arbeit von George Stubbs (1724 & ndash; 1806).

Realistische Genre-Malerei

Genre-Malerei wurde häufig mit einer akuten, aber unsympathischen Beobachtung durchgeführt. Dies ist so in den temperamentvollen Ölen und Aquarellen von Eugene Lami (1800-90), die erfolgreicher waren als seine militärischen Szenen. Es ist so in den witzigen Liebesszenen von JJF Tassaert (1765-1835), seinem besten Werk, und auch in seinen häufigeren Szenen der Armen, selbst wenn er sein sentimentalstes erreicht. Es ist auch in den Karikaturen von Henri Monnier (1799-1877) zu finden, der Monsieur Prudhomme schuf, den bürgerlichen Typus voller feierlicher und dummer Äußerungen. Und es ist auch in den Aquarellen und Lithographien von Paul Gavarni (Sulpice Guillaume Chevalier) (1804-66) zu finden, die einwandfrei sind Zeichnung , Humor und Biss verraten die Gesellschaft der Zeit. Wenig von alledem sollte die Kunst beeinflussen, die, abgesehen von ihrem Realismus, ein Gefühl für das Tempo des modernen Lebens und einen gewissen ephemeren Charme hatte. Constantin Guys (1802-92) nutzte diese Eigenschaften in seinen kleinen Meisterwerken und gab sie damit an die Impressionisten weiter.

Wenn der orientalistische Maler AG Decamps (1803-60) seine orientalischen Motive nicht häufig zugunsten zeitgenössischer französischer Motive aufgegeben hätte, hätte das Thema „Genre“ für die Realisten, die unmittelbar den Romantikern folgten, wenig Wert. Decamps wurde zu seiner Zeit übermäßig gelobt, obwohl er jetzt, vielleicht zu Unrecht, vernachlässigt wird. Neben seinen von La Fontaine inspirierten Tierszenen malte er oft das Leben der Stadt oder des Landes. Die Einheit des Designs, die Fülle der Form und die Ökonomie der Farbe, die durch das Helldunkel gesteuert werden, leiten sich in seinen Arbeiten aus der analytischen Herangehensweise von Ingres und der Farbe von Delacroix ab. Diese Eigenschaften wurden auf eine neue Art und Weise genutzt und sollten in die realistische Malerei übergehen. Abgesehen von seinem Mangel an Genialität wäre Decamps dem von Daumier, auf den er einen entscheidenden Einfluss hatte, ebenbürtig gewesen. Er fühlte den Heldentum des zeitgenössischen Lebens und liebte seine Gewöhnlichkeit, die sowohl ihn als auch seine Zeitgenossen inspirierte.

Viele Maler empfanden noch immer den Ruhm der napoleonischen Ära, die den Franzosen so nah und lieb war, dass sie noch nicht in die Geschichte eingegangen war. Gegenstand der napoleonischen Kriege waren der Militärmaler NT Charlet, Auguste Raffet und gelegentlich JF Boissard de Boisdenier. Während dieser Jahre, in denen sich die Anhänger von Saint-Simon mit den Anhängern von de Lamennais und die liberalen Katholiken mit Lamartine und den Republikanern verbanden, zeigten viele Werke eine Liebe für die Unterschicht und versuchten, eine soziale Kunst zu schaffen, die in der Lage ist, das zu erreichen Menschen und unterweisen sie. Bereits 1836 stellte PA Jeanron seine "Blacksmiths of Correze" aus, und zwei Jahre später malte Francois Bonhomme seine "Furnace Workers of Abhainville".

Dem bürgerlichen Geist von 1848 folgend wurde die Kunst des Bürgertums zum Akt der Liebe, des Lehrens und der Propaganda. Während sie Demokratie predigen, die Öffentlichkeit aufklären und das Gute loben wollten, sahen diese Maler den Alltag fast auf einen Schlag mit neuen Augen. Während Decamps und die traditionellen Genremaler im Alltag nur Themen für das Malerische sahen, entdeckten diese neuen Maler eine neue Dimension, die zu einem früheren Zeitpunkt von den Malern empfunden worden war Brüder Le Nain (Antoine, Louis, Mathieu) (c.1600-77), genau beschrieben von Champfleury als die Maler des Vergessenen . Auf diese Weise wurde die neue Sichtweise der vorrealistischen Maler geboren, die ideenreicher und großzügiger in ihren Absichten waren, als sie in großen Werken produktiv waren. Ihnen verdanken wir die Maler der Generation 1848, die Meister des Realismus.

Realismus richtig

Die Realisten von 1848 waren objektiver und direkter als die Barbizon-Maler, in deren Werk die permanente Qualität der wahrgenommenen Realität mit bestimmten Konventionen aus der Romantik vermischt wurde. Die Schule von 1848 betrachtete das Leben ebenso wie die Genremaler und malte es in seiner ganzen Vielfalt, selbst in seiner bescheidensten Form. Beim Malen hofften sie, dass es durch die Liebe, die sie zu ihrem Thema empfanden, und durch die Gabe, die sie hatten, um seine verborgene Majestät preiszugeben, veredelt werden würde. "Sie benutzten das Triviale, um das Erhabene auszudrücken", wie Millet es so treffend beschrieb. Sie intensivierten dieses vergrößerte Bild des zeitgenössischen Lebens und der sozialen Beschäftigung, bis sie zu der Gleichung kamen: Realistische Kunst = Alltagskunst = soziale Kunst . Mit dieser ästhetischen Gleichung wollten die Realisten einen Malstil hervorbringen, der auf der Wahrheit beruhen sollte, aber sie brachten auch eine starke Poesie mit, die für uns das schönste und überzeugendste Element bleibt und heute so stark ist wie damals. Die Majestät dieser Poesie wurde durch die Einfachheit der Technik unterstrichen, mit der die Einheit und Hell-Dunkel-Beziehung verbunden sind Theodore Gericault (1791-1824) und über ihn an Rembrandt (1606-1669) und Caravaggio.

Maler wie Felix Trutat (1824-48), Jules Breton (1827-1906), Francois Bonvin (1817-87) und einige der Orientalisten erreichten aufgrund der Mittelmäßigkeit ihres Talents und ihrer Fähigkeiten nie die höchsten Werte ihrer Kollegen Verbundenheit mit der Vergangenheit und den Formeln ihres Genres, auch wenn sie einen wesentlichen Beitrag zur Kunst ihrer Zeit geleistet haben. Der früh verstorbene Felix Trutat zeigte in seinen Porträts und in seinem Liegenden Akt von 1848 ein wunderbares Gefühl für Größe. Obwohl das Werk von Jules Breton technisch schwach und in seiner Sentimentalität stereotyp ist, sah van Gogh darin "die kostbare Perle". die menschliche Seele "und ein gewisser rührender Adel. Bonvin wird heute wie viele Maler seiner Zeit zu Unrecht vernachlässigt. Trotz des Einflusses Granets und Hollands aus dem 17. Jahrhundert erlangte Bonvin in seinen besten Momenten eine Größe, die Chardin wie La Fontaine de Cuivre (1863) oder Zurbaran wie The Hare etwas zu verdanken hatte. Diese Bilder sind noch stärker vom Geist seiner Generation durchdrungen, der sich aus Großzügigkeit und gleichzeitig Sensibilität für vertraute Dinge und gewöhnliche Menschen zusammensetzt. In der Kunst des orientalistischen Malers Edme Alexis Alfred Dehodencq (1822-82) gab es mehr Wahrheit und ein intensives Gefühl für die wimmelnde Lebensqualität, die in seinen Gemälden der Araber Nordafrikas und der andalusischen Zigeuner zu finden sind. mit allen zeigte er brüderliches Mitgefühl. In seinem Orientalismus hat er den Exotismus praktisch verworfen. Bei Fromentin, der ein besserer Kritiker und Schriftsteller als Maler war, findet man in seinen präzisen und einfühlsamen Bildern Algeriens und Ägyptens eine fein beobachtete visuelle Poesie. Der Geist des Realismus war in der Lage, mittelmäßige Maler vor dem Vergessen zu bewahren und den größten Malern eine reiche Ernte zu bringen. Dies war insbesondere bei Daumier, Millet und Courbet der Fall, die als die Dreiheit der Bewegung angesehen werden können.

Honore Daumier (1808-79) war, wie es für den ältesten der drei natürlich war, derjenige, der dem Geist der Romantik am meisten verbunden war. Seine Inspiration wurde, wie im Fall von Delacroix, häufig von der Bibel, der klassischen Mythologie und literarischen Quellen wie La Fontaine, Moliere und Cervantes abgeleitet. Beispiele hierfür sind Maria Magdalena (1848) und Der barmherzige Samariter (1850) aus den heiligen Schriften; Ödipus (1849) und Nymphen und Satyrn (1850) aus der Mythologie; Die Diebe und der Esel (1856) aus La Fontaine; Crispin und Scapin (1860) aus Moliere und eine ganze Serie aus Cervantes ’Don Quijote. Seine Vorlieben bei den alten Meistern waren auch romantisch und veranlassten ihn, Rubens in einem Werk wie Der Müller, sein Sohn und sein Esel (1848) nachzuahmen. Seine Leidenschaft für Bewegung und seine Einsicht in den Charakter, die er in der Praxis entwickelte Karikatur Kunst waren auch wegen der Romantik. Die epische Qualität, die in Gemälden wie The Emigrants (1848) gipfelte, bezieht ihn auf die Schöpfer der Romantik, Männer wie Hugo, Michelet, Balzac, Berlioz und Delacroix, die ein inspiriertes und übermenschliches Universum gründeten. Daumier, obwohl ein visionärer Künstler, liebte es auch, das Leben seiner Zeit zu beobachten. Er lachte über die Bourgeoisie, die Ärzte und die Anwälte. er fühlte sich zärtlich gegenüber Kindern ( La Ronde , 1855), Müttern ( In the Road , 1850), Arbeiterinnen ( The Washerwoman , 1860), Arbeitern ( The Painter , 1860), Zirkusfamilien ( La Parade , 1866) und allen anderen normale Leute, die ins Theater gehen ( The Melodrama , 1856), die öffentlichen Bäder besuchen ( The First Bath , 1860) oder öffentliche Verkehrsmittel nutzen ( The Third Class Railway Carriage , 1862). Aber Daumier hat mit Pinsel, Buntstift oder Stift die Welt, die er sah, völlig neu erschaffen. Er bevölkerte es mit massiven und kraftvoll konstruierten Wesen, die eine heldenhafte Kraft haben. Daumier war auch ein Bildhauer, einer der größten des Jahrhunderts, und seine gezeichneten Figuren verdankten dies sehr. Sie heben sich von einem ab Chiaroscuro , der dichterisch reicher ist als die Werke seiner Zeitgenossen Millet und Courbet und auf einer Ebene mit der von Goya und Rembrandt.

Jean-Francois Millet (1814-75) stand Daumier in seiner Behandlung des Lichts, in seinen einfach, aber skulptural konzipierten Figuren und auch in seinem Farbgebrauch nahe. Wie bei Daumier war seine Zeichenkunst besser als sein Umgang mit Farbe, die studierter und schwerer war. Millet näherte sich Daumier in der Wärme und Sympathie, die er gegenüber den Bauern empfand. Er unterschied sich von Daumier durch seine völlige Abkehr von der Romantik und auch durch seine Inspirationsrichtung. Millet untersuchte weder die Licht- und Schattenkontraste noch die Charakterisierung des Individuums, die Daumier in Gemälden wie The Chess Players hervorhob . Millets Figuren haben Monumentalität ohne Bewegung . Fast alle seine Bilder hatten zum Ziel, die Mühe und den Schweiß und das Leid seiner Mitbauern einzufangen. Beispiele sind The Winnower (1848), The Sower (1850), Die Gleaners (1857) und Mann mit der Hacke (1862). Millet wurde auf dem Land geboren und wuchs auf den Feldern auf. 1849 zog er nach Barbizon. Es war natürlich, dass die Landschaft in seiner Arbeit einen wichtigeren Platz einnehmen sollte als bei Daumier, einem zur Stadt gehörenden Maler. Hirse konnte die Stimmen der Erde und des Himmels und die der Kuhglocken auf den Feldern verstehen. Sein Naturgefühl war das von Jean Jacques Rousseau. Es wurde als primitive Kraft ausgedrückt, in der die Dichte des Wachstums und die Robustheit des Bodens ( Die Kirche von Greville , Hameau-Cousin) die zeitlose Lebensweise des Bauern widerspiegeln ( The Cowherd , 1859; Der Angelus 1859; Die Hirtin , 1864). Durch seine monumentale Qualität und seinen Sinn für das Ewige und das Universale stellte Millet die klassische Version des Realismus dar, während Daumier seinen barocken Ausdruck darstellte.

Courbet und der Höhepunkt der realistischen Malerei

Hirse malte die Bauern auf dem Land, Daumier die Leute in der Stadt. Gustave Courbet (1819-77) wurde der Maler der Provinzen, seiner halbbürgerlichen, halb ländlichen Bevölkerung und seiner florierenden Marktstädte. Seine Arbeit mag prosaisch gewesen sein, aber für eine tiefe Liebe zur Natur, ein Gespür für die Würde des Menschen und, was noch wichtiger ist, das Genie eines geborenen Malers. Während sich Daumier an der Romantik und Millet an Poussin orientierte, entwickelte Courbet seine Kunst am Beispiel der Caravaggio-Schule und Rembrandts. Es war also Courbet, der den Realismus zu seinen größten Höhen führen sollte. Siehe insbesondere seine großartige Genremalerei Eine Beerdigung in Ornans (1850, Musee d’Orsay, Paris) und das allegorische Werk mit dem Titel Das Atelier des Künstlers (1855, Musee d’Orsay).

Erstens war Courbet ein Realist aufgrund seiner Themenwahl, basierend auf direkter Beobachtung – Seestücke ( The Wave ), Landschaften, insbesondere aus dem Jura ( The Stream of the Puits Noir ), dem Tierleben der Berge ( Deer in a Covert) , Die Forelle ) und vor allem den Alltag seiner Zeit, insbesondere in Ornans und in Paris ( After the Meal , 1849; Die Beerdigung in Ornans , 1850; Die Bauern von Flagey kehren vom Markt zurück , 1850; Die Dorfmädchen , 1852; Mädchen am Ufer der Seine , 1856). Zu Courbet, Porträtkunst war wichtiger als es für Daumier oder Millet war, und insbesondere das Selbstporträt. Er malte auch weibliche Akte und eine Menge von Stillleben malen . Das ganze Leben, das ihm bevorstand, war Gegenstand seines Pinsels.

Zweitens war er ein Realist, indem er häufig seine republikanischen und sozialistischen Überzeugungen darlegte. Die Steinbrecher (1849), das Atelier des Künstlers (1855), die Rückkehr aus der Vorlesung (1863) und sogar das Porträt von Proudhon (1865) sind Manifestationen und auch Beweise für seinen inbrünstigen Glauben an die soziale Kunst, der für ihn so charakteristisch ist der Realismus seiner Zeit.

In der Arbeit von Courbet kann man fast vergeblich nach der Liebe suchen, die Daumier und Millet für gewöhnliche Menschen ausgedrückt haben. Er war ein Mann, der weniger zärtlich als großartig war. Er spürte die Größe und den Adel des modernen Lebens und machte es für alle in seinen Leinwänden spürbar, von denen es wichtig ist, dass sie viel größer sind als die der anderen Realisten. Er war so überzeugt von der Stärke und Majestät der Menschlichkeit seiner Zeit und des Lebens seiner Zeit, dass er die Ressourcen und die Größe der großen Historienmaler benötigte.

Als Maler war Courbet seinen Ambitionen als Mann gewachsen. Obwohl er im Vergleich zu Daumier oder Millet ein schlechterer Zeichner war, war er ihnen durch sein Genie als Maler überlegen. Er teilte ihre einheitliche Vision, ihre Vorliebe für Hell-Dunkel , ihre Vorliebe für kraftvolle und statische, mit Licht modellierte Figuren und auch ihre Vorliebe für schlichte Farben. Wie sie wählte er häufig die festen und unbeweglichen Aspekte der Natur. Mit seiner ganzen Generation genoss er eine Fülle von Texturen und Fleisch, ein Gefühl für die Fülle der Natur und ein Gefühl für das, was zeitlos war. Mit seiner ausgereiften Technik manipulierte er gerne seine Reichen pastosen Stil Aufbringen der Farbe mit entscheidenden Pinselstrichen oder Spachtelstrichen, die in Dicke, Stärke und Textur variiert wurden (beachten Sie beispielsweise den Akt in The Studio ). Er handhabte seine Materialien mit den gleichen technischen Fähigkeiten wie ein Maurermeister oder ein hervorragender Koch. Seine realistischen Bilder sind denen von Caravaggio und Ribera überlegen, und all jenen Realisten, deren materialistische Weltanschauung und Malerei sie darauf beschränkten, nur Meister zu sein.

Er war ein Maler des Genies, er hatte ein Gefühl der Größe und er war auch ein überzeugter und überzeugender Propagandist. Diese Faktoren erklären und rechtfertigen seinen immensen Einfluss. Die dritte Generation realistischer Künstler stammt von Courbet, mehr als von jedem anderen Maler seiner Zeit. Sie setzten die Formeln von Courbets Vorgängern fort, erfanden sie kaum und ihre Kunst wurde schnell akademisch.

Die akademische Phase des Realismus nach 1860

Alle großen realistischen Maler von 1848 hatten ab 1860 ihre Anhänger. Einigen von ihnen fehlte weder Können noch Aufrichtigkeit. Die Kunst Bonvins, die von Antoine Jean Bail und seinen Söhnen Franck Antoine und Joseph Bail wiederholt wurde, beeinflusste mehrere Stilllebenmaler, insbesondere Philippe Rousseau und Antoine Vollon. Aus Millet und noch mehr aus Jules Breton sind eine Reihe von Malern von Bauernmotiven hervorgegangen, an die man sich am besten erinnert Jules Bastien-Lepage (1848 & ndash; 84). Jean Charles Cazin war einfühlsamer und individueller und war manchmal ein guter Künstler, insbesondere in seinen Landschaften rund um Boulogne sur Gesse (Haute Garonne). Courbet hatte jedoch die größte und längste Gruppe von Anhängern. Es reichte von Legros und Regamey zu den Malern des Bande-Noire (wegen ihrer strengen Farbe so genannt) wie Lucien Simon und Charles Cottet, durch die seine Ideen bis ins 20. Jahrhundert hinein ausgedehnt wurden. Horace Lecoq de Boisbaudran, ein aristokratischer Lehrer, hatte als Schüler Fantin-Latour und Guillaume Regamey. Regamey in seinen Militärgemälden zeigte die gleiche scharfe Beobachtung und kräftige Pinselarbeit wie Courbet. Sein Freund Alphonse Legros (1837-1911) belebte und aktualisierte die Lehren von Holbein, seiner ersten Liebe, durch das, was er aus der Arbeit von Courbet gewann. Legros ’Gemälde L’Ex-Voto (1861), Les Demoiselles du Mois de Marie (1875) und The Pilgrimage zeigen, wie der Einfluss von Courbet in den Gemälden dieses burgundischen Künstlers fortdauerte, der sich 1863 in London niederließ und ein eingebürgerter Engländer wurde.

Das Beispiel der großen spanischen Maler zusammen mit dem von Courbet erklärt den frühen Stil von Leon Bonnat und EA Carolus-Duran. Diesen Stil repräsentieren der junge neapolitanische Bettler (1863) von Bonnat, der ermordete Mann (1866) und die berühmte Frau mit Handschuh (1869) von Carolus-Duran. Danach folgte eine lange Produktion von zweitklassigen Werken, die so mittelmäßig war, dass man sich fragen kann, ob der Einfluss der spanischen Künstler und von Courbet für die französische Malerei nicht unglücklich war.

Camille Corot und seine Anhänger

Das unabhängige Genie von Camille Corot (1796-1875) isoliert entwickelt. Trotzdem verdankte es den Bewegungen seiner Zeit etwas. Seine Kunst stand über ihnen, aber fasste sie zusammen und bereitete sie gleichzeitig mehr als jede andere auf die Kunst der Zukunft vor. Er begann mit einem neoklassizistischen Hintergrund. Der Einfluss seiner Lehrer Michallon und Victor Benin sowie des von Aligny wandte sich seiner Vision zu Nicolas Poussin (1594-1665) und Claude Lorrain (1600-82), Meister der historischen Landschaft. Infolgedessen stellte er zeitlebens auf dem Salon aus, darunter Hagar in the Wilderness (1835), St Jerome (1837), The Destruction of Sodom (1844-1858) und Dante and Virgil (1859). Auch von ihnen erbte er eine Liebe zu Italien, die er 1825 zum ersten Mal besuchte. Dort malte er seine frühesten wichtigen Werke. Diese Bilder zeigen bereits den ganzen Geist von Corot. Sie zeigen ein frisches und durchdringendes Auge, eine natürliche Bescheidenheit und eine sichere und ausdauernde Hand. Sein angeborener Klassizismus ermöglichte es ihm, eine abgenutzte Tradition wiederzubeleben und sie wieder lebendig und fruchtbar zu machen. Die Qualität seines Gemäldes beruhte auf seinem direkten Kontakt mit der Natur, seiner Beobachtung des Lichts, seiner Beurteilung der Farbtonwerte, seinem Gefühl für Struktur und seinem Gefühl für Atmosphäre.

Bei seiner Rückkehr nach Frankreich war er von der Romantik betroffen. Er malte früher als die Barbizon-Maler im Wald von Fontainebleau. Für eine kurze Zeit malte er gute Bilder zu literarischen Themen, vielleicht beeinflusst von Huet. Er war romantisch und naturverbunden und teilte mit den Schriftstellern Nerval und Lamartine einen Geschmack für Nebel, Zwielicht und für das, was undeutlich oder flüssig war. Seine Gemälde von den Seen von Ville d’Avray , sein Tanz der Nymphen (1850), sein Souvenir de Mortefontaine (1864) und sein Etoile du Berger waren im Wesentlichen romantisch. Auch seine Bilder von Mönchen, von Frauen in italienischen oder orientalischen Kostümen und von seinen Models, deren Lesen, Malen, Gitarrespielen oder Juwelen sie in einen tiefen Traum tauchen oder nachdenkliche Melancholie. Allmählich, als er sich mit der Natur vertraut machte, begann er, direkt vom Außenmotiv aus zu malen. Er mied die malerischen und schlicht und ohne Beeinträchtigung gemalten Werke wie The Valley (1860), Souvenir of Marissel (1867), The Road at Sin le Noble (1873); oder er wählte unpicturesque Ansichten wie in der Kathedrale von Chartres (1830), im Hafen von La Rochelle (1851), in der Brücke von Mantes (1870). Er schuf keine aufwendigen Settings oder komplexen Kompositionen mehr. Er malte direkt aus der Natur und betonte die Konstruktion und die formalen Qualitäten des Motivs. Seine Farbe war frisch und stimmungsvoll. Seine Ansichten über die französische Landschaft und Städte waren realistisch, aber sie waren auch schon impressionistisch. Er genoss schimmernde Formen und vergängliche Effekte.

Er liebte das wechselnde Licht des Himmels und malte von etwas, das inzwischen als ganz gewöhnliche Motive galt. Dieser direkte Akzent war eine völlig neue Konvention. Corot beeinflusste mehrere Landschaftsmaler, die wiederum die Impressionisten beeinflussten. Seine Formeln wurden von FL Francais und EAS Lavieille wiederholt und von PD Trouillebert geklebt. Die originelleren Künstler nahmen den Geist seiner Arbeit auf: Männer wie Antoine Chintreuil, Henri Harpignies und Charles Daubigny (1817-1878). Daubigny, der bedeutendste dieser Landschaftsmaler, griff auf die Essenz von Corot zurück. Daubigny war ein enger Freund der Barbizon-Maler, aber er war Corot und einigen Malern einer „freundlichen“ Landschaft, wie Camille Flers und Adolphe Cals, am meisten verpflichtet. Geradlinige Aussichten, fließendes Wasser und vorbeiziehende Wolken zogen Daubigny an, der den vergänglichen Charme der Jahreszeiten ( Frühling , 1857) genoss, den er mit Zartheit und Überzeugung festlegte. Die Impressionisten hatten vollkommen recht, wenn es darum ging, die Arbeit zu studieren und das Talent von Daubigny zu respektieren – das vielleicht realistischste unter ihren Vorreitern.

Einfluss des Realismus

Die Realisten Daubigny und Courbet bereiteten den Weg für den Impressionismus. Die Realisten zerstörten die alte Themenhierarchie, wodurch Geschichtsmalerei galt als eine wichtigere Kunst als Landschaft oder Stillleben. Ohne sie hätte der Impressionismus nicht existieren können. Der Realismus lehrte sie, das Leben in all seinen Aspekten vorurteilsfrei direkt zu betrachten, überall, besonders im Alltag, die Schönheit zu entdecken und mit Wahrheit zu malen; und dass dies an sich ausreichend war. Für ihre Technik schauten die Realisten zurück in die Vergangenheit; Sie machten selten Innovationen, viel weniger als Ingres oder Delacroix. Der große Revolutionär der Malerei des 19. Jahrhunderts war nicht Courbet, der letzte von Caravaggio, sondern Manet.

Man merkt sofort, dass die akademische Kunst problemlos vom Realismus profitieren konnte. Eine Zeitlang gab es einige Kämpfe; akademische Künstler machten den Realisten Vorwürfe für ihren Kult der Hässlichkeit, ihre Wahl des Alltags als Gegenstand, ihre wahrheitsgemäße statt idealisierter Darstellung und ihre energische Pinselarbeit. Ebenso fanden Kritiker die Werke von Winterhalter, Gleyre, Hebert, Gerome, Paul Baudry und Cabanel überpoliert, konventionell und literarisch. Die beiden Stile könnten jedoch durchaus kompatibel sein, wie die Arbeiten von Thomas Couture belegen, der seine Römer aus der Zeit des Verfalls (1847) und fast gleichzeitig feine Porträts und robuste Akte malte. Tatsächlich wurden der akademische und der realistische Stil eins in der Arbeit der meisten offiziellen Maler unter der Dritten Republik. Von diesen malte Bonnat Porträts und Carolus-Duran soziale Themen. Gemaltes Genre von N. Goeneutte, H. Gervex und PAJ Dagnan-Bouveret, Ernest Meissonier (1815-91) militärische Untertanen und William Bouguereau (1825-1905) biblische Untertanen. Alle verwendeten die Technik, die am besten geeignet war, um ihre quasi-fotografische Vision wiederzugeben. Sie waren überzeugt von der Notwendigkeit, das, was vor ihnen lag, fraglos zu kopieren und die Natur nachzuahmen. Dies war also das Erbe des Realismus in Frankreich, sowohl ausgezeichnet als auch verabscheuungswürdig. aber es sollte sich viel weiter ausbreiten.

Einfluss des Realismus in ganz Europa

Realistische Malerei betraf die meisten europäischen Länder und kam mit einer Verzögerung an, die der Entfernung von Frankreich entsprach. Diese Ausbreitung war größtenteils das Ergebnis einer allgemeinen Entwicklung in Europa hin zu einer positivistischen Sichtweise, einem Glauben an wörtliche Tatsachen und einer neuen Sichtweise der Wahrheit. Es war eine so allgemeine Bewegung, dass sie Länder wie England, Spanien und Italien betraf, die für die Aufrufe des Realismus am taubsten zu sein schienen. In der Malerei wurde die Verbreitung des Realismus durch Ereignisse wie Courbet, der 1851 Belgien und 1869 Deutschland besuchte, durch Besuche zahlreicher ausländischer Maler wie Menzel, W. Leibl, Jozef Israels und NJ Grigorescu in Paris sowie durch internationale Ausstellungen begünstigt vor allem die von 1855.

Dickens und Thackeray gaben England eine realistische Literatur. Obwohl Ruskin die Künstler dazu veranlasste, sich für die Vergangenheit, die Legende und eine Pseudomystik zu interessieren, gab es in der Malerei Künstler, die dennoch an die Realität glaubten. Aus einer Sicht der Präraffaelitische Bruderschaft Realisten, die eifrig nach einer frischen, wenn auch kurzsichtigen Annäherung an die Natur in der italienischen Kunst des 15. Jahrhunderts suchten. Die Liebe zur Wirklichkeit ist das Herzstück ihrer Kunst, obwohl sie von Literatur, Frömmigkeit und Pastiche belastet waren. Diese Maler, William Holman Hunt (1827-1910), Dante Gabriel Rossetti (1828-82) und John Everett Millais (1829-96), und auch ihr geistiger Vater, Ford Madox Brown (1821-93), inspirierten sie zum Malen im kleinsten Detail hatte etwas mit der miniaturistischen Vision eines Meissonier gemeinsam.

Der katalanische Künstler Mariano Fortuny (1838–1874) erinnert auch an Meissonier, den er übrigens in Paris kannte. Auch er war ein Realist, der sich an der Vergangenheit orientierte und es liebte, den Trödel eines Schrottladens mit mikroskopischer Genauigkeit zu reproduzieren, den er mit hohler Brillanz malte. Fortuny, der in ganz Europa gefeiert wurde, begründete dieses hybride Genre, einen Kompromiss zwischen romantischer Schokoladenkistenmalerei und versüßtem Realismus. Er starb in Italien, wo sein Einfluss jede Art von hübschem oder bösartigem Gemälde beeinflusste. D. Morelli, der von den lebhaften Qualitäten Courbets unbeeinflusst blieb, war ein Gefangener der Historienmalerei – oder vielmehr des Melodramas. Wohl der herausragende spanische Künstler der Zeit ist Joaquin Sorolla Y Bastida (1863-1923), deren Karriere den allgemeinen Trend vom Realismus zum Impressionismus veranschaulicht. Vergleichen Sie zum Beispiel sein realistisches Meisterwerk The Relic (1893, Fine Arts Museum, Bilbao) mit seiner impressionistischen Arbeit The Bath (1909, Metropolitan Museum of Art, NY).

Die Tendenz zum Realismus war überall stark, stieß aber außer in Frankreich immer auf einen fest verankerten Akademismus. Die Romantik in Frankreich hatte Strömungen in Gang gesetzt, die zu einer großartigen Ernte der realistischen Maler führten. An anderer Stelle wurde der Realismus geboren, anstatt zu wachsen und sich zu entwickeln. Es wurde seine volle Verwirklichung verweigert, weil die Maler der Vergangenheit und einem literarischen Ansatz gegenüber fügsam waren, und dies war sogar in Ländern der Fall, deren traditionelles Genie sie möglicherweise zu ihrer Akzeptanz veranlasst hätte. 1867 wurde in Belgien die Societe Libre des Beaux Arts gegründet. Charles de Groux, der in Brüssel arbeitete, war das belgische Gegenstück zu Legros. Er entwickelte einen ehrlichen und energischen Stil basierend auf Courbet.

Die Barbizon-Maler beeinflussten eine schöne Schule von Landschaftsmalern in Tervueren, unter denen Hippolyte Boulenger herausragend war. Daubignys Einfluss trat in den sensiblen Meeres- und Regenlandschaften von Louis Artan und Guillaume Vogels auf. Der Realismus wurde bald akademisch in der Arbeit von Alfred Stevens, einem Belgier, der nach Paris übersiedelte (nicht zu verwechseln mit dem gleichnamigen englischen Künstler). Wie im Fall von Henri de Braekeleer, einer Art Fortuny aus Antwerpen, produzierte Stevens eine profane Version des Realismus. Braekeleer und Fortuny waren jedoch bessere Künstler als Stevens oder Meissonier; Sie bedienten sich einer breiteren Pinselführung, konnten das Spiel des Lichts interpretieren und hatten ein Gespür für einfache Dinge. Ihre Bewunderung für David Teniers und Gonzales Coques, obwohl es ihrer Arbeit half, beschränkte sie irgendwo zwischen dem flämischen 17. Jahrhundert und dem französischen 19. Jahrhundert; Letztere konnten sie aufgrund einer bewussten oder unbewussten Treue zu ihrer nationalen Tradition nicht voll akzeptieren. Gleiches galt für den Tiermaler Jan Stobbaerts und auch für ihre niederländischen Nachbarn.

Zuvor hatte die niederländische Barockkunst des 17. Jahrhunderts die Barbizon-Schule stark beeinflusst. Die Barbizon-Schule hat jetzt ihre Schulden gegenüber Holland zurückgezahlt, indem sie die Schule von Den Haag beeinflusst hat, von denen sich viele im dortigen Mesdag-Museum befinden. (Sehen: Postimpressionismus in Holland : 1880-1920.) Diese niederländischen Künstler bewunderten leidenschaftlich ihre französischen Vorgänger. Die Künstler in Den Haag hatten unterschiedliche Ansichten, aber einige Gemeinsamkeiten. Sie verbanden die der Kunst von Rousseau und Millet zugrunde liegenden Ideen mit ihrem eigenen nationalen Erbe. Mit diesen schufen sie einen präzisen und wörtlichen Realismus, der durch die Traditionen niederländischer Maler, die sich intensiv mit den Auswirkungen des Lichts und der Verwendung von Hell-Dunkel befassten, der Kahlheit aus dem Weg ging . Ihre Arbeit ist überzeugt und zeigt eine sensible Melancholie. Johannes Bosboom war von den Beispielen der Vergangenheit begeistert. JH Weissenbruch und PJC Gabriel spiegeln sowohl die jüngste Romantik als auch die fernere Zeit von van de Velde und Hobbema wider. Jozef Israels verbrachte drei Jahre in Frankreich. Dies, zusammen mit seiner Armut und vielleicht dem Einfluss seiner jüdischen Herkunft, weckte in ihm einen Geschmack für soziale Kunst. Der Geist von 1848 ging in seine sentimentalen Alltagsbilder über. In den Werken von Anton Mauve wurde die gleiche Tendenz zum Sentimentalen durch die Zartheit seines Lichts und seiner Farbe gemildert. Die Maris-Brüder Jacob, Matthijs und Willem schienen fast die Daubignys ihres Landes zu sein; Sie waren ihrer Landschaft treu, ohne konventionell zu sein.und sie waren sensibel für das Spiel des Lichts, das ihren Werken einen Hauch von Impressionismus verlieh. Der größte dieser niederländischen Maler war zweifellos Johan Barthold Jongkind (1819-1891), der sowohl Franzose als auch Holländer war. Er ebnete den Weg zum Impressionismus, nachdem er zuerst eine Periode der anekdotischen Romantik und dann eine des Realismus durchlaufen hatte.

Französische realistische Landschaftsmaler beeinflussten auch die Schweizer. Karl Bodmer, der Barbizon besuchte, und Barthelemy Menn, der mit Corot befreundet war, lieferten Schweizer Malerei aus der malerischen Touristenlandschaft von Calame und der überarbeiteten Romantik alpiner Szenen.

Anekdotischer Realismus in Deutschland und Russland

Die deutsche Malerei des 19. Jahrhunderts war idealistisch, philosophisch und literarisch. Maler des 19. Jahrhunderts wie Piloty, Arnold Bocklin (1827-1901) und Feuerbach wurden von der detaillierten anekdotischen Kunst der Biedermeier-Maler zum Realismus geführt. Ähnlich entwickelte sich die österreichische Kunst.

Unter den Malern des Alltags hatten Krüger in Preußen, Carl Spitzweg (1808-1885) in Bayern, Jakob Alt und Moritz von Schwind in Österreich ihr Gegenstück beim Franzosen Lami. Landschaftskünstler mit einer fotografischen und berührenden Geschichte waren unter anderem Eduard Gartner in Berlin und Ferdinand Georg Waldmüller (1793-1865) in Wien. Die beiden besten deutschen Maler, Adolph Menzel (1815-1905) und Wilhelm Leibl (1844-1900) wurden beide vom französischen Realismus beeinflusst. Menzel besuchte dreimal Paris und malte dort sein bekanntestes Werk, Memories of the Theatre Gymnase (1856). Die auffällige Verwendung von Farbe verbindet sich glücklich mit scharfer Beobachtung und Witz. Leibl malte auch einige seiner besten Arbeiten in Paris, zum Beispiel Cocotte von 1869. Als er nach Deutschland zurückkehrte, wurde seine Beobachtung fotografisch genau und er bemühte sich um eine vollständige Balance zwischen Farbe und zeichnen. Drei Frauen in der Kirche (1882) ist sein bekanntestes Werk dieser Zeit.

Deutsche Maler verfielen oft in Geschichtenerzählen. Hans Thoma wurde 1868 durch den flüchtigen Einfluss Courbets zu einer realistischen Landschaftsauffassung hingezogen, wurde aber später zu einer Art Dichtermaler, bei dem der narrative Drang an erster Stelle stand. Franz von Lenbach (1836-1904), ein Porträtmaler, der wiederum von den flämischen Malern des 15. Jahrhunderts, den Venezianern, Rembrandt und Velasquez, entlehnt wurde.

In Osteuropa wurden Russland, Ungarn und Rumänien vom französischen Realismus beeinflusst. Das mystische und humanitäre Russland von Gogol war bereit, die Ästhetik Frankreichs von 1848 zu akzeptieren, obwohl es sich nicht technisch anfühlte, da der Akademismus dort stärker verankert war als in jedem anderen Land. 1863 lehnten sich die jüngeren Künstler gegen die Akademie auf. NG Chernyshevski schrieb 1855 The Aesthetic Relations of Art to Reality, in dem er die neuen realistischen und sozialen Lehren darlegte. Seine Freunde gründeten 1870 die Society for Travelling Art Exhibitions (deren Mitglieder als The Wanderers bekannt wurden) oder Wanderer), mit der Absicht, ganz Russland zu ihrer neuen Sichtweise in der Kunst zu erziehen, aber leider stammten ihre Werke nur aus den altmodischen Techniken, die ihnen beigebracht worden waren. Sie verwechselten Malerei und Thema, und ihre Kunst war nur oberflächlich realistisch. Wassili Perow (1833-82) malte antiklerikale Genreszenen. Ivan Kramskoy (1837-1887) malte Die Versuchung Christi in Golgatha (1892); In beiden steckt etwas von der religiösen Enttäuschung ihrer Zeit. Der Pazifismus durchdrang die Militärbilder von Wereschtschagin, der die Schrecken des Krieges aus erster Hand gesehen hatte. Wassili Surikow (1848-1916) protestierten gegen den Machtmissbrauch in seinem Boyarin Morisova (1887) und seinem Morgen der Hinrichtung der Streltsy (1881). Ilya Repin (1844-1930) war der bedeutendste slawische Maler dieser Zeit. Er sympathisierte mit dem Leiden des Volkes wie in The Bargemen of the Volga (1873) oder plädierte für die Revolutionäre wie in Revolutionary Awaiting Execution oder sie erwarteten ihn nicht . Die Qualität selbst von Repins Werk entsprach nicht dem Adel seiner Absichten. Russland war so tief in akademische Gewohnheiten verstrickt, dass selbst sein größter Künstler die alte Verwechslung von Subjekt und Bild, von Dargestelltem und Dargestelltem nicht beseitigen konnte. Realistische Landschaftskunst wurde am besten durch den Waldkünstler veranschaulicht Ivan Shishkin (1832-98) und der szenische Maler Wassili Polenow (1844-1927), der auch für seine biblischen Bilder bekannt war.

Ungarische Künstler, insbesondere Mihaly von Munkacsy, interessierten sich gleichermaßen für soziale Kunst. In Gemälden wie " Bauernidylle" (1865), " Der letzte Tag des zum Tode verurteilten Gefangenen" (1870) und " Die Wilderer" (1874) enthüllte er die Tugenden und Leiden des Volkes, ein Gefühl der nationalen Herrlichkeit und einen humanisierten Christus. Diese Arbeiten erinnerten an Courbet und die Caravaggio-Schule, blieben aber leider in einer Museumstradition. Pal von Szinyei Merse malte das zeitgenössische Leben in Ungarn auf lebhafte Weise mit einer freien Technik und einer lebhaften Wertschätzung für seine Zeit ( Picknick im Mai , erstmals ausgestellt 1873); und Laszlo Pail malte Landschaften nach Barbizon-Tradition und verbrachte dort seine fruchtbarsten Jahre. In Rumänien setzte NJ Grigorescu, der im Wald von Fontainebleau gearbeitet hatte, den Barbizon-Stil in Bildern seiner eigenen Landschaft und seiner Bauernschaft fort.

Der französische Realismus verbreitete sich in ganz Europa, obwohl er weder Courbet noch Daumier entsprach. Repin war kaum mehr als ein slawischer Jules Breton. Die Cocotte von Leibl war mehr eine Cousine der Frau mit Handschuhen als irgendeine Beziehung der Mädchen am Ufer der Seine . Dieser Realismus machte jedoch den ersten Bruch in der akademischen Perspektive mehrerer Länder; es ermutigte die Maler, das Leben um sie herum anders zu betrachten, so dass sie kamen, um die Grundlage ihrer Malerei zu überdenken. Es bereitete auch den Boden für James Ensor (1860–1949) in Belgien die Jugend Vincent van Gogh (1853-1890) in Holland und Max Liebermann (1847-1935) und Lovis Corinth (1858-1925) in Deutschland.

Realismus in Australien

Außerhalb Europas wirkte sich Courbets realistischer Malstil besonders aus Australischer Impressionismus , deren Praktiker – darunter Fred McCubbin (1855-1917), Tom Roberts (1856-1931), Arthur Streeton (1867-1943) und Charles Conder (1868-1909) – bevorzugte einen naturalistischeren Stil als Monet. Diese realistischere Herangehensweise – am Beispiel von McCubbins eindrucksvollem Gemälde "The Pioneer" (1904, National Gallery of Victoria) – entsprach ihrem übergeordneten Wunsch, einen realistischen Kunststil zu schaffen, der die Realität des Siedlerlebens in Australien angemessen wiedergibt.

Realismus in China (20. Jahrhundert)

Die neueste Variante der realistischen Malerei des 20. Jahrhunderts ist Zynischer Realismus , die chinesische zeitgenössische Malerbewegung, die in den frühen neunziger Jahren auftauchte und die Angst und Unsicherheit in China nach dem Platz des Himmlischen Friedens verspottete.