Katholische Gegenreformation Art Automatische übersetzen

Der Begriff „katholische gegenreformatorische Kunst“ bezeichnet einen strengeren, lehrhaften Stil der christlichen Kunst, der sich in der Zeit um 1560-1700 als Reaktion auf Martin Luthers Auflehnung gegen Rom (1517) und die darauf folgende protestantische Reformationskunst entwickelte. Dieser strengere Stil der katholischen biblischen Kunst, der durch das Konzil von Trient (1545-63) eingeführt wurde, sollte die theologischen Unterschiede zwischen Katholizismus und Protestantismus hervorheben, indem die Geheimnisse des Glaubens und die Rolle der Jungfrau Maria und der Heiligen betont wurden. Damit sollten die katholischen Gemeinden in ganz Europa mobilisiert und die Auswirkungen der protestantischen Revolte abgeschwächt werden. Um ihrer Kampagne Schwung zu verleihen, begann die römische Kirche - mit Unterstützung des neu gegründeten Jesuitenordens sowie wohlhabender frommer Männer - neue architektonische Bauwerke, Werke der Altarkunst (meist großformatige Ölgemälde), inspirierende kirchliche Fresken und große Werke der kirchlichen Skulptur und Holzschnitzerei in Auftrag zu geben.

Die glühenden Verfechter der katholischen Gegenreformation und ihrer religiösen Kunst waren Italien, Spanien und seine Kolonien Flandern und Neapel, sowie Süddeutschland. Ihre führenden Vertreter waren daher die italienischen Barockkünstler Caravaggio, Pietro da Cortona, Bernini, Andrea Pozzo; die Schule der spanischen Malerei El Greco, Ribera, Francisco de Zurbarán; der flämische Meister Peter Paul Rubens.

Geschichte: die Reformation, der Niedergang der Spiritualität der Kunst

Im sechzehnten und siebzehnten Jahrhundert wurde die Kunst der katholischen Gegenreformation durch zwei wichtige Faktoren geprägt. Erstens: die zunehmende Korruption in der römisch-katholischen Kirche, angefangen beim Papst. Diese Korruption (insbesondere der Verkauf von Ablassbriefen zur Finanzierung des Wiederaufbaus des Petersdoms in Rom), die von Papst Leo X. (1513-21) überwacht wurde, veranlasste Luther, den protestantischen Aufstand zu starten.

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Der zweite Faktor war künstlerischer Natur, obwohl auch er einen ähnlichen geistigen Niedergang widerspiegelt. Im Laufe des fünfzehnten Jahrhunderts wurde die Malerei der Frührenaissance, die von der Kirche oder ihren christlichen Anhängern in Auftrag gegeben wurde, allmählich weniger und weniger religiös.

Die Fresken der Kapelle Tornabuoni (1485-90) von Domenico Ghirlandaio beispielsweise scheinen sich mehr auf die Details des bürgerlichen Stadtlebens zu konzentrieren als auf ihre eigentlichen Themen - das Leben der Jungfrau und Johannes der Täufer . Darüber hinaus begannen weltliche Prioritäten die Malerei zu beeinträchtigen: Der einflussreiche Andrea Mantegna (1431-1506) wurde beispielsweise zunehmend mit der wohlhabenden Familie Gonzaga in Mantua in Verbindung gebracht, und selbst der fromme Botticelli (1445-1510) malte eine Reihe von heidnischen Werken für die einflussreiche Familie Medici in Florenz: „Primavera“ (Frühling) 1482 und „Geburt der Venus“ 1485 zum Beispiel, die sich durch beträchtliche Nacktheit auszeichnen.

Die Aktivitäten des feurigen Dominikanerpredigers Girolamo Savonarola (1452-1498), die in seinem „Feuer der Eitelkeiten“ im Jahr 1497 gipfelten, waren ein lebendiges Zeugnis für den Mangel an christlicher Frömmigkeit und die wachsende Dekadenz der damaligen Zeit.

Die Situation verschärfte sich in der Epoche der Malerei der Hochrenaissance, als der Humanismus (der charakteristisch in männlichen und weiblichen Akten zum Ausdruck kommt) zu einem wichtigen Merkmal der Ästhetik der Renaissance wurde: wie die Marmorstatue des David von Michelangelo (1501-4) und Ignudi in dem Fresko Genesis (1508-12) an der Decke der Sixtinischen Kapelle von demselben Künstler zeigen. Schlimmer noch, die Hochrenaissance wich in den 1520er- und 30er-Jahren den optischen Ansprüchen der manieristischen Malerei: Werke wie das Altarbild „Die Kreuzabnahme“ (1526-8) in der Capponi Kapelle in Florenz von Pontormo (1494-1557) sind Beispiele dafür. Diese unkonventionelle Herangehensweise an die Kunst gefiel weder den Protestanten noch den konservativeren Fraktionen in Rom. Ein weiteres Werk, das Kontroversen auslöste, war „Das Hochzeitsmahl zu Kana“ (1563) von Veronese.

Konzil von Trient

Eine Reformkampagne war notwendig, um das Vertrauen in die Autorität der römisch-katholischen Kirche nach zwei Umwälzungen - der protestantischen Reformation (1517) und der Plünderung Roms (1527) - wiederherzustellen. Den Anstoß zur Reform gaben die von Ignatius Loyola (1491-1556) gegründete Gesellschaft Jesu (Jesuiten) und das von Papst Paul III. (1534-1549) initiierte XIX. ökumenische Konzil (Konzil von Trient), das zwischen 1545 und 1563 auf 25 Tagungen tagte. Die Reformatoren glaubten fest an die erzieherische und inspirierende Kraft der bildenden Künste und entwickelten eine Reihe von Richtlinien, die bei der Schaffung von religiösen Gemälden und Skulpturen zu befolgen waren. Diese bildeten die Grundlage für das, was als katholische Kunst der Gegenreformation bekannt wurde.

Merkmale der katholischen Kunst der Gegenreformation

Die Reformatoren betonten vor allem die Notwendigkeit, die eine wahre Kirche von der Splittergruppe der protestantischen Kirchen zu unterscheiden. Die Künstler mussten sich daher auf besondere Aspekte des katholischen Dogmas konzentrieren, darunter: Unbefleckte Empfängnis, Verkündigung der Jungfrau Maria, Verklärung Christi und andere. Darüber hinaus wurde jede ausdrückliche Darstellung des Leidens und des Todeskampfes Christi am Kreuz als besonders erhaben angesehen und diente dazu, die einzige katholische Version der Transsubstantiation in der Eucharistie zu veranschaulichen. Die Rolle der Jungfrau Maria, der Heiligen und der Sakramente ist ebenfalls eine Besonderheit des Katholizismus und sollte entsprechend dargestellt werden.

Zweitens argumentierten die Reformatoren, dass die biblische Bildlichkeit in ihrer Erzählung direkt und überzeugend sein muss und klar und genau dargestellt werden muss, ohne unnötige oder imaginäre Ausschmückungen.

Drittens bestanden die Reformatoren, insbesondere fromme Männer wie Ignatius von Loyola, Teresa von Avila, Johannes vom Kreuz, Franz von Sales und Philipp Neri, darauf, dass die katholische Kunst die Frömmigkeit fördern sollte, weshalb die Künstler Szenen von angemessener geistlicher Intensität malen und gestalten sollten.

Viertens betonten die Reformatoren, wenn sie darüber sprachen, wie Gemälde und Statuen ausgeführt werden sollten, dass sie so weit wie möglich verständlich und relevant für das einfache Volk sein sollten .

Mit diesen Techniken musste die katholische Kunst die Ausbreitung des Protestantismus in ganz Europa bekämpfen, insbesondere in Regionen wie Frankreich, Süddeutschland, den Niederlanden, Polen, Böhmen und Ungarn. Jahrhunderts, der seinen Malstil änderte, um den Forderungen des Tridentinischen Konzils zu entsprechen, siehe: Federico Barocci (1526-1612).

Spätere große religiöse Werke wie das Fresko „Das Jüngste Gericht“ (1536-61) von Michelangelo und „Das letzte Abendmahl“ (umbenannt in „Das Fest im Hause Levi“ (1573) von Paolo Veronese wurden von den katholischen Behörden getadelt: Die erste wegen der Nacktheit, der Darstellung von Christus ohne Bart und der heidnischen Figur des Charon; die zweite wegen der Einbeziehung von betrunkenen Deutschen, Zwergen und anderen unpassenden Figuren in das Gemälde und wegen der übermäßig extravaganten Kostüme.

Die Barockbewegung

Nach dem Konzil von Trident verstärkte die katholische Kirche zusammen mit neuen religiösen Orden wie den Barnabiten, Kapuzinern, Karmeliten, Jesuiten, Theatern und Ursulinen ihr Mäzenatentum in ganz Europa. Aus dieser gegenreformatorischen Kampagne ging die anti-manneristische Bologneser Schule (1590-1630) hervor, die von Annibale Carracci zusammen mit seinem Bruder Agostino Carracci (1557-1602) und seinem Cousin Ludovico Carracci (1555-1619) angeführt wurde, und dann die internationale Bewegung, die wir als Barock kennen, deren Stil bis 1700 oder später andauerte. oder später. Dieser typisch kraftvolle und dramatische Stil beeinflusste alle Künste und ließ die barocke Architektur sowie die barocke Malerei und Bildhauerei entstehen: Die Entwürfe enthielten oft eine Kombination all dieser Disziplinen.

Katholische Kunst in Italien

Die Architekten des Barock in Italien schufen viele Musterbeispiele der katholischen Architektur, insbesondere die Basilika und die Umgebung des Petersdoms (um 1506-1667) und die Kirche des Gesù (1568-84) in Rom; und die Künstler des Barock in Italien schufen viele Musterbeispiele der katholischen Architektur, insbesondere die Basilika und die Umgebung des Petersdoms (um 1506-1667) und die Kirche des Gesù (1568-84) in Rom (um 1568-84).) in Rom; und die Künstler der Gegenreformation zeichneten sich durch einen klassischen Ansatz aus, der durch die Werke von Annibale Carracci (1560-1609) und die venezianischen Altarbilder des späten 16. Jahrhunderts, insbesondere die von Tizian (ca. 1485 /8-1576 /8-1576) und Tintoretto (1518-1594), veranschaulicht wurde.

Das Paradebeispiel der gegenreformatorischen Barockskulptur ist die „Ekstase der heiligen Teresa“ (1647-52) von Bernini (1598-1680) in der Cornaro-Kapelle, Santa Maria della Vittoria, Rom. Nach Bernini war der größte katholische Maler in Rom Carlo Maratta (1625-1713).

Die wahrhaftigste „katholische Kunst schuf jedoch das eigensinnige Genie Caravaggio (1571-1610), dessen religiöse Figurenmalerei so natürlich und realistisch und daher für gewöhnliche Gemeindemitglieder sofort verständlich war, dass sie zum Inbegriff der katholischen Malerei der Gegenreformation wurde. (Siehe z. B. „Abendessen in Emmaus“ 1601-2, National Gallery, London). Tatsächlich benutzte Caravaggio Menschen von der Straße als Modelle für seine sakralen Figuren, was zu einem solchen Realismus führte, dass die Konservativen ihn kritisierten, weil er der Jungfrau Maria nicht genug Respekt zollte.

Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des siebzehnten Jahrhunderts .

Meister der spirituellen Inspiration waren die Künstler, die die erstaunlichen illusionistischen Fresken, bekannt als Quadratura, an den Wänden und Decken der barocken Kirchen schufen. Zu den besten Trompe-l’oeil-Gemälden gehören: Himmelfahrt der Jungfrau (Dom zu Parma) (1526-30) von Correggio siehe Correggio. Schule der Malerei von Parma ; Triumph des Namens Jesu (1584, Kirche Gesù) von Giovanni Battista Galli; Allegorie der göttlichen Vorsehung (1633-9, Palazzo Barberini) von Pietro da Cortona ; und Apotheose des Heiligen Ignatius (1691-4, San Ignazio, Rom) von Andrea Pozzo . Vergleichen Sie diese inspirierenden Werke mit den gedämpften, sogar strengen Kircheninterieurs, die von protestantischen Künstlern wie Peter Saenredam (1597-1665) und Emanuel de Witte (1615-1692) geschaffen wurden.

Katholische Kunst in Spanien und Neapel

Wenn Italien das Gehirn der katholischen Gegenreformation war, so war ihr Herz Spanien, das frommste Land Europas. Unter dem ultra-frommen König Philipp II. (1527-98) schufen die Maler und Bildhauer des spanischen Barocks einige der geistig intensivsten Darstellungen der katholischen Lehre. Der größte von ihnen war El Greco (1541-1614), zu dessen Meisterwerken „Die Nacktheit Christi“ (1577, Kathedrale von Toledo); „Das Begräbnis des Grafen von Orgaz“ (1586, Kirche San Tomé, Toledo) gehören; Christus, der die Händler aus dem Tempel vertreibt (1600, National Gallery, London); Himmelfahrt der Jungfrau Maria (1607-13, Museo S Cruz, Toledo); und Anbetung der Hirten (1613, Prado, Madrid). Unter anderen spanischen Barockkünstlern : Velázquez (1599-1660) - wenn auch nur wegen seines Meisterwerks „Christus am Kreuz“ (um 1632, Prado) - Zurbarán (1598-1664); Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) und Juan de Valdés Leal (1622-1690).

In der spanischen Kolonie Neapel wurde die katholische neapolitanische Malerschule (1600-56) von einer Reihe frommer Künstler wie Battistello Caracciolo (1578-1635), Husepe Ribera (1591-1652), Guido Reni (1575-1642) und Lanfranco (1582-1647) geleitet.

Nach der Pestepidemie von 1654-55. Der neapolitanische Barock wurde von Meistern wie Mattia Preti (1613-1699) und Luca Giordano (1634-1705) vertreten; Beide studierten Caravaggio in Neapel und beide nahmen das Erbe der venezianischen Malerei des Cinquecento auf, insbesondere das Werk von Paolo Veronese (1528-1588).

Zu den spanischen Bildhauern, die zur katholischen Gegenreformation beitrugen, gehören: Juan de Juni (1506-1577); Jeronimo Hernández (1540-1586); Pablo de Rojas (1549-1611); Andrés de Ocampo (1555-1623); Juan Martínez Montañez (1568-1649); Gregorio Fernández (1576-1636); Alonso Cano (1601-1667); Pedro Roldán (1624-1699).

Katholische Kunst in Flandern

Im Gegensatz zu ihren niederländischen Rivalen im Norden malten die katholischen flämischen Künstler der Spanischen Niederlande (Flandern war eine spanische Kolonie) weiterhin großformatige religiöse Gemälde für kirchliche Auftraggeber. Die flämische Malerei des späten sechzehnten und siebzehnten Jahrhunderts wurde von Rubens (1577-1640) und seinem führenden Schüler Anthony Van Dyck (1599-1641) beherrscht. Zu den zahlreichen Meisterwerken der katholischen Kunst, die Rubens schuf, gehören „Samson und Dalila“ (1610, National Gallery, London); „Die Ermordung der Unschuldigen“ (1611, Privatsammlung); „Die Kreuzabnahme“ (Rubens) (1612-14), Liebfrauenkathedrale, Antwerpen); Auferstandener Christus (1616, Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Florenz); Christus am Kreuz (1620, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerpen); und Himmelfahrt der Jungfrau (1626, National Gallery of Art, Washington).

Die Kunst der Gegenreformation verbreitete sich im gesamten katholischen Europa und später auch in den katholischen spanischen Überseekolonien in Asien und Amerika. Unterstützt von Jesuiten und Franziskanern, inspirierte sie in Übersee Gruppen wie die Cuzco-Schule, die Quito-Schule und die Chilote-Schule der katholischen Bilder.

Katholische Gemälde und Skulpturen der Gegenreformation sind in einigen der besten Kunstmuseen der Welt zu sehen.