Englische Landschaftsmalerei, 18./19. Jahrhundert: Geschichte, Entwicklung, Stile, Künstler: JMW Turner, John Constable Automatische übersetzen

Ursprünge der englischen Schule

Das moderne Verhältnis zur Natur unterscheidet sich so sehr von dem des 18. Jahrhunderts, dass es für uns nicht leicht ist, die Vorurteile zu verstehen, mit denen die frühen englischen Landschaftsmaler zu kämpfen hatten. Zu Beginn des Jahrhunderts die Idee, dass die Genre der reinen Landschaft konnte ein passendes Thema für die Kunst sein, war etwas mehr als hundert Jahre alt, und die Idee blieb noch unter Personen des "Geschmacks", dass ein Landschaftsmalerei muss von einem scheinbaren Figurenthema würdig sein.

Niederländischer Einfluss auf die englische Landschaftsschule

Das Landschaftsgefühl war in Nordeuropa, insbesondere in Flandern, und vor der Mitte des 15. Jahrhunderts am ausgeprägtesten Van Eyck hatten Landschaftshintergründe gemalt, die in ihrem Sinn für Raum, Beleuchtung und Atmosphäre genauso wahr waren wie alles, was in den nächsten dreihundert Jahren geschaffen wurde, und in Flandern wurden zuerst Bilder gemalt, die sich der reinen Landschaft näherten. Mit der Abnahme der religiösen Begeisterung wuchs das Interesse am Hintergrund und insbesondere an einigen Malern Joachim Patenier und Mitglieder der Donauschule (1490-1540) in Bayern und Österreich sowie Pieter Brueghel der Ältere , reduzierten den Maßstab ihrer Figuren auf eine Bedeutungslosigkeit im Verhältnis zu ihrem landschaftlichen Hintergrund. Aber erst im 17. Jahrhundert kam die Landschaft so richtig zur Geltung. Im protestantischen Holland wandten sich die Maler, die nach neuen Gegenständen suchten, um die alten Andachtsgegenstände zu ersetzen, der Landschaft zu, und eine Schule von Künstlern bildete sich aus ihnen Meindert Hobbema (1638-1709), Salomon van Ruysdael (1603-70), Aelbert Cuyp (1620-90) und Jacob van Ruisdael (1628-82), dessen Arbeit dazu beitrug, den konventionellen englischen Geschmack im nächsten Jahrhundert zu formen.

Entwicklung der klassischen Landschaftskunst in Italien

Inzwischen hatte sich die Landschaft in Italien auf ganz andere Weise entwickelt. So führte eine Tendenz zum Idealismus und zur Breite des Sehens zur Behandlung der Landschaft, insbesondere im 16. Jahrhundert unter den Venezianern, in breiten und einfachen Massen konventioneller Farben und Töne, die mit den leuchtenden Farbschemata ihrer Bilder harmonierten. Aus ihrer Arbeit und der der eklektischen Maler Bolognas entwickelte sich die römische Schule der klassischen Landschaft, von der Claude Lorrain und Nicholas Poussin waren die Führer im siebzehnten Jahrhundert. Es sei daran erinnert, dass keiner dieser Maler italienischer Herkunft war und dass Paul und Matthys Bril, die ihnen als Landschaftsmaler in Rom vorausgingen, ebenfalls Nordländer waren. Auf der Arbeit dieser römischen Maler beruhte die Idee der "klassischen Landschaft" aus dem 18. Jahrhundert, eine Konzeption, die dem "großen Stil" in Frankreich entsprach Figurenmalerei .

Die zwei Stile der Landschaftskunst des 18. Jahrhunderts

Es gab also zwei Hauptstile der Landschaft, die die Zustimmung des Geschmacksrichters des 18. Jahrhunderts fanden, den klassischen und den niederländischen. Die Werke dieser beiden Schulen galten als Vorbilder und waren abgeleitete Regeln, Prinzipien und Geschmackskanonen, nach denen die gesamte Landschaft beurteilt werden konnte. Kein Appell an die natürliche Wahrheit konnte gegen einen Appell an die Regeln des guten Geschmacks sprechen, und im Zeitalter der Vernunft fand die rohe Natur, die vom Willen des Menschen nicht gebändigt wurde, bei niemandem Gunst. Die Literatur der damaligen Zeit verdeutlicht diesen Standpunkt. Alle anderen als die zahmsten und am meisten gepflegten Aspekte der Natur werden in der Regel mit unvermischtem Entsetzen beschrieben. Dies war vielleicht in einer Zeit selbstverständlich, in der sich der Mensch seiner Würde besonders bewusst war und in der die noch ungezähmten wilden Naturkräfte eine Bedrohung darstellten, die er nicht ignorieren konnte. Die schrecklichen Alpen sprachen von nichts als Kälte und Not, aber ein Bild von einem "Gentleman’s Seat" oder einem Park war ein ermutigender Anblick, der ihn an sein reiches Ackerland und seine Ehre im Land erinnerte.

Topographische Landschaften

Vor Richard Wilson hatte es keinen bemerkenswerten englischen Landschaftsmaler gegeben, und dementsprechend gab es ein weiteres Vorurteil zugunsten der Werke von Ausländern, gegen die er kämpfen musste. Es war ein verlorener Kampf gegen die Kräfte der Vorurteile und des guten Geschmacks, und der Frontalangriff von Wilson und Thomas Gainsborough hätte ohne die flankierende Bewegung der topografischen Zeichner , die eine Mode für die Veröffentlichung von Büchern war, durchaus gescheitert sein können Gravuren von "Herrensitzen" ins Leben gerufen. Die Bücher wurden in der Regel im Abonnement veröffentlicht, und für die Bezahlung einiger Guineen konnte ein Landsmann eine Gravur seines eigenen Platzes einschließen. Hier bestand eine echte Forderung, die fest auf dem Fundament menschlicher Eitelkeit beruhte und eine Existenzgrundlage für eine Schule von Aquarellisten darstellte, die es sonst nicht gegeben hätte. Ihre Zeichnungen hatten ein bescheidenes Ziel und sollten zunächst keine eigenständige Existenz haben, abgesehen von den von ihnen gemachten Gravuren. Von den Künstlern wurde wenig, aber Genauigkeit verlangt, und folglich waren sie freier als der Ölmaler von den Konventionen des "Geschmacks" und in der Lage, aus dem direkten Studium der Natur zu lernen, anstatt ideale Landschaften gemäß der Regel zu konstruieren. Ihre frühe Arbeit ist voll von stereotypen Tricks und Konventionen der Zeit, aber diese wichen allmählich einer frischeren und natürlicheren Vision, wie die Künstler in der Schule der Natur lernten.

Richard Wilson (1714-82)

Bekannt als "der Vater der englischen Landschaft", war es Wilson, der – wie William Hogarth in der figurativen Kunst – die Hauptlast des Kampfes gegen konventionelle Standards trug. Für biografische Details siehe: Richard Wilson .

Samuel Scott, Charles Brooking

Von Wilsons Zeitgenossen sind Samuel Scott (1710-72) und Charles Brooking (1713-59) erwähnenswert. In beiden Fällen ist der Einfluss der niederländischen Kunst offensichtlich. Dies ist insbesondere bei Brooking der Fall, dessen erfreuliche, aber wenig aufregende kleine Seestücke genau den Vorstellungen des Van de Veldes entsprechen , der Ende des 17. Jahrhunderts in England arbeitete. Scott, dessen Werk hauptsächlich aus Szenen an der Themse besteht, war ein unabhängigerer Maler. Seine Bilder sind direkte Aufzeichnungen des Gesehenen ohne künstliche Luft und Grazie.

Thomas Gainsborough (1727-88)

Gainsborough war der einzige Ölmaler, dessen Talent für Landschaft Wilsons ebenbürtig war. Für biografische Details siehe: Thomas Gainsborough .

Frühe Aquarellmethoden

Die Methode dieser frühen Aquarellisten bestand darin, ihr Motiv in präziser und feiner Federzeichnung sorgfältig zu zeichnen, worauf die Hauptmassen von Licht und Schatten entweder mit Tusche oder in einem sehr begrenzten Schema aus Blau und Blau gewaschen wurden Grautöne für Abstand und Himmel und braune und bräunliche Gelbtöne für den Vordergrund. Gelegentlich verwendeten Künstler ein vollständigeres Farbschema – Francis Towne (1740-1816) war eines – aber dies sind die Ausnahme. Hierbei ist zu beachten, dass diese zeichnungen waren in erster linie nur als vorbereitende studien für die arbeit des stechers gedacht, und dass seine aufgabe viel schwieriger gewesen wäre, wenn er die tonwerte eines vollfarbschemas in schwarz und weiß hätte übersetzen müssen. Doch trotz ihres bescheidenen Ziels, ihrer ruhigen Farbe und ihrer schüchternen Zeichnung haben diese Künstler einen zurückhaltenden Charme, den es sich zu suchen lohnt.

Die englische Landschaftsschule

Ihr historisches Interesse ist groß, denn vielleicht waren sie noch mehr als Wilson und Gainsborough die Gründer der englischen Landschaftsschule. Thomas Malton (1748–1804), Paul Sandby (1725–1809), MA Rooker (1743–1804), Edward Dayes (1763–1804) und Thomas Hearne (1744–1817) gehören zu den Meistern dieser Schule, deren Werk eine Persönlichkeit und Raffinesse, die ein sorgfältiges Studium belohnen. Der wichtigste Künstler von allen war JR Cozens , der Sohn von Alexander Cozens, einem Aquarellmaler, Zeichenmeister und Kunstschriftsteller.

JR Cozens (1752-99)

Cozens ’Motive sind im Gegensatz zu denen der meisten seiner Zeitgenossen in der Regel kontinental und repräsentieren Szenen in Frankreich, Italien, der Schweiz, Sizilien und anderen Ländern. Seine Farbe ist völlig konventionell, aber er hat eine Größe und Poesie des Sehens und ein Gespür für die "Genius Loci", die seine Zeichnungen viel mehr als nur topografische Aufzeichnungen machen. Seine Auslandsreisen unternahm er meistens in Begleitung von Reisenden, die eine Aufzeichnung von Orten haben wollten, die sie beeindruckten. Wir können daher davon ausgehen, dass seine Arbeit topografisch korrekt war und dass seine Motive manchmal für ihn ausgewählt wurden, aber diese engen Grenzen habe keine Spuren in seiner Arbeit hinterlassen, die so frei und ungehindert ist, als ob er nie gearbeitet hätte, als sich selbst zu gefallen. Niemand, nicht einmal Turner, hat jemals die Größe und Weite der Gebirgslandschaft besser als Cozens beschrieben. Niemand, nicht einmal Girtin, hatte eine größere und einfachere Vision oder zog mehr Schönheit aus dem Charakter seines Mediums.

Cozens ’Leben endete in einer Tragödie, denn 1794 verlor er seinen Verstand. Von da an bis zu seinem Tod blieb er in der Obhut eines Dr. Monro, dessen Name auf andere Weise eng mit der Geschichte der englischen Aquarellmalerei verbunden ist .

Ungefähr zur gleichen Zeit erregten JMW Turner und Thomas Girtin gerade Aufmerksamkeit als vielversprechende junge Aquarellmaler, und sie waren dazu bestimmt, die Grenzen des Aquarells zu erweitern, weit über alles hinaus, wovon Cozens geträumt hatte, obwohl sie ihn innerlich nicht übertrafen wollten seine eigenen Grenzen. Von den beiden lebte Turner bis zur Mitte des neunzehnten Jahrhunderts, und die epochalen Entwicklungen seines Genies gehören zu einem späteren Zeitpunkt, aber Girtin gehört zu der frühen englischen Aquarellschule, die ihren Höhepunkt in seiner Arbeit erreichte. Abgesehen von einer Reihe von Ansichten über Paris, die kurz vor seinem Tod ausgeführt wurden, handelt es sich bei Girtins Themen ausschließlich um englische Themen, und er begann auf die einfache schüchterne Weise der topografischen Zeichner. Er war ein Schüler von Edward Dayes und wurde von Dr. Monro zusammen mit Turner, Varley und anderen vielversprechenden jungen Künstlern angestellt, um Kopien von Aquarellen von Gainsborough, Cozens und anderen Malern anzufertigen. Dr. Monro schenkte diesen jungen Künstlern eine halbe Krone und ihr Abendessen für ein Abendwerk, und die Abmachung war für beide Parteien eine glückliche. Der Arzt kam auf seine Kosten, und die jungen Männer erwarben Kenntnisse und Erfahrungen, die weit mehr wert waren als ihr Gehalt.

Thomas Girtin (1775–1802)

Das Genie von Thomas Girtin war natürlich angeboren, aber man könnte bezweifeln, dass es sich so vollständig wie in seinem kurzen Leben hätte entwickeln können, wenn diese Abende nicht bei Dr. Monro verbracht worden wären. Der Anblick von Gainsboroughs und Cozens ’Werk muss für ihn eine Inspiration gewesen sein, und in ihnen können wir nach dem Keim seiner eigenen Arbeit suchen, aber nur nach dem Keim. Die Kraft von Gainsborough und die Breite von Cozens finden Anklang in seinen Zeichnungen, aber diese Eigenschaften wurden in ihm sozusagen eingebürgert, und es ist nutzlos, in der Arbeit anderer nach Eigenschaften zu suchen, die seine eigenen waren. Um zu erkennen, wie originell sein Werk war, bedarf es einiger Fantasie, denn wir sind inzwischen so an Entwicklungen gewöhnt, die in erster Linie auf seinem beruhen, dass seine Zeichnungen in gewissem Maße ihre revolutionäre Frische für uns verloren haben. "Wenn Tom Girtin gelebt hätte, wäre ich verhungert", so eine oft zitierte Bemerkung von Girtins Kommilitone Turner, die uns jedoch daran erinnert, dass Girtin zu Lebzeiten der Anführer und Turner der Anhänger war. Nichts in Girtins Werk weist auf die späteren Entwicklungen von Turner hin, aber weder zum Zeitpunkt von Girtins Tod tat es etwas in Turners eigenem.

Es ist nicht leicht, genau in Worte zu fassen, was Girtin im Aquarell getan hat, obwohl es leicht zu erkennen ist, wenn man eine Sammlung früher englischer Aquarelle studiert. Es ist nicht genug zu sagen, dass er der Ausführung eine neue Kühnheit und Breite verlieh und die Farbpalette erweiterte, denn Gainsborough hatte Kühnheit, Cozens Breite und Francis Towne als volle Farbpalette. All diese Eigenschaften verband er auf neue und persönliche Weise und gab den fertigen Aquarellen eine Stärke und Substanz, die es ihnen ermöglichte, in direkter Konkurrenz zu stehen Ölgemälde Und das, ohne die besonderen Eigenschaften des Mediums in irgendeiner Weise zu beeinträchtigen. Ferner sind seine Zeichnungen nicht primär in Linie konzipiert, zu der Ton und Farbe hinzugefügt werden. Vielmehr sieht er in großen, einfachen Waschungen, denen das Detail der Zeichnung hinzugefügt wird, und er hat in außergewöhnlichem Maße die Fähigkeit, seine Bilder als eine Einheit und nicht als eine Sammlung von Teilen zu sehen. Seine Motive, die häufig architektonisch sind, sind mehr als Aufzeichnungen von Gebäuden oder Orten, sie sind das Medium eines rein bildlichen Ausdrucks in Bezug auf Licht und Atmosphäre, die die Stimmung und den Schlüssel des Ganzen bestimmen. Auch er zeigt einen neuen technischen Erfindungsreichtum im Umgang mit seinen Waschmitteln und die Fähigkeit, dem natürlichen Verhalten von Aquarell auf Papier neue Qualitäten und Schönheiten zu entlocken. Während seine Kontrolle über sein Medium wahrscheinlich größer war als die derjenigen, die ihm vorausgegangen waren, arbeitet er auf neue Weise mit seinen Eigenheiten zusammen und macht die Unfälle einer fließenden Wäsche zum Ausdruck.

Einige Spuren früherer Konventionen sind auch in seinem neuesten Werk erhalten geblieben, und obwohl die Bandbreite seiner Farben so stark erweitert wurde, wurde er in dieser Hinsicht nie ganz naturalistisch. Mit seinem Tod 1802 endet die erste Periode des englischen Aquarells. Und im neuen Jahrhundert wagten es die Maler, die rohe, frische Brillanz der Natur zu betonen.

Englische Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts

Die Geschichte teilt sich in der Regel nicht in ordentliche Abschnitte ein, die genau mit den Jahrhunderten übereinstimmen, und in gewissem Sinne ist die Zeitspanne von William Hogarth bis zum Tod von JMW Turner eine einzelne Entwicklungsstufe. Aber diese Periode fällt natürlich in zwei Teile, die ungefähr den letzten fünfundsiebzig Jahren des achtzehnten Jahrhunderts und den ersten fünfzig Jahren des neunzehnten Jahrhunderts entsprechen. Im ersten Teil dominieren die Figurenmaler, insbesondere die Porträtmaler, und die Landschaftsmaler bemühen sich um Anerkennung; In der zweiten Phase kommt die Landschaft zur Geltung, und in der Figurenmalerei kommt es zu einem allgemeinen Rückgang der Maßstäbe von Joshua Reynolds und anderen.

In der Landschaft wurden die Traditionen von Richard Wilson , Thomas Gainsborough und den Aquarellmalern so entwickelt, dass sie letztendlich die Sichtweise der Maler nicht nur in England, sondern in ganz Europa revolutionierten. Das neunzehnte Jahrhundert war im Wesentlichen ein Zeitalter der Landschaftsmaler, und die wichtigsten Entwicklungen in der Figurenmalerei waren das Ergebnis der Anwendung der Landschaftsmalerperspektive auf Figurenthemen. Rein technisch lässt sich diese Revolution auf die Arbeit bestimmter Maler zurückführen, doch obwohl sie sich in neuen technischen Methoden niederschlägt, müssen ihre Ursachen in einer sehr weit verbreiteten Veränderung der Einstellung zur Natur gesucht werden.

Die beiden Maler, die vor allem diese veränderte Haltung wirksam zum Ausdruck brachten, waren JMW Turner (1775-1851) und John Constable (1776-1837). Ihre Namen werden wahrscheinlich für immer miteinander verbunden sein, aber sie waren Männer ganz anderer Art und ihre Herangehensweise an die Natur war im Wesentlichen unähnlich. Der auf dem Land geborene und aufgewachsene Polizist brachte eine innige Vertrautheit mit den häuslichen Tatsachen der Natur in seine Arbeit ein, die in der Arbeit des Stadtbewohners Turner gänzlich fehlen und die immer ein Gefühl für die Fremdartigkeit und das Wunder der Welt hat.

Turners Reichweite und Reichweite sind immens. Das ganze Reich der Natur ist seine Provinz, und man fühlt, dass er von ihrem Reichtum und ihrer Vielfalt ein wenig verwirrt ist. Sein Wissen über die Natur ist enzyklopädisch, aber er ist niemals ein einfacher Faktenschreiber. Er scheint eher eine erinnerte Vision zu malen, die durch seine eigene Vorstellungskraft gefärbt und verzerrt ist. Er ist ein Reisender, dessen Geist von einer verwirrten Fülle von Erinnerungen erfüllt ist, die noch immer mit der seltsamen Deutlichkeit wahrgenommen werden, die manchmal kurz vor dem Schlafengehen zum mentalen Sehen führt. Er hat eine seltsame Aufregung, die schlichte Fakten in wilde Poesie verwandelt, manchmal episch, manchmal lyrisch, aber immer romantisch.

Die Reichweite von Constable ist dagegen fast auf seine eigene Landschaft beschränkt. Er reiste nie ins Ausland und sein Verstand war erfüllt von der Schönheit alltäglicher Dinge. Er hat sich neue Aufnahmemöglichkeiten ausgedacht, bleibt aber eher ein Blockflötenspieler als ein Schöpfer. Seine Vision ist die des gewöhnlichen Menschen, subtiler, raffinierter, aber nicht anders in seiner wesentlichen Textur. Die Freude, die wir an seiner Arbeit haben, ist vor allem die Freude an der Anerkennung. Er zeigt uns Dinge, die wir alle gesehen haben, aber mit einer fast überraschenden Frische, und seine Tugend liegt in der Unschuld seines Geistes, die nicht durch Vertrautheit getrübt wird. Für ihn wird die vertraute Welt täglich neu erschaffen, und das Grün der Bäume, der Tau auf dem Gras, der sich bewegende Festzug der Wolken und ihre Schatten auf der Erde werden geheiligt, aber nicht durch Erinnerungen verdunkelt. Von allen Künstlern zeigt er am wenigsten offensichtlich den Einfluss anderer. Ein Mann, der so empfindsam für Schönheit war, konnte der Schönheit und Wahrheit in der Arbeit anderer nicht gleichgültig gegenüberstehen, aber während er die Arbeit der großen Landschaftsmaler bewunderte, die ihm vorausgegangen waren, folgte er der Tradition niemals blindlings. Wenn er Gainsborough, Claude, Girtin und Rubens etwas schuldete, ahmte er sie nie nach. Ihre Arbeit stimulierte lediglich seine eigene Vision.

Im Gegensatz dazu lernte Turner von all seinen Vorgängern durch Nachahmung: Claude, Nicolas Poussin, Richard Wilson, Tizian, Van de Velde, Peter Paul Rubens, Thomas Girtin und John Crome, die er wiederum nachahmte. Ehrgeizig und von Natur aus eifersüchtig, scheint er es nicht ertragen zu können, dass ein anderer die Schönheit der Natur besser machen kann als er. Jeder packte er auf seinem eigenen Boden an, bis er ihn gemeistert hatte. Verkleidung um Verkleidung nahm er an und verwarf ihn, bevor der echte Turner endlich auftauchte.

Trotz aller Gegensätze haben Turner und Constable so viel gemeinsam. Gemeinsam haben sie den Künstlern die Schuppen der angesammelten Konventionen aus den Augen genommen und sie der Natur selbst gegenübergestellt, und sie sind die Gründer von moderne Kunst . Für einen anderen Naturkünstler sehen Sie bitte auch George Stubbs (1724 & ndash; 1806).

John Constable (1776-1837)

Constable stammte wie so viele andere englische Künstler aus East Anglia und wurde in East Bergholt in Suffolk geboren. Welche formelle Ausbildung er hatte, wurde am königliche Akademie Schulen, aber in der Tat war er hauptsächlich Autodidakt. Man kann durchaus glauben, dass ihm die Ausbildung an der Akademie wenig nütze, denn er wusste schon sehr früh genau, was er malen wollte, und niemand, der lebte, konnte ihm beibringen, wie man das macht. Aber es gab zumindest eine Tradition des starken Umgangs mit Farbe, die Reynolds durch sein Beispiel gefördert hatte. In den wenigen Porträts, die er malte, zeigt sich Constable als Anhänger der Reynolds-Schule, wenn auch nicht sehr fähig, und es mag gut sein, dass die Freiheit und Kühnheit des Umgangs und die Reichen pastos Farbtupfer in seiner Landschaft haben seiner akademischen Ausbildung etwas zu verdanken. Im übrigen waren die frühesten Einflüsse in seiner Arbeit Gainsborough und die Niederländische realistische Landschaftsmaler , aber diese zeigen wenig außer in der Wahl des Themas. Die Aquarelle von Girtin waren für die Bewirtschaftung seines Stils wichtiger, und einige seiner Gemälde, nachdem er sich mit Girtins Werken vertraut gemacht hatte, wie die "Malvern Hall" (Nationalgalerie), zeigen eine große Einfachheit und Breite, die nicht vorhanden war seine frühere Arbeit. Aber selbst wenn man den Unterschied des Mediums beiseite lässt, kann man ein solches Bild unmöglich für einen Girtin halten. Das volle frische Grün des Grases, die Massivität der Bäume und das allgemeine Gefühl des Bildes sind ganz Constables Sache.

Was Constable vor allem anstrebte, war es, die Frische und das Funkeln der Natur einzufangen. Vor seiner Zeit hatte kein Maler es gewagt, die volle Kraft der Naturgrüns zu malen, und während der Bilderzeugung war immer etwas von dem Leben und dem Schimmern der Natur verlorengegangen. Es waren seine kleinen Skizzen, die er an der frischen Luft gemalt hatte, um diese feuchte Frische zu erreichen. In ihnen vermittelte die unmittelbare Kraft seiner uneinheitlichen Berührungen genau den Glanz des Lichts und das Zittern der Atmosphäre, die frühere Maler vermisst hatten.

Dass es ihm letztendlich gelang, es in größeren, im Atelier gemalten Bildern zu erhalten, lag wahrscheinlich am Beispiel von Rubens ’großartiger Landschaft "The Chateau de Steen", die sich jetzt in der Nationalgalerie befindet, dann aber im Besitz von Constables Freund Sir George Beaumont , der Kenner und Hobbymaler. Aus dem Vordergrund, der in herkömmlichen Brauntönen gehalten ist, musste er nichts lernen, aber die Entfernung und der Himmel mussten für ihn eine Offenbarung sein, wie der Sinn für Licht, Luft und Bewegung in großem Maßstab aufgezeichnet werden konnte. Für seine späteren Bilder fertigte er eine Skizze in Originalgröße in Öl an und legte dann die Hauptmassen des fertigen Bildes in transparentem Schwarzweiß auf flämische Weise ein. Auf diese Weise stellte er die allgemeine Wirkung seines Bildes fest, bevor er die frische Oberfläche seiner Leinwand mit zerstörte feste Farbe. Bei dieser Vorbereitung konnte er mit etwas von der Freiheit seiner ersten Skizze aus der Natur arbeiten und die allgemeine Wirkung von Licht und Schatten durch das Flackern und Schimmern von Licht auf Gras, Blättern und Bächen verstärken, was seinen Bildern ihre erstaunliche Frische verlieh. Er hatte eine Methode, die zu seiner Zeit als „ Constable’s Snow “ bekannt war, feste, reinweiße Akzente zu setzen, die das auf die Bilder fallende Licht einfingen und auflösten. Diese Berührungen wurden dann mit transparentem Grün und anderen Farben glasiert, und es wurde eine Brillanz gebrochener Farbe erzeugt, die bei opaker Farbe unmöglich gewesen wäre. Der Effekt, wenn frisch gestrichen, muss verblüffend gewesen sein, aber etwas von seiner ursprünglichen Frische ist jetzt verschwunden. Die Öle, mit denen seine Glasuren verdünnt wurden, haben sich mit der Zeit vergilbt, und infolgedessen tendieren diese Berührungen, nachdem sie ihren Glanz verloren haben, dazu, vielen seiner fertigen Bilder ein eher pingeliges Aussehen zu verleihen. Seine Skizzen aus der Natur und die großen Vorstudien für seine fertigen Bilder (ein großartiges Exemplar davon ist "The Leaping Horse" im Victoria and Albert Museum) haben den Test der Zeit besser bestanden, und in diesen kann sein Genie sein am besten geschätzt.

Fast alle spätere Landschaftsmalerei des neunzehnten Jahrhunderts leitet etwas von Constables Beispiel ab, aber seine Ansichten und Methoden wurden in Frankreich intensiver untersucht und weiterentwickelt als in England. 1824 wurde seine "Hay Wain" (National Gallery) im Pariser Salon ausgestellt, wo sie sofort für Aufsehen sorgte und mit einer Goldmedaille ausgezeichnet wurde. Das endgültige Ausmaß seines Einflusses auf die französische Malerei ist schwer abzuschätzen, aber es war sicherlich großartig, wie von französischen Künstlern, insbesondere von Delacroix, die ihn als "le pere de notre ecole de paysage" bezeichneten, großzügig anerkannt wurde. Seine Arbeit war der direkte Vorläufer der Barbizon Landschaftsschule und es ebnete den Weg für Impressionismus durch die Leuchtkraft seiner Farbe und lose gebrochene Berührung. (Siehe auch: Impressionistische Landschaftsbilder .)

In England mögen vereinzelte Maler als Schüler von Constable gelten, aber die Ernte, die er gesät hat, ist hauptsächlich anderen überlassen worden, um zu ernten, und englische Maler waren nicht mehr als Meister auf dem Gebiet seines Genies. Doch er hat mehr als jeder andere die Vision gewöhnlicher Menschen geformt, und wenn seine Bilder heute manchmal ein wenig zahm erscheinen, liegt es daran, dass wir gelernt haben, mit seinen Augen so viel zu sehen, dass sie für uns keine Offenbarung mehr sind. Niemand hat jemals das Gefühl des englischen Wetters so eingefangen wie er oder hat so liebevoll und unvergesslich den Charme der englischen Landschaft und die bescheidene Schönheit alltäglicher Dinge gemalt. Für biografische Details siehe John Constable .

Joseph Mallord William Turner (1775–1851)

Turner, der vielleicht größte Künstler, den England hervorgebracht hat, war noch nie so beliebt wie Constable. Die Größe und die Isolation seiner Vorstellungskraft haben ihn von der Menschheit so sehr unterschieden, wie die Einfachheit und Demut von Constable ihn zu einem einzigen Menschen gemacht hat. Turner wurde in der Maiden Lane in Convent Garden als Sohn eines Friseurs geboren. Er war stolz auf die frühen Zeichen des Genies seines Sohnes und ermutigte ihn bei seiner Arbeit. Es wird vermutet, dass er zuerst bei Pallice, einem Blumenmaler, an der Soho Academy studiert hat. Seine Ausbildung war sicherlich vielfältig. 1788 war er an der Coleman’s School in Margate, mit der er zeitweise zusammenarbeitete James Malton , der Architekturzeichner, und er kolorierte Drucke für John Raphael Smith, den Graveur. Eine Weile war er Student an den Royal Academy Schools und einer der jungen Maler, die im Haus von Dr. Monro Aquarelle kopierten. Er stellte 1790 zum ersten Mal in der Akademie aus und dies mit großer Regelmäßigkeit bis 1850, dem Jahr vor seinem Tod. In diesem Zeitraum von sechzig Jahren hat er unglaublich viel Arbeit geleistet, und die Entwicklung seines Genies kann Jahr für Jahr und fast Tag für Tag anhand der riesigen Anzahl von Bildern und Skizzen studiert werden, die er der Nation hinterließ. Für eine Aufwertung seines Lebens und seiner funkelnden Landschaften siehe JMW Turner .

Das unmittelbare Ergebnis von Turners Einfluss war nicht groß und seine wenigen Nachahmer sind von geringer Bedeutung. Indirekt war sein Einfluss weitreichend. Die allgemeine Erhöhung der Farbintensität in der modernen Malerei verdankt er vielleicht noch mehr als Constable. Die Verwandtschaft zwischen seiner Arbeit und der der französischen Impressionisten ist offensichtlich, und ihre Schuld an seiner Arbeit wurde anerkannt, aber die Brillanz der Farben im Englischen Präraffaeliten auch einigermaßen von ihm abgeleitet wird selten realisiert, ist aber mit ziemlicher Sicherheit eine tatsache. Durch diese beiden Bewegungen, die sich in vielerlei Hinsicht unterscheiden, ist sein Einfluss Teil des allgemeinen Erbes der modernen Malerei geworden, und Künstler, für die der Name Turner anathema ist, malen nur so, wie sie es tun, weil er so gemalt hat, wie er es getan hat.

Die historische Bedeutung seiner Arbeit wird im Laufe der Zeit wahrscheinlich zunehmend anerkannt. Bis heute ist sein Werk auf dem Kontinent vergleichsweise wenig bekannt, obwohl viele seiner schönsten Werke den Weg nach Amerika gefunden haben. Seine Arbeiten sind in den großen europäischen Galerien kaum vertreten, und für viele steht der Name Turner nur für farbenfrohe Sonnenuntergänge. Aber wenn das volle Spektrum seines erstaunlichen Genies allgemein bekannt wird, wird seine Position unter den großen Meistern gesichert sein.

Hinweis: Eine Erklärung einiger der großartigen Landschaften von Turner finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).

Andere Landschaftsmaler des 19. Jahrhunderts

Neben Turner und Constable arbeiteten in den ersten fünfzig Jahren des 19. Jahrhunderts noch eine Reihe anderer Landschaftsmaler in England, deren Werk, wenngleich es für die allgemeine Tendenz der europäischen Malerei von geringerer Bedeutung ist, künstlerisch kaum weniger interessant ist. Die Namen von John Crome , JS Cotman , RP Bonington , David Cox , Peter de Wint und WJ Muller wären allein genug, um diese Periode zu einer Zeit von außergewöhnlichem Interesse zu machen. aber es gab auch viele Maler sowohl in Öl- als auch in Aquarellfarben, deren Werk einen bleibenden Charme besitzt, der ihm eine dauerhafte, wenn auch untergeordnete Stellung in der Geschichte der Landschaftsmalerei sichert.

Richard Parkes Bonington (1802-28)

Als Bindeglied zur Hauptbewegung des Jahrhunderts Richard Parkes Bonington steht neben Turner und Constable an zweiter Stelle. Er unterscheidet sich von den anderen englischen Malern seiner Zeit dadurch, dass er in Frankreich ausgebildet wurde und dort einen großen Teil seines Lebens verbrachte. Der gebürtige Arnold in der Nähe von Nottingham ging mit fünfzehn Jahren nach Paris und studierte an der Ecole des Beaux-Arts und im Atelier von Baron Gros. In Paris erregte er die Aufmerksamkeit von Delacroix, auf dessen Entwicklung er Einfluss hatte. Trotz Boningtons Französischausbildung ist es schwierig, Anzeichen französischer Inspiration in seinem Landschaftsstil zu finden, der sehr persönlich und eindeutig englisch ist, aber er malte auch kleine historische Figurenthemen und in diesen den Einfluss der Franzosen Romantische Schule ist offensichtlich.

Die Motive seiner Landschaften sind hauptsächlich französische Küsten- und Flussszenen, aber 1822 besuchte er Italien und malte eine Gruppe von Bildern in Venedig. Die Merkmale seiner Landschaften sind heller Ton und Farbe, klare Atmosphäre und ein äußerst raffinierter und feinfühliger Umgang mit Farbe.

Bonington war erst sechsundzwanzig, als er starb. Constable starb mit einundsechzig, Turner mit sechsundsiebzig. In dieser kurzen Karriere produzierte er Arbeiten, die durchaus mit denen vergleichbar sind. Mit 26 Jahren hatte Turner gerade erst begonnen, sich als Ölmaler zurechtzufinden, und Constable war kaum aus der Studentenbühne herausgekommen. Bonington, als er starb, war ein reifer Maler, der in der naturalistischen Landschaftsbewegung eine Vorreiterrolle spielte. Es ist nutzlos darüber zu spekulieren, was er getan haben könnte, wenn er gelebt hätte, aber er hatte in seinem kurzen Leben genug erreicht, um ihn unter die Führer der englischen Landschaftsschule zu bringen , und sein Tod verkürzte eine Karriere, die so vielversprechend war wie das von Girtin, der im gleichen Alter starb. Seine Arbeit mit Ölfarben und Aquarellen ist gleichermaßen bemerkenswert und er teilt mit Constable den Verdienst, zur Gründung der französischen Bewegung für naturalistische Landschaften beigetragen zu haben.

John Crome (1768-1821) – Die Norwich School of Landscape

John Crome , der zu einer etwas älteren Generation gehört, war der Gründer der Norwich Schule der Landschaftsmaler , die erste der englischen Provinzschulen, deren plötzlicher Aufstieg eine der interessantesten Episoden in der gesamten Geschichte der englischen Malerei darstellt. Die östlichen Grafschaften, aus irgendeinem Grund ungeklärt, waren seit der Zeit der ostanglischen Illuminatoren in der ersten Hälfte des vierzehnten Jahrhunderts immer reich an künstlerischem Genie. Möglicherweise erklären die engen Verbindungen zwischen diesem Teil Englands und Flandern dies, und sicherlich haben sich Gainsborough, Constable und Crome von den Malern der Niederlande inspirieren lassen. ’Old Crome’, wie er genannt wird, um ihn von seinem Sohn JB Crome zu unterscheiden, wurde in Norwich als Sohn eines Webers geboren. 1783 wurde er zum Kutscher und Zeichenmaler Francis Whisler ausgebildet, von dem er den Umgang mit Palette und Pinsel erlernte. Das war die gesamte Berufsausbildung, die er jemals absolviert hatte, aber es ist bekannt, dass er niederländische und flämische Gemälde in lokalen Sammlungen sowie Gainsboroughs "Cottage Door" kopiert hat, und dies waren seine wahren Meister. Zu Beginn seines Lebens lernte Crome den damaligen Drucker Robert Ladbrooke (1770-1842) kennen, mit dem er 1803 die Norwich Society of Artists gründete, die hauptsächlich aus seinen eigenen Schülern bestand. Im Jahr 1808 wurde Crome sein Präsident, und er leistete bis 1820, dem Jahr vor seinem Tod, einen regelmäßigen Beitrag zu seinen Ausstellungen.

Cromes Motive stammten hauptsächlich aus seinem eigenen Land, aber er besuchte Cumberland, das Wye Valley, Weymouth, Paris und Belgien und malte einige Bilder von diesen Orten. Seine Kunst zeichnet sich durch die große und einfache Würde ihrer Vision aus. Seine Farbschemata und Gegenstände waren oft die einfachsten, aber was immer er berührte, verlieh ihm eine Würde und Größe, die den Konventionen der klassischen Kunst nichts zu verdanken hatte.

Er war in keiner Weise ein Revolutionär, aber ohne die technischen Grenzen seiner Vorgänger zu erweitern, entwickelte er als Ergebnis seines aufrichtigen Studiums der Natur einen unverwechselbaren eigenen Stil. Wilson, Gainsborough und Hobbema waren seine Inspiration. Insbesondere für die Kunst des Hobbema hatte er eine tiefe Bewunderung, aber es war wirklich immer die Natur, die er liebte, und die Schönheiten, die er in Hobbema fand, stammten größtenteils von ihm. Die Qualität seiner Kunst ist schwer in Worte zu fassen. Es war poetisch, aber nicht literarisch. Kein anderer Maler, außer Jean-Francois Millet, hat die freundliche Kraft der Erde und die Dinge, die daraus wachsen, so gut vermittelt. Im Vergleich zu Crome wirken die meisten anderen Maler fadenscheinig und unwirklich, aber die Realität seiner Bilder hängt nicht von einer genauen Beschreibung des Äußeren und einer exakten Wiedergabe der visuellen Wahrheit ab. Vielmehr sind seine Bilder Aufzeichnungen von mentalen Reaktionen. Aus der vergänglichen Vision der Welt extrahiert er das permanente Wesentliche und scheint eher Dinge in sich zu malen als Effekte auf Dinge.Seine Kunst ist von einer ebenso tiefen Liebe zur Natur erfüllt wie die von Constable, aber von einer anderen Ordnung. Es kann so ausgedrückt werden: Während Constable die Schönheit der Natur liebte, liebte Crome die Natur selbst. Der Gegenstand seiner Bilder hat oft wenig sinnlichen Reiz, aber daraus destilliert er eine strenge spirituelle Schönheit, die die stillen Kräfte der Natur verankert und uns das Gefühl der Göttlichkeit in gemeinsamen Dingen hinterlässt. In den Eichen, die er liebte, ist es nicht ihr frisches Grün, sondern ihre Stärke, die er uns gibt, wie in "The Poringland Oak" (National Gallery). In der "Mousehold Heath" (National Gallery) und in den "Slate Quarries" (Tate Gallery) gibt er uns die Substanz und das Wesen der Erde. In seinem Nachtstück "Moonlight on the Marshes of the Yare" (National Gallery)er macht eine freie und nackte Wahrheit jenseits von allem, was Van der Neer erreicht. Aber Crome steigt nicht immer in diese Höhen, und gelegentlich führte ihn seine Liebe zu Hobbema zu einer Kleinlichkeit bei der Behandlung von Laub, die von seinen Anhängern kopiert wurde, die nicht in den wahren Geist seines Genies eintreten konnten.

John Sell Cotman (1782–1842)

Das einzige andere Mitglied der Norwich-Schule, das in irgendeiner Weise mit Crome mithalten kann, ist John Sell Cotman . Als Sohn eines Leinenfängers wurde er zunächst in das Geschäft seines Vaters aufgenommen, zeigte jedoch bald ein so ausgeprägtes Talent für das Malen, dass sein Vater zustimmte, um 1800 nach London zu gehen, um dort zu studieren. 1807 kehrte er nach London zurück Norwich und wurde zum Mitglied der Norwich Society of Artists gewählt. Später zog er nach Yarmouth, wo er mit Dawson Turner in Verbindung gebracht wurde, mit dessen archäologischen Publikationen er illustrierte Radierungen 1834 kehrte er nach London zurück und wurde zum Zeichenlehrer an der King’s College School ernannt.

Ein Großteil von Cotmans Leben wurde mit dem Lehren des Zeichnens und Malens verbracht, und die Gemälde, die er uns hinterlassen hat, wurden in den Intervallen dieser müden Arbeit hergestellt, aber sie zeigen wenig von der zu erwartenden Müdigkeit. Zeichnen und Aquarellmalen waren modische Errungenschaften, und obwohl man bedauern mag, dass die Zeit von Künstlern wie Crome und Cotman auf diese Weise hätte verschwendet werden sollen, ist es doch eine Tatsache, dass diese Nachfrage nach Zeichenmeistern den Künstlern einen Lebensunterhalt verschaffte was sie sonst nicht hätten finden können, und das in der Folge den Reichtum der englischen Schule der Landschaftsmaler verdankt diesen Amateuren viel. Es war ein Zeitalter großer Zeichenmeister, und die Tatsache, dass ihr Lebensunterhalt eher von ihrer Lehre als von ihrer Malerei abhing, hat ihnen möglicherweise die Unabhängigkeit der Sichtweise verliehen.

Eine andere Form des Kochens, die Illustration von Büchern über Reisen und Archäologie, nahm ebenfalls einen großen Teil von Cotmans Zeit in Anspruch. Seine archäologischen Zeichnungen und Radierungen sind genaue Aufzeichnungen von Gebäuden und Orten, aber sein Ruf beruht nicht auf ihnen. Sein wahres Genie zeigte sich in den Öl- und Aquarellmalereien, die zu seinem eigenen Vergnügen angefertigt wurden, und in diesen haben wir eine der seltensten und raffiniertesten Persönlichkeiten der englischen Kunst. Die Inspiration einiger seiner Zeitgenossen, insbesondere Crome, Turner und Girtin, ist in seinem Werk zu sehen, aber was immer er von anderen schöpfte, verwandelte er in einen individuellen Ausdruck. Sowohl in Ölfarben als auch in Wasserfarben erzielte er gleichermaßen glückliche Ergebnisse, und seine Arbeit zeichnet sich durch ein ungewöhnliches Verständnis der besonderen Eigenschaften des jeweiligen Mediums aus, in dem er gerade arbeitete.in Aquarell hatte er eine Gabe von flachen Farbmustern, die von anderen englischen Aquarellisten nicht zu übertreffen war. Die "Greta Bridge" und "The Mumbles, Swansea" in der Britisches Museum veranschaulichen diese besondere Qualität seines Designs, und "The Drop Gate" (Tate Gallery) zeigt die Qualität seines Ölpigments, das zugleich reich und raffiniert ist. Die "Wherries on the Yare" (Nationalgalerie) ist in seiner Art Crome, aber viele seiner schönsten Gemälde, wie "The Willows" und "The Waterfall", befinden sich in Privatsammlungen. Verglichen mit der Massivität von Crome ist Cotmans Vision fragil, aber sie hat eine echte Poesie, und die Qualität seines Designs und seines Pigments verleiht seiner Arbeit eine aristokratische Auszeichnung, die sie zu etwas Besonderem macht.

Die übrigen Maler der Norwich School gehören zu einer insgesamt niedrigeren Kategorie. Die meisten von ihnen haben etwas Charme und Aufrichtigkeit, aber ihre Arbeit ist die Arbeit von Anhängern und nicht von Originalkünstlern. Robert Ladbrooke, der Freund und Mitstreiter von "Old Crome", war in keiner Weise seinesgleichen, und sein Sohn, John Bernay Crome (1794-1842), ahmte den Stil seines Vaters nach. Alle Söhne Ladbrookes folgten dem Beruf ihres Vaters, ebenso wie Miles Edmund Cotman (1811-58), der sich manchmal sehr eng an seinen Vater wandte. Einige andere Mitglieder der Cotman-Familie waren ebenfalls Maler, unter denen JJ Cotman (gest. 1878) einen eigenen Stil hatte. Die wichtigsten der verbliebenen Mitglieder der Schule waren James Stark (1794-1859), George Vincent (1796-1831), Joseph Stannard (1797-1830), Alfred Stannard (1806-89), John Thirtle (1777-1839), H. Ninham (1793-1874) und Thomas Lound (1802-61). Alle diese Künstler waren interessierte Maler, aber ihr Ruf wurde von den beiden Schulleitern etwas überschattet.

WJ Muller (1812-45) Mit WJ Muller und Peter de Wint haben

zwei weitere Landschaftsmaler in Öl gearbeitet, die deutlich über dem allgemein hohen Niveau der Zeit stehen. Mullers Arbeit war sehr stark im Umgang und in der Farbe und sehr unterschiedlich in der Materie. Seine Farbe lässt gelegentlich vermuten, dass er etwas von Constable gelernt hat, aber sein Geist ist ganz anders. Ein Großteil seiner besten Arbeiten wurde in Griechenland und Ägypten ausgeführt, und er wusste, wie er die starke orientalische Farbe optimal nutzen konnte. In diesen Bildern hat er etwas vom Glamour der französischen Orientalisten, und einige von ihnen haben einen seltsam prophetischen Hinweis auf das frühe Werk von Frank Brangwyn . Er arbeitete sowohl in Öl- als auch in Aquarellfarben mit der gleichen Begeisterung, und sein früher Tod im Alter von dreiunddreißig Jahren war ein Verlust für die englische Malerei, der fast derjenigen von Girtin und Bonington entsprach.

Peter de Wint (1784-1849)

De Wint, obwohl sein heutiger Ruf hauptsächlich auf seinen Aquarellen beruht, die später betrachtet werden, war ein feiner Ölmaler. Seine Arbeit in diesem Medium wird zu oft übersehen, aber obwohl sie dazu neigt, ein wenig düster und schwer zu sein, hat sie eine feine und männliche Aufrichtigkeit, und wenn er überhaupt nicht in Aquarellfarben gemalt hätte, wären seine Ölgemälde genug dafür sichern Sie ihm eine Position unter den führenden Malern seiner Zeit. Diese Seite seiner Kunst ist im Victoria and Albert Museum gut vertreten.

Andere Landschaftskünstler des frühen 19. Jahrhunderts,

Turner, Constable, Crome, Cotman, Muller und De Wint, fassen diese Namen das Beste der englischen Landschaftsmalerei in Öl in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zusammen. Ihre Arbeit gehört zu jeder Zeit, aber es gab viele andere fähige Landschaftsmaler, deren Arbeit speziell zu ihrem Alter gehört und wahrscheinlich letztendlich nur ein historisches und archäologisches Interesse hat. Prominent unter diesen kleineren Männern sind Patrick Nasmyth (1786-1831), Sohn von Alexander Nasmyth, ebenfalls Landschaftsmaler, der ländliche Szenen in frischen Farben malte, und Thomas Creswick (1811-69)., der Maler vieler einfacher Transkripte malerischer Landschaften. Sir Augustus Wall Callcott (1779-1844) malte Landschaften nach klassischen Kompositionsschemata, die einen gewissen Charme und eine gewisse Atmosphäre haben, und erhielt den Spitznamen "The English Claude".

Viele der Maler dieser Zeit sind heute vielleicht am besten in Erinnerung geblieben, weil der Kunstkritiker John Ruskin im ersten Band von " Modern Painters " darüber geschrieben hat. Clarkson Stanfield (1793-1867) und David Roberts (1796-1864) sind Beispiele. Stanfield, der sein Leben als Seemann begonnen hatte, verließ das Meer und begann, Szenen zu malen, und beide Berufe hinterließen ihre Spuren in seinen Bildern. Seine Kenntnis des Meeres und des Himmels gewann Ruskins Zustimmung, und die Aufrichtigkeit seiner szenisch konzipierten Kunst steht außer Frage, aber er hatte nicht die schöpferischen Fähigkeiten, sein großes Wissen in großes umzuwandeln Kunst . Roberts, der wie Stanfield zunächst ein Szenenmaler war, malte Architektur mit großer Genauigkeit und Wahrheit, aber es fehlte ihm die Vorstellungskraft, seine Bilder mehr als nur buchstäbliche Aufzeichnungen zu machen. Ein anderer Szenenmaler, der sich als Landschaftsmaler einen Namen gemacht hat, war Joseph W. Allen (1803-52), einer der Gründer der Society of British Artists, und William Shayer (1788-1879), WF Witherington (1785-1865)), Alfred Vickers (1786-1868), William Collins (1788-1847), FR Lee (1799-1879), W. Linton (1791-1876), G. Cole (1810-83), waren andere Maler, deren Arbeiten zur im Allgemeinen hohes Landschaftsniveau zu dieser Zeit.

John Martin (1789-1854) hat einen eigenen Ort. Er begann sein Leben als Wappenmaler und widmete sich später fantasievollen Landschaften, für die "Die Ebenen des Himmels" ein typisches Beispiel sind. Seine Arbeit hat Ähnlichkeit mit der fantastischeren und melodramatischeren Seite von Turners Kunst, aber obwohl er hohe Ziele hatte, führten sie ihn oft zu Übertreibung und Absurdität, und er kann nicht als viel mehr als eine interessante Kuriosität angesehen werden. John Linnell (1792-1882) malte manchmal Motive der gleichen Art wie in "The Eve of the Deluge" und "The Disobedient Prophet", aber seine Motive waren normalerweise ländlich und in brillanten, wenn auch manchmal ziemlich heißen und unangenehmen Farben. Was auch immer seine Fehler waren, er hatte eine ausgeprägte Persönlichkeit und mit Samuel Palmer Der Aquarellmaler trug fast bis zum Ende des Jahrhunderts das eigentümliche Gefühl der Romantik des frühen neunzehnten Jahrhunderts.

19. Jahrhundert der englische Schule für Landschafts Aquarellisten

Viele der zuvor genannten Künstler arbeiteten in Wasserfarben sowie Öl und Turner, Cotman, Bonington und De Wint waren alle Führer der englischen Wasserfarben Schule , aber es bleibt zu prüfen, ein Eine relativ große Anzahl von Malern, die hauptsächlich Aquarellmaler waren und deren Werk sowohl in ästhetischer als auch in historischer Hinsicht von weit größerer Bedeutung ist als das der kleineren Ölmaler. Aquarellmalerei wurde in England ausgiebiger und erfolgreicher als in jedem anderen Land ausgebeutet, und die Aquarellmaler des frühen neunzehnten Jahrhunderts bilden einen der größten Erfolge der englischen Kunst. Wie wir gesehen haben, ist diese Schule in erster Linie aus der Arbeit der topografischen Zeichner hervorgegangen, was die Nachfrage nach Gravur der im achtzehnten Jahrhundert ins Leben gerufenen "Herrensitze". In gewissem Sinne war die Entstehung zufällig, aber die Aufmerksamkeit der Künstler, die einst auf das Medium gerichtet waren, begann, Schönheiten darin zu finden, die es wert waren, um ihrer selbst willen kultiviert zu werden, und anscheinend hat Aquarell etwas mit sich das macht es besonders sympathisch für das englische Temperament. Die meisten englischen Künstler waren eher instinktiv als intellektuell und die Einfachheit und Direktheit des Aquarells ermöglichen eine größere Spontanität des Ausdrucks als die langsameren und aufwändigeren Methoden der Ölmalerei. Die erste mentale Konzeption eines Bildes in die Begriffe eines komplexen und vergleichsweise unlösbaren Mediums zu übersetzen, erfordert eine anhaltende intellektuelle Anstrengung, bei der die Frische der Konzeption zu oft verloren geht.und etwas viel mehr als eine instinktive Reaktion auf Schönheit ist erforderlich, um diese Übersetzung erfolgreich zu erreichen. Hier hat das Fehlen einer soliden und tief verwurzelten technischen Tradition, wie es sie in Frankreich gibt, die Bemühungen unserer Ölmaler behindert, und es ist in diesem Zusammenhang erwähnenswert, dass der spontanste und instinktivste aller englischen Maler, Thomas Gainsborough entwickelte eine Öltechnik, die sich in ihrer Fließfähigkeit und Direktheit kaum von der Wasserfarbe unterschied.

Der Übergang von der Schule der Aquarellmaler des 18. zum 19. Jahrhundert wurde hauptsächlich von der Gruppe junger Künstler bewirkt, die unter der Leitung von Dr. Monro arbeiteten, insbesondere von Girtin, dessen Arbeit den Wendepunkt in der Schule markiert. Turner war zu individuell und isolierte einen Künstler für die späteren Entwicklungen seines Werkes, um viel direkten Einfluss auf andere zu haben, aber auf John Varley (1778-1842) hatte ein weiterer junger Künstler einen weitreichenden Einfluss auf die aufstrebende Generation. Er war eher ein genialer als ein origineller Mann mit Theorien über Komposition und natürliche Struktur, die ihn zu einem interessanten und inspirierenden Lehrer gemacht haben mussten, und er wurde der führende Zeichenmeister seiner Zeit. Zu seinen Schülern gehörten Samuel Palmer (1805-81), John Linnell (1792-1882), William Turner (1789-1862), WH Hunt (1790-1864), Copley Fielding (1787-1855) und David Cox (1783-1859), aber außer diesen hatte er eine große Anzahl von Amateurschülern, und er hat wahrscheinlich mehr als jeder andere Mann getan, um den populären Geschmack in der Landschaft zu Beginn des 18. Jahrhunderts zu formen. Sein eigenes Werk hat eine Mischung aus klassischem und romantischem Flair, und obwohl das Spektrum seines Themas weitreichend ist, sind seine Bilder meist Variationen einer konventionellen Kompositionsformel, aber es ist unmöglich, den Charme seines romantischen Sees und Berges zu leugnen Szenen. W Turner aus Oxford, Samuel Palmer (der auch William Blake etwas zu verdanken hatte), John Linnell und Copley Fielding waren die Schüler, deren Werk sich am unmittelbarsten von ihrem Meister ableitete, aber Linnell und Copley Fielding, obwohl sie im Wesentlichen romantisch blieben, führten ein viel größeres ein Menge Naturalismus in ihre Arbeit.

David Cox war ein unabhängigerer Künstler. Seine Arbeit zeigt eine völlig andere Sichtweise als die von Varley, von der er nur wenig mehr als technische Tipps gelernt haben kann. Er leitete mehr von Girtin ab, dessen breite Waschungen wahrscheinlich den Ausgangspunkt seines persönlichen und originellen Umgangs fanden. Cox wurde in Deritend bei Birmingham geboren und begann seine Karriere als Farbschleifer am Birmingham Theatre. Später wurde er zum Szenenmaler befördert. Als Szenenmaler kam er 1804 zum ersten Mal nach London und fand eine Anstellung am Astley’s Theatre. Ungefähr zu dieser Zeit erhielt er Unterricht bei Varley. Sein ausgereiftes Werk zeigt nichts von der Künstlichkeit des Szenenmalers, aber es ist möglich, dass die Schärfe und Kühnheit seines Umgangs etwas mit dieser frühen Ausbildung zu tun hat.Seine Zeichnungen sind sehr frisch und luftig und haben eine energetische Freiheit der Pinselführung, die in Aquarellfarben etwas ganz Neues war und die Prototypen vieler moderner Arbeiten sind. Seine Farbe wird oft eher getupft als auf dem Papier ausgewaschen, manchmal leicht über die Oberfläche gezogen und manchmal in Becken gesammelt, was den Eindruck einer fast zufälligen Spontaneität erweckt. Vor seiner Zeit waren Aquarelle aus Waschungen aufgebaut, aber in seiner Arbeit ist der Pinselstrich und nicht die Wäsche die Einheit der Struktur. Cox ist einer der größten englischen Aquarellisten und muss mit ihm klassifiziert werdeneinen Eindruck von fast zufälliger Spontanität geben. Vor seiner Zeit waren Aquarelle aus Waschungen aufgebaut, aber in seiner Arbeit ist der Pinselstrich und nicht die Wäsche die Einheit der Struktur. Cox ist einer der größten englischen Aquarellisten und muss mit ihm klassifiziert werdeneinen Eindruck von fast zufälliger Spontanität geben. Vor seiner Zeit waren Aquarelle aus Waschungen aufgebaut, aber in seiner Arbeit ist der Pinselstrich und nicht die Wäsche die Einheit der Struktur. Cox ist einer der größten englischen Aquarellisten und muss mit ihm klassifiziert werden Peter de Wint , dessen Zeichnungen etwas von der gleichen Freiheit und dem Gefühl luftiger Geräumigkeit haben, aber etwas zurückhaltender im Gefühl sind.

WH Hunt entwickelte sich auch auf unabhängigen Linien, die nicht viel von Varley ableiten. Er arbeitete hauptsächlich in Körperfarben (Wasserfarben gemischt mit Weiß), und seine Themen waren hauptsächlich Stillleben mit Früchten und Blumen sowie rustikale Szenen mit Figuren. Er hatte einen feinen Sinn für Farbe und war in der Technik der Vorläufer von Birket Foster , Frederick Walker und seiner Schule.

Samuel Prout (1783-1852) war ein weiterer unabhängiger Aquarellist, der, wie Cox, in gewissem Maße von Girtin abstammte, wenn auch von einer ganz anderen Seite seiner Kunst. Seine Motive waren architektonisch, und in seinen malerischen Ansichten von Kathedralen, Kirchen und alten Städten kombinierte er Stift- und Aquarellfarben. Seine Kunst war bescheiden, hatte aber viel Charme, und Ruskin brachte ihn in eine Klasse, in der nur Turner das Geheimnis und den Charakter der gotischen Architektur wiedergeben konnte.

Die Namen von JB Pyne (1800-70), James Holland (1800-70), John Callow (1822-78) und JD Harding (1798-1863) muss auch als herausragende Aquarellmaler genannt werden, und es gab viele andere, deren aufrichtige und bescheidene Arbeit das Interesse dieser sehr nationalen und charakteristischen Malerschule erhöht. Abschließend ist zu erwähnen, dass Newlyn School die in der Zeit von 1884 bis 1914 dank Stanhope Forbes (1857 bis 1947) und Frank Bramley (1857 bis 1915) und der von Barbizon beeinflussten Gruppe, der so genannten Glasgow School of Painting (1880-1915), der in den 1890er Jahren erfolgreich in London ausstellte.

Der Einfluss von Viktorianische Kunst verbreitete sich bis nach Australien. Weitere Informationen finden Sie unter: Australische Kolonialmalerei (1780-1880).

Einzelheiten zu europäischen Sammlungen mit Werken von Malern der English Landscape School: Kunstmuseen in Europa .