Pop Art: Geschichte, Eigenschaften Automatische übersetzen

Was ist Pop-Art? – Eigenschaften

Der Begriff Pop-Art wurde 1955 vom britischen Kurator Lawrence Alloway erfunden, um eine neue Form der "Populären" Kunst zu beschreiben – eine Bewegung, die von der Bildsprache des Konsums und der Populärkultur geprägt ist . Pop-Art tauchte sowohl in New York als auch in London Mitte der 1950er Jahre auf und wurde bis Ende der 1960er Jahre zum dominierenden Avantgarde-Stil. Es war interessant anzusehen und hatte ein modernes "hip" -Gefühl. Es zeichnete sich durch kühne, einfache, alltägliche Bilder und lebendige Blockfarben aus. Die hellen Farbschemata ermöglichten auch diese Form von Avantgarde-Kunst bestimmte Elemente der zeitgenössischen Kultur hervorzuheben und die Kluft zwischen kommerziellen und bildenden Künsten zu verringern. Es war die erste postmoderne Bewegung (in der das Medium ebenso wichtig ist wie die Botschaft) und die erste Kunstschule, die die Macht von Film und Fernsehen widerspiegelte, von der viele ihrer berühmtesten Bilder ihre Berühmtheit erlangten. Häufige Quellen für Pop-Ikonen waren Werbung, Verpackungen für Konsumgüter, Fotos von Filmstars, Popstars und anderen Prominenten sowie Comics.

Führende Popkünstler

Im Amerikanische Kunst , berühmte Vertreter des Pop waren Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (* 1930), Roy Lichtenstein (1923-97) und Andy Warhol (1928 & ndash; 87). Andere amerikanische Exponenten enthalten: Jim Dine (geb. 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (* 1928), Ray Johnson (1927–95), Alex Katz (* 1927), Claes Oldenburg (geb. 1929), Ed Ruscha (geb. 1937), James Rosenquist (geb. 1933) und Tom Wesselmann (geb. 1931). Weitere finden Sie unter Andy Warhols Pop Art der sechziger und siebziger Jahre.

Zu den führenden britischen Pop-Künstlern gehörten Sir Peter Blake (* 1932), Patrick Caulfield (1936–2006), Richard Hamilton (* 1922), David Hockney (* 1937) und Allen Jones (* 1937).

Ursprünge und Einflüsse

Pop-Art war, wie fast alle bedeutenden Kunststile, zum Teil eine Reaktion gegen den Status quo. In den 1950er Jahren war Amerika der Hauptstil Abstrakter Expressionismus , ein arkaner, nicht figurativer Malstil, der zwar von Kritikern, ernsthaften Kunstliebhabern und erfahrenen Museumsbesuchern bewundert, aber weder mit der breiten Öffentlichkeit noch mit vielen Künstlern "in Verbindung gebracht" wurde. Je abstrakter und ausdrucksvoller der Malstil wurde, desto größer war die Chance für einen neuen Stil, der figurativere und bodenständigere Bilder verwendete: nämlich etwas, in das sich die breitere Künstlervereinigung einmischen konnte Zuschauer könnten sich darauf beziehen. So entstand die Pop-Art, die sich zum etablierten Kunststil entwickelte und nach 1970 von anderen Schulen abgelöst wurde.

In gewisser Weise war die Entstehung der Pop-Art (und ihre Überlegenheit gegenüber dem Abstrakten Expressionismus) mit dem Aufstieg von vergleichbar Dada und seinen breiteren Nachfolger Surrealismus (und ihre Überlegenheit über Kubismus ). Beide abgelösten Schulen (Abstrakter Expressionismus und Kubismus) setzten sich aus hochintellektuellen Stilen zusammen, die sich nur begrenzt an Kunstliebhaber wenden. Zwar war Dada im Wesentlichen Antikunst, aber die Jahre, in denen es zwischen 1916 und 1922 blühte, waren von großer Polarisierung und politischen Unruhen geprägt, und sobald sich die Dinge beruhigten, wurden die meisten Dadaisten Surrealisten. In jedem Fall teilt die Pop-Art, wie im Folgenden unter Ziele und Philosophie erläutert, viele der Merkmale des Dada-Surrealismus und ist ihr für verschiedene Techniken verpflichtet, die sich daraus ableiten Kurt Schwitters "Collagen, die" fertige " von Marcel Duchamp , die ikonischen Bilder von Rene Magritte und die frechen Kreationen von Salvador Dali (zB Mae West Lips Sofa ; Lobster Telephone ).

Und wenn der Surrealismus im Wesentlichen internalistisch und eskapistisch war, während die Pop-Art von externen konsumistischen Kräften definiert wurde, wurden beide von der Notwendigkeit konsumiert, einen starken visuellen Einfluss auf die breite Öffentlichkeit auszuüben.

Ein weiterer Künstler, der möglicherweise Einfluss auf die Pop-Art hatte, ist Edward Hopper (1882-1967) der realistische Maler des urbanen Amerika. Obwohl sein Malstil sich stark von den meisten Pop-Werken unterscheidet, waren seine einfachen Bilder ultraamerikanischer Alltagsszenen (z. B. "Night Hawks", 1942 und "Gas", 1940) der Pop-Generation wohl bekannt und haben sie möglicherweise informiert gemälde.

HINWEIS: Weitere wichtige Trends des 20. Jahrhunderts, die der Pop-Art ähneln, finden Sie unter Kunstbewegungen, Schulen (ab ca. 100 v. Chr.).

Geschichte

Die britische Pop-Art ist aus der Independent Group hervorgegangen - einem informellen Künstlerkreis, zu dem der Maler Richard Hamilton, der Kurator und Kunstkritiker Lawrence Alloway und der Bildhauer Eduardo Paolozzi gehören, die sich am Institute of Contemporary Arts in London kennengelernt haben.

Vom ersten Treffen im Jahr 1952 an, als Paolozzi eine Reihe von Collagen präsentierte, die aus Zeitungsausschnitten und anderem " gefundene Objekte ", einschließlich seiner (jetzt) ​​gefeierten Collage mit dem Titel" I was a Rich Man’s Plaything "(ich war ein Spielzeug für reiche Männer) (entstanden vor 5 Jahren im Jahr 1947), drehte sich ihre Diskussion hauptsächlich um den künstlerischen Wert und die Relevanz der populären Massenkultur .

Vier Jahre später, im Jahr 1956, produzierte ein anderes Mitglied der Gruppe, Richard Hamilton, seine eigene Collage: "Was macht das heutige Zuhause so attraktiv?" – das neben Paolozzis Collage von 1947 als eines der frühesten Beispiele der britischen Pop-Art gilt. Im Jahr 1961 wurden in der Ausstellung Young Contemporaries einige Werke im Pop-Stil von Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj und Peter Phillips gezeigt . 1962 wurde der britische Pop weiter bekannt, als die BBC " Pop Goes the Easel " zeigte, einen Film von Ken Russell, der die neue Bewegung in Großbritannien untersuchte.

Vereinigte Staaten von Amerika

Währenddessen wurde die Kunstwelt in Amerika Mitte der 1950er Jahre von einer Reihe von Künstlern gerockt , die sich mit kleinen Bewegungen befassten (z. B. Neo-Dada , Funk Art , Lettrismus , Beat Art , Polymaterialismus , Common-Object , um nur einige zu nennen) wenige), von denen viele Artikel der Massenkultur in ihre Werke aufnahmen. Sie wollten, dass ihre Kunst viel umfassender ist als traditionelle Stile (wie der abstrakte Expressionismus), und verwendeten daher nicht-künstlerische Materialien und konzentrierten sich auf gewöhnliche, leicht erkennbare Themen, die die damalige Populärkultur zum Ausdruck brachten.

Zu diesem Innovationsschub gehört auch die Arbeit von Robert Rauschenberg Ray Johnson (1927-95) und Jasper Johns , begann sich auf die bedeutende New Yorker Kunstszene auszuwirken. Dazwischen eröffneten sie eine ganze Reihe neuer Themen: Johns mit seinen Gemälden von Flaggen, Zielen und Zahlen sowie seinen Skulpturen von Objekten wie Bierdosen; Rauschenberg mit seiner Collage und Assemblage-Kunst und "kombiniere Bilder" (in denen eine bemalte Leinwand mit verschiedenen Objekten oder fotografischen Bildern kombiniert wird – wie zum Beispiel: "Monogram" [1955-9], das eine ausgestopfte Ziege mit einem Reifen in der Mitte umfasst) von Stofftieren, Coca-Cola Flaschen und andere Gegenstände; Johnson mit seinen Promi-Collagen von James Dean, Shirley Temple und Elvis. Weitere einflussreiche Pioniere und Verfechter der Pop-Art waren die Komponisten John Cage (ein einflussreicher Lehrer am Black Mountain College in North Carolina) und der Performance-Künstler Allan Kaprow (1927-2006).

Diese steigende Tendenz zu neuem Denken wurde durch das erneute Interesse an früheren Avantgarde-Bewegungen wie Dada und Surrealismus noch verstärkt, deren anhaltende Vitalität durch den Einfluss, wenn nicht sogar die tatsächliche Präsenz mehrerer ehemaliger Dadaisten und Surrealisten wie Marcel Duchamp verstärkt wurde. Max Ernst und lokale Konvertiten wie Joseph Cornell. Es ist jedoch wichtig zu betonen, dass amerikanische Avantgarde-Künstler dieser Zeit (insbesondere Rauschenberg) früheren Europäern (wie Duchamp, Schwitters et al.) Für die Etablierung bestimmter Traditionen (wie Collage) zu verdanken waren, dass ihr einzigartiger Fokus auf der Produktion lag Kunst, die die Realität des heutigen Amerika widerspiegelt.

In den frühen 1960er Jahren erlangte eine Gruppe von Künstlern im Pop-Stil durch Einzelausstellungen in Orten wie New York und Los Angeles Bekanntheit, von denen einige kommerzielle Drucktechniken verwendeten (z. B. Siebdruck ) ihre Kunst zu schaffen, anstatt traditionelle malerische Methoden. Zu diesen neuen Talenten gehörten Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann und Andy Warhol. Einige Werke, die später zu Ikonen wurden, wurden zum ersten Mal gezeigt. Dazu gehörten Lichtensteins Comic-Öl, Warhols Siebdrucke von Marilyn Monroe und Campbells Suppendosen sowie Oldenburgs monumentale Vinyl-Burger und Eiscreme.

Seltsamerweise wurden diese Künstler bis Ende 1962 oder Anfang 1963 von Kritikern immer noch als New Realists oder als ein anderer solcher Begriff bezeichnet. So hießen die beiden bedeutenden Kunstausstellungen im Herbst 1962 – eine kuratiert von Walter Hopps im Pasadena Art Museum, die andere in der Sidney Janis Gallery in New York – " The New Painting of Common Objects " (Pasadena) und " Neuer Realismus "(New York). Erst später wurde der Begriff Pop-Art als technischer Name für die Bewegung verwendet, was teilweise auf die Kritik an dem Begriff zurückzuführen war Realist und teilweise aufgrund der Anwesenheit von Lawrence Alloway – heute Kurator am Guggenheim Museum – in New York, der sich für die Annahme des Begriffs aussprach.

Ab 1963 verbreitete sich die Pop-Art in ganz Amerika und etablierte sich mit Hilfe britischer Pop-Art-Künstler auf dem Kontinent. Der Aufstieg der Bewegung wurde durch paralleles Wachstum in anderen Bereichen unterstützt. In der Wirtschaft über das Wachstum der Weltwirtschaft im Allgemeinen und der amerikanischen Wirtschaft im Besonderen; in der Wissenschaft über die Verbreitung des Fernsehens ; in der zeitgenössischen Musik (die selbst als "Pop" bekannt wurde) durch die Miniaturisierung des Radios erhöhte sich die Schallplattenproduktion, das Auftreten von Kultgruppen wie The Beatles und das Phänomen der Pychedelia ; und zuletzt durch einen expandierenden Kunstmarkt .

In den späten 1960er Jahren tauchte Andy Warhol als der auf Damien Hirst Berühmtheit und Bekanntheit erlangte er zu gleichen Teilen durch seine berühmten Siebdrucke, seine konzeptuellen Filmarbeiten, seine immer eleganter werdenden Produktionsmethoden und seine Eigenwerbung – zumindest bis er am 3. Juni 1968 erschossen und schwer verwundet wurde. Roy Lichtenstein Auch er wurde durch seine Comic-Sprengungen und einige prestigeträchtige Rückblicke auf beiden Seiten des Atlantiks ein bekannter Name. In der Zwischenzeit gewann Rauschenberg auf der Biennale in Venedig 1964 den Hauptpreis und konnte seinen avantgardistischen Ruf durch die Gründung von EAT (Experimente in Kunst und Technologie) im Jahr 1966 aufrechterhalten, um die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Ingenieuren zu fördern, während Johns sein hohes Ansehen durch seinen Gewinn beibehielt Erster Preis bei der Sao Paulo Biennale 1967.

Vielleicht war es unvermeidlich, dass die amerikanische Pop-Art, nachdem sie die Konformität der 1950er Jahre und die Panik der Kubakrise (1962) überstanden hatte, in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre ihren Höhepunkt erreichte, nur um sich selbst infiziert und untergraben zu sehen Vietnamkrieg und der damit einhergehende Aufstieg des Antiamerikanismus.

Großbritannien

Die britische Pop-Art war zwar weniger dreist, weniger kitschig, romantischer und nostalgischer als ihr Pendant über den Atlantik. Sie war jedoch zu Beginn und Mitte der 1960er Jahre stark von einer US-amerikanischen Popkultur beeinflusst, die sie als aktueller ansah und aufregender als die einheimische Sorte. In dieser Zeit begann Großbritannien, eine beträchtliche Menge amerikanischer Fernsehprogramme sowie andere Merkmale des amerikanischen Lebens zu importieren, wie Burger-Bars und andere Fast-Food-Läden. Infolgedessen begannen die Künstler, sich von amerikanischen Bildern inspirieren zu lassen, wenn auch oft mit einer sehr britischen Tendenz. Andererseits war die britische Werbe- und Druckindustrie weitaus weniger entwickelt, was britische Künstler davon abhielt, bereits in New York etablierte Techniken (z. B. Siebdruck) anzuwenden, und sie dazu zwang, sich auf ältere Techniken zu stützen.

Europa

In Europa wurde der Vorrang der amerikanischen Populärkultur sowohl durch die Sprache als auch durch die Politik verwässert. In Paris wurde die amerikanische Popkultur eher geduldet als gefeiert, da man immer noch Angst hatte, New York als das weltbeste Kunstzentrum zu bezeichnen. Darüber hinaus war die französische Avantgarde – möglicherweise aufgrund ihrer fest verwurzelten kommunistischen Partei – politischer eingestellt und verfolgte daher eine dadaistischere Linie, um das Publikum zur Teilnahme an ihren bevorzugten Performances, Happenings und Konzeptkünsten unter dem Oberbegriff von zu ermutigen Nouveau Realisme (c.1960-70). Die führenden französischen "Pop-Künstler" oder Nouveau Realistes waren: Yves Klein (1928-62), Francois Dufrene (1930-82), Matial Raysse (geb. 1936), Jacques de la Villegle (geb. 1926), Jacques Monory (geb. 1934), Alain Jacquet (geb. 1939), Jean Tinguely (1925 & ndash; 91). Italien, das weniger politisch war (trotz einer noch größeren kommunistischen Partei!), Blieb offener für die künstlerischen und gestalterischen Möglichkeiten, die der Pop-Art innewohnen. Eine italienische Designgruppe, bestehend aus Jonathan De Pas (1932-91), Paolo Lomazzi (* 1936) und Donato d’Urbino (* 1935), schuf beispielsweise "Joe Sofa" (1971), ein Sofa, das einem Riesen ähnelt Baseballhandschuh.

Ziele, Philosophie und Methoden der Pop Art

Keine internationale Kunstbewegung, die länger als 15 Jahre dauert und alle bekannten Kunstarten, Genres und Medientypen sowie völlig neue Formen umfasst, lässt sich in wenigen Sätzen zusammenfassen. Dennoch ist kein Verständnis der Pop-Art möglich, ohne die folgenden Konzepte zu berücksichtigen, die zur Charakterisierung ihres Kerns beitragen.

Sofortige Bedeutung

Die Grundidee der Pop-Art war es, eine Kunstform mit augenblicklicher Bedeutung zu schaffen. Dies stand in scharfem Gegensatz zum Superintellektualismus des Abstrakten Expressionismus mit seinen esoterischen Leinwänden, die von Kunstfachleuten so geliebt wurden. Um ihr Ziel von sofortiger Bedeutung zu erreichen, experimentierten Pop-Künstler mit neuen kommerziellen Prozessen wie Acrylgemälde , Collage auf Leinwand mit Materialien, die normalerweise nicht mit Malerei in Verbindung gebracht werden, und Siebdruck. Darüber hinaus stammen die Bild- und Farbschemata für die meisten Gemälde und Skulpturen der Pop-Art aus bekannten und leicht erkennbaren Quellen für Konsumenten oder Medien wie Konsumgüter, Werbegrafiken, Zeitschriften, Fernsehen, Film, Zeichentrickfilme und Comics. Menschen und Gegenstände wurden in hellen, oft kontrastreichen Farben präsentiert, während Kompositionen in der Regel sehr einfach und für die breite Öffentlichkeit optisch ansprechend waren.

Kunst kann aus allem gemacht werden

Bis zum 20. Jahrhundert traditionell Malerei der schönen Kunst wurde normalerweise in Ölen gemacht: Skulptur in bronze, stein oder holz. Darüber hinaus handelte es sich in der Regel um Themen, die einer ästhetischen Behandlung wert waren: den menschlichen Akt, das menschliche Gesicht, die klassische Landschaft, die Genreszene oder das Stillleben. Selbst der Kubismus neigte trotz seiner revolutionären Natur dazu, viele dieser künstlerischen Konventionen zu beachten. Dann kam der Erste Weltkrieg und die als Dada bekannte Anti-Kunst-Bewegung. Diese Bewegung brachte die Idee auf, dass Kunst aus allen möglichen Dingen geschaffen werden kann, einschließlich der banalsten alltäglichen Materialreste. Pop-Künstler haben diese Idee gepflegt und weiterentwickelt. Sie präsentierten die moderne Welt der Populärkultur mit allen Materialien, die sie für angemessen hielten, egal wie unbedeutend oder trivial.

Die Idee ist wichtiger als das Kunstwerk

Bis zu Dada war das wesentliche Merkmal der traditionellen bildenden Kunst das Werk selbst – das Malen, Skulptieren, Ätzen, Schnitzen oder was auch immer. Ohne "Kunstwerk" gab es nichts. Das Hauptaugenmerk lag daher auf der Qualität des Endprodukts und den Fähigkeiten, die für dessen Herstellung erforderlich sind. Dada lehnte sich dagegen auf, indem er die "Idee hinter dem Kunstwerk" und nicht das Werk selbst zelebrierte. Viele Pop-Künstler setzten diese Tradition fort Konzeptkunst . Sie legten mehr Wert auf die Wirkung der Arbeit und weniger auf deren Entstehung. Diese Betonung des Konzepts und der Wirkung eines Werks wurde wie die Verwendung von Materialien mit niedrigen Brauen als Versuch interpretiert, die Gravitas der Kunstwelt zu entlarven. Dies stimmte zum Teil: Einige Popkünstler teilten das anti-künstlerische und anti-ästhetische Credo früherer Dadaisten. Der Mainstream-Pop war jedoch positiver und mehr daran interessiert, neue Ausdrucksformen mit neuen Methoden und neuen Bildwelten zu schaffen, als die Tradition zu verunglimpfen. Tatsächlich sahen sich viele Popkünstler eher als Beitrag zur bildenden Kunst denn als Junk.

Ein umfassenderer und relevanterer Kunststil

Egal wie exquisit konzipiert und gemalt und wie gut von einflussreichen Kunstkritikern aufgenommen Clement Greenberg (1909-94), Harold Rosenberg (1906-78) und andere, Mark Rothkos monumentale Werke des Abstrakten Expressionismus waren der amerikanischen (oder britischen) Öffentlichkeit weitgehend unbekannt. Im Gegensatz dazu erkannte fast jeder Elvis , Marilyn Monroe und zahlreiche andere Prominente sowie die beliebten Lebensmittel- und Markenprodukte, die schnell zum Hauptthema der Pop-Art wurden. So hat die Pop-Art schon sehr früh die Absicht bekundet, den elitären Charakter traditioneller oder hochkarätiger Kunst zugunsten populistischer Bilder bekannter Sujets abzulehnen.

Für die meisten Menschen in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren bedeutete ein Besuch eines Kunstmuseums ein mühsames Schleppen durch Reihen dunkler Gemälde, von denen die meisten weder verständlich noch unterhaltsam waren. Typischerweise konnten die meisten berühmten Werke (und die Künstler, die sie geschaffen haben) nicht einfach durch Betrachten bewertet werden, sondern erforderten ein genaues Studium eines Museumsführers. Die Pop-Art hat dazu beigetragen, die Welt der Malerei und Bildhauerei für gewöhnliche Menschen zu öffnen, die die Ausstellung vor ihren Augen vielleicht zum ersten Mal in ihrem Leben sofort erkennen und schätzen konnten. Sie mochten es vielleicht nicht, aber sie fühlten sich viel seltener von einem alltäglichen Bild eingeschüchtert, auf das sie sich beziehen konnten. In diesem Sinne machte Pop-Art Museen und Galerien für die breite Öffentlichkeit relevanter.

Den Spiegel der Gesellschaft vorhalten

Im Gegensatz zu Dada, dessen völlig negatives Ziel darin bestand, die Werte eines bürgerlichen Establishments, das sie für das Gemetzel des Ersten Weltkriegs verantwortlich machten, zu untergraben und zu untergraben, versuchte die Pop-Art, die sozialen Werte und das Umfeld zu reflektieren, aus denen sie hervorging. So konzentrierten sie sich auf die Sorgen der meisten amerikanischen Verbraucher: Essen , Autos und Romantik . Typischerweise wurde dies mit dreisten oder satirischen Bildern mit starker visueller Wirkung erreicht. Und wenn sie dafür kritisiert wurden, sich mit solchen Themen zu befassen, könnten sie einfach sagen, dass sie (in Shakespeares Worten) "den Spiegel der Natur vorhalten" oder in ihrem Fall "die moderne Gesellschaft". Nicht zuletzt war Pop-Art "der" Nachkriegsausdruck einer Welt, die sich ausschließlich mit dem Materialismus befasste.

Postmoderne Tendenzen

Die Pop-Art begann auf malerische Weise und zeichnete sich vor allem durch ihre neue Palette populistischer Themen aus, von denen sie hoffte, dass sie eine relevantere und aktuellere Realität vermitteln würden. Danach ging es immer mehr darum, nicht die Realität (oder die Natur) darzustellen, sondern die Wirkung, das Medium und den Stil. Ein solcher Trend, der fast immer zu einer Verwischung der Grenze zwischen Kunst und Demonstration – zwischen Schönheit und Unterhaltung – führt, ist das Markenzeichen von postmoderne Kunst . Aus diesem Grund kann die Pop-Art als die erste Bewegung betrachtet werden, die über die Moderne hinaus in die Moderne vordringt zeitgenössische Kunst Epoche. Tatsächlich haben Popkünstler der 1960er Jahre eine Spur für sich entdeckt Fotorealismus und später Britart und andere ähnliche zeitgenössische Stile, die in den folgenden Jahrzehnten entstanden. Sie ebneten auch den Weg für postmoderne Gebäudeentwürfe, die wieder menschlich wurden Amerikanische Architektur bedeutend.

Kritiker gegen die Öffentlichkeit und Sammler

Pop-Art wurde oft von Kritikern verachtet, weil sie sich auf das Geringste konzentrierte. Zum Beispiel Harold Rosenberg, einer der einflussreichsten Kunstkritiker im Bereich der zeitgenössischen Kunst, beschrieb es als "Wie ein Witz ohne Humor, der immer wieder erzählt wird, bis er sich wie eine Bedrohung anhört… Werbekunst, die sich selbst als Kunst bewirbt, die Werbung hasst." Als Antwort könnte man sich vernünftigerweise fragen: Womit sollte sich die Kunst befassen, wenn nicht mit der Gesellschaft, aus der sie stammt? Schließlich musste man auch in den 1960er-Jahren nur Fernsehen mit seinen unerbittlichen Werbespots schauen, über mit Werbetafeln bedeckte Straßen fahren oder Hochglanzmagazine mit sich wiederholenden Schnappschüssen von Musik- und Filmstars lesen, um das eigentlich Niedrige zu würdigen -Brauenfokus des modernen Lebens. Warum sollte Kunst anders sein?

Noch wichtiger ist, dass die Pop-Art einer der populärsten Kunststile war (und ist), der es gelungen ist, sich auf eine Weise an die breite Öffentlichkeit zu wenden, wie es nur wenige moderne Kunstrichtungen getan haben – oder seitdem getan haben. Und Kunstsammler mag es auch. Zum Beispiel das Gemälde "False Start" (1959) von Jasper Johns, das 2006 für 80 Millionen US-Dollar verkauft wurde: das neuntteuerste Kunstwerk der Geschichte. (Weitere Informationen finden Sie unter Top 10 der teuersten Gemälde ). Die Arbeit "Green Car Crash" (1963) (synthetisches Polymer, Siebdruckfarbe und Acryl auf Leinen) von Andy Warhol wurde bei verkauft Christie’s 2007 in New York für 71, 7 Millionen US-Dollar und damit das 14. teuerste Kunstwerk, das jemals verkauft wurde. (Sehen Top 20 der teuersten Gemälde ). Nicht schlecht für ein Kunstwerk mit niedrigen Augenbrauen.

Während der Rezession 2009 kaufte ein unbekannter Käufer Berichten zufolge Andy Warhols Siebdruck Eight Elvises (1964) für satte 100 Millionen US-Dollar (60, 5 Millionen GBP) im Privatverkauf und war damit das fünftteuerste jemals verkaufte Kunstwerk.

Berühmte amerikanische Pop-Künstler

Jim Dine – Robert Indiana – Jasper Johns – Alex Katz – Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg – Robert Rauschenberg – James Rosenquist – Edward Ruscha
Andy Warhol

Jim Dine

Jim Dine war ein Exponent von Neo-Dada und Pop-Art, spezialisiert auf Collagen, "Readymades" (oder "Found Objects Composite") und Ereignisse . 1959 wurde er erstmals mit seinen Happenings bekannt, die er in Zusammenarbeit mit Claes Oldenburg, Allan Kaprow und dem Avantgarde-Komponisten und Konzeptualisten John Cage inszenierte. 1962 wurde er zusammen mit Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Edward Ruscha und Wayne Thiebaud in die bedeutende Pop-Art-Ausstellung in Pasadena aufgenommen. In den 1960er Jahren produzierte Dine eine Reihe von Kunstwerken mit Gegenständen und Bildern der Popkultur, gelegentlich unter Rückgriff auf Dada-Sensationslust, wie in seiner Installationsveranstaltung "Canticles to the Penis", die von der Polizei in London wegen Unanständigkeit geschlossen wurde.

Robert Indiana

Der gebürtige Robert Clark begann als abstrakter Maler und Holzbildhauer, bevor er 1954 zur Pop-Art-Bewegung in New York City wechselte. Ausrangierte Schablonen führten ihn dazu, eine Reihe von Arbeiten zu erforschen Wortkunst indem er Buchstaben und Wörter (z. B. Liebe, Essen, Sterben) in seine Gemälde einfügt, die auf der Dekoration von Flipperautomaten basieren. Er nannte sich den " amerikanischen Zeichenmaler ". Bekannt wurde er durch seine 1960er-Jahre-Grafik "Love", die erstmals auf Weihnachtskarten und Briefmarken erschien. Später schuf er eine skulpturale Version, die er in verschiedenen Stilen und Sprachen reproduzierte, einschließlich einer hebräischen Stahlversion – unter Verwendung des Wortes "Ahava". 2008 schuf er ein neues Image mit dem Wort "Hoffnung", dessen Erlös dem Wahlkampffonds von Barack Obama gespendet wurde.

Jasper Johns

Johns war zusammen mit Rauschenberg in den 1950er Jahren ein Pionier der Pop-Art. Als er 1949 von South Carolina nach New York zog, wurde er zuerst für seine Gemälde mit der amerikanischen Flagge (z. B. "Flagge", 1954-55) sowie für andere Standardgrafiken wie Ziele und Zahlen bekannt. Er wurde auch für die Aufnahme zur Kenntnis genommen Enkaustische Farbe und Gips Relief in seinem Ölgemälde . Nach seinen Flaggenbildern begann er, reale Objekte in seine Gemälde einzubeziehen und setzte sich auch mit Skulpturen auseinander (z. B. "Ale Cans", 1964). Seine Verwendung von Bildern und Materialien aus der Popkultur führte natürlich dazu, dass er als Popkünstler bezeichnet wurde, aber seine künstlerischen Äußerungen (einschließlich vieler Duchamp-ähnlicher Parodien, Paradoxien und Widersprüche) führten auch dazu, dass sein Werk als Neo bezeichnet wurde -Dadaist . Johns ’intelligentes und innovatives Werk, das eher ein klassischer, malerischer Künstler ist als viele andere jüngere Pop-Künstler, die sich auf Techniken der modernen kommerziellen Kunst stützten, stieß auf großes Lob und Mäzenatentum. Zu gegebener Zeit erkundete er verschiedene andere Medien, einschließlich Siebdruck und Tiefdruck, und Lithographien . Im Jahr 1998 zahlte das New Yorker Metropolitan Museum of Art angeblich 20 Millionen US-Dollar für sein Werk "White Flag", während sein Werk "False Start" im Jahr 2006 von privaten Sammlern für 80 Millionen US-Dollar gekauft wurde. Damit war es das teuerste Gemälde von einem lebenden Künstler.

Alex Katz

Ein einzigartiger figurativer Maler, in dem er auch gearbeitet hat Druckgrafik und Skulptur wurde Katz mit der Pop-Art in Verbindung gebracht, weil er traditionelle Themen in einer Pop-Sprache überarbeitete. Er ist bekannt für seine innovative Neugestaltung von Ideen, die von Impressionisten (insbesondere Edouard Manet, Claude Monet und Georges Seurat) verwendet wurden, wie die unterschiedlichen Lichteffekte und Szenen von bürgerlichen Freizeitsuchenden, die unter Verwendung von Nass-in-Nass-Öl-Techniken ausgeführt wurden lose Pinselführung. Auf der anderen Seite werden einige seiner Werke eher düster präsentiert, scheinbar ohne Emotionen oder Sensibilität.

Roy Fox Lichtenstein

Als führender Pop-Künstler mit einem sofort erkennbaren Stil verwandelten seine Arbeiten Comicgrafiken in eine internationale Kunstform. Ein Lehrauftrag an der Rutgers University, der in den 1950er Jahren als abstrakter Künstler begann, brachte ihn mit seinem Kollegen Allan Kaprow in Kontakt und löste sein Engagement für Popkulturkunst aus. Zunächst malte er freihändige Versionen von Comic- Rahmen mit Textblasen (z. B. "Look Mickey", 1961) und hatte eine ausverkaufte Show in der New Yorker Galerie von Leo Castelli 1961. Im folgenden Jahr erschienen seine Werke in den beiden großen Ausstellungen von 1962 in Pasadena und New York. Ende 1963 erlangte Lichtenstein weltweite Aufmerksamkeit. Zu den legendären Werken dieser Zeit gehörten: "Drowning Girl" (1963) und "Whaam!" (1963). 1989, beim Christies-Verkauf zeitgenössischer Kunst in New York, Lichtensteins Gemälde "Torpedo… Los!" für 5, 5 Millionen Dollar verkauft – ein Rekord für den Künstler.

Claes Oldenburg

Bekannt als der bedeutendste Pop-Art-Bildhauer, der für seine öffentlichen Kunstinstallationen bekannt ist, in denen oft monumentale Nachbildungen von Alltagsgegenständen zu sehen sind, insbesondere von Lebensmitteln wie Burgern und Eistüten . Oldenburg, das ab 1956 in New York tätig war, kam mit Allan Kaprow, Jim Dine und dem Bildhauer George Segal in Kontakt und beschäftigte sich mit Happenings und anderen Formen von Kunst Performance und Installationskunst . Zu den bekannten Werken gehörten: "Dual Hamburger" (1962) sowie sein 1969 an der Yale University aufgestellter Riesenlippenstift. Sein Hauptbeitrag für den Pop war, ähnlich wie bei Rosenquist, die Verwandlung alltäglicher Gegenstände in Kunst.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Rauschenberg, der größtenteils in New York City ansässig ist, gilt zusammen mit seinem Geliebten Jasper Johns als einer der Anführer von Neo-Dada Kunst – eine frühe Sorte der Pop-Art – studierte 1948 am Black Mountain College in North Carolina bei dem Ex-Bauhaus-Künstler Josef Albers (berühmt für seine "Homage to the Square" -Serie). 1951 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Betty Parsons Gallery und 1954 eine zweite Einzelausstellung in der Charles Egan Gallery. Oft als Mitglied von Neo-Dada für seine Zugehörigkeit zu Marcel Duchamps "Readymades" beschrieben, ist er bekannt für seine " Painting Combines " der 1950er Jahre, die aus nicht-traditionellen Materialien und Objekten bestehen und in innovativen Kombinationen präsentiert werden. Zu dieser Zeit spezialisierte sich Rauschenberg auf die Verwendung von "gefundenen" Materialien wie Müll und anderen Abfällen, die er von den Straßen New Yorks sammelte. Von 1961 bis 1962 begann er jedoch, sowohl Bilder als auch gefundene Objekte in seine Arbeiten aufzunehmen, in der Regel Fotografien, die im Siebdruckverfahren auf die Leinwand übertragen wurden. Auf diese Weise kann seine Arbeit als zeitgleich mit der von Andy Warhol angesehen werden. Rauschenberg arbeitete auch in den Bereichen Kunstfotografie, Druckgrafik, Papierherstellung und Performance.

James Rosenquist

Rosenquist, ein bekannter Pop-Maler, studierte an der Minneapolis School of Art und anschließend an der University of Minnesota. 1955 zog er im Alter von 21 Jahren nach New York City, um an der Universität zu studieren Kunststudentenliga , bevor er als Plakatmaler arbeitete. Mit seinen erlernten Zeichenmaltechniken stellte er großformatigen Gemälden scheinbare Werbung romantischen Magazinbildern gegenüber, um ein Gefühl der Diskontinuität und Irrationalität als Kommentar zum modernen Leben zu erzeugen. Eine bekannte Arbeit zu dieser Zeit war sein raumgroßes Gemälde "F-111" (1965). Rosenquists Hauptbeitrag für den Pop war, wie in Oldenburg, gewöhnliche Objekte in Kunst zu verwandeln, indem er ihnen monumentale Größe und Gewicht verlieh.

Edward Ruscha

Ruscha ist ein Mann aus Oklahoma, der 1956 in LA in die Hüfte ging. Er absolvierte bis 1960 eine Ausbildung am Chouinard Art Institute (heute California Institute of the Arts) (beeinflusst von der Kunst von Marcel Duchamp und Jasper Johns), bevor er als Layouter arbeitete für die Carson-Roberts Werbeagentur in Los Angeles. 1962 erschienen seine Gemälde neben Werken von Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Jim Dine und Wayne Thiebaud in der bahnbrechenden Ausstellung im Pasadena Art Museum. Zu seinen frühen bekannten Werken, in der Regel perfekt reproduzierte Reklametafeln und Tankstellen, gehören: "Large Trademark with Eight Spotlights" (1961) und das Ölgemälde "Standard Station, Amarillo, Texas" (1963), das Anklänge an Hopper’s hatte "Gas" (1940). Ab Mitte der 1960er Jahre wurde er bekannt für seine Word Paintings (auch bekannt als Liquid Word Paintings).

Andy Warhol

Warhol, von vielen als der Hohepriester der Pop-Art angesehen, hatte eine erfolgreiche Karriere als kommerzieller Illustrator, bevor er weltweite Berühmtheit erlangte für seine Malerei im Pop-Stil, Siebdrucke, Avantgarde-Filme und einen Lebensstil, der eine Mischung aus Hollywood-Stars beinhaltete. Intellektuelle, avantgardistische Künstler und Underground-Stars. Sein Ausblick auf die Auswirkungen des Fernsehens – ein entscheidender Faktor für die Identität und Popularität der Pop-Art – auf Kunst und Leben, wird mit seinem berühmten Satz treffend zusammengefasst: " Jeder kann für 15 Minuten berühmt sein ."

In den 1960er Jahren begann er mit der Produktion von Gemälden amerikanischer Kultprodukte wie Campbells Suppendosen , Coca-Cola-Flaschen und Dollarnoten , zusammen mit Bildern internationaler Stars wie Marilyn Monroe, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor und Elvis Presley. Er gründete auch sein berühmtes New Yorker Kunststudio, bekannt als " The Factory ", in dem er Damien Hirsts Massenproduktionsmethoden um mehr als 30 Jahre vorwegnahm.

Warhols Kunst drehte sich vor allem um Ikonografie, die durch Fernsehen, Nachrichtenfilme und Werbung berühmt wurde, wie Atombombenpilzwolken, elektrische Gefängnisstühle, Autounfälle und Rennunruhen. Seine Bilder waren daher sofort erkennbar und erweckten Massenanklang.

Warhols Status als innovativer und außerordentlich kreativer Künstler ist nicht zuletzt durch seine Umwandlung alltäglicher Bilder in Ikonen der Weltkunst gesichert. Darüber hinaus war er außerordentlich produktiv und arbeitete in einer Vielzahl von Medien, einschließlich Zeichnung , Malerei, Druckgrafik, Fotografie und Filme.

Berühmte britische Pop-Künstler

Peter Blake – Patrick Caulfield – Richard Hamilton
David Hockney – Allen Jones – Eduardo Luigi Paolozzi

Peter Blake

Blake wurde erstmals als Mitglied der aufstrebenden britischen Pop-Art-Bewegung identifiziert, als er 1961 zusammen mit David Hockney, RB Kitaj und anderen bei der Ausstellung "Young Contemporaries" auftrat 1962 Film von Ken Russell über britische Pop-Art. Am bekanntesten ist er jedoch für die Gestaltung des Covers für das Album " Sergeant Peppers Lonely Hearts Club Band " der Beatles.

Patrick Caulfield (1936–2006)

Caulfield wurde 1956 an der Chelsea School of Art und (1960-1963) am Royal College of Art unter anderem von David Hockney und RB Kitaj ausgebildet. 1964 waren seine Werke in der Ausstellung "New Generation" in der Londoner Whitechapel Gallery vertreten, die erstmals auf sein Engagement in der britischen Pop-Art-Szene aufmerksam machte. Er spezialisierte sich auf Gemälde, die gewöhnliche Motive, Linien und Farben aus dem Vokabular von Werbung und billigen Illustrationen verwendeten, um eine lebendige Intensität und Humor zu vermitteln. Seine Arbeiten sind oft figurativ und zeigen charakteristisch einige einfache Objekte in einem Innenraum, die mit flachen Bereichen einfacher Farbe (oder einem einzelnen Farbton) mit schwarzen Umrissen ausgeführt sind.

Richard Hamilton

Als Mitbegründer der Independent Group am Institute of Contemporary Arts in London, der Künstlerdiskussionsgruppe, die Pop-Art in Großbritannien hervorgebracht hat, ist er vor allem für seine Collage von 1956 mit dem Titel " Was macht das heutige Zuhause so anders? " Bekannt. So ansprechend? "- gilt heute als eines der ersten Beispiele britischer Pop-Art. Mitte der 1950er-Jahre nahm Hamilton nach mehreren Einzelausstellungen den Unterricht in Newcastle-upon-Tyne auf. Während dieser Zeit verfolgte er ein Forschungsprojekt über den französischen zeitgenössischen Künstler Marcel Duchamp, eine von Hamilton sehr geschätzte Figur, erhielt Anfang der 1960er Jahre ein Stipendium des britischen Arts Council, um die Collagensammlung "Merzbau" von Kurt Schwitters in Cumbria zu kuratieren und zu bewahren. 1966 kuratierte Hamilton als Lehrer und CND-Aktivist eine große britische Retrospektive von Duchamps Werk in der Tate Gallery. Darüber hinaus führten seine Kontakte zur zeitgenössischen Musikszene zu einer Freundschaft mit Paul McCartney, die zu Hamiltons Cover-Design führte Plakatkunst für das Beatles ’White Album .

David Hockney

David Hockney ist ein wichtiger Beitrag zur britischen Pop-Art der 1960er Jahre und ein brillanter Zeichner. Er ist einer der herausragendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Er war in der Young Contemporaries Exhibition (1961) vertreten, die den Auftritt der britischen Pop Art ankündigte – obwohl seine Arbeit keineswegs auf diesen Stil beschränkt war. 1963 besuchte er New York, wo er Andy Warhol traf. Danach besuchte er Los Angeles in Kalifornien, das später für viele Jahre sein Zuhause war. Die Los Angeles-Reise inspirierte ihn zu einer Reihe von Gemälden mit Schwimmbädern mit dem neuen Medium Acryl. Die Bilder wurden in einem flachen, aber sehr realistischen Stil mit lebendigen Farben ausgeführt. Zu den bekanntesten Werken der 1960er Jahre gehört "Peter steigt aus Nicks Pool aus" (1966), der im folgenden Jahr den John Moores-Malpreis in der Walker Art Gallery in Liverpool gewann. "Sunbather" (1966); und "A Bigger Splash" (1967), die 2006 für 2, 6 Millionen Pfund gekauft wurden – ein Rekord für ein Hockney-Gemälde.

Alle Jones (b.1937)

Jones, einer der Begründer der britischen Pop-Art, verwendet einfache bildliche Darstellungen in Kombination mit leuchtenden, kräftigen Farben. Er ist am bekanntesten für seine erotische Skulptur (z. B. das Set Chair, Table and Hat Stand, 1969). Andere bemerkenswerte Werke sind: "Wet Seal" (1966) und "What Do You Mean, What Do I Mean?" Er ist auch Grafiker und Ölmaler.

Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005)

Der Begründer der britischen Pop-Art, Paolozzi, absolvierte eine Ausbildung am Edinburgh College of Art (1943), an der St. Martin’s School of Art (1944) und an der Slade School of Art (1944-1947), bevor er 1947 in Paris arbeitete -1949), wo er eine Reihe berühmter Künstler kennenlernte und von ihnen beeinflusst wurde, darunter der Schweizer Bildhauer Alberto Giacometti , der ehemalige Dadaist, und der rumänische Bildhauer Surrealist Jean Arp Constantin Brancusi und die Kubisten Georges Braque und Fernand Léger. Seine wegweisende Collage " Ich war ein Spielzeug für Reiche " (1947) stammt aus dieser Pariser Zeit. Zurück in London arbeitete er mit Skulpturen, Konstruktionen, Collagen und Lithographien in einem weitgehend surrealistischen Stil. Seine Kompositionen umfassten eine Vielzahl von Objekten und Materialien. Er war ein führender Gründer der Independent Group im Jahr 1952, deren Diskussionen einen Großteil der bald aufkommenden Pop-Art-Schule vorwegnahmen.

Liste der Pop-Art-Werke

Hier finden Sie eine kurze Auswahl berühmter Werke von Pop-Künstlern.

Neo-Pop

In den 1980er Jahren gab es eine Wiederbelebung des Interesses an Pop-Art – ein Phänomen, das als Neo-Pop (oder "Shock Pop-Art") bekannt ist. Es war keine neue Kunstbewegung als solche, sondern ein Wiederaufleben populärkultureller Kunstwerke – diesmal aus den 1980er Jahren. Während die ursprüngliche Pop-Art-Bewegung völlig avantgardistisch war, ist die Neo-Pop-Art eher eine Wiederholung. So verwenden Neo-Pop-Künstler weiterhin "Readymades" und bereits existierende Gegenstände in ihren Werken und verlassen sich auch stark auf berühmte Ikonen wie Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Paris Hilton und so weiter. Sie lassen sich auch von Minimalismus , Konzeptkunst , Fotorealismus und Installations- / Performancekunst inspirieren und mehr. Neo-Pop ist eher eine extremere Version von Warhol, Oldenburg und Rauschenberg.

Der Hauptvertreter von Neo-Pop ist Jeff Koons (* 1955), über den der bekannte Kritiker Robert Hughes schrieb: "Koons hält sich wirklich für Michelangelo und ist nicht schüchtern, dies zu sagen. Das Bedeutende ist, dass es vor allem Sammler gibt in Amerika, wer glaubt das. Er hat die schleimige Gewissheit, das grobe Geplapper von Transzendenz durch Kunst, dass ein blasgetrockneter Baptist in Florida Sumpfgebiete verkauft, und das Ergebnis ist, dass man sich Amerikas einzigartig verdorbene Kultur ohne ihn nicht vorstellen kann. " Echo der Kritik an Andy Warhol und Damien Hirst? (2005 wurde Koons als Fellow an die American Academy of Arts and Sciences gewählt.)

Weitere führende Vertreter sind Katharina Fritsch , Daniel Edwards und Yasumasa Morimura . Zu den legendären Werken von Neo-Pop, beide von Jeff Koons, gehören "Michael Jackson and Bubbles" (1988) – 1991 für 5, 6 Millionen US-Dollar verkauft – und "Puppy" (1992). Siehe auch: Top zeitgenössische Künstler 2014 .

Berühmte Neo-Pop-Künstler

Ashley Bickerton, Rah Crawford, Daniel Edwards, Katharina Fritsch, Keith Haring, Damien Hirst, Gary Hume, Jeff Koons, Mark Kostabi, Yngvar Larsen, Allan McCollum, Komar und Melamid, Cady Noland, Charles Ray, Kenny Scharf, Haim Steinbach, Gavin Türke.

Liste der Neo-Pop-Art-Werke