Russische Malerei, 19. Jahrhundert Automatische übersetzen
Russische Malerei des frühen 19. Jahrhunderts
Anfang des 19. Jahrhunderts Russische Kunst war zutiefst berührt von Romantik. In Russland stand dieser Geist für etwas ganz anderes als die westliche Konzeption, die solche Erscheinungsformen wie die düstere Landschaft und das gotische Setting in der Literatur usw. umfasste. Tatsächlich war die Romantik im Westen eine revolutionäre Bewegung, die sich gegen die Vorherrschaft der klassischen Tradition richtete. In Russland hingegen wurde der Begriff aufgrund des Einflusses von Byron, Puschkin und Lermontow im ursprünglichen Sinne des 17. Jahrhunderts interpretiert, um ein Werk zu implizieren, das jene erhabenen und fantastischen Elemente besitzt, die für die alten Romanzen charakteristisch sind. Diese Mischung aus Höflichkeit und Phantasie schien besonders für eine Gesellschaft geeignet zu sein, die sich um eine so malerische Persönlichkeit wie Zar Alexander I. drehte. Schon zu seiner Zeit war der Zar fast zu einer legendären Figur geworden, und sein Charme, sein zartes Aussehen, die Ereignisse von Seine Regierungszeit und sein Apollo-artiges Auftreten, kombiniert mit der süßen Melancholie seiner Stimmung, hinterließen einen tiefen Eindruck Russische Künstler des Alters.
Orest I. Kiprenski (1773-1836)
Orest I. Kiprenski war der früheste und einer der begabtesten. Als Sohn eines Leibeigenen und dennoch äußerst sensiblen Mannes hatte er die schönen Traditionen von geerbt Porträtkunst von Russische Malerei des 18. Jahrhunderts – ein Genre, in dem er sich auszeichnete. Er war besonders an der Wechselbeziehung von Farben interessiert, und die Tonalität seiner Porträts ist hervorragend, besonders an seiner Selbstporträts, wo die Farbgebung seinem Tag weit voraus ist. Zwei von ihnen sind also fast vollständig in Grün gehalten, mit dem verblüffenden Ergebnis, dass sie emotional in der gleichen Tonart sind wie Alexander Bloks Poesie der 1920er Jahre. Leider wurde Kiprenski, wie Losenko vor ihm, durch zwei Besuche in Rom von seinem wahren Kurs abgelenkt. Zu dieser Zeit akademische Kunst Dort herrschte das höchste Regime, und Kiprenskis emotionales Temperament war von der Größe seiner Motive so beeindruckt, dass er die Porträtmalerei für anspruchsvollere Themen aufgab und seine Farbexperimente vor seinem Interesse an heroischen Kompositionen nachgaben. Infolgedessen werden seine späteren Arbeiten dem Versprechen seiner früheren Jahre nicht gerecht.
Wassili Tropinin (1776–1857)
Wassili Tropinin ist in der Regel mit Kiprenski verbunden, sowohl wegen seiner bescheidenen Herkunft – er war von Geburt an ein Leibeigener und wurde erst spät im Leben entrechtet – als auch, weil auch er sich in der Porträtmalerei hervorgetan hat. Seine Vorliebe für eher sentimentale Mädchenköpfe wurde dem romantischen Geist zugeschrieben, aber es wäre der Wahrheit näher, zuzugeben, dass sie Tropinins Konzept von perfekter weiblicher Schönheit darstellen. Im Gemälde ihnen vergaß er das Elend seines eigenen Lebens. Seine Genreszenen sind lebendiger, und ihre Intimität und Freundlichkeit verleihen ihnen die Kraft und Überzeugung, die den Porträts fehlen.
Boris Orlovski (1796–1832)
Boris Orlovski ist eine wichtigere Figur, aber er wurde erneut von einer Nachfrage nach Gemälden im Stil des niederländischen Malers Philips Wouwerman (1619-68) abgelenkt. Anstatt seine eigene Individualität zu entwickeln, konzentrierte er sich darauf, die Art von Bild zu entwickeln, für die es einen Markt gab, und infolgedessen liegt es an ihm Zeichnung dass er einen Platz unter den großen Figuren der russischen Kunst zugewiesen werden kann. Diese Zeichnungen sind nicht nur zart und amüsant, sondern auch technisch sehr brillant. Seine Fähigkeiten sind mit denen von Bryulov vergleichbar, aber während Bryulov ein erfahrener Handwerker mit einem sterilen Verstand war, war Orlovski ein unberechenbarer Maler mit dem Temperament eines Künstlers.
CP Bryulov (1799-1852)
CP Bryulov war der Sohn eines Schnitzers am Katharinenhof, der die offensichtlichen künstlerischen Begabungen seines Sohnes so erfolgreich gefördert und weiterentwickelt hatte, dass der Junge alle von der Akademie der bildenden Künste verliehenen Preise abräumte und ein Reisestipendium nach Italien gewann. 1828 besuchte er Pompeji und Neapel, wo er die Gelegenheit erhielt, Puccinis Oper Die letzten Tage von Pompeji zu sehen. Tief beeindruckt begann er bald, ein großes Bild zum gleichen Thema zu malen. Es gilt in Russland zu Recht als sein Meisterstück, denn es ist eine bemerkenswerte Leistung. Es ist jedoch nichts anderes als ein Kunststück, denn es ist im Wesentlichen ein Theaterstück und keine wirklich erfahrene Arbeit. Trotzdem ist es gelungen, und es begründet Brjulovs Ruf, auch wenn es seine Porträts, Zeichnungen und Zeichnungen sind Aquarellmalerei die heute weiter zu gehen scheinen, um es zu rechtfertigen. Seine Porträts sind außerordentlich vollendete Werke von großer Lebendigkeit, und seine Zeichnungen sind insgesamt entzückend. Ihre Zartheit und Präzision lassen Alexander Benois ahnen.
Fedor Bruni (1800-1875)
In seinem Bild mit dem Titel Die dreiste Schlange produzierte Fedor Bruni das, was oft als Begleitstück zu Bryulovs letzten Tagen von Pompeji angesehen wird. Diese Leinwand zeigt Brunis Talente als Kolorist und sein Können im Gruppieren, aber sie scheitert sogar als zeitgenössisches Stück, denn sie wirkt auffällig und unaufrichtig. Bruni malte eine Reihe von religiösen Bildern, aber auch sie scheitern und aus demselben Grund.
Alexander Venetsianov (1779–1847)
Alexander Venetsianov erlangte Arbeit von weit größerer Bedeutung, da seine Interessen, wie viele seiner westlichen Zeitgenossen, in erster Linie auf die technische Seite von Berlin gerichtet waren Ölgemälde. Er war ein Schüler von Borovikovski gewesen, und in seiner frühen Reife hatte er auch eine große Anzahl von Schülern und eine wichtige Anhängerschaft, aber Brylovs spektakulärer Erfolg mit seinen letzten Tagen von Pompeji zog die meisten der ehrgeizigeren russischen Maler an, und Venetsianov, Wie ein oder zwei andere bemerkenswerte Lehrer verloren die meisten seiner Schüler. Zu den Anhängern von Venetsianov gehörten jedoch ein oder zwei bedeutende kleinere Künstler wie Zarianko (1818-1870), insbesondere Graf Fedor Tolstoi (1783-1873), der die realistischen Prinzipien anwendete, die Venetsianov zu seinen eigenen Bildern von der Russische Mittelschichten in ihrer Heimatumgebung. Diese charmanten Gemälde sind für Russland ästhetisch und historisch ebenso wertvoll wie manches Gesprächsbild einer früheren Zeit in Großbritannien und sie sind die ersten Beispiele für eine Entwicklungskette, die in unserer Zeit gipfelt die retrospektive Arbeit von Alexander Benois und Dobuzhinski.
Paul A. Fedotov (1815-1852)
Paul A. Fedotov , der William Mulready der russischen Malerei, verband Genreszenen mit tolstojanischen Interieurs. Als unprätentiöser, aufrichtiger und aufmerksamer Mann, der in der knappen Pension eines pensionierten Offiziers lebt, begann er erst Ende 30 mit dem Malen. Mangelnde Ausbildung und ein vorzeitiger Tod hinderten ihn daran, sich zu einem russischen Rowlandson zu entwickeln, aber seine Aufzeichnungen zeitgenössischer Schwächen sind geistig und temperamentvoll eng mit Gogols und Tschechows Schriften verbunden. Seine Szenen befinden sich in sorgfältig reproduzierten Innenräumen und sind sehr gut gemalt. Seine Bilder " The Fop" und " The Window" stehen an vorderster Front der russischen "Purpose" -Malerei.
Wassili Perow (1833–1882)
Sein unmittelbarer Nachfolger und Mitmuskoviter, Wassili Perow , hatte mehr Glück, denn er wurde von Kindesbeinen an zum Künstler ausgebildet. Infolgedessen sind seine Leistungen größer als die von Fedotov, da sein Bleistift und Pinsel mit seiner Beobachtungsgabe Schritt halten. Seine tiefe Aufrichtigkeit beeinträchtigte weder die Leichtigkeit seiner Berührung noch seinen Sinn für Humor, aber die politischen Bedingungen, die in Russland herrschten, veranlassten ihn, Moral zu wählen Genre-Malerei als seine Kugel. Infolgedessen besitzt Russland eine Reihe von Bildern, die nicht weniger aufschlussreich und prägnant sind als The Rakes Progress oder Marriage a la Mode von William Hogarth. Perovs Bilder bilden jedoch keine Kulissen, sondern zeigen einzelne Themen wie Die Dorfpredigt, Die Teeparty, Das Mahl und Die Ankunft der Gouvernante. Sie verfehlen Hogarths Bildebene wegen der besonderen Steifheit und Zurückhaltung, die für das 19. Jahrhundert charakteristisch ist, und auch, weil die Gruppierung weniger erfolgreich und die Farbe schlechter ist, aber sie haben zusätzlich zu ihrem erzählerischen Interesse einen bestimmten ästhetischen Wert.
Alexander Ivanov (1806–1858)
Ein völlig anderer Trend zeigt sich bei Alexander Ivanov , dessen Gemälde oft religiöser Natur und religiöser Natur sind, da sie eine zutiefst aufrichtige spirituelle Konzeption sowie ein ausgeprägtes Gespür für Form und Komposition aufweisen. Er war der erste Russe, der seine religiösen Gefühle mühelos und treffend im westlichen Medium zum Ausdruck brachte und schuf religiöse Kunst im westlichen Stil nicht weniger bewegend als der Ikonenmalerei des Mittelalters. Seine Studien von weibliche Akte bleiben überraschend modern und verdienen es, zu den modernsten zeitgenössischen westlichen Werken dieser Art zu zählen.
Nicholas Gay (1831–1894)
Nicholas Gay , ein armer Zeichner, aber auch ein wahrhaft religiöser Künstler, folgte Alexander Ivanov unbewusst, vielleicht sogar automatisch, und verband in seinen religiösen Bildern westlichen Naturalismus mit der orthodoxen Missachtung physischer im Gegensatz zu spiritueller Schönheit. Dies verlieh seinen verzerrten, ausgemergelten, unschönen Figuren eine absorbierende Intensität, die insbesondere auf einem Gemälde der Kreuzigung im Russischen Museum in St. Petersburg zu sehen war. Seine Porträts sind weniger lebendig, aber spontaner. Sie sind ausgezeichnete Ähnlichkeiten und bei aller Freundlichkeit weder artig noch sentimental, so wie es das Porträt des 19. Jahrhunderts war. Sein Porträt des Grafen Leo Tolstoi ist eines der interessantesten Bilder des Schriftstellers, denn es spiegelt deutlich die widersprüchlichen Elemente wider, die seinen turbulenten Charakter ausmachten.
"Die Wanderer" (Peredvizhniki)
Nach 1863 war der Verlauf der Entwicklung der russischen Malerei stark von einem zunächst trivialen Ereignis geprägt. Dreizehn Studenten der Akademie der bildenden Künste lehnten die Wahl von Odin in Valhalla als Thema für die Goldmedaille ab. Sie forderten ein slawisches Thema an seiner Stelle und taten dies mit einer solchen Beharrlichkeit, dass sie aus der Akademie ausgeschlossen wurden. Dies war ein schwerer Schlag für sie, denn sie waren größtenteils arm und für ihren Lebensunterhalt auf ihre Diplome angewiesen. Sie trafen den Schlag, indem sie eine Gilde gründeten und sich die Aufträge teilten, die sie bekommen konnten. 1870 gingen sie noch weiter und gründeten eine Gesellschaft, die sie " Die Wanderer " ) Peredvizhniki) (Gesellschaft für Wanderausstellungen). Ihre Mitglieder sollten von Ort zu Ort ziehen und ihre Werke ausstellen, in der Hoffnung, dass sie Moskau und die Provinzen dazu bringen, sich gemeinsam mit St. Petersburg für Kunst zu interessieren sie wählten soziale oder politische Themen für ihre Bilder und hofften gleichzeitig, ihre Öffentlichkeit politisch zu machen.
Die Wanderers, diejenigen, die mit ihnen sympathisierten, ohne aktive Mitglieder der Gesellschaft zu sein, und diejenigen, die, obwohl nur indirekt betroffen, dennoch dazu geneigt sind, "Zweck" -Künstler zu werden, können in vier Gruppen eingeteilt werden. Es gab jene wie Ivan Kramskoy (1837-1882), ihren ersten Führer, oder Victor Vasnetsov (1848-1926) und Michael Nesterov (gestorben 1862), die sich auf slawophile Themen konzentrierten; es gab die Anhänger von Vereshchagin , Repin und Surikov , die historische Themen auswählten; andere, wie Wassili Perow und Alexander Makowski (1869-1915), wurden Genremaler; Schließlich konzentrierten sich Maler wie Isaac Levitan (1861-1900), Arhip Kuinzhi und der Seestückmaler Ivan Ayvazovski (1817-1900) auf naturalistische Themen und Landschaften.
Die Arbeit der Wanderer war von ihrem Wunsch, zu missionieren, getrübt. So wurde ihr virtueller Anführer, Kramskoy, (so heißt es) zu zerebral und zu emotionslos, um große Dinge zu erreichen; Sein Geist war zu sehr von Dostojewski beeinflusst, seine Gefühle waren zu schwach. Seinem Werk mangelte es an Kraft, und trotz seiner Sorge um das Böse der Zeit weckt es kein tiefes Gefühl beim Zuschauer. Dennoch, Ivan Kramskoy wird immer seinen Platz in der Geschichte der russischen Malerei behalten – nicht zuletzt als einer seiner beste Porträtkünstler – dessen Ausblick das dritte Viertel des neunzehnten Jahrhunderts charakterisierte. Er produzierte auch einige herausragende Christliche Kunst Darunter: Christus in der Wildnis (1872, Tretjakow-Galerie, Moskau) und Gelächter ("Hagel, König der Juden!") (1882, Russisches Museum, St. Petersburg).
Nesterov hatte das Zeug zu einem herausragenden Landschaftsmaler, aber seine Entschlossenheit, auf eine Moral hinzuweisen, verdarb seine Bilder. Darüber hinaus sind seine Figuren sentimental und nicht überzeugend und verdecken nur die schönen Landschaften, in denen sie sich befinden.
Vasnetzov war ein begnadeterer Künstler als jeder andere, aber seine Arbeit war erneut von der Abwesenheit von Spontaneität und Leidenschaft sowie von seinem schlechten Auge für Farbe geprägt.
Wassili Wereschtschagin (1842-1904)
In Sympathie mit den Wanderern, aber auch mit den Anhängern von Venetsianov verbündet, arbeitete der bekanntere Wassili Wereschtschagin . Sein Mitgefühl galt den Slawophilen, die sanfte Geburt und verwestlichte Erziehung genossen. Er hatte jedoch ein Atelier in Paris und verbrachte einen Großteil seiner Zeit dort. Obwohl ein Besuch in Indien dazu führte, dass er mit Farben experimentierte, blieb er von den Forschungen von Degas, Monet und Manet auf demselben Gebiet völlig unberührt, möglicherweise sogar ahnungslos. Dennoch haben seine eigenen Erfolge dazu geführt, dass er vielen seiner russischen Kollegen die Bedeutung dieses Themas nahe gebracht hat. Als Kriegskünstler nahm Vereshchagin an der Belagerung von Samarkand und dem Balkanfeldzug teil. Die Verbissenheit des Krieges verstärkte seine realistischen Tendenzen und machte ihn zu einem zurückhaltenden und einfühlsamen, wenn auch definitiv "moralisierenden" Künstler. Zuweilen sind seine Zeichnungen und der Aufbau seiner Bilder uninteressant, aber seine Aufrichtigkeit und seine Gefühle waren so groß, dass viele seiner Kriegsbilder auch jetzt noch zutiefst bewegend sind – sicherlich ein Beweis für ihren eigentlichen Verdienst. Zu ihrer Zeit zogen diese Bilder große Menschenmengen an, darunter auch Bauern, und sie taten mehr als die Werke eines anderen einzelnen Künstlers, um das Interesse des russischen Volkes zu wecken Kunst.
Ilya Repin (1844-1930)
Obwohl in seiner Berufung weniger beliebt, Ilya Repin (1844-1930) war in Wirklichkeit ein Künstler von größerer Originalität. Er hatte zwar das Talent und das Temperament, um eine herausragende Figur in der Kunst Europas zu werden, aber es war sein Unglück, in der trübsten Zeit der russischen Malerei geboren worden zu sein, als es noch eine sterbende akademische Tradition gab unter strenger Kontrolle. Außerdem fehlte ihm die Kraft, die es russischen Schriftstellern und Musikern ermöglichte, sich von diesem stagnierenden Geist zu befreien, und obwohl er seine Arbeit vollbracht hatte, war es nie aufregend. Zwei seiner Bilder verdienen dennoch besondere Erwähnung – sein Studium von Iwan IV. Im Moment der Ermordung seines Sohnes und sein Gemälde Kosakenkarussell, nachdem er dem Sultan eine spöttische Nachricht geschickt hat. In der ersten von ihnen ist Iwans Entsetzen über das Leiden seines Sohnes ein durchdringendes Studium der menschlichen Trauer angesichts von Gewalt, während in der zweiten die Darstellung der Kosaken voller psychologischer Einsichten ist.
Wassili Surikow (1848–1916)
Diese Werke wurden zu ihrer Zeit sehr bewundert, aber sie beeinflussten die zeitgenössischen Maler nicht in dem Maße wie die Geschichtsmalerei von Wassili Surikow . Surikov wählte keine bedeutenden Ereignisse in der russischen Geschichte als Thema aus, wählte jedoch Themen, die den Mut von Individuen unterstrichen, die mit großen Widrigkeiten konfrontiert waren. Diese Wahl war an sich schon ein Novum und interessierte Surikovs Zeitgenossen zutiefst. Eine sanfte Melancholie durchdringt seine Arbeit; aber da er auch energisch und direkt ist, ist nichts Sentimentales daran. Sein Farbspektrum ist vielfältig und lebendig und hat die Farbpaletten der Malergruppe World of Art maßgeblich beeinflusst. Surikov war zu tüchtig und selbstgenügsam, um sich einer Gruppe anzuschließen, aber er tat alles, um jüngere Maler zu ermutigen, sich von der engen Interpretation der Wanderer zu lösen, und sogar reife Künstler, die ihm im Alter näher standen – Männer wie Repin und Vasnetsov, sogar Levitan und Serov – waren von seinen Leistungen deutlich betroffen. Zusammen mit Repin bleibt Surikov einer der beste Historienmaler der russischen Schule.
Isaac Levitan (1860-1900)
Unter den beste Landschaftskünstler im 19. Jahrhundert waren Russland Isaac Levitan auf wen der Einfluss des großen Naturforschers Ivan Shishkin (1831-1898) ("Zar des Waldes") ist deutlich zu sehen. Levitan erbte von Shishkin eine tiefe Liebe zur russischen Landschaft und von Arkhip Kuindzhi (1842–1910) eine nervöse, fast impressionistische Technik, die hervorragend geeignet ist, die zarte Farbe der russischen Vegetation auszudrücken. Darüber hinaus war Levitan von den Franzosen betroffen Barbizon Schule der Landschaftsmalerei, von denen er ein herzlicher Bewunderer war. Seine Arbeiten zeigten eine phantasievolle Qualität und drücken etwas von der unwiderstehlichen Faszination der unspektakulären und dennoch subtil schönen Landschaft Russlands aus.
Levitan bemühte sich ständig, seine Arbeit, ihre Textur, Linie und Farbe zu verbessern; Am Ende erlangte er echte Meisterschaft. Mit den Worten von Alexander Benois "machte Levitan den unerklärlichen Reiz unserer bescheidenen Armut, die unermessliche Weite unserer jungfräulichen Weiten, die festliche Traurigkeit des russischen Herbstes und den rätselhaften Ruf des russischen Frühlings aus. Es gibt keine Menschen in seinen Bildern, aber sie sind durchdrungen von der tiefen Emotion, die das menschliche Herz von Angesicht zu Angesicht mit der Heiligkeit des Ganzen überschwemmt. "
Valentin Serov (1865–1911)
Ein weiterer herausragender Exponent von Landschaftsmalerei war Valentin Serov , ein Schüler von Repin. Sein Genie war von höchster Bedeutung, und seine Vorstellung von Schönheit war besonders scharf. Vor allem spürte er tief und drückte mit erstaunlicher Klarheit den sehr individuellen Geist und die Kultur Russlands aus. Seine Landschaften sind so realistisch, poetisch und aufschlussreich wie die von Eugene Boudin (1824 & ndash; 98); (sehen: Merkmale der impressionistischen Malerei) seine größte Porträtmalereien sind so schön und lebendig wie die von Renoir (1841-1919). Ihr historischer Wert ist besonders groß, denn ungeachtet seiner persönlichen Zurückhaltung und seiner liberalen Ansichten saß jeder, der für das zaristische Russland von Bedeutung ist, für Serow, aber keines der erhaltenen Gemälde hat etwas von dem offiziellen Porträt darüber; Jedes ist ein aufrichtiges und aufschlussreiches Dokument.
Michael Vrubel (1856–1910)
Der dritte große Individualist der Zeit, Michail Wrubel war ein neugieriges, tragisches, aber zutiefst inspiriertes Genie. Er erlebte etwas Intensiveres als William Blakes seltsame Vorstellungen, obwohl er ein weitaus größerer Künstler war. Seine leidenschaftlichen religiösen Gemälde zählen mit ihrem erstaunlichen technischen Können und ihrer turbulenten Spannung zu den Meisterwerken der Welt. Sie sind so überzeugend und aufregend wie die von El Greco. Seine phantasievollen Arbeiten – zum Beispiel sein Bild von " Pan " – klingen genauso wahr und berührend wie seine großartigen Porträts, so leidenschaftlich wie seine äußerst vollendeten Skulpturen, so ekstatisch wie sein Theaterwerk. Sein gesamtes Schaffen ist von seinem Genie, seinem Idealismus und seinem leidenschaftlichen Streben nach Perfektion geprägt. Seine Persönlichkeit war zu komplex und seine Kunst zu individuell, um zu einer Gefolgschaft zu führen, aber genau aus diesem Grund ist sein: Platz bei den Giganten der europäischen Malerei des 19. Jahrhunderts. Sein Genie war nicht weniger als das ihre, obwohl sein Geist wie der von Van Gogh zutiefst gequält war. Im Gegensatz zu Van Gogh wurden jedoch selbst die qualvollsten seiner Halluzinationen durch seine angeborene Spiritualität in Visionen verwandelt. Vrubel wurde von seinen Zeitgenossen zutiefst geschätzt, die, obwohl sie nicht bereit und nicht in der Lage waren, es nachzuahmen, sich der erstaunlichen Schönheit seiner Arbeit voll bewusst waren.
Weitere herausragende russische Maler der Mitte / Ende des 19. Jahrhunderts sind: der kritisch-realistische Genremaler Konstantin Savitsky (1844–1905), der rustikale Landschaftskünstler Wassili Polenow (1844-1927) und der koloristische Genremaler Abram Arkhipov (1862-1930).
In der Zwischenzeit gruppierten sich einige jüngere Künstler um drei herausragende junge Männer. Zwei von ihnen – Leon Bakst (1866-1924) und Alexander Benois (1870-1960) – waren Maler, der dritte, Sergei Diaghilev (1872-1929), ein junger Kunstliebhaber, präsentierte Europa bald das Beste in russischer Malerei, Musik und Tanz : nämlich sein Ballets Russes Balletttruppe. Diese jungen Männer waren gegen die naturalistischen Tendenzen der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts; aber, obwohl sie zutiefst beeindruckt waren von Französischer Impressionismus Sie waren ihm in keiner Weise unterwürfig, denn sie hielten es für wesentlich, dass jeder Maler seinen eigenen individuellen Weg beschreitet, vorausgesetzt, er beachtet das wesentliche Gesetz "Kunst um der Kunst willen".
Savva Mamontov (1841-1918)
Ihre Ansichten und ihre Werke erregten die Aufmerksamkeit eines bemerkenswert anspruchsvollen Moskowiters Savva Mamontov (1841-1918). Von Beruf Kaufmann, war er durch sein Temperament ein Kunstmäzen im Renaissancestil und sollte einer der herausragendsten Kunstsponsoren in einem Land werden, das der Großzügigkeit des Einzelnen überraschend zu verdanken war Kunstsammler. Zu diesem Zeitpunkt war Mamontov jedoch von der Bühne besonders angetan, da das russische Theater gerade seine schönste Zeit erlebte. Mamontov baute sich in Moskau ein privates Theater auf und beauftragte die führenden progressiven Maler seiner Zeit mit der Gestaltung und den Kostümen seiner Produktionen. 1882 bat er Viktor Vasnetsov (1848–1926), die Szenerie für seine Produktion "Little Snow White" auszuführen; 1885 gab er ihm den Auftrag für das Ballett "Die Nymphe" und wenig später für "Die Schneekönigin".
Vasnetsovs leuchtende Farben, geschwungene Linien und seine Vermeidung der trompe l’oeil Das Publikum war zunächst verblüfft, obwohl seine Arbeit seine Kollegen sofort beeindruckte. Insbesondere seine Kulisse für "Die Schneekönigin" hat mehr als alles andere dazu beigetragen, das russische Märchen und seine Wirkung auf beide zu popularisieren dekorative Kunst und auf Staffelei-Malerei war beträchtlich. So erweckte es bei zwei der bedeutendsten Maler der Jahrhundertwende, Konstantin Korovin (1861-1929) und Alexander Golovin (1863-1930), Interesse an russischen Themen. während zwei andere, D. Steletski und Ivan Bilibin (1876-1941), sich fast ausschließlich solchen Arbeiten widmeten, folgten in den 1920er Jahren Natalia Goncharova (1881-1962) und Michael Larionov (1881-1964) – die Erfinder des Rayonismus – die über Russisch zurückgeführt wurden Volkskunst zum byzantinischen Stil. Die Märchen dienten auch Helen Polenova , dem Russen Berthe Morisot und Mary Yakunchikova (1870-1903) als Ausgangspunkt für ihre Erkundung der grünen Felder, der Wälder und der erbärmlichen kleinen Friedhöfe und Dorfkirchen in was so viele der Märchen entfalten. Und dies führte zu dem Geschmack für jene romantischen, heruntergekommenen Herrenhäuser mit ihren bewachsenen Obstgärten und ihren öden Räumen, deren Möbel in Staubtücher gehüllt waren, die den Rahmen für so viel von Turgenevs Werk bilden. Mary Yakunchikovas Einfluss auf Dobuzhinski und auf Alexander Benois, der schon immer schnell auf die nostalgische Poesie solcher Szenen reagiert hat, kann nicht gänzlich außer Acht gelassen werden, jedenfalls was die Wahl des Themas anbelangt.
Aber um zu Mamontovs Theaterprojekten zurückzukehren. Nach Vasnetsov wandte sich Mamontov an Korovin und Golovin , der erstere produzierte das für "Aida". Ihre wundersamen Farbschemata entfalteten ungeahnte Verzauberungen. Korovins Farben waren subtil und doch so harmonisch und gepaart mit einem so großartigen Sinn für Stil, dass es keine Beleidigung gab, wenn er seine szenische Wirkung eher dem Bild unterstellte. Bis 1917 hatte Korovin die Kulissen und Kostüme für achtzig Opern, siebenunddreißig Ballette und siebzehn Theaterstücke produziert. Alles war exzellent, doch Korovins zahlreiche Staffelei-Gemälde stehen seiner Bühnenarbeit kaum nach. Golovins Vorliebe für Silber und Blau verlieh seinen Vertonungen eine flüssige Musik, und es blieb unbemerkt, wenn seine Bühne dazu neigte, überfüllt zu sein. Seine Bühnenbilder für "Die Frauen von Pskow" und für "Ruslan und Ljudmila" machten ihn zu einem der bedeutendsten Dekorateure seiner Zeit.
Auch andere Künstler fühlten sich unwiderstehlich zur Bühne hingezogen, was der russischen Kunst einen dringend benötigten Anker zu bieten schien. Vrubel war einer der ersten, der seiner Faszination erlag, und zwar in seinen opalisierenden Vertonungen für "Die Schwanenprinzessin" und "Die Königin des Meeres". Trotz ihres kurzlebigen Charakters verdienen sie es, als russische Entsprechung von Monets Seerosen eingestuft zu werden.
Hinweis: Eine Erklärung einiger der großen russischen Werke finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000).
Der Künstlerverband der Welt der Künste: Bühnenbild für das Ballett
Mamontovs Unternehmungen hätten ihn beinahe ruiniert und er musste sein Theater schließen, doch 1898 finanzierte er zusammen mit Prinz Tenishev die Produktion einer Zeitschrift mit dem Titel Die Welt der Kunst ) Mir Iskusstva), die von einer informellen Vereinigung russischer Künstler der Tschechischen Republik herausgegeben wurde gleicher Name. Es wurde bearbeitet von Sergei Diaghilev, unterstützt von Bakst und ermutigt von Alexander Benois. Die Zeitschrift erstreckte sich über den gesamten Bereich von Kunst, obwohl es nicht bis sein drittes Jahr war, dass Theaterangelegenheiten kamen, um in seinen Kolumnen behandelt zu werden.
Die Gelehrsamkeit der Künstler der Welt der Künste in Verbindung mit dem Glanz ihrer Gemälde und dem ästhetischen Erfolg von Mamontovs Theaterproduktionen und vor allem den bemerkenswerten Promotionstalenten von Diaghilev wurde von Telyakovski, dem Direktor der kaiserlichen Theater, unterstützt in Moskau. Gleichzeitig entstand in St. Petersburg eine neue Begeisterung, zuerst unter dem Direktor der St. Petersburger Kaiserlichen Theater, Vsevolozhski , und dann unter seinem Nachfolger, Prinz Volkonski . Wsewoloschski war ein Mann von außergewöhnlicher Sensibilität und Fähigkeit, und während er die Kontrolle über die kaiserlichen Theater hatte (dies war in den 1880er Jahren), erreichte das russische Ballett sein höchstes Niveau. In seinen "Reminiscences of the Russian Ballet" (Putnam, 1941) schreibt Alexander Benois: "Ich schätze mich besonders glücklich, dass ich in einer Zeit, in der die Seele nach lebensspendenden Eindrücken in der Kunst dürstet, unser St. Petersburg-Ballett in seiner Mitte gefunden haben sollte Sein Aufblühen wurde durch eine erstaunliche Kombination von Elementen ermöglicht: Vsevolozhskis feiner Sinn für Kunst, Virginia Zucchis feuriges Genie, Petipas schöpferische Vorstellungskraft, der blühende Zustand der kaiserlichen Theaterschule und zuletzt die Bereitschaft eines Komponisten wie Tschaikowsky (1840-93)) sein Genie dem Theater zur Verfügung zu stellen.
Fürst Volkonski war kaum weniger anspruchsvoll, und er war es, der um die Jahrhundertwende Bakst in "Le Coeur de la Marquise" und Benois für die Szenerie einer Oper in einem Akt ausprobierte, die beide für die kaiserliche Familie aufgeführt wurden in der Eremitage.
Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts ersetzte Telyakovski Prinz Volkonski in St. Petersburg, und obwohl er kein Erfinder war, erweiterte er die offizielle Anerkennung von Benois und Bakst durch den Auftrag der Kulisse für "Le Pavilion d ’Armide" von Benois im Jahr 1907 und für "Hippolytus" und "Ödipus" von Bakst, aber die Schirmherrschaft des Vorstandes für jüngere Künstler war nicht umfassend. Trotzdem fehlt der Theaterkunst die Ästhetik Telyakovskis Aufträge für die Staffelei-Malerei brachten diesen Künstlern eine so weit verbreitete Bekanntheit, dass sie sowohl ihre Staffelei-Malerei als auch ihre Bühnenarbeit umfassten. Trotzdem wäre ihr Ruf wahrscheinlich auf Russland beschränkt geblieben, hätte sich Sergei Diaghilev nicht 1909 entschlossen, die russische Kunst durch die Organisation einer Saison des Russischen Balletts und der Oper in Paris Westeuropa bekannt zu machen.
Die Landschaft, die er mitbrachte; Das gesamte Werk der Maler von World of Art revolutionierte die französische Bühne und beseitigte mit eindrucksvoller Gewalt die blassen, nebligen Farben, die Baudelaire, Verlaine, Oscar Wilde und seine Freunde in Mode gebracht hatten.
Die russischen Schauplätze zeichneten sich durch ihre brillanten Töne und das volle, klare Licht aus, in dem die Farben in Wirklichkeit ausgewogen, zurückhaltend und beherrscht zu sein schienen. Die Vitalität von Diaghilevs Produktionen hat Paris schnell vom Edwardianismus befreit. Midinettes und Concierges wurden ebenso mitgerissen wie die Gesellschaft. Die Slawen wurden zur Mode, alles im Stil des russischen Balletts war die Mode, und bald verkaufte jedes Geschäft – vom "Grand Couturier" bis zum örtlichen Tuchmacher – helle Gewänder, deren Farben immer greller wurden, um zu emulieren die Russen, wie sie sich unter der großen Öffentlichkeit der Stadt ausbreiteten.
Man geht heute noch häufig davon aus, dass diese Leistung der Russen das Ergebnis eines angeborenen Sinnes für… war Farbe Dies ermöglichte es ihnen, feine Effekte zu erzielen, ohne die Angelegenheit zu überdenken. Zweifellos haben die Russen ein Auge für subtile Farbschemata, aber in der Arbeit der Maler von The World of Art wurde nichts unberücksichtigt gelassen. Sie haben ihre Farbschemata mit größter Sorgfalt durchdacht und bei ihrer Konzeption der Bühnengestaltung ebenso großen Wert auf Form und Linie gelegt wie auf Farbe. Vrubel hatte zwar die Bedeutung der Farbe an und für sich betont; aber, möglicherweise wegen seiner bemerkenswerten Begabung als Bildhauer, liegt seinem Schaffen ein tiefes Gefühl für die Grundform zugrunde. Die anderen waren alle Linienzeichner mit herausragenden Fähigkeiten. Bakst zum Beispiel, ein erstklassiger Zeichner, bestand darauf, dass die Szenerie keinen fiktiven Eindruck erwecken sollte, sondern auf Realismus basieren sollte, was die grundlegende Bedeutung der Form impliziert. Seine Macht liegt in der Tat in seinem Sinn für Linie und Form ebenso wie in seinem Sinn für Farbe, und hätte er seine Aufmerksamkeit nicht auf die Bühne gerichtet, an die er sich sicherlich gewandt haben muss Grafik-Design. Es war die Liebe zum Theater, die ihn dazu brachte, sein feines Auge für Farbe zu nutzen; im Grunde verließ er sich implizit auf die Linie, und in all seinen Skizzen und fertigen Zeichnungen wurden die hervorragenden Farben eher in der Art eines Dekorateurs als in der eines Malers angewendet – das heißt, er legte die Farben flach auf und bemühte sich nicht, sie zu verschleiern seine Zeichenkunst durch Variationen im Ton. Das Urteil der Nachwelt zeigt, dass Bakst der vielleicht größte Dekorationskünstler aller Zeiten war. Es ist daher von Interesse, seine Methode zu untersuchen. Für ihn musste die Bühne ein so überzeugendes und faszinierendes Bild präsentieren, dass der Zuschauer sofort von der Alltagswelt in die Vorstellungswelt versetzt wurde. Dies machte es erforderlich, dass jedes Detail in der Szenerie sorgfältig studiert und im Einklang mit dem Geist der Produktion gehalten wurde. Der Zeitgeist musste in der Tat so hoch konzentriert sein, dass die Rekonstruktion natürlich schien, aber gleichzeitig musste sich die Bühne so vollständig vom gewöhnlichen Leben unterscheiden, dass sie als ihre Quintessenz erschien; es musste real und doch ungewöhnlich sein, bewohnbar und doch unerreichbar.
Die Erreichung dieses Ziels erforderte ungewöhnliche Kräfte bei den Künstlern, denn es war von wesentlicher Bedeutung, dass sie kultiviert und sogar erlernt wurden, dass sie ein ausgeprägtes Zeitgefühl hatten und dennoch Talent, Vorstellungskraft und Einfühlungsvermögen auf diesen Qualitäten beruhten. Man verlangte etwas, das den universellen Attributen der großen Renaissance-Figuren ähnelte, und die Mitglieder der World of Art- Gruppe besaßen diese Attribute in bemerkenswertem Maße; Viele von ihnen waren mit dem Stift wie mit dem Pinsel zu Hause und veröffentlichten Artikel und Bücher von höchster Wichtigkeit, wodurch sowohl die russische Kunst als auch die russische Kultur bereichert wurden.
Alexander Benois (1870-1960) und andere
An erster Stelle bei diesen talentierten Persönlichkeiten stand Alexander Benois , deren Staffelei-Gemälde (und Bühnenbilder) bereits erwähnt wurden. Die meisten davon sind Landschaften, in der Regel Aquarelle von außergewöhnlich großer Größe für Gemälde in diesem Medium. Sie gehören zu den schönsten Bildern unserer Zeit. Hervorragend konstruiert, sicher gezeichnet und sehr empfindlich, erzeugen ihre Farben genau die Luft, in der sie gebadet werden. Jedes duftet nach dem Temperament des Tages, an dem es gemalt wurde, und nach dem besonderen Charakter der Landschaft. Benois ’Entwicklung wurde von der Revolution nicht aufgehalten; Er ließ sich in Frankreich nieder und schritt mit immer größeren Schritten zur Perfektion. Seine Landschaften von Versailles und Rambouillet sind ebenso poetisch, tief bewegend und thematisch nachempfunden wie seine schönen Bilder von St. Petersburg und seinem Palastgürtel. Dies ist sicherlich ein Beweis für wahre Genialität – sich weiterentwickeln zu können, ohne abgelenkt zu werden, obwohl es aus der einheimischen Umgebung eingepflanzt wurde, die den kreativen Geist des Künstlers zum ersten Mal geweckt und gefördert hat.
Benois tritt Bakst in seinem Verständnis des Theaters kaum ab. Im Gegensatz zu Bakst greift er jedoch weniger auf Kontrastfarben oder überraschende Effekte zurück. Seine schönsten Bühnenwerke, "Pavillon d ’Armide" oder "Petrushka" – um nur zwei zu nennen – spielen größtenteils im achtzehnten Jahrhundert, und sein Zeitgefühl ist so groß, dass diese Nachbildungen nicht nur für sich selbst, sondern auch für sich selbst reizvoll sind Ergänzen Sie auch unser Wissen über dieses Alter. Sie haben nicht den etwas rekonstruktiven Geist, der zuweilen in den Bildern des 18. Jahrhunderts von dem ausgezeichneten Porträtisten, aber weniger einfühlsamen Maler phantasievoller Kompositionen, C. Somov, oder in Serts verführerischer Landschaft zu sehen ist.
Allein Mstislav Dobuzhinski teilt das fast unheimliche Talent von Benois, eher an die Vergangenheit zu erinnern als sie darzustellen, und seine exquisite Kulisse für die Inszenierung von "Ein Monat auf dem Land" des Moskauer Kunsttheaters ist nicht nur künstlerisch völlig zufriedenstellend, sondern auch der Inbegriff dieser Zeit es zeigt. Seine Ansichten über St. Petersburg sind fast so eindrucksvoll wie die von Benois.
George Lukomski, ein ausgebildeter Architekt; war auch ein hervorragender Architekturmaler. Seine Bilder von Kiew und seine Zeichnungen von Pawlowsk und Zarskoje Selo sind architektonisch exakt und zugleich im Wesentlichen bildhaft.
Nicholas Roerich (1874-1947) war ein weiteres Mitglied dieser bemerkenswerten Gruppe. Obwohl er im Wesentlichen ein Staffeleimaler und ein hochkarätiger Maler war, sollte er auch eine hervorragende Kulisse schaffen und dem Theater eine neue Farbpalette einführen. Wie Benois und Dobuzhinski, die die Vergangenheit liebten, zog er eine entfernte Vergangenheit vor und wandte sich dem fernen Nomadenzeitalter zu, indem er sein Wissen über Hither Asia für die Farben verwendete, die er besonders mit solch hervorragender Wirkung verwendete in seinen Bühnenbildern für die Polovtsian Dances von "Prince Igor".
Goncharovas interessante Kunst, von der ihre dekorativen Tafeln, ihre Bilder und ihre Einstellungen für Ballette, die so unterschiedlich sind wie das lebhafte "Coq d’Or" oder das strenge "Les Noces", ebenso gute Beispiele sind, fand ihre Inspiration in Russische mittelalterliche Malerei. In der Tat ist ihre im Wesentlichen moderne und vitale Kunst fast eine Rückkehr zu Byzantinische Kunst und dient sicherlich als Bindeglied zu der traditionellen russischen Kunst, die in der einen oder anderen Form in den Werken von Sudeikin und B. Kustodiev, Basil Shukhaev, zum Ausdruck kommt.
Der bedeutendste Porträtist dieser Gruppe, Saveli Sorin, könnte vielleicht mit Sargent verglichen werden, obwohl sein Bleistift feiner, sein Farbempfinden weitaus subtiler und seine Durchdringung unendlich größer sind. Seine Porträts sind exquisite Bilder, die an die Verfeinerung der hochkultivierten, manchmal fast effizienten Gesellschaft des zaristischen Russlands erinnern.
Alle diese Künstler, mit Ausnahme von Sorin, der sich auf die Porträtmalerei konzentrierte, haben einen Großteil ihrer Zeit der grafischen Kunst gewidmet. Bakst, Somov und vor allem Vignetten, Schriftrollen und Kapitelüberschriften, während Bilibin und Stelletsky hervorragend produzierten Illustration für russische Märchen und Legenden. Sie alle haben dazu beigetragen, die schönen Traditionen der Grafik, die sie aus der Zeit Peters des Großen ererbten, an sowjetische Künstler weiterzugeben, die heute Lithographien, Radierungen, Holzschnitte und Stiche auf höchstem Niveau herstellen.
Russische Emigrantenkünstler des 19. Jahrhunderts
Eine Reihe hochbegabter Maler (und Bildhauer) wuchs gegen Ende des 19. Jahrhunderts in Russland auf und bildete sich dort aus, bevor sie das Land verließen, um sich in Frankreich, Deutschland oder Amerika niederzulassen. Solche Figuren sind die berühmten Expressionisten Alexei von Jawlensky (1864-1941) und Wassily Kandinsky (1866-1944) sowie der jüngere Marc Chagall (1887-1985) und der Künstler der Ecole de Paris Chaim Soutine (1893-1943).
Beispiele der russischen Malerei des neunzehnten Jahrhunderts sind in einigen von ihnen zu sehen beste Kunstmuseen in der Welt.
Weitere Ressourcen
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Очень много ошибок в именах, отчествах художников!
Да, увидел, спасибо!
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