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Neoklassische Malerei: Definition, Merkmale
26.10.2020 8 586
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Die Wiederbelebung der Antike
Bei der neoklassischen Malerei wurde in der Darstellung klassischer Ereignisse, Charaktere und Themen in der Regel ein Schwerpunkt auf strenges lineares Design gelegt, wobei historisch korrekte Einstellungen und Kostüme verwendet wurden. Sein Aufkommen wurde durch das neue wissenschaftliche Interesse an der klassischen Antike, das im Laufe des 18. Jahrhunderts aufkam, stark stimuliert. Eine Reihe bemerkenswerter archäologischer Entdeckungen, insbesondere die Ausgrabungen der begrabenen römischen Städte Herculaneum (ab 1738) und Pompeji (ab 1748), sorgten für erneutes Interesse an Römische Kunst. Darüber hinaus lieferten ab etwa 1712 mehrere einflussreiche Veröffentlichungen von Bernard de Montfaucon (1655-1741), Giovanni Battista Piranesi (1720-78), dem Comte de Caylus und Robert Wood Stiche römischer Denkmäler und verstärkten das Interesse an Klassizismus und der klassischen Antike. All dies half den Gelehrten, eine genauere Chronologie für die griechisch-römische Kunst zu erstellen, deren zahlreiche Stränge und Stile einen größeren Respekt für die Kultur dieser Zeit hervorriefen. Die begeisterten Schriften des deutschen Historikers und Gelehrten Johann Joachim Winckelmann (1717-68) waren in dieser Hinsicht besonders einflussreich und machten ihn schnell zum Champion von Griechische Kunst und vom latenten Stil des Neoklassizismus.
New York School: Amerikanischer Abstrakter Expressionismus
26.10.2020 29 257
Der Ausdruck „New York School“ ist ein Überbegriff, der gewöhnlich auf eine zusammenhängende Gruppe von Künstlern des zwanzigsten Jahrhunderts angewandt wird, die in den 1940er und 50er Jahren in New York ansässig war. Obwohl diese Gruppe mehrere verschiedene Malstile umfasste (insbesondere „Action-Painting“ und „Colour Field“), wurde der Begriff zum Synonym für die als Abstrakter Expressionismus bekannte künstlerische Bewegung, verkörpert durch europäische Emigranten wie Hans Hofmann (1880-1966) und Arshile Gorky (1905-1948) sowie die amerikanischen Künstler Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970) und Willem De Kooning (1904-1997).
Niederländische Renaissancekunst
26.10.2020 13 675
Siehe auch: Deutsche Renaissancekunst (1430-1580)
Neoklassizistische Architektur (1640-1850)
26.10.2020 8 221
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Einführung
Im die Architektur Neoklassizismus (oder nur Klassizismus) signalisierte eine Rückkehr zur Ordnung und Rationalität nach dem Flamboyant Barock- und die dekorative Leichtfertigkeit der Rokoko. Als aus vielen Elementen zusammengesetzter Stil, der sich in unterschiedlichem Maße an den antiken Formen orientiert Griechische Architektur und Römische Architektur neoklassische Architektur kann mehr oder weniger imitiert werden. Aus diesem Grund leihen sich Bauherren seit Mitte des 17. Jahrhunderts immer wieder griechische und römische Vorbilder aus – man könnte sogar sagen, seit dem Fall Roms im 5. Jahrhundert! – was den Neoklassizismus zum beliebtesten Baustil der Welt macht.
Neo-Plastizismus: Definition, Eigenschaften, Geschichte
26.10.2020 8 000
Was ist Neoplastizismus?
In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "Neoplastizismus" auf den strengen, geometrischen Stil von konkrete Kunst vom niederländischen Maler entwickelt Piet Mondrian (1872-1944) kurz nach dem Ersten Weltkrieg. Das Wort ist eine bedeutungslose Übersetzung des komplexen niederländischen Ausdrucks nieuwe beelding, der zuerst vom Schriftsteller Matthieu Schoenmaekers in seinem Buch Het Nieuwe Wereldbeeld (Das neue Bild der Welt) verwendet und von Mondrian in seinem theoretischen Aufsatz De Nieuwe Beelding in wieder verwendet wurde de Schilderkunst, bevor er die französische Übersetzung Neo-Plasticisme übernahm, aus der der englische Begriff stammt. Eine bessere Übersetzung ist einfach " Neue Kunst" – hauptsächlich, weil sie Mondrians Vision einer idealen, reinen Kunstform beschreibt und Design, was er den Nachkriegsumständen abverlangte. Es sollte ein reiner Typ sein abstrakte Kunst das hielt sich an strenge Regeln der Zusammensetzung. Zunächst wurde es von gefördert De Stijl – das Sprachrohr der Avantgarde-Kunst gleichnamiges Werk – herausgegeben von Theo van Doesburg (1883-1931) und gelesen von abstrakte Maler Designer abstrakte Bildhauer und Architekten in Holland und in ganz Europa. Obwohl nicht mehr als eine lose Assoziation, umfasste die De Stijl-Bewegung Künstler wie den niederländischen Maler Bart van der Leck (1876-1958), den in Ungarn geborenen Grafiker Vilmos Huszar (1884-1960) und den belgischen Bildhauer Georges Vantongerloo (1886) -1965), der Möbeldesigner Gerrit Rieveld (1888-1964) und der deutsche Maler Friedrich Vordemberge-Gildewart (1899-1962) sowie die Architekten Robert van ’t Hoff (1887–1979) und JJP Oud (1890–1963)).
Neoimpressionismus: Malerbewegung
26.10.2020 8 722
Was ist Neoimpressionismus? – Eigenschaften
Der Begriff Neoimpressionismus wurde erstmals 1886 vom französischen Kunstkritiker verwendet Felix Feneon um einen Stil des 19. Jahrhunderts zu beschreiben Postimpressionistische Malerei, Pionier von Georges Seurat (1859 & ndash; 1891). Dieser Stil von Post-Impressionismus verwendet eine neue Technik des "Farbmischens", bekannt als Pointillismus (eine bestimmte Form von Divisionismus). In einfachen Worten, anstatt verschiedene Farben auf einer Palette zu mischen und sie dann auf die Leinwand zu übertragen, haben die Künstler des Neo-Impressionismus verschiedene Grundfarben auf die Leinwand aufgetragen – in Gruppen von winzigen Punkten (Punkten) – und dann dem Auge des Betrachters erlaubt, das zu tun "Mischen." Diese pointillistische Malmethode wurde verwendet, um die Leuchtkraft der Farbpigmente. Von weitem kamen die einzelnen Pigmentpunkte im Auge des Betrachters zusammen und leuchteten mit maximaler Brillanz. Seurat selbst nannte die Technik Chromoluminarismus (Farbhelligkeit) eher als Pointillismus oder Divisionismus. (Hinweis: Obwohl synonym verwendet, bezieht sich der Divisionismus auf die allgemeine Methode zum Anwenden kleiner Striche oder Tupfer mit getrennten Primärfarben, während sich der Pointillismus auf die Größe / Art des Tupfers bezieht, in diesem Fall Punkte.)
Neo-Expressionismus: Definition, Charakteristik, Geschichte
26.10.2020 7 480
Definition & Eigenschaften
Der Begriff "Neo-Expressionismus" bezieht sich auf eine der letzten internationalen zeitgenössische Kunstbewegungen, die unter spät entstanden sind Maler des 20. Jahrhunderts in den späten 1970er und frühen 1980er Jahren. Die Neo-Expressionisten belebten die Malerei mit kräftigen Farben und Motiven aus Manierismus, Kubismus, Fauvismus, deutschem Expressionismus, Surrealismus und Pop-Art. Von den Historikern als Reaktion auf den vorherrschenden Minimalismus und die Konzeptkunst gesehen postmoderne Kunst In den 1970er Jahren umfasste die Bewegung eine Vielzahl nationaler Stile Gemälde die bestimmte gemeinsame Merkmale teilen. Zu diesen gemeinsamen Merkmalen gehörten eine extreme Ausdruckskraft von Farbe, figurativen Gegenständen sowie signifikante Oberflächenaktivität und Texturalismus. Die Bewegung signalisierte auch eine Rückkehr zum konventionelleren Format der Staffelei-Malerei. Ausgestellt in der beste Galerien für zeitgenössische Kunst Der Neo-Expressionismus war auf beiden Seiten des Atlantiks unter verschiedenen Namen bekannt. In Deutschland war es als Neue Wildenbekannt. in Italien hieß es Transavantgarde (Transavantguardia) (jenseits der Avantgarde); in Frankreich war es als Figuration Libre (Freie Figuration) bekannt. In Amerika, wo der Stil auch als Energismus bezeichnet wurde, umfasste er auch Bad Paintingund New Image Painting . Trotz der oben erwähnten Gemeinsamkeiten bedeutet die Vielfalt der Stile, die der Begriff Neo-Expressionismus umfasst, dass es keinen klaren Konsens darüber gibt, was genau neo-expressionistische Kunst ausmacht oder wer genau ein neo-expressionistischer Maler ist. Siehe auch: Geschichte der expressionistischen Malerei (c.1880-1930).
Neoklassische Kunst, Neoklassizismus (1770-1830)
26.10.2020 8 321
Zusammenfassung
Der als "Neoklassizismus" bekannte künstlerische Stil Klassizismus ") war die vorherrschende Bewegung in der europäischen Kunst und Architektur im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert. Sie spiegelte den Wunsch wider, den Geist und die Formen der klassischen Kunst aus dem alten Griechenland und Rom wiederzubeleben, deren Ordnungs- und Vernunftprinzipien völlig im Einklang standen Das europäische Zeitalter der Aufklärung Der Neoklassizismus war zum Teil auch eine Reaktion gegen die Auffälligkeit von Barocke Kunst und die dekadente Leichtfertigkeit des Dekorativen Rokoko Englisch: www.goethe.de/ges/mol/thm/tde/en2999366.htm Die Schule, die vom französischen Hof – und insbesondere von der Geliebten Ludwigs XV., Madame de Pompadour – verfochten und zum Teil durch die Entdeckung der römischen Ruinen von Herculaneum und Pompeji (1738-50) sowie die Veröffentlichung des einflussreichen Buches Thoughts on (1755) angeregt wurde die Nachahmung griechischer Kunstwerke durch den deutschen Kunsthistoriker und Gelehrten Johann Winckelmann (1717 & ndash; 68). All dies führte zu einer Wiederbelebung der neoklassizistischen Malerei, Skulptur und Architektur in Rom – ein wichtiger Zwischenstopp in der große Tour – Von dort aus breitete es sich nach Norden nach Frankreich, England, Schweden und Russland aus. Amerika begeisterte sich sehr für die neoklassizistische Architektur, nicht zuletzt, weil sie öffentlichen Gebäuden eine Aura der Tradition und Beständigkeit verlieh. Zu den neoklassizistischen Malern gehörten Anton Raphael Mengs (1728-79), Jacques-Louis David (1748-1825), Angelica Kauffmann (1741-1807) und Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867); Zu den Bildhauern gehörten Jean-Antoine Houdon (1741-1828), John Flaxman (1755-1826), Antonio Canova (1757-1822) und Bertel Thorvaldsen (1770-1844). Zu den bekanntesten Vertretern der neoklassizistischen Architektur zählten Jules-Hardouin Mansart (1646-1708), Jacques Germain Soufflot (1713-80), Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), John Nash (1752-1835), Jean Chalgrin (1739-1811), Carl Gotthard Langhans (1732–1908), Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) und Benjamin Henry Latrobe (1764-1820).
Neapolitanische Malschule (1600-56)
26.10.2020 16 116
Einführung
Die Ankunft von Caravaggio in Neapel und seine Arbeiten während seiner Besuche dort (September 1606 bis Juni 1607 und Oktober 1609 bis Juli 1610) verursachten in lokalen Kunstkreisen einen gewaltigen Schock. (Siehe auch: Caravaggio in Neapel Einige neapolitanische Maler kannten Caravaggio vielleicht schon früher, aber die meisten von ihnen wurden nur mit seinem letzten, radikalsten Stil konfrontiert, für den es schwierig war Manieristische Künstler nachvollziehen. Paradoxerweise war Caravaggios naturalistischer Malstil für solch einen gewalttätigen Mann das perfekte Mittel Katholische Gegenreformation Art : ein Anliegen, das die fromme Stadt Neapel eifrig aufgreift. (Siehe auch: Klassizismus und Naturalismus in der italienischen Malerei des 17. Jahrhunderts.) Aus diesem und anderen Gründen Malen in Neapel – zumindest im 17. Jahrhundert – würde es nie wieder so sein.
Neapolitanische Barockmalerei (um 1650-1700)
26.10.2020 21 527
Auswirkung der Pest auf die neapolitanische Kunst
Der Gedanke, dass die tragischen Folgen der Pest von 1656 die Entwicklung des Landes erheblich veränderten, hat sich in den letzten Jahren deutlich ausgewirkt Malen in Neapel oder eingeführt Barocke Kunst in die Stadt, wurde jetzt widerlegt. Dass die Bildtraditionen der ersten Hälfte des Jahrhunderts abgelöst wurden, war keine direkte Folge des plötzlichen Verschwindens der Maler, die wahrscheinlich an der Pest gestorben waren und im zweiten Viertel des Jahrhunderts die bedeutendsten Künstler gewesen waren. Einige Neuerungen sind bereits in verschiedenen Gemälden aus der Zeit vor 1656 zu sehen, und einige der führenden neapolitanischen Künstler nach der Pest hatten bereits vor Ausbruch der Epidemie bedeutende Werke hervorgebracht. Jedenfalls glaubten diejenigen, die in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts arbeiteten – von Gargiulo bis Vaccaro, von Giordano bis Francesco Solimena -, dass sie die Tradition der Neapolitanische Malschule, gegründet von Caravaggio (1571-1610) und Jusepe Ribera (1591 & ndash; 1652). (Siehe auch: Caravaggio in Neapel.)
Nazarener: Deutsche katholische Maler in Rom
26.10.2020 5 597
Ursprünge
Ein Teil der Breite Romantik Bewegung in Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts Die Nazarener waren eine Gruppe junger idealistischer Deutscher Romantische Künstler Geboren um die 1780er Jahre, gemeinsam Schüler an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Sie hielten das wirkliche Leben für zu banal, um es darzustellen, und mieden es zugunsten geistiger Angelegenheiten Christliche Kunst Insbesondere in der Tradition der mittelalterlichen Malerei Deutsche mittelalterliche Kunst und italienisch frühe Renaissance-Malerei. Unter der Leitung von Friedrich Overbeck (1789-1869) gehörten Franz Pforr (1788-1812), Wilhelm von Schadow (1788-1862), Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), Ludwig Vogel und Johann Konrad Hottinger an. Später kamen in Rom weitere hinzu, wie Peter von Cornelius (1783-1867), Johann Anton Ramboux (1790-1866) und Phillip Veit. Der Name "Nazarener" wurde erstmals 1817 vom österreichischen Maler Joseph Anton Koch (1768-1839) geprägt, einem Anhänger von Nicolas Poussin wurde ihnen wegen ihrer frommen Lebensweise, ihres biblischen Kleides und ihrer langen Haare geschenkt.
Mosan Art: Merkmale, Geschichte, Künstler
26.10.2020 7 124
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Künste, bitte sehen: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).
Les Nabis: Geschichte, Vermächtnis, Mitglieder
26.10.2020 3 117
Einer von mehreren Franzosen Post-Impressionismus Kunstgruppen im Zusammenhang mit der Ecole de Paris Les Nabis lehnte sich gegen die Grenzen der akademischen Kunst auf – wie es der Pariser lehrte Ecole des Beaux Arts – vertiefte sich in Mystik und Symbolik und suchte eine universelle Form der Malerei, bei der die dekorative Präsentation eines Gemäldes einen höheren Stellenwert einnahm, wobei der emotionale Umgang mit Farbe und die lineare Verzerrung besondere Beachtung fanden. Die Gruppe war stark von der Arbeit von Paul Gauguin beeinflusst und leistete einen wichtigen Beitrag dazu Postimpressionistische Malerei und zu fin de siecle dekorative kunst.
Minimalismus: Merkmale, Geschichte der Minimal Art
26.10.2020 7 224
Definition und BedeutungIn den 1960er Jahren entstand in New York eine kohärente Form, und die Minimal Art , im Volksmund als Minimalismus bekannt, wurde manchmal auch als ABC Art, Cool Art, Literalist Art, Object Art und Primary Structure Art bezeichnet postmoderne Kunst, speziell ein Stil von abstrakt Malerei oder Skulptur, die sich durch extreme Einfachheit der Form auszeichnet: eine Art visueller Kunst, die auf das Wesentliche der geometrischen Abstraktion reduziert ist. Weit verbreitet in der beste Galerien für zeitgenössische Kunst in Amerika wurde es zu einem wichtigen Stil in New York und wurde von mehreren Händlern vermarktet, darunter Leo Castelli. Der Begriff Minimalismus wird üblicherweise auf Werke von angewendet postmoderne Künstler sowie Carl Andre (* 1935), Dan Flavin (1933–1996), Donald Judd (1928-1994), Ellsworth Kelly (geb. 1923), Sol LeWitt (* 1928), Robert Morris (geb. 1931), Kenneth Noland (geb. 1924), Richard Serra (geb. 1939), Tony Smith (1912-80) und Anne Truitt (* 1933); und zu Gemälden von Robert Mangold (geb. 1937), Brice Marden (geb. 1938), Agnes Martin (* 1912) und Robert Ryman (* 1930). Sehr oft ein strenger, zerebraler Typ Kunst Minimalismus wird manchmal mit assoziiert Konzeptualismus – über den Avantgarde-Komponisten John Cage (1912-92) – und gelegentlich mit Land Kunst.
Metaphysische Malerei (Pittura Metafisica)
26.10.2020 5 814
Was ist metaphysische Malerei?
Im moderne Kunst beschreibt der Ausdruck Metaphysische Malerei (auf Italienisch Pittura Metafisica) einen Stil von Gemälde während der Ära des Ersten Weltkriegs von zwei entwickelt moderne Künstler nämlich Giorgio de Chirico (1888-1978) und Carlo Carra (1881-1966), später vom Stillleben-Experten begleitet Giorgio Morandi (1890-1964). Der Name Pittura Metafisica wurde erstmals 1917 von de Chirico und Carra übernommen, als sie sich in einem Militärkrankenhaus in Italien erholten. Zu den Hauptmerkmalen der metaphysischen Malerei gehört die Verwendung von Bildern, die ein Gefühl des Geheimnisses vermitteln sollen. Solche rätselhaften, traumhaften Bilder zeichnen sich typischerweise durch unwirkliche Beleuchtung, unmögliche lineare Perspektive und seltsame symbolistische Ikonographie aus. Die meisten metaphysischen Kompositionen behalten jedoch eine bemerkenswerte Struktur bei, von der ein fast architektonisches Gefühl der Stille herrührt Renaissance-Kunst Traditionen des frühen 16. Jahrhunderts. Der Stil wurde auch stark von den Europäern übernommen Symbolismus Bewegung. Dies hatte wiederum erhebliche Auswirkungen auf Surrealismus, insbesondere über das ruhige klassische Werk von Salvador Dali (1904-89) und Rene Magritte (1898-1967). Beispiele für metaphysische Malerei sind: Das Geheimnis und die Melancholie einer Straße (1914, Privatsammlung), Die Ungewissheit des Dichters (1913, Tate Collection, London) und Song of Love (1914, Museum of Modern Art, New York).
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