Encyclopedia
Petrie Crown: Beschreibung, Geschichte
28.10.2020 2 596
Entdeckt in Grafschaft Cork, die Petrie Crown – benannt nach ihrem ehemaligen Besitzer, dem irischen Antiquar George Petrie – zusammen mit Broighter Goldhalsband und Boot, ist ein weiteres Meisterwerk der frühen Keltische Metallkunst von dem Eisenzeit (100 v. Chr. – 200 n. Chr.). Dieses exquisite heidnische Stück gehört zu einem kunstvollen, gehörnten Kopfschmuck Goldschmiedekunst wurde in der erstellt La Tene Stil, mit Repoussé- Prägung und Cloisonné emaillieren, abgeleitet von etruskischen und griechischen Formen. Es zeigt das sich wiederholende symmetrische Design, das sowohl bei Hallstatt- als auch bei La Tene-Handwerkern beliebt ist.
Keltische Metallkunst: Geschichte, Merkmale von La Tene, Hallstattkulturen
28.10.2020 5 810
Die historische Tradition der Iren Metallarbeiten beginnt wieder in der Irische Bronzezeit (c.3500-1100 v. Chr.). Irische Handwerker stellten eine Reihe einfacher Formen in Bronze, Kupfer und Gold sowie kompliziertere Torc-Formen her. Zu Fuß der Invasionen der Kelten ab Europa (ca. 500 v. Chr.) Ein neuer Stil von Keltische Kunst ergriff in Irland bekannt als La Tene (nach den Ausgrabungen in La Tène am Neuenburgersee in der Schweiz), die übrigens schon früher viel zu verdanken hatten Hallstatt Keltische Kultur sowie griechisch und Etruskische Zivilisation.
Broighter Collar: Geschichte, Beschreibung
28.10.2020 1 961
Das luxuriös verzierte Broighter Goldhalsband (Torc) zusammen mit dem Petrie Crown ist eines der überlebenden Meisterwerke Irlands Keltische Metallkunst von dem Irische Eisenzeit. Es wurde nach dem Townland Broighter in County benannt Derry, wo es 1896 von Thomas Nicholl beim Pflügen auf Joseph Gibsons Feld entdeckt wurde. Die Entdeckung dieses erlesenen Kostbaren Metallarbeiten half beim tanken Keltische Kunst-Wiederbelebungsbewegung in England.
Spanische Renaissancekünstler
27.10.2020 4 850
Die Renaissance in Spanien
Spanische Malerei und Bildhauerei im 15. und frühen 16. Jahrhundert waren insgesamt weniger fortgeschritten als ihre Gegenstücke in Renaissance-Kunst in Italien und in der Renaissance des Nordens von Flandern und Deutschland. Tatsächlich ist es schwierig, den Beginn einer Renaissance auf der Iberischen Halbinsel zu lokalisieren.
Geschichte der irischen Kunst
27.10.2020 29 973
Die 10 Hauptetappen
1. Newgrange (3300 v. Chr.)
Unberührt von der Welle von Höhlenmalereien, Skulpturen und Schnitzereien aus der Altsteinzeit, die die Steinzeit Europas (40.000 – 10.000 v. Chr.) Eroberten, empfing Irland seine ersten Besucher um 6.000 v. Chr. Oder etwas früher. Aber die eigentliche Geschichte von Bildende Kunst in Irland beginnt mit den Steinmetzarbeiten aus der Jungsteinzeit, die im Newgrange Megalithgrab, Teil des Bru na Boinne-Komplexes in der Grafschaft Meath. Dieses großartige Beispiel von Irische Steinzeitkunst wurde zwischen ca. 300-2900 v. Chr. erbaut: fünf Jahrhunderte vor der Großen Pyramide von Gizeh in Ägypten sowie der Stonehenge Steinkreis in England. Sowie eine Vielzahl von megalithische Kunst Newgrange enthält eine Reihe komplizierter Spiralgravuren, von denen Archäologen glauben, dass sie die erste aufgezeichnete Karte des Mondes sind.
Installationskunst, Geschichte, Eigenschaften
27.10.2020 7 166
Definition & Eigenschaften
Installationskunst ist ein relativ neues Genre von zeitgenössische Kunst – von einer zunehmenden Anzahl von praktizierten postmoderne Künstler – was die Konfiguration oder "Installation" von Objekten in einem Raum wie einem Raum oder einem Lagerhaus beinhaltet. Die daraus resultierende Anordnung von Material und Raum bildet das "Kunstwerk".Da eine Installation es dem Betrachter normalerweise ermöglicht, den konfigurierten Raum zu betreten und sich darin zu bewegen und / oder mit einigen seiner Elemente zu interagieren, bietet sie dem Betrachter eine ganz andere Erfahrung als beispielsweise ein traditionelles Gemälde oder eine Skulptur, die normalerweise von einer einzigen Referenz aus betrachtet wird Punkt. Darüber hinaus kann eine Installation mehrere Sinne des Betrachters einbeziehen, einschließlich Berührung, Geräusch und Geruch sowie Sicht.
Illustration: Geschichte, Typen, Eigenschaften
27.10.2020 31 011
Definition & Eigenschaften
Eine Illustration ist a Zeichnung, Gemälde oder gedruckte Kunstwerke, die einen schriftlichen Text, der literarischer oder kommerzieller Natur sein kann, erklären, klarstellen, beleuchten, visuell darstellen oder lediglich dekorieren. Historisch gesehen waren Buchillustrationen und Illustrationen von Zeitschriften / Zeitungen die vorherrschenden Formen dieser Art von visueller Kunst, obwohl Illustratoren ihre grafischen Fähigkeiten auch auf den Gebieten von eingesetzt haben Plakatkunst, Werbung, Comics, Animationskunst, Grußkarten, Comicstreifen. Die meisten illustrativen Zeichnungen wurden mit Feder, Kohle oder Metallstift erstellt. Anschließend wurden sie unter Verwendung verschiedener Druckverfahren reproduziert, darunter unter anderem Holzschnitte, Gravuren, Radierungen, Lithografien, Fotografien und Halbtongravuren. Heute könnte man sagen, dass es fünf Haupttypen von Illustrationen gibt: pädagogische "Informationsgrafiken" (zB wissenschaftliche Lehrbücher); literarisch (zB Kinderbücher); Fantasy-Spiele und Bücher; Medien (Magazine, Zeitschriften, Zeitungen); und Werbung (Werbeplakate, Verkaufsstelle, Produktverpackung). Viele dieser Illustrationen wurden mit Computergrafiksoftware wie Adobe Illustrator, Photoshop und CorelDRAW sowie mit Wacom-Tablets entworfen und erstellt, obwohl traditionelle Methoden wie Aquarell, Pastell, Kasein, Eitempera, Holzstich, Linoleumschnitte und Stift verwendet werden Tinte werden ebenfalls verwendet. Es gibt eine anhaltende Debatte darüber, ob die Illustration am besten als a eingestuft werden kann Kunst, ein angewandte Kunst – oder auch ein dekorative Kunst. Wenn man sich jedoch viele der illustrativen Meisterwerke ansieht, die im Laufe der Jahrhunderte geschaffen wurden, kann man keinen Zweifel daran haben, dass diese Kunstform gut zu anderen bildenden Künsten wie Malerei und Skulptur passt.
Junge britische Künstler (YBAs), Britart
27.10.2020 10 485
Einführung
In den späten 1980er und 90er Jahren postmoderne Kunst in Großbritannien wurde durch die Entstehung einer selbstbewussten neuen Generation von Menschen wiederbelebt postmoderne Künstler, später Young British Artists genannt . Sie gehörten keiner bestimmten Bewegung oder Kunstrichtung an und umfassten eine vielfältige Mischung aus Malern, Bildhauern, Video- / Installationskünstlern und Fotografen ohne gemeinsame Merkmale mit Ausnahme ihrer Jugend, ihrer Nationalität und ihres Engagements für zeitgenössische Kunst. Ihre Arbeit wird oft Britart genannt . YBAs wurden aufgrund von drei Kunstausstellungen bekannt: Freeze (1988) und Modern Medicine (1990), die beide von einem unbekannten Goldsmiths ’College-Kunststudenten namens kuratiert wurden Damien Hirst (* 1965) und Sensation (1997), gehalten an der Royal Academy. Ab 1988 war der Hauptsponsor der YBA der Millionärssammler Charles Saatchi, dessen Schirmherrschaft dazu beitrug, London zur europäischen Hauptstadt der Postmoderne zu machen. Der Begriff Young British Artists leitet sich aus dem Titel von sechs Ausstellungen dieses Namens ab, die im Zeitraum 1992-96 in der Saatchi Gallery in London stattfanden. YBAs, die mittlerweile zum britischen Kulturhaus gehören, wurden regelmäßig als Gewinner des Turner-Preis und wurden zu Mitgliedern der London Royal Academy gewählt. Sie wurden in vielen der ausgestellt beste Galerien für zeitgenössische Kunst in Europa. Bemerkenswerte Künstler, die mit der Young British Artists ’Bewegung’ verbunden sind, sind neben Hirst: Tracey Emin, Jake und Dinos Chapman, Douglas Gordon, Marcus Harvey, Gary Hume, Rachel Whiteread, Gillian Wearing, Mark Wallinger, Marc Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili, Jenny Saville und andere.
Wie man Gemälde schätzt
27.10.2020 13 204
Giottos Freskenbilderin der Scrovegni-Kapelle, Padua, Italien. (1303-10)
Vortizismus: Definition, Eigenschaften
27.10.2020 6 511
Definition / Eigenschaften
Eine einzigartige Mischung aus Kubismus und Futurismus Vortizismus war ein wichtiger Brite Avantgarde-Kunst Bewegung des frühen 20. Jahrhunderts, obwohl es offiziell nicht mehr als zwei Jahre dauerte. Die zentrale Figur der Bewegung war der englische Maler, Schriftsteller und Polemiker Percy Wyndham Lewis (1882-1957), während der Name – bezogen auf den emotionalen Wirbel, der als die notwendige Quelle künstlerischen Schaffens angesehen wurde – vom amerikanischen Dichter Ezra Pound geprägt wurde. Diese beiden gründeten zusammen mit Mitgliedern des Rebel Art Center 1914 Vorticism. Die nur zweimal erschienene Zeitschrift " Blast " (1914 und 1915) proklamierte das Vorticist Manifesto und machte die Bewegung bekannt. Zwei Ausstellungen futuristischer Kunst in London waren wichtige Auslöser für den Start der Bewegung, während der Ausbruch des Ersten Weltkriegs 1914 zu ihrem vorzeitigen Niedergang führte. Infolgedessen wurde nur eine Vorticist Ausstellung überhaupt gehalten. Die Bewegung löste sich 1915 aufgrund der Auswirkungen des Krieges und des Verlustes der finanziellen Unterstützung durch ihre Unterstützerin, die Künstlerin Kate Lechmere (1887-1976), auf. Die Vorticist-Philosophie wurde 1920 mit Lewis ’Bildung der Gruppe X kurz wiederbelebt.
Wiener Secession: Geschichte, Charakteristik
27.10.2020 8 373
Wiener Secession: Geschichte, Charakteristik
Im moderne Kunst bezieht sich der Ausdruck "Wiener Sezession" auf die Handlungen des Fortschritts moderne Künstler in Wien, der von der konservativen Akademie der Künste in der Stadt abbrach, deren jährlicher Salon und Kunstschulen blieb einem altmodischen Stil verbunden akademische Kunst. Der Secessionismus-Trend trat in mehreren Städten in ganz Europa auf, beginnend in München im Jahr 1892, wo die neu gegründete Secession, angeführt von Franz von Stuck, bald die offizielle Kunstorganisation in den Schatten stellte. Die Wiener Secession, gegründet 1897 unter Gustav Klimt (1862-1918) war der einflussreichste Ausreißer und veröffentlichte seine eigene Zeitschrift Ver Sacrum (Heiliger Frühling), um seine Ideen zu fördern. Es wurde auch ein spektakuläres neues Hauptgebäude ( Haus der Wiener Sezession) gebaut, das vom Architekten entworfen wurde Joseph Maria Olbrich (1867 & ndash; 1908). Es gab keine einheitlichen Merkmale des Wiener Secessionisten Gemälde oder Skulptur, oder auch die Architektur : Stattdessen haben sich seine Mitglieder dem Ideal verschrieben, die österreichische Kunst zu modernisieren, indem sie sie mit den neuesten Erkenntnissen bekannt machten moderne Kunstbewegungen, einschließlich der neuesten Trends in Post-Impressionismus und Expressionismus, sowie die modischen Stile der dekorativen Kunst, wie Jugendstil. Klimts Gemälde sorgten jedoch für die größte Kontroverse. Seine für die Universität in Auftrag gegebenen Bilder Philosophie und Medizin (beide 1900) galten ebenso wie sein Beethoven-Fries (1902) und der Kuss (1907-8) als zu körperlich, deren schimmernde Leinwand in hohem Maße von Klimts umfangreichem Wissen profitierte angewandte Kunst.
Viktorianische Kunst in Großbritannien: Geschichte, Charakteristika
27.10.2020 19 581
Für einen allgemeinen Leitfaden zur Entwicklung der Malerei, Bildhauerei undandere Kunstformen, siehe: Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.).
Schloss Versailles: Geschichte, Architektur, Innenarchitektur
27.10.2020 18 650
Einführung
Das Schloss von Versailles (erbaut um 1624-98), ein großartiges Beispiel für Französisch Barocke Architektur ist das berühmteste königliche Schloss in Frankreich. Die gigantische Skala von Versailles ist ein Beispiel für das architektonische Thema der "Schöpfung durch Teilung" – eine Reihe einfacher Wiederholungen, die rhythmisch durch die Wiederholung der großen Fenster abgegrenzt werden und die Grundwerte von Versailles zum Ausdruck bringen Barocke Kunst und in dem der Mittelpunkt des Innenraums sowie des gesamten Gebäudes das Königsbett ist. Zu seinen berühmten architektonischen Entwürfen gehört der Spiegelsaal ( Galerie des Glaces) , einer der berühmtesten Räume der Welt. Etwa 20 Kilometer südwestlich von Paris inmitten eines weitläufigen Geländes gelegen, stimulierte der Palast mit seiner Dekoration eine Mini-Renaissance des Innenraums Design, ebenso gut wie dekorative Kunst im 17. und 18. Jahrhundert. Tatsächlich, Französische dekorative Kunst im Zeitraum 1640-1792 – vor allem Französische Möbel – steht für die französischen Könige Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) und Louis Seize (XVI), nach denen es benannt ist. Die vielen französischen Designer und Handwerker, die zu Versailles beigetragen haben die Architektur, Einrichtungsgegenstände und Kunstgegenstände, darunter Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, André Le Notre, Charles Le Brun, Jean Berain der Ältere, André-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, François Lemoyne und Juste-Aurele Meissonnier unter anderem. Von 1682 bis zum Beginn der Französischen Revolution im Jahr 1789 beherbergte das Schloss von Versailles den König und den gesamten französischen Königshof mit insgesamt rund 3.000 Einwohnern und war damit ein Symbol für den Absolutismus und die Dekadenz des Ancien-Regimes im Allgemeinen insbesondere die französische Monarchie. Das königliche Schloss selbst ist nicht der einzige Gebäudekomplex auf dem Gelände, zu dem auch fünf Kapellen, der Grand Trianon (1687-88), der Pavillon Francais (1749) und der Petit Trianon (1762-8) sowie 800 gehören Hektar Garten, im klassischen französischen Gartenstil angelegt.
Venezianische Porträtmalerei
27.10.2020 15 067
Einführung
Porträtkunst zu einem frühen Zeitpunkt in Venedig entwickelt. Kurz nach 1339 malte Paolo Veneziano zusammen mit seiner noch lebenden Frau das Porträt des verstorbenen Dogen Francesco Dandolo über Dandolos Grab in der Sala del Capitolo des Frari. Die Figuren haben den gleichen Maßstab wie die Schutzpatronen (ein für diese Zeit sehr ungewöhnliches Merkmal), und die Gesichter scheinen authentische Porträts zu sein, auch wenn der Stil immer noch den Konventionen von folgt Byzantinische Kunst.
Venezianische Malerei: Geschichte, Merkmale
27.10.2020 28 456
Disegno Versus Colorito
Während Renaissance in Florenz Die Künstler in Venedig, die sich durch den Glanz ihrer eigenen Leistung erschöpften, erkundeten verschiedene Möglichkeiten der Bildgestaltung. Der Unterschied zwischen diesen beiden großen Schulen der Italienische Renaissance kann wie folgt zusammengefasst werden: zu einem Florentiner von 1480 a Gemälde bestand aus Form / Design plus Farbe; Für einen Venezianer von 1520 war es eine mit Farbe verschmolzene Form. In Florenz wird Farbe ( colorito ) , wie harmonisch auch immer, war eine Qualität, die dem Design hinzugefügt werden sollte ( disegno ). In Venedig war es untrennbar mit dem Design verbunden. Für einen Florentiner war es ein Attribut des Objekts, zu dem es gehörte: Ein rotes Kleid oder ein grüner Baum waren rote und grüne Flecken, die innerhalb der Grenzen dieser Objekte lagen. Die Venezianer sahen in der Farbe eine Eigenschaft, ohne die das Kleid oder der Baum kaum existieren könnten. Es durchdrang alles und floss wie Licht über Konturen. Die strukturelle Einheit der florentinischen Malerei machte der chromatischen Einheit des Venezianischen Platz. In Venedig Farbe gab die Leinwand Leben und die Fähigkeit eines Künstlers zu mischen und zu verwenden Farbpigmente war kritisch. Die Bedeutung, die die Venezianer der Farbe beimessen, erklärt zum Teil, warum sie sich dafür entschieden haben Ölgemälde begeisterter als ihre Kollegen in Florenz, da die Ölfarbe den Künstlern mehr Tiefe und Leuchtkraft verlieh als Tempera. Zum Einfluss der venezianischen Maler auf die europäische Kunst siehe: Vermächtnis der venezianischen Malerei (nach 1600).
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