Primitivismus, Primitive Kunst:
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Der Begriff „ Primitive Kunst“ ist eine eher vage (und zwangsläufig ethnozentrische) Beschreibung, die sich auf kulturelle Artefakte ethnischer Gruppen bezieht, die nach westlichen Maßstäben einen relativ niedrigen technischen Entwicklungsstand aufweisen.

Er umfasst afrikanische Kunst (südlich der Sahara), ozeanische Kunst (pazifische Inseln), Kunst der Aborigines (Australien) sowie andere Arten von prähistorischer Felskunst und Stammeskunst (z. B. aus Amerika und Südostasien). Das Konzept der „primitiven“ Menschen entstand im Zeitalter der Entdeckungen (ab ca. 1500) und ist weitgehend (wenn auch nicht ausschließlich) mit der christlich-kaukasischen Weltanschauung verbunden.

Der Begriff „primitive Kunst“ wird im Allgemeinen nicht verwendet, um chinesische, indische oder islamische Kunstwerke zu beschreiben, auch nicht Werke der großen Kulturen, einschließlich der ägyptischen, griechischen oder römischen Zivilisationen.

Der Begriff „ Primitivismus“, der im späten 19. Jahrhundert in der bildenden Kunst entstand, wird verwendet, um jede Kunst zu beschreiben, die durch Bilder und Motive gekennzeichnet ist, die mit dieser primitiven Kunst assoziiert werden. Dieser künstlerische Primitivismus, der sich durch ethnografische Formen auszeichnet, die oft von großer visueller Kraft sind, hat seine Ursprünge in den 1890er Jahren, als er in den Tahiti-Gemälden von Paul Gauguin (1848-1903) auftaucht, und führte schnell zu einer Tendenz unter den französischen und deutschen expressionistischen Avantgarde-Künstlern. Einige von ihnen begannen, Sammlungen mit ethnologischen Exponaten zu besuchen: 1902 besuchte der anglo-amerikanische Bildhauer Jacob Epstein das Trocadero-Museum in Paris, ebenso Deren und Vlaminck 1904-5 und Picasso 1907; 1903 und 1906 besuchte Ernst Ludwig Kirchner die ethnologische Sammlung in Dresden; 1907 sah Kandinsky die neue Sammlung primitiver Exponate in Berlin, die auch von Schmidt-Rottluff, Franz Marc und anderen besucht wurde.

Der Einfluss des Primitivismus auf die westliche Kunst

Ab 1906 begannen Händler wie Paul Guillaume sowie Künstler wie Matisse, Picasso, Derain und Braque, Masken und Statuetten afrikanischer Stämme zu kaufen. Infolgedessen wurde der Einfluss „der Negerkunst“ auf die Malerei und Bildhauerei in Paris nach 1907 und in Berlin, Dresden und London nach 1912 deutlich sichtbar. Bis 1920 wurde er fast universell und hielt bis Anfang der 1930er Jahre an, als die Kunst der Ozeane, der amerikanischen Ureinwohner und der Eskimos zu einer wichtigen Inspirationsquelle für die Surrealisten und ihre Anhänger wurde.

Zu den Künstlern, die am meisten vom Primitivismus beeinflusst wurden, gehörten die deutschen Expressionisten Emil Nolde (1867-1956) und Max Pechstein (1881-1955), der Fauvist Henri Matisse (1869-1954), der zeitgenössische rumänische Bildhauer Constantin Brancusi (1876-1957), der britische Bildhauer Jacob Epstein (1880-1959), der Pariser italienische Porträtist und Bildhauer Modigliani (1884-1920), Pablo Picasso (1881-1973) und viele andere. Der russische Primitivismus hatte einen großen Einfluss auf Natalia Gontscharowa (1881-1962), die einen neoprimitivistischen Kunststil entwickelte. Der Einfluss afrikanischer, ozeanischer, indianischer und anderer so genannter primitiver Kunst auf westliche Künstler hält bis heute an und umfasst eine Reihe von Formen wie Malerei, Skulptur, Assemblage, Körperkunst (z. B. Gesichtsbemalung und Körperbemalung), Tätowierung, Holzschnitzerei und andere.

Primitivistische Skulpturen und Gemälde

Obwohl die Künstler die ersten waren, die sich für den Primitivismus interessierten, hatte er den größten Einfluss auf die Bildhauerei. Der fauvistische Maler André Derain lernte sogar, Kalkstein zu hauen, um Werke im primitivistischen Stil zu schaffen. Zu den größten Kunstwerken, die auf primitive Art und Weise geschaffen wurden, gehören die folgenden:

Die größten Skulpturen des primitiven Stils

Oviri („Savage“) (1891-93) von Paul Gauguin.
Eingerollte Figur (1907) André Derain.
Stehender Akt (1907) Andre Deren.
Küssend (1908) von Constantin Brancusi.
Tanzende Frau (1908-12) von Ernst Ludwig Kirchner.
Schlafende Muse (1910) von Constantin Brancusi .
Erster Schritt (1913) von Constantin Brancusi.
Rote Steintänzerin (1913) von Henri Gaudier-Brzeska.
Hieratischer Kopf von Ezra Pound (1914) von Henri Gaudier-Brzeska .
Assunta (1921) Georg Kolbe.
Adam (1938) Jacob Epsteins beeindruckende Statue eines Neandertalers.
Crouching Woman (Abschied) von Henri Laurens.
Jakob und der Engel (1940-41) von Jacob Epstein.
Pavian und das Junge (1952) von Pablo Picasso.
Gespaltener Kopf (1963) Bronzeskulptur im Stil der Osterinsel von Cesar .

Die größten Gemälde des primitiven Stils

„Mond und Erde“ (1893, MoMA, New York) von Paul Gauguin - ein Werk, in dem Gauguin den unzivilisierten weiblichen Körper mit den servilen Rhythmen und regenerativen Kräften der Erde identifiziert.
„Avignon Demoiselles“ (1907, MoMA, New York) - Pablo Picassos bahnbrechendes kubistisches Werk, das auf afrikanischen Kunstformen basiert.
Tanz (1910, Eremitage Museum, St. Petersburg) - ein monumentales blau-orange-grünes Gemälde von Matisse.
Karyatide (1912, Sogetsu Art Museum, Tokio), eines der vielen „primitivistischen“ Gemälde von Amedeo Modigliani.
„Junge Leute aus Papua“ (1913-14, Staatliches Museum, Berlin), ein ausdrucksstarkes Gemälde von Emile Nolde, in dem die Figuren der Einheimischen dem Rauschen der Wellen gegenübergestellt werden.

Darüber hinaus wird der Begriff „Primitivismus“ auch verwendet, um die Kunst der „ Primitiven“ zu beschreiben, eine Bezeichnung für bestimmte Künstler, in der Regel Autodidakten, deren Gemälde in der Regel in Form und Farbe vereinfacht sind und keine traditionellen Motive wie Hell-Dunkel, lineare Perspektive und andere Arten von Proportionalität aufweisen.

Diese Kategorie primitiver westlicher Kunst, die sich durch eine kindliche Bildsprache auszeichnet, ist auch als „Außenseiterkunst“, „naive Kunst“ oder art brut („rohe Kunst“) bekannt und steht exemplarisch für das Werk von Henri Rousseau „Le Douanier“ (1844-1910): Siehe zum Beispiel seine Meisterwerke „Schlafende Zigeunerin“ (1897) und „Träumende“ (1910), beide im Museum of Modern Art, New York. Andere primitivistische Künstler sind Paul Klee (1879-1940), Mikhail Larionov (1881-1964), L.S. Lowry (1887-1976), Jean Dubuffet (1901-1985), Frida Kahlo (1907-1954), Asger Jorn (1914-1973), Karel Appel (1921-2006) und andere Vertreter der europäischen Avantgarde der 1950er Jahre. Der größte Bestand an Outsider-Kunst ist die Sammlung Jean Dubuffet „Collection de l’Art Brut“, die sich in Lausanne, Schweiz, befindet. Eine kleinere Sammlung ist die Musgrave Kinley Collection of Outsider Art im Irish Museum of Modern Art (IMMA), die Werke von Künstlern wie Aloise, Henry Darger, Madge Gill, Hauser, J.B. Murry, Oswald Tschirtner, Van Genk, Wolfley, Zemankova und anderen umfasst.

Prähistorische Kunst ist kein Primitivismus

Alle Skulpturen (z. B. Venusfiguren) und Malereien (z. B. Felszeichnungen), die während des Paläolithikums (Steinzeit) - also vor 10.000 v. Chr. - entstanden sind. - werden als prähistorische Kunst eingestuft. Da alle Menschen dieser Zeit eine primitive Lebensweise führten, ist der Begriff „primitive Kunst“ nicht auf die prähistorische Epoche anwendbar. (Siehe auch: Chronologie der prähistorischen Kunst .)

Ein integraler Bestandteil der Geschichte und Kultur

Beachten Sie jedoch, dass Kunst kein isoliertes Phänomen ist. Sie ist ein Teil der Kultur, verbunden mit der Geschichte der Kultur und der Geschichte eines Volkes. Folglich müssen wir die primitive Kunst als einen allgemeinen Begriff betrachten, der eine ganze Reihe von historischen Phänomenen umfasst; Produkte verschiedener Rassen, Mentalitäten, Temperamente, historischer Ereignisse und Umwelteinflüsse. Jedes Volk, wie primitiv es auch sein mag, hat einen unverwechselbaren Stil entwickelt, der bestimmte Objekte und Muster oder eine bestimmte Anordnung von Linien und Räumen bevorzugt.

Primitivismus im Gegensatz zur akademischen Kunst

Die entmenschlichenden Auswirkungen der Industrialisierung des 19. Jahrhunderts in Verbindung mit dem Blutbad des Ersten Weltkriegs (1914-18) führten bei einer Reihe von Künstlern zu einer Desillusionierung gegenüber der Kultur und den Werten ihrer eigenen Gesellschaft, die sie als korrupt und moralisch bankrott ansahen. Die bildende Kunst - insbesondere die offizielle „akademische Kunst“, die an den Akademien gelehrt wurde - wurde mit diesen korrupten Werten identifiziert. Im Vergleich dazu erschien die „primitive“ Kunst spontaner, ehrlicher und gefühlsbetonter.

Primitivismus und Ästhetik

Die Einstufung eines Gemäldes oder einer Skulptur als „primitiv“ setzt die Existenz von „nicht-primitiver“ Kunst voraus. Wie sollten wir eine solche Kategorie von „nicht-primitiver“ Kunst beschreiben? - Modernistisch? Fortschrittlich? Technologisch fortschrittlich? Keine dieser Beschreibungen scheint zufriedenstellend zu sein. Vielleicht weil es keine solche Kategorie gibt. Schließlich ist Ästhetik keine Wissenschaft - es gibt keine „fortschrittliche Schönheit“ oder „primitive Schönheit“.

Wir schätzen am meisten Kunst, die uns vertraut ist

Oft scheint es, dass wir Schönheit nur dann in vollem Umfang genießen können, wenn wir einem Kunstwerk begegnen, das entweder zu unserer eigenen kulturellen Abstammung gehört oder zumindest oberflächlich mit unserer eigenen Ästhetik oder unseren Idealen von künstlerischer Schönheit verwandt ist. Form- und Farbkombinationen, die von fremden Zivilisationen geschaffen wurden, mögen viel Anziehendes haben, aber sie bleiben von einer geheimnisvollen Atmosphäre umhüllt, die uns völlig fremd sein kann.

Werke, die den Stil „des Primitivismus“ widerspiegeln, sind in einigen der schönsten Kunstmuseen der Welt zu sehen.

Schlechte Kunst ist keine primitive Kunst

Da das erste Stadium einer Sache gewöhnlich unentwickelt und unvollendet ist, hat sich für das Wort „primitiv“ eine volkstümliche Bedeutung herausgebildet, um etwas Rohes zu bezeichnen - ohne die gewisse Harmonie von Linie, Raum oder Farbe, die die Quelle unserer emotionalen Empfindungen ist, wenn wir ein echtes Kunstwerk betrachten. Ein primitives Werk“ in diesem Sinne kann einfach das Werk eines Faulpelzes sein, dem es entweder an künstlerischer Inspiration oder an technischem Geschick mangelt; in diesem Fall hat es nichts mit echter Primitivität zu tun, sondern ist einfach schlechte Kunst, die nicht einmal einen dokumentarischen Wert hat, um sie zu empfehlen.

Andererseits, wenn es das Werk eines Wilden oder eines Kindes ist, wird es einen gewissen Wert haben, zumindest als genetischer oder psychologischer Beweis.

Die Mode diktiert die Ästhetik

Der künstlerische Stil ist kein statisches, sondern ein dynamisches Phänomen, das mit einer bestimmten Periode der kulturellen Entwicklung verbunden ist und sich verändert. Es wurde festgestellt, dass es eine Art Periodizität der künstlerischen Stile gibt, die der Periodizität des Geschmacks entspricht. Es ist nicht klar, inwieweit der Stil und die emotionale Reaktion auf ihn voneinander abhängig sind.

Das offensichtlichste Merkmal des zeitgenössischen Kunstgeschmacks ist die Einfachheit. Jahrhunderts hat eine starke Tendenz zur Einfachheit entwickelt - Einfachheit in den äußeren Formen des täglichen Lebens, eine Abneigung gegen Verzierungen in der Architektur, bei Möbeln und Gebrauchsgegenständen, eine Vorliebe für Primitivität und Spontaneität statt für Raffinesse und Raffiniertheit.

Aus diesem Grund ist die Einfachheit vieler primitiver Künste für ihn so anziehend. Der Kritiker G.A. Stevens schrieb einmal: "Die primitive Kunst ist die reinste, aufrichtigste Form der Kunst, die es geben kann, zum einen, weil sie zutiefst von religiösen Ideen und spiritueller Erfahrung inspiriert ist, und zum anderen, weil sie als Kunst völlig unbewusst ist; es gibt in ihr keine Tricks, die sich der Unwürdige aneignen kann, und keine technischen Übungen, die sich als Werke der Inspiration ausgeben können."

Ein solches Urteil ist jedoch nur durch die vergleichsweise begrenzten Bereiche der Kunst der primitiven Rassen gerechtfertigt. In der Tat ist der „primitive“ Künstler nicht immer so naiv, wie man glauben möchte.

Was sind die Merkmale der primitiven Kunst?

❶ Technik

Unzureichende technische Mittel sind nicht unbedingt charakteristisch für „primitive Kunst“. Im Gegenteil, die Materialien, mit denen der primitive Künstler arbeitet - Stein, Knochen, Holz, Metall - sind im Wesentlichen dieselben, die auch der europäische Künstler verwendet. Selbst in der Malerei sind die Farbpigmente aus Mineralien, Gemüse und sogar Tieren in vielen Fällen ähnlich. Die Mittel, die dem Primitivisten zur Verfügung stehen, sind seinem kulturellen Niveau und seiner Umgebung angemessen.

In einem afrikanischen Heiligtum oder Tempel wäre ein Ölgemälde auf Leinwand sowohl historisch unzutreffend als auch ästhetisch unangenehm. Die primitiven Methoden sind sehr unterschiedlich, und doch finden wir ähnliche Techniken in ganz unterschiedlichen Bereichen. Bei der Herstellung von Holzskulpturen zum Beispiel wird eher gehackt als geschnitzt. Das verwendete Werkzeug ist eine Art Spachtel.

Das Ergebnis ist eine facettierte Oberfläche des fertigen Stücks, die unregelmäßige Werkzeugspuren aufweist. Diese Technik ist in West- und Südafrika, Neuguinea und Nordwestamerika verbreitet. Das Ziel des Künstlers ist gute Handwerkskunst. Die Bedingungen, unter denen er arbeitet, unterscheiden sich von denen seiner „zivilisierten“ Kollegen. Bevor er mit seiner künstlerischen Arbeit beginnen kann, muss er zunächst Werkzeuge und Materialien sammeln, herstellen und vorbereiten, und das alles muss er in der Regel allein tun.

Nehmen wir zum Beispiel den Künstler eines nordamerikanischen Indianerstammes. Bei den Plains-Indianern sind es die Frauen, die für die geometrische Art der dekorativen Kunst verantwortlich sind. Die Männer beschränken sich auf gegenständliche Bilder. In beiden Fällen müssen zur Herstellung der Farben Pflanzen oder Mineralien gesammelt werden. Diese müssen dann gekocht oder gemahlen und mit Leim oder Fett vermischt werden, um das Pigment zu fixieren. Die Büffelhaut muss dann sorgfältig vorbereitet und ihre Oberfläche für die Malerei so glatt wie möglich gemacht werden.

Selbst nach einem sehr aufwändigen Vorbereitungsprozess bleibt die Oberfläche so rau, dass die Umrisse zunächst in den Grund gedrückt werden müssen, bevor die Zeichnung angefertigt werden kann, und die Zeichnung muss mehrmals wiederholt werden, um das Pigment gründlich in die Haut zu drücken. Folglich ist ein polychromes Gemälde eigentlich eher ein Farbstich als eine einfache Zeichnung. Die Fixierung erfordert ein weiteres kompliziertes Verfahren, das jedoch nur bei geometrischen Mustern angewendet wird. All diese vorbereitenden Arbeiten erfordern Geschicklichkeit und sind weitgehend mechanisch.

So war die Arbeit des europäischen Künstlers in früheren Zeiten. Heute kann man jedes Kunstmaterial von der Stange kaufen. Nur Bildhauer sind noch mit einem beträchtlichen Maß an mechanischem Geschick verbunden.

Im Allgemeinen steht der primitivistische Künstler vor einer schwierigen technischen Aufgabe. Das bedeutet jedoch nicht, dass er kein echter Künstler ist, der seine eigenen Ideen und manchmal echte künstlerische Inspiration hat. Vor vielen Jahren lernte Franz Boas, Professor an der Columbia University, einen Indianer der Vancouver-Insel kennen, der ein guter Künstler war, auch wenn seine Arbeiten im traditionellen Stil der Nordwestküste gehalten waren. Dieser Indianer war so schwer krank, dass er bettlägerig war. Während seiner Krankheit saß er mit seinem Pinsel zwischen den Lippen, schweigend und ohne Notiz von seiner Umgebung zu nehmen. Er war kaum zum Sprechen zu bewegen, aber wenn er es doch tat, schilderte er ausführlich seine Visionen von Zeichnungen, die er nicht mehr ausführen konnte. Zweifelsohne war dies "der Geist und die Haltung eines wahrhaft inspirierten Künstlers". Diese enge Bindung an ein solides Handwerk scheint der Grund zu sein, warum der primitive Künstler so oft erfolgreich ist.

Der primitive Künstler weiß nicht nur von Anfang an genau, was er will, sondern arbeitet auch mit unerschütterlicher Konsequenz weiter, bis er es erreicht hat.

❷ Vision

Es ist behauptet worden, dass aufgrund des Fehlens von Perspektive und anderen ästhetischen Mitteln selbst primitive Kunst von hoher Qualität auf den ersten Blick grotesk oder eintönig erscheint. Dies mag für einige Arten primitiver Kunst zutreffen, kann aber nicht für alle angenommen werden. Angesichts der großen Vielfalt ganz unterschiedlicher Arten sind Verallgemeinerungen gefährlich. Ebenso können heftige Abweichungen von der Realität nicht als Merkmal einer rein primitiven Sichtweise akzeptiert werden, da sie auch in der Kunst hochentwickelter Kulturen zu finden sind.

Dies gilt insbesondere für das Fehlen der Perspektive in der ägyptischen, byzantinischen und gotischen Kunst, aber auch für die willkürliche Anordnung der Gliedmaßen in den Figuren von Botticelli oder El Greco. Andererseits haben die paläolithischen Maler und die südafrikanischen Buschmänner bemerkenswerte Versuche der Verkürzung, der Überlagerung von Farben, der linearen Perspektive und des Farbschattens unternommen.

Einige primitive Künstler erreichten die höchste Stufe der realistischen Darstellung. Die Gemälde und Zeichnungen der Buschmänner sprechen uns an, weil wir keine Schwierigkeiten haben, sie zu verstehen. Diese Art der grafischen Kunst ähnelt unserer eigenen. Sie ist einfach und ungekünstelt. Folglich betrachten wir diese Werke als naiv und „primitiv“ im wertenden Sinne. Wir brauchen keine neue oder ungewohnte Sichtweise anzuwenden, denn schließlich arbeitet der primitive Künstler, wie der europäische Künstler, nach der Natur.

Es stimmt, dass ein großer Teil der primitiven Kunst offensichtlich aus der Erinnerung heraus geschaffen wurde und dass Götter, Dämonen und fantastische Wesen das Produkt der Vorstellungskraft des Künstlers sind, obwohl einige Details von realen Formen abgeleitet sein können. Aber zahllose Kunstwerke, insbesondere Skulpturen, aus Afrika, der Südsee und Amerika sind so realistisch und individuell gestaltet, dass man mit Sicherheit davon ausgehen kann, dass die Künstler wirklich nach der Natur gearbeitet haben.

Vor allem die Bildhauer des alten Mexiko und Perus (die sicherlich alles andere als primitiv waren) müssen sich direkt an der Natur orientiert haben, und ihre Werke sind in der Tat Meisterwerke der Porträtkunst. In Afrika sind die schönen Köpfe aus Ife zweifellos natürliche Porträts, auch wenn ein gewisser ausländischer Einfluss für dieses ungewöhnlich hohe Niveau der Bildhauerei verantwortlich sein mag. Aber auch bei noch primitiveren afrikanischen Stämmen, an der Elfenbeinküste, in den Parklandschaften Kameruns und im Kongobecken finden wir natürliche Porträts. Auch im Pazifik gibt es Porträts. Die Maori in Neuseeland entwickelten das, was man als „schematisches“ Porträt bezeichnen könnte, als die Muster der Tätowierung, dieses unverwechselbare Mittel zur Identifizierung, es ermöglichten, die Erinnerung an einzelne Vorfahren durch bildliche Darstellung zu bewahren.

Die Begriffe „realistische“ oder „naturalistische“ Kunst werden gewöhnlich auf Werke angewandt, die nach der Natur geschaffen sind und daher der Natur entsprechen. Aber ihre Bedeutung, obwohl sie in der Bildhauerei recht eindeutig sind, neigen dazu, zweideutig zu werden, wenn sie auf die bildenden Künste angewandt werden. Wenn wir von einem naturalistischen Bild sprechen, meinen wir, dass es dem optischen Eindruck eines Modells entspricht, das zu einem bestimmten Zeitpunkt aus einem bestimmten Blickwinkel betrachtet wird. In einem anderen Sinne des Wortes kann man aber auch von Naturalismus oder Realismus sprechen, wenn der Künstler alle tatsächlich vorhandenen Details abbildet, und zwar nicht nur die, die er in einem bestimmten Augenblick sehen kann, sondern auch die, derer er sich bewusst ist.

In den meisten primitiven Künsten ist der Realismus genau von dieser Art. Vielleicht erreicht er seine höchste Entwicklung in den „Röntgenzeichnungen“ Australiens, Melanesiens und der Küstenregionen von British Columbia und Südalaska. Hier stellt der Künstler jedes Detail des Körpers dar, einschließlich der Wirbelsäule, der Rippen und der inneren Organe, weil er sie für ebenso wichtig hält wie die charakteristischen Merkmale der äußeren Erscheinung einer Person. Diese überraschende Methode ist oft auf das materielle Interesse des Künstlers an bestimmten Details zurückzuführen und nicht auf eine ästhetische Wertschätzung.

Im amerikanischen Nordwesten gibt es monumentale Wandmalereien, die Orcas (oder andere Tiere) darstellen und sich durch die Darstellung von Wirbeln und Rippen auszeichnen. Typisch für alle nordwestamerikanischen Grafiken ist die stilisierte Darstellung der Gelenke. Diese merkwürdige Darstellungsweise ist nur in wenigen Regionen des Pazifiks anzutreffen, und es wird vermutet, dass sie ein Hinweis darauf ist, dass das Gebiet zu einem weit zurückliegenden Zeitpunkt von westlichen Einflüssen geprägt war. Intellektueller Realismus dieser Art kann weder Naivität noch Einfachheit beanspruchen. Er ist (paradoxerweise) eine hochentwickelte Art von Primitivität.

Die Betonung bestimmter Merkmale einer Figur führt oft zur Vernachlässigung anderer, so dass die realistische Darstellung allmählich aufgegeben wird. Schließlich wird sie durch den Symbolismus ersetzt, bei dem einige charakteristische Merkmale, die stilisiert und in konventionelle Zeichen umgewandelt werden können, ausreichen, um die Idee des Objekts zu vermitteln. In einem extremen Entwicklungsstadium können eine einzelne Kralle und ein einzelner Flügel eine Krähe symbolisieren. Aber hier haben wir bereits den Bereich der naturalistischen Kunst verlassen und sind in den Bereich des abstrakten oder konventionellen Designs eingetreten.

Geometrische Formen finden sich sowohl in dekorativen Designs als auch als Muster in Textilien und Flechtwerk. Die Vielfalt dieser Muster ist endlos, obwohl einige von ihnen, wie Zickzackstreifen, Bünde, Dreiecke, verschiedene Arten von Kreuzen usw., oft bei ganz unterschiedlichen Völkern zu finden sind. In der Tat sind sie fast universell und deuten nicht unbedingt auf einen historischen Zusammenhang zwischen den verschiedenen Künsten hin, in denen sie vorkommen: So finden wir zum Beispiel viereckige Bünde nicht nur im antiken Griechenland und China, sondern auch bei den Indianern Südamerikas, den Melanesiern, den afrikanischen Bantu und anderen afrikanischen Völkern. Aber mit einer bestimmten Kombination von Mustern, so gewöhnlich die einzelnen Elemente auch sein mögen, schafft der Künstler einen besonderen Stil mit einem ausgeprägten Nationalkolorit, der es uns erlaubt, den verzierten Gegenstand einem bestimmten Volk und oft auch einer bestimmten Epoche zuzuordnen. Dies gilt natürlich für das Studium der Kunst im Allgemeinen und ist nicht auf die primitive Kunst beschränkt.

In vielen Fällen wird angenommen, dass dekorative Muster die materiellen Objekte - Tiere, Pflanzen usw. - symbolisieren, nach denen sie benannt sind. Die Verbindung zwischen dem Muster und seiner symbolischen Bedeutung entsteht auf zwei Arten: entweder durch eine absichtliche Vereinfachung des gegenständlichen Designs, wie in Nordwestamerika, oder umgekehrt durch die Beobachtung einer zufälligen Ähnlichkeit zwischen einem geometrischen Muster und seiner naturalistischen Interpretation.

In den dekorativen Mustern der indianischen Stämme am oberen Xingu-Fluss im brasilianischen Bundesstaat Matto Grosso überwiegen zwei eigentümliche Muster: ein einfaches gleichseitiges schwarzes Dreieck, uluri genannt, und ein Parallelogramm, dessen vier Ecken durch kleine gleichseitige Dreiecke markiert sind. Das letztere Muster wird Merishu genannt. Dies ist der Name eines Fisches, der fast quadratisch wie eine Flunder geformt ist. Die vier schwarzen Dreiecke in den Ecken bezeichnen den Kopf, die Rückenflosse, die Schwanzflosse und die Beckenflosse. Uluri ist der Name des einzigen Kleidungsstücks, das die Frauen des Stammes tragen. Es ist eigentlich mehr ein hygienischer Insektenschutz als ein Kleidungsstück. Es besteht aus einem gefalteten Stück Palmblatt in Form eines gleichseitigen Dreiecks, das kaum zwei Quadratzentimeter groß ist, und endet in einem Schrittband, das an einer Schnur befestigt ist, die als Gürtel dient.

Professor Max Schmidt (ehemals Ethnographisches Museum in Berlin) hat gezeigt, dass die Muster uluri und mershu zufällig in der Korbflechterei entstehen, die das Haupthandwerk der Xingu-Stämme ist. Sie entstehen insbesondere durch die Verwendung von hellen und dunklen Streifen aus Palmblättern, die sich in verschiedenen Kombinationen überlappen. Offensichtlich wurden beide Namen erst später vergeben, nachdem das Auftreten der Muster die Assoziation von Ideen hervorgerufen hatte.

In ähnlicher Weise führte die von den Handwerkern angewandte besondere Technik oft zur Entwicklung symbolischer Muster und eines spezifischen ornamentalen Stils. Eine zufällige Ähnlichkeit kann leicht Assoziationen hervorrufen, die dem rezeptiven Künstler den Impuls geben, ein natürliches Objekt entweder zu einer umfassenderen Darstellung dessen zu verfeinern, was es bereits ähnelt, oder es einfach als Modell zu nehmen.

Es wird vermutet, dass sich die frühesten Steinzeitkünstler von seltsamen natürlichen Formen inspirieren ließen, etwa von bizarr geformten Steinen oder Felsvorsprüngen. Ein Antiquar in London zeigte mir einmal einen Stein in Form eines Stierkopfes, etwa zweieinhalb Zentimeter lang, den er für ein Beispiel paläolithischer Schnitzkunst hielt. Das Objekt hatte eine bemerkenswerte Ähnlichkeit mit einem Stier, aber bei näherer Betrachtung stellte sich heraus, dass es sich um eine natürliche Formation handelte, und die Ähnlichkeit war rein zufällig.

Nicht nur die Form, sondern auch die Farbe des in der Bildhauerei verwendeten Materials kann die Inspiration des Künstlers beeinflussen. Um ein Beispiel aus dem Bereich der Hochkultur zu nennen: Die Chinesen, die eine besondere Vorliebe für die Bearbeitung von Hartgestein verschiedener Farben (Jade, Achat, Chalcedon, Rosenquarz usw.) haben, sind oft unglaublich geschickt darin, die zufällige Form und Farbe des Steins in ihren geschnitzten Gefäßen und Figuren zu übernehmen. Findet sich zufällig eine rote Ader in einem Stück weißen Achats, so kann ein Schnitzer eine weiße Vase herstellen, die von Kirschenspritzern umgeben ist, und sie so anordnen, dass die rote Ader einen Kirscheneffekt erzeugt. In ähnlicher Weise kann die grüne Maserung ihn zur Darstellung eines Frosches oder einer Eidechse inspirieren.

Verallgemeinerungen sind besonders gefährlich, wenn es um die suggestive Wirkung von technischen Formen geht. Bei den Indianern Guyanas finden wir dieselbe Art von Korbwaren wie in anderen südamerikanischen Becken, aber hier sind die dunklen und hellen Streifen bewusst und sehr geschickt angeordnet, um Tierfiguren (meist Jaguare und Schlangen) darzustellen, so dass es sich nicht mehr um zufällige Effekte und ihre spätere Interpretation handelt.

Das Verständnis für die Wirkung künstlicher Dekoration reicht bis zu einem gewissen Grad über die menschliche Rasse hinaus. Der Mensch in seinem frühen, unkultivierten Zustand mag von der Schönheit der Natur beeindruckt gewesen sein, lange bevor er begann, selbst künstlerische Formen zu schaffen oder die in seiner natürlichen Umgebung vorgefundenen Linien und Figuren nachzuahmen. Einige moderne Naturvölker wissen die Schönheit der Natur sehr wohl zu schätzen, und es gibt Stämme in Melanesien, die in ihrer dekorativen Kunst sogar Phänomene wie den Regenbogen und das Glühen des Meeres eher mit symbolischen Ornamenten als in einem naturalistischen Stil darzustellen versuchen. Um ein Kunstwerk voll zu würdigen, sollte es so weit wie möglich in der Umgebung betrachtet werden, für die es geschaffen wurde.

Dies gilt insbesondere für die primitive Kunst aufgrund ihres seltsamen und ganz anderen kulturellen Hintergrunds. Von einer Ahnen- oder Götterstatue, die unter afrikanischen Lichtverhältnissen geschaffen wurde und immer in der Düsternis eines Schreins oder Tempels bleiben soll, kann nicht erwartet werden, dass sie die gleiche Wirkung hat, wenn sie aus ihrer ursprünglichen Umgebung entfernt und in einer Glasvitrine in einem europäischen Raum ausgestellt wird. Andere Licht- und Schatteneffekte können auftreten und ebenso attraktiv sein, aber sie sind nicht original und geben der Statue eine fremde Note.

PLÄTZE
Viele Beispiele für primitive Kunst sind online als Poster verfügbar.

EVOLUTION DER VISUELLEN KUNST
Siehe: Kunstgeschichte .

KATEGORIEN DER KUNST
Über Skulptur und Assemblage: Plastische Kunst . Über ornamentales Design: Die dekorativen Künste . Über Kunstwerke aus wiederverwerteten Materialien: Schrottkunst . Allgemeine Klassifizierung: Bildende Kunst .