Harmenszoon Van Rijn Rembrandt (1606-1669)

Der zukünftige große Künstler Rembrandt wurde am 15. Juli 1606 im fruchtbaren Zeitalter des Wohlstands aller Bereiche der spirituellen Kultur in Holland geboren. Dies ist die Zeit, in der sich nationale Literatur, Architektur, Malerei und Theater besonders schnell entwickelten. Aber kein Bereich der Kunst hat in diesem "goldenen Zeitalter" so viele kulturelle Werte hervorgebracht, die auf Weltebene anerkannt sind wie die Malerei.

Die visuelle Kunst Hollands reifte in den Jahren der Revolution, des Befreiungskampfes und des postrevolutionären Aufschwungs. Aus diesem Grund hat die nationale Malerei offensichtlich einen so ausgeprägten demokratischen Charakter. Bereits im 17. Jahrhundert hatten holländische Künstler die seltene Gelegenheit, ihre Ideen und ihre Einstellung zur umgebenden Realität offen zum Ausdruck zu bringen. Ihre Werke zeichnen sich durch kühnen Realismus im Verhältnis zum Menschenbild und seinem Leben aus.

Alle Arbeiten von Rembrandt sind mit der höchsten Verkörperung des niederländischen Realismus gesättigt, der der Seele des Künstlers selbst ungewöhnlich nahe stand. Seine Arbeiten sind auffällig in der Breite der thematischen Berichterstattung, die in der Geschichte der Weltkunst sehr selten ist.

Frühe Jahre

Zuvor war Rembrandts Kindheit in Leiden (Niederlande) vergangen, wo sein Vater eine Mühle an einem der Nebenflüsse des Rheins betrieb. Das Präfix „Van Rhine“ selbst ist der generische Spitzname des Malers und bedeutet wörtlich „was vom Rhein kommt“.

Nach seinem Abschluss am Latein-Gymnasium verbrachte der Junge 1620 etwa ein Jahr an der Universität Leiden. Dort tauchten erstmals seine Zeichenfähigkeiten auf. Der junge Künstler begann mit dem lokalen Maler Jacob van Swannenbürch zu studieren. Bald zog er nach Amsterdam, wo er einen bedeutenderen Lehrer fand, Peter Lastman (1583-1633). Rembrandts neuer Mentor war Vertreter einer Gruppe niederländischer Künstler, die sich ausschließlich mit der Darstellung antiker und biblischer Themen beschäftigten.

Lastmans historische Gemälde faszinierten das Publikum mit farbenfrohen Details von Inszenierungen aus dem Leben der alten Völker. Sein individueller Stil war das Bild starker Emotionen auf den Gesichtern der Charaktere. Trotz der unbestrittenen Fähigkeit zur Ausführung und der Fähigkeit, realistische Details zu schaffen, zeichnen sich alle seine Gemälde durch weit hergeholte und theatralische, sogar reale Ereignisse aus. Trotzdem beeinflussten viele charakteristische Merkmale von Lastmans Malerei die Entwicklung von Rembrandts Stil erheblich, obwohl er nur etwa sechs Monate in seiner Werkstatt verbrachte.

Im Alter von neunzehn Jahren kehrte Rembrandt in seine Heimat Leiden zurück. Hier beginnt er, die Kunst des Malens selbst zu üben. Alle Gemälde der Leidener Zeit sind ordentlich, mit scharfen Farb- und Lichtübergängen und einer leicht trockenen Schreibweise, die einem unerfahrenen Anfängerkünstler das Leben schwer macht.

Rembrandt war von Anfang an vom Porträt-Genre angezogen. Da es nur wenige Befehle gab, übte der Künstler unermüdlich an sich selbst, seinen Verwandten und Angehörigen. Zu dieser Zeit schreibt er viele Selbstporträts, die sich mit verschiedenen Gesichtsausdrücken darstellen: verlegen, lächelnd, lachend, genervt. So begann Rembrandt, seine Fähigkeit zur realistischen Übertragung der psychologischen Zustände seiner Helden zu verbessern. Fast alle frühen Selbstporträts sind aufgrund der Jugend und Unerfahrenheit des Künstlers oberflächlich und sogar unhöflich.

Viel interessanter sind jedoch die ersten Experimente des Malers auf dem Gebiet der Druckgrafik, die sich auch auf die Leidener Zeit beziehen. Angaben darüber, wer Rembrandt die Kunst des Radierens studiert hat, sind nicht erhalten. Seine frühen Stiche zeichnen sich jedoch bereits durch große Ausführungskompetenz sowie ein tiefes Verständnis der Zeichnung aus.

Nach den Stichen von Rembrandt zu urteilen, zog er es vor, Charaktere für seine Werke aus dem Grunde der niederländischen Gesellschaft zu wählen. Seine Radierungen, die den Armen, Verkrüppelten und Vagabunden gewidmet waren, waren so geschickt, dass sie die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf seine Arbeit lenkten. Rembrandt hatte mehr Aufträge, Studenten kamen zu ihm, der Künstler sagte eine große Zukunft voraus.

Der Maler signierte seine Werke zunächst mit einem Monogramm seines eigenen Werkes „RHL“ - Rembrand Harmen (Name des Vaters) Leiden (Heimatstadt). Nachdem er 1631 nach Amsterdam gezogen war, begann er, wie die großen Meister Raphael und Titsiau, mit demselben Namen zu unterschreiben.

Nach seinem Umzug nach Amsterdam begann der Maler eine der erfolgreichsten Perioden seiner Arbeit und seines Lebens. Fast sofort erhielt er einen sehr einträglichen Auftrag von der Chirurgengilde. Im Januar 1632 besuchte Rembrandt einen Vortrag des hervorragenden Arztes Nicholas Peters, bei dem das Publikum die Autopsie des Diebes miterlebte. Die Ärzte hatten das Recht, die Leichen der zum Tode verurteilten Kriminellen zu öffnen. Das passierte extrem selten, es war also immer ein echtes Ereignis. Dieser Moment wurde vom Künstler in seinem berühmten Gemälde „Die Anatomielektion von Dr. Nicholas Tulp“ (1632, Mauritshuis, Den Haag) festgehalten.

Der Autor fungiert dabei als Tiefenpsychologe, der es geschafft hat, ein komplexes Bild persönlicher Beziehungen subtil wahrzunehmen und zu vermitteln. Eine Gruppe von Studenten - junge Chirurgen, auf der Leinwand in Urlaubskostümen gekleidet. Für Holland war eine Variation des Porträts, das einen Mann bei seiner Lieblingsbeschäftigung zeigte, weit verbreitet. Ein solches Bild erforderte eine breite Verwendung von Haushaltsgegenständen - die Einbeziehung der umgebenden Elemente in die Handlung, die das Leben des Porträts charakterisieren. Die schwierigste Aufgabe für den Künstler war es, die Dominanz des Porträtbildes gegenüber dem Alltäglichen aufrechtzuerhalten, Rembrandt hat diese Aufgabe hervorragend gemeistert.

In den Ansichten der Figuren des Bildes - Bewunderung für die Vorlesung, die überraschend tiefe Kenntnisse des Dozenten zeigte. Die Chirurgen, die kamen, waren angespannt und verglichen die Anatomie einer offenen Hand mit der Darstellung in einem großen Buch, das zu seinen Füßen lag. Vor diesem Hintergrund sieht der Arzt selbst sehr zurückhaltend aus. Wie es sich für einen echten Fachmann gehört, erfährt der Arzt weder Angst noch Schüchternheit oder Verlegenheit. Dr. Tulp ist zuversichtlich, ruhig und hat keine Angst vor der Realität. Sogar der Diener des Arztes, der im Hintergrund des Bildes einen Umhang eines Chirurgen trägt, hat keinerlei Angst vor dem Anblick.

Das Gemälde verhalf Rembrandt zu Anerkennung beim Amsterdamer Publikum. Er erhielt viele Aufträge für Porträts edler Herren, die er in den ersten zwei Jahren über fünfzig geschaffen hatte. Die Popularität des Künstlers wuchs mit seinem Wohlbefinden.

Rembrandt war ein leidenschaftlicher Sammler. Das meiste Geld gab er für den Kauf von Kunstwerken, antiken Kostümen und Antiquitäten aus. Während der Bestandsaufnahme seines Eigentums gehörten Gemälde von Rubens, Raphael, Albrecht Dürer, Van Dyck, Peter Brueghel und anderen Meistern zu den Werken seiner umfangreichen Sammlung.

Erfolg und persönliches Glück

In nur zwei Jahren seines Lebens in Amsterdam heiratet Rembrandt. Die Frau des Malers war die Tochter der wohlhabenden Patrizierin Saskia van Eilenborch. Der Künstler mochte seine Frau sehr und schuf ihre Porträts oft auf verschiedene Weise: im üblichen Kostüm eines niederländischen Bürgers oder in Kleidern, die sie zur Heldin der biblischen oder antiken Mythologie machten.

Im Jahr 1634 malte Rembrandt sein Gemälde Flora (Eremitage, St. Petersburg), in dem Saskia als Göttin der gesamten Flora der Flora erscheint. Die Frau ist schwanger, ihr Kopf ist mit einem Kranz verziert, in dem Tulpen deutlich sichtbar sind, die auf ihre niederländische Herkunft hinweisen. Saskia ähnelt mit einem Zweig in den Händen einer Märchenprinzessin, die im Wald spaziert. Es ist erstaunlich, wie geschickt der Stoff ihrer Kleidung bemalt wurde, was den Wunsch weckte, die Leinwand zu berühren, um die Zärtlichkeit des Satins zu spüren. Das Bild macht trotz der kalten Palette einen überraschend warmen Eindruck. Das Bild der jungen Saskia ist sehr bewegend und sehr verschieden von der königlichen Frau, die sie ein Jahr später auf einem Bild vor uns zeigt.

Das Werk "Sofonisba nimmt den Giftbecher" (1634, Prado Museum, Madrid) war eines der frühesten Gemälde zu einem historischen Thema. Die Frau auf dem Bild ist Saskia sehr ähnlich. Die Handlung des Bildes erzählt von Sofonisbe, der Tochter des karthagischen Kommandanten, die während des erbitterten Krieges zwischen Rom und Karthago lebte. Ihr Vater gibt sie als König Sifax aus, der im Kampf mit Masiniss getötet wurde, der seinerseits die Königin als seine Frau nehmen wollte. Aber die Römer verbieten diese Ehe, und dann schickt Masinis eine Schüssel Gift Sofonisbe, die von der Königin ohne zu zögern getrunken wird.

Die Leinwand "Selbstbildnis mit Saskia auf den Knien" (1635-1636, Gemäldegalerie Dresden) zeigt uns den Künstler und seine vor Glück strahlende Frau. Rembrandt im Bild des Bräutigams, gekleidet in einen eleganten Anzug, hält Saskia auf dem Schoß, ebenfalls gekleidet in ein altes Kleid, das der Künstler bei einem Antiquitätenhändler gekauft hat. Der Künstler strahlt Spaß aus, der auf den Betrachter übertragen wird. Mit einer Hand hält er den Begleiter sanft an der Taille, mit der anderen hebt er ein luxuriöses Glas, als würde er dem Betrachter ein Getränk zum Glück der Familie anbieten und den Urlaub seiner Seele teilen. In allen Arbeiten spürt man die Zärtlichkeit und Liebe des Malers zu seiner Frau.

Religion und Mythologie

Um die Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert war Rembrandt fasziniert von der historischen Malerei, die nach damaligen Traditionen sowohl mythologische Geschichten der Antike als auch biblische Themen umfasste. Obwohl in vielen Werken des Malers der Einfluss seines Lehrers Lastman deutlich zu spüren ist, heben sich seine Leinwände deutlich vom allgemeinen Hintergrund der florierenden niederländischen Malerei ab.

Tatsache ist, dass Rembrandt eine zutiefst individuelle Interpretation jedes Bildes hervorragend gelungen ist. Trotz der Ähnlichkeit von Farbe, Kompositionstechniken und Kostümen seiner Helden mit den Gemälden von Lastman gelang es dem Künstler, seinen eigenen einzigartigen Stil zu entwickeln, der auf dem Wunsch beruhte, die wahren Gefühle der Person so zu vermitteln, wie sie in Wirklichkeit sein könnten. Rembandts Gemälde, die im Rahmen traditioneller mythologischer und biblischer Themen stehen, sind frei von Weitsicht und Theatralik.

In den Leinwänden der historischen Serie zeigt sich das Talent von Rembrandt, dem Erzähler, sein Wunsch, die Inkonsistenz und Dualität der menschlichen Natur zu zeigen, in der nach Ansicht des Meisters die Motive jeder Handlung sind, auf ungewöhnlich lebendige Weise.

Einen großen Einfluss auf die Arbeit des Malers hatte die Philosophie von Pascal, der glaubte, dass "ein Mensch - etwas Schönes, das die Wahrheit in sich bewahrt, einerseits ein Gefäß der Unsicherheit und der Irrtümer ist das widerspricht sich. "

Das Gemälde „Kreuzabstieg“ (1634, Eremitage, St. Petersburg) war Teil einer Gemäldeserie zu den Passagen Christi, die Prinz Frederick Hendrick von Oranien von Rembrandt in Auftrag gab. Auf der Leinwand sehen wir, wie Verwandte und Verwandte nachts den Körper des gekreuzigten Jesus vom Kreuz abziehen. Ein kraftvolles Hell-Dunkel-Spiel erzeugt einen sehr starken dramatischen Effekt. Die Gesichter der Figuren sind aufgeregt und blass. Die einzige Lichtquelle reißt die Gestalt des gequälten Christus aus dem Zwielicht. Der Ursprung des Lichts ist nicht klar - entweder von irgendwo oben oder vom Herrn selbst. Jungfrau Maria wird als einfache Frau dargestellt. Das Gesicht der Muttergottes ist ebenfalls beleuchtet. Ihre Figur befindet sich auf der rechten Seite, zu beiden Seiten stehen Menschen, die Mary helfen, auf den Beinen zu bleiben, ihr Zustand spricht von tiefster Trauer. Auf der Erde ist ein luxuriöser Stoff ausgebreitet, auf den der Leib Christi gelegt ist.

Rembrandt stellte absichtlich alle Teilnehmer dieser Aktion als einfache Menschen dar, um zu betonen, dass der Tod des Sohnes Gottes ein universeller Kummer ist. Dieses Gemälde, eines von fünf vom Fürsten in Auftrag gegebenen, wiederholte der Künstler später, jedoch in größerem Maßstab.

Das Thema des Mordes und der Auferstehung Christi setzt sich in der Leinwand "Der Unglaube des heiligen Thomas" (1634, A. Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau) fort. Hier ist eine Episode, in der der auferstandene Jesus den Aposteln erscheint und Wunden zeigt. Die Jünger Christi erzählen vom Wunder des Thomas, der ungläubig erklärt: "Wenn ich die Wunden von den Nägeln an meinen Händen nicht sehe und meinen Finger in die Wunden von den Nägeln stecke, und ich meine Hände nicht stecke in seinen Rippen werde ich es nicht glauben. " Einige Tage später erscheint Jesus erneut den Aposteln, mit denen Thomas zusammen war. Christus trat an ihn heran und bot an, das zu erfüllen, was Thomas als Beweismittel verlangte - seine Finger in die Wunden zu stecken. Der erschrockene Thomas kommt der Bitte nach und erkennt den Herrn mit Schande.

Das Bild ist in dunklen Farben gemalt und nur der zentrale Teil der Komposition wird durch das helle Licht der Jesusfigur beleuchtet. Das ungewöhnliche Spiel von Licht und Schatten, das den Gemälden des Meisters innewohnt, vermittelt die innere Dynamik der Episode, ihren aufregenden Charakter.

Die nächste Arbeit, die der biblischen Handlung gewidmet war, war das Gemälde „Belshazzar’s Pier“ (1635, National Gallery, London). Das Bild zeigt eine klassische Geschichte über die Herrschaft und den Tod von Belsazar - dem letzten König von Babylon, der am Fall Babylons schuld war (gemäß dem Buch des Propheten Daniel).

Als Babylon belagert wurde, verfügte es über ausreichende Lebensmittelvorräte, mit denen sich die Bewohner lange Zeit nicht um Lebensmittel kümmern konnten. Aber der König von Babylon, Belshazzar, beschließt unerwartet, zu einem völlig unbedeutenden Anlass ein luxuriöses Fest zu veranstalten, das ihn zu fast tausend Adligen und Höflingen einlädt. Das Bild ist der Höhepunkt der Geschichte, als inmitten eines Festes hinter dem Rücken des Königs eine Hand auftaucht, die bestimmte Worte schreibt. Der König, dessen Figur sich in der Mitte der Komposition befindet und fast den gesamten Raum einnimmt, dreht sich um, um zu verstehen, was passiert. Zu seiner Rechten kauerte sich eine der schlemmenden Damen vor Angst zusammen, als Wein aus einem kostbaren Gefäß in sich zusammenkippte.

Nach dem Evangelium konnten die Weisen des Königs Belsazar die magische Inschrift nicht lesen. Dann lädt der babylonische Herrscher den Propheten Daniel ein, der die Briefe entziffert hat. Der Text an der Wand des Palastes lautete: „Gott hat dein Königreich berechnet und ihm ein Ende gesetzt. Sie werden gewogen und Ihr Gewicht ist nicht groß. Dein Königreich ist geteilt und den Persern und den Medern gegeben. Nach dem biblischen Bericht wurde in dieser Nacht der König des chaldäischen Belsazar getötet.

Das Gemälde „Das Opfer Abrahams“ (1635, Eremitage, St. Petersburg) setzte eine Reihe von Handlungen aus dem Heiligen Buch fort. Die Leinwand ist in der Dämmerung verhüllt, nur drei Fragmente werden vom Licht herausgezogen: der Körper des jungen Isaac, dessen Hände auf dem Rücken gefesselt sind und darauf warten, sich zu bücken, ein tödlicher Schlag; das Gesicht Abrahams, blass vor Trauer und Entsetzen, als ihm klar wurde, dass er auf Geheiß Gottes seinen eigenen Sohn schlachten würde; und die Gestalt eines Engels, als ob er in eine Wolkenkomposition platzen würde, um die Helden vor dem Horror zu retten, der geschieht.

Während seiner gesamten Arbeit, im Bild einer Person, wurde Rembrandt von spektakulären Ausdrucksgefühlen wie Angst, Schmerz, Freude, Trauer, Groll und Überraschung angezogen - alles, was mit bloßem Auge sichtbar ist und keine verborgenen inneren Erfahrungen tief drinnen.

Dies macht sich vor allem in großen mehrfigurigen Werken bemerkbar, wie zum Beispiel dem Gemälde „Blinding Samson“ (1636, Shtedelevsky Art Institute, Frankfurt). Die Leinwand basiert auf einer der dramatischen Episoden biblischer Legenden.

Der mächtige Samson fällt in die Hände von Feinden, weil er seinen Geliebten verraten hat - die schöne und verräterische Delila, die Samson als Belohnung verraten hat. Die Angreifer blenden ihn und stoßen ihm Dolche in die Augen. Der heldenhafte Körper von Samson, hervorgehoben durch ein strahlendes helles Licht, war vor Schmerz gebeugt. Die dynamische Komposition des Werkes ist gesättigt mit Farbkontrasten von Dunkelheit und hellem Licht, die von der Figur eines starken Mannes ausgehen und ein Gefühl von Angst und Entsetzen erzeugen. Um alles, was in einem heftigen Kampf durcheinander geraten ist, sieht man im Hintergrund die schnell wegrennende Delilah.

Ein weiteres Gemälde des Meisters Danae ist nach jüngsten Studien eng mit dem Gemälde "Blind Samson" verbunden. Die Analyse der Leinwände ergab eine absolut identische Struktur, vielleicht waren beide aus einem Stück geschnitten. Die Arbeiten sind nicht nur mit dem Sockel und der Größe verbunden, sondern auch mit der kompositorischen Konstruktion, die dem Werk Monumentalität verleiht, da die darauf abgebildeten Figuren in vollem Wachstum dargestellt werden. Es gibt auch eine Version, die der Künstler Konstantin Heitens, dem Sekretär von Prinz Frederick Hendrick, schenkte, dem Rembrandt viele Aufträge zu verdanken hatte.

Diese Vermutung wird auch durch die Briefe des Künstlers bestätigt, in denen er Hatens mitteilt, dass er zwei Gemälde fertiggestellt hat, die ich ihm als Dankeschön vorstellen möchte. Ihre Handlung ist nicht angegeben, aber höchstwahrscheinlich hatte der Autor diese Arbeiten im Auge.

Ein so gründliches Studium der Leinwand „Danae“ (1636, Eremitage, St. Petersburg) ist kein Zufall, dieses Gemälde ist zu einer der besten Kreationen des Meisters geworden und darüber hinaus auch eine Hymne an seine Liebe zu Saskia. Rembrandt datierte die Leinwand 1636, aber Experten in seiner Arbeit schreiben die Arbeit einer späteren Periode zu. Dies ist darauf zurückzuführen, dass für die frühe Phase des Meisterwerks die Stärke und Tiefe, mit der dieses Werk geschrieben wurde, noch nicht charakteristisch war. In den Laboratorien der Eremitage wurden gründliche Röntgenuntersuchungen durchgeführt, die alle Zweifel zerstreuten: Die Leinwand wurde zwar in den 1630er Jahren geschrieben, jedoch in den folgenden Jahrzehnten einer bedeutenden Autorenarbeit unterzogen.

Die Komposition der Leinwand basiert auf der Handlung eines antiken griechischen Mythos. Der König von Argos, Vater von Danai, sperrte seine Tochter in einen Turm. Aber der höchste Gott Zeus, der sich in Danae verliebt hatte, drang dennoch in sie ein und nahm die Gestalt eines goldenen Regens an. Mit einem gemischten Gefühl von Schüchternheit und Freude (die Dualität der menschlichen Natur) sucht Danae das goldene Strahlen zu treffen. Rembrandt zeigte nicht den perfekten weiblichen Körper auf dem Bild, wie es bei anderen Künstlern üblich war. Seine Danae ist weit entfernt von den Idealen perfekter Schönheit, aber achten Sie auf ihr Gesicht, wie viel Hoffnung, Inspiration, er ist voller Liebe und Glauben. Ihre Pose ist ungewöhnlich weiblich und ihre Gesten sind voller Ehrfurcht.

In Fortsetzung des Themas der aktiven Diskussion über das Bild ist anzumerken, dass in der Person von Danai wenig Ähnlichkeit mit dem bekannten Erscheinungsbild von Saskia besteht. Durchgeführte Durchleuchtung löste dieses Rätsel. Tatsache ist, dass die Leinwand nicht zum Verkauf bestimmt war, sondern lange Zeit in der persönlichen Werkstatt des Künstlers aufbewahrt wurde, bis zu seiner vollständigen Insolvenz, nach der alle seine Sachen beschlagnahmt und ausverkauft wurden.

Rembrandt kehrte immer wieder zu seinem geliebten Werk zurück und schrieb es entsprechend einer neuen Ebene der professionellen Bildvision oder je nach Geisteszustand und Stimmung neu. Beim Umschreiben der Gesichtszüge von Danai gab er ihm entweder die charakteristischen Merkmale von Gertieu Dirks, der Magd, die nach dem Tod seiner Frau in seinem Haus lebte, oder die Ähnlichkeit mit Hendrikyo Stoffels. Infolgedessen ist das Gesicht der Heldin eine Kombination von Merkmalen, die den Künstlerinnen nahe stehen. Die Ähnlichkeit mit Saskia, seiner ersten Liebe, ist jedoch viel deutlicher.

Das Schicksal des Bildes war nicht einfach und nach dem Tod von Rembrandt. Nach dem Verkauf des Künstlergutes wechselte sie eine Reihe von Privatbesitzern, bis sie 1772 von Katharina II. Gekauft wurde. Anschließend wurde sie in die Halle der Eremitage gebracht, wo sie 1985 von einem Verrückten angegriffen wurde, der der Leinwand zwei Messerschläge zufügte und sie mit Säure übergoss. Glücklicherweise haben die Restauratoren das Meisterwerk noch für das Publikum aufbewahrt.

Rembrandt hat sich in der Frühzeit seiner Arbeit praktisch nicht um die Landschaft gekümmert. Erst nach Jahren wandte sich der Künstler unter den schweren Bedingungen des Lebens der Natur zu und dem Trost, den sie dem Menschen geben kann. Der Maler schuf jedoch 1638 ein wunderschönes Gemälde „Landschaft mit einer Steinbrücke“ (Ricksmuseum, Amsterdam). Die Leinwand ist gefüllt mit dem Kampf von Licht und Schatten, der Emotionalität der Komposition und der koloristischen Entscheidung sowie der allgemeinen Dynamik.

Als würde er sich durch dicke Wolken quetschen, strömt ein Strahl hellen Sonnenlichts in zwei Bäume, die im mittleren Teil des Bildes abgebildet sind. Alles andere - Leute im Boot, die vom Beginn eines Gewitters erschrocken nach Hause eilen, die Brücke über den Fluss ist in der Dämmerung versunken. Auf dem einzigen Teil des von der Sonne beleuchteten Grundstücks sind die Umrisse eines klapprigen alten Zauns, Blätter und einer Person zu sehen, die vorbeigeht.

Unbekannter Meister

Leider dauerte die Zeit von Ruhm und materiellem Wohlstand für Rembrandt nicht lange. Die Arbeit des großen Meisters unterschied sich stark von der der modischen niederländischen Künstler. Und wie Sie wissen, ist es die Mode, die der Bourgeoisie, die zu dieser Zeit die größte und erfolgreichste Klasse in Holland war, ihren Geschmack diktiert. Rembrandt wollte sich keinen modischen Trends hingeben; er sah deutlich seinen Weg in der Kunst, angefüllt mit zutiefst individuellen Merkmalen. Das Hauptthema der Kreativität des Künstlers war immer der Mensch, sein äußeres Leben und seine verborgenen Wünsche, ein Leben ohne Phantasien und weit hergeholt, wie es ist.

Der realistische Stil des Künstlers verwechselte die Zeitgenossen mit seiner bloßen Wahrheit. Dies führte zu einem unvermeidlichen Konflikt zwischen dem Meister und der bürgerlichen Gesellschaft. Der erste große Konflikt zwischen Rembrandt und der öffentlichen Meinung ereignete sich aufgrund eines Großauftrages für ein Gruppenporträt einer Amsterdamer Gewehrfabrik unter der Leitung von Leutnant Willem van Reitenberg und Kapitän Frans Bunning Kok, an dem der Künstler etwa zwei Jahre lang arbeitete.

Das 1642 vom Meister vollendete großformatige Werk „Die Aufführung der Schützen der Kompanie Captain Frans Bunning Cock“ (oder „Die Nachtwache“, Ricksmuseum, Amsterdam) zeigt ein denkwürdiges historisches Ereignis, vermutlich unter Beteiligung von Amsterdamer Schützen beim Festakt der französischen Königin Maria de Medici im Jahre 1639.

Das Gemälde zeigt die Kompanie von Captain Kok, die aus einem dunklen Raum in einen mit hellem Licht gefüllten Vordergrund tritt. Jeder Charakter ist mit seinem Großvater beschäftigt, es entsteht der Eindruck, dass die Episode zufällig geschnappt wurde. Die Pfeile im Bild säubern und zerlegen ihre Spitzen, jemand befiehlt, gestikuliert aktiv, der Fahnenträger entfaltet ein buntes Tuch. Auf der rechten Seite des Bildes ist ein älterer Mann zu sehen, der eine Trommelwirbelsäule ausschlägt. Ein Hund bellt in der Nähe seiner Füße. Diese abwechslungsreichen Aktionen, die ein leichtes Gefühl von Chaos erzeugen, voller Lärm und Dynamik, hinterlassen einen sehr lebendigen Eindruck.

Das gesamte Farbschema der Leinwand ist eher dunkel und mit nur zwei hellen gelben Flecken verdünnt: in der Mitte rechts die Figur eines kleinen Mannes - Leutnant Willem van Reitenberg, und rechts ein kleines Mädchen in einem gelben Kleid. Die Pfeile sind mit Passanten durchsetzt, was den Eindruck von Verwirrung erweckt. Nur Kapitän Kok, der sich auf seinen Spazierstock stützt, spricht absolut ruhig mit jemandem.

Rembrandts Idee, eine Gruppe von Menschen darzustellen, die durch einen einzigen Impuls bürgerlicher Gefühle vereint sind, blieb leider unverständlich und wurde von der Amsterdamer Gesellschaft nicht akzeptiert. Die Schützen, die für den Auftrag bezahlt hatten, auf die Leinwand zu kommen, waren unglücklich, dass es auf dem Bild völlig Fremde gibt. Und noch mehr empörten sie sich darüber, dass die Gesichter einiger Kunden von anderen Personen verdeckt wurden.

Dieses Bild war ein Wendepunkt im Leben des Künstlers. Während Rembrandt das Bild schrieb, starb seine erst dreißigjährige Frau Saskia an Tuberkulose. Vielleicht hat dieses Ereignis auch den Künstler beeinflusst und ein kleines Mädchen auf der Leinwand dargestellt, dessen Gesicht ein wenig an die junge Frau des Malers erinnert.

Ein großer und kontroverser öffentlicher Aufschrei in Bezug auf die Nachtwache hat Rembrandts Popularität untergraben, die seitdem nur zu sinken begonnen hat. Die Anzahl der Bestellungen ging zurück, die Studenten gingen. Im Leben des Meisters kam eine sehr schwierige Zeit.

Verwirrt und frustriert begann Rembrandt, Einsamkeit und Trost in der Natur zu suchen. Infolgedessen interessierte sich der Meister sehr für die Landschaft, auf die er vorher keinen Wert legte. Der Gemütszustand des Malers lässt sich anhand der Typen beurteilen, die er für seine Gemälde ausgewählt hat - dies waren überhaupt keine spektakulären Ansichten, sondern ruhige, bescheidene, abgeschiedene Ecken.

Neben der Malerei können Stiche und Zeichnungen eines Meisters, der nicht weniger Talent als seine Gemälde hat, einen bedeutenden Platz in Rembrandts großem Erbe einnehmen. Der Künstler schuf Radierungen in der Technik der Radierung. Das Wesentliche der Technik ist, eine Zeichnung mit einer Nadel auf einer mit Lack beschichteten Metallplatte zu kratzen, die schließlich mit Säuren behandelt wird. Dann wird der Lack von der Platte entfernt und die auf dem Metall mit Säure versengten Linien werden mit Farbe gefüllt. Danach werden auf nassem Papier unter der Druckmaschine Fingerabdrücke vom Karton gemacht. Sowohl die Gravurmethode als auch der resultierende Druck werden als Ätzen bezeichnet. Insgesamt schuf der Meister ungefähr dreihundert Radierungen, die zu den größten Errungenschaften der Welt auf dem Gebiet der Grafik gehören. Auch über anderthalbtausend Zeichnungen des Künstlers sind bis heute erhalten.

Ein Beispiel für Rembrandts großartige Grafik ist seine lebendige symbolische Radierung „Drei Bäume“ (1643, Sammlung von J. de Bruyne). Auf der linken Seite der Gravur sind zahlreiche vertikale Linien gezeichnet, die den Eindruck eines Regens erwecken, der in schnellen Düsen strömt. Der rechte und zentrale Teil der Radierung ist nicht mit Strichen gesprenkelt, aus denen der Himmel und der gesamte Raum der Komposition strahlend, geräumig und offen erscheinen. So schilderte der Künstler den symbolischen Kampf und den unvermeidlichen Sieg des Lichts über die Dunkelheit. Gereinigte und auferstandene Natur schafft eine lebensbejahende und optimistische Haltung. Drei Bäume, die auf der rechten Seite der Komposition aufragen, scheinen die Achse dieser Welt zu sein, das lebensspendende Prinzip - so vollständig und klar verkörpert in allem, was es gibt: in den dicken Stämmen - die Kraft der geduldigen Erde ; im Flattern der Blätter auf den Zweigen - das freie Streben nach Luft.

Trotz seiner Faszination für das Gravieren hat Rembrandt seinen Malstil immer weiter perfektioniert. In den 40er Jahren wurden seine visuellen Techniken noch vielfältiger, die kompositorische Struktur war kühner, die Farbe war reicher und temperamentvoller, helle Töne von Rot, Braun und Gold dominierten in ihm. Die vorherrschenden Themen sind immer noch biblische und evangelische Geschichten, die einfache menschliche Eigenschaften offenbaren: mütterliche und eheliche Liebe, Leiden, Barmherzigkeit, Güte. Ein Beispiel ist das Gemälde „Die Heilige Familie und die Engel“ (1645, Eremitage, St. Petersburg), das von solch erstaunlicher Zärtlichkeit und Liebe durchdrungen ist, in dem das Göttliche und das Irdische miteinander verwoben sind.

Die Jungfrau Maria, die das Buch las, wird unterbrochen, um den Umschlag des Babys zu glätten und es vor einem extrem hellen Licht zu schützen. Die Geste der Muttergottes ist erfüllt von endloser Liebe und Fürsorge. Jesus schläft süß, sein Gesicht ist wie immer von göttlichem Glanz erleuchtet. Im Hintergrund des Bildes ist Marys Ehemann. Diese Episode aus dem Leben einer jungen Familie mag banal erscheinen, wenn nicht die Engel am Himmel schweben.

Rembandt schuf 1647 ein dramatisches Bild mit einer ausgeprägten Erotik „Susanna und die Alten“ (Landesmuseum, Berlin). Susanna geht zum Pool in ihrem Garten, plötzlich kommen zwei alte Männer aus dem Tierheim und überreden das Mädchen, sich ein Bett mit ihnen zu teilen. Sie drohen Susanna, dass dies sonst ein falsches Zeugnis wäre, dass Susanna Ehebruch mit einem anderen Mann begangen hatte. Das Mädchen lehnt kategorisch ab. Erschrocken versucht sie, ihre Nacktheit mit einem Schleier zu bedecken, aber einer der Bösewichte bricht ihn und überredet sie weiterhin hartnäckig. Die roten Schuhe, die Susanna in der Nähe des Pools hinterlassen hat, sind offensichtlich ein Symbol für die Erotik der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts.

Ein weiteres Stück der biblischen Geschichte ist das Gemälde „Dinner at Emmaus“ (Louvre-Museum, Paris), das der Meister 1648 schrieb. Die Handlung des Bildes ist klassisch gewählt - die Begegnung des auferstandenen Christus mit den Jüngern. In Rembrandts Version hat die Leinwand jedoch eine tiefe psychologische Bedeutung. Jesus sitzt in der Mitte des Tisches in einer Taverne, die in warmes Licht getaucht ist. Sein Blick ist ruhig und konzentriert. Wir sehen die Gesichter der Apostel, die Christus begleiten, praktisch nicht - einer von ihnen wird mir den Rücken kehren, der zweite wird praktisch nicht unterschieden. Aber der Künstler malt das Gesicht des Kellners im Detail - ein junger Mann, der den Gästen eine Mahlzeit serviert. Der Junge ist sanftmütig, in all seiner Posenpflege und Ehrfurcht vor dem lieben Gast. Deshalb betont der Künstler, dass für einen zufälligen Menschen die Begegnung mit Christus viel wichtiger ist als für diejenigen, die ihn in seinem Leben kannten, weil der Herr seine Anhänger aus jedem Menschen auswählt.

Die bedingungslose Liebe der Menschheit ist auch mit dem Werk „Christus heilt die Reichen“ (1649, Sammlung von J. de Bruyne) gesättigt, das einen zweiten Titel trägt - „Ein Blatt mit hundert Gulden“. Hier sehen wir Christus in einem verlassenen Raum stehen und in der Dämmerung ertrinken. Er ist von vielen Außenseitern umgeben - alten Menschen, Kindern, Bettlern, Krüppeln. Die leicht schattierten Gesichter der Helden spiegeln Schmerz, Zweifel, Not und Glauben wider. Der Meister übertrug das Spiel von Licht und Schatten perfekt. Radierung war beliebt, es wurde die Information erhalten, dass die Drucke zu einem sehr guten Preis verkauft wurden.

Im Jahr 1653 schuf Rembrandt auf Befehl des wohlhabenden Sammlers A. Ruffo das Gemälde "Aristoteles vor der Büste von Homer" (Metropolitan Museum of Art, New York). Das Gemälde hob sich deutlich vom allgemeinen Hintergrund der Bildkunst in Holland ab. Künstler dieser Zeit schrieben in Übereinstimmung mit der Mode in hellen Farben, leichten, glatten, glatten, fast transparenten Strichen. Daher wurde die Arbeit des Meisters, der satte Farben, satte Texturen und Farbkontraste liebte, von der Öffentlichkeit schlecht wahrgenommen. Da der Maler seinen individuellen Stil nicht ändern wollte und weder Unterstützung noch Nachfrage verloren hatte, lebte er am Rande des Ruins.

Neben dem kreativen Mangel an Nachfrage hatte Rembrandt viele Probleme in seinem persönlichen Leben. Nach dem Tod seiner Frau interessierte sich der Künstler für die Kinderpflegerin seines kleinen Sohnes Titus - Gertieu Dirks, diese Beziehung endete in einem großen Skandal, nach dem Gertieu das Haus des Malers für immer verließ.

Nach einer Weile war Rembrandt wieder im Zentrum der öffentlichen Empörung. 1649 interessierte sich der Künstler für den 25-jährigen Diener Hendrikie Stoffels, der in seinem Haus lebte. Der Maler hatte es nicht eilig, ihre Beziehung zu legitimieren, um nicht das Recht zu verlieren, über das Erbe der verstorbenen Frau zu verfügen, das er für den Sohn des Titus retten wollte.Als Reaktion darauf hat der Gemeinderat von Amsterdam Hendrickier von der Abendkommunion ausgeschlossen und ein Ende der beschämenden außerehelichen Affäre gefordert. Aber die Frau ließ Rembrandt nicht im Stich und gebar ihm sogar eine Tochter, Cornelia.

Der Künstler widmete seinem neuen Liebhaber mehrere seiner Leinwände, darunter „Porträt von Hendrikyo Stoffels“ und „Junge Frau badet im Bach“.

Auf dem Gemälde „Eine junge Frau, die in einem Bach badet“ (1654, National Gallery, London) ist die Heldin in einem leichten Kleid abgebildet, das frei von ihren Schultern fällt. Vorsichtig betritt sie den Fluss und hebt den Saum ihres Kleides über die Knie. Die freiliegenden Körperteile wurden mit großem Geschick bemalt. Ein leises Lächeln voller Zärtlichkeit spielt auf dem Gesicht der jungen Frau. Hendrikyo sieht aus, als ahne er nicht, dass er in diesem Moment ein Vorbild für seinen eigenen Ehepartner ist. Sie ist nicht angespannt, aber sie ist nicht überrascht. Gesichtszüge sind ruhig und entspannt.

Im selben Jahr 1654 malte Rembrandt das Gemälde „Bathsheba mit einem Brief von König David“ (Louvre-Museum, Paris), das als eines der schönsten Gemälde des Künstlers gilt. Die Arbeit basiert auf einer Handlung aus dem Alten Testament, die erzählt, wie einst der Herrscher von Israel, David, ein badendes Mädchen vom Dach seines Palastes aus sah: „Und er sah eine nackte Frau vom Dach aus; und diese Frau war ungewöhnlich schön. Und David schickte, um herauszufinden, wer diese Frau ist? Und sie antworteten ihm: Das ist Bathseba, die Tochter Eliams, der Gattin von Urni Hepyanin. Und David sandte Diener, um sie zu nehmen… “(Zweites Buch der Königreiche). Die von Rembrandt gewählte Handlung erzählt die Geschichte eines Blutverbrechens, Ehebruchs und göttlichen Zorns. Bathseba erhielt einen Brief von David, den sie in der Hand hält, um die zukünftige Schuld (die widersprüchliche Natur des Menschen) vorwegzunehmen.Der schöne Körper der Heldin ist buchstäblich gesättigt, lichtdurchflutet, in der Komposition und koloristischen Entscheidung der Leinwand ist die Unvermeidlichkeit des Schicksals zu spüren.

Nachdem der Künstler keine Bestellungen mehr eingegangen war und fast alle Studenten verloren hatte, begann er, wie in seiner Jugend, viele seiner Verwandten, Nachbarn und Bekannten zu schreiben. In dieser Zeit entstanden viele Leinwände für ältere Menschen, die genügend Zeit für stundenlanges Posieren hatten.

Eines dieser Werke ist das Porträt eines alten Mannes in Rot (1652, Eremitage, St. Petersburg). Das Alter in der Interpretation von Rembrandt ist keineswegs ein Verfall des Lebens, sondern eine würdige Schlussfolgerung. Die Erscheinung des Helden, dessen Gesicht mit zahlreichen Falten bedeckt ist, zeugt von Weisheit und reicher Erfahrung. Alle Ereignisse im Leben hinterlassen Spuren: Einige sind Wunden am Herzen, andere sind Falten im Gesicht. Die ruhigen Augen des alten Mannes reflektieren die ewige Erinnerung an alles, was er in seinem Leben sah, was er erlebte, worüber er trauerte und worüber er sich freute. Und große schwielige Hände zeugen davon, wie viel er getan hat, bevor er gegangen ist.

Das im selben Jahr gemalte Gemälde „Porträt einer älteren Frau“ (Eremitage St. Petersburg) zeigt eine Heldin, die demütig die Hände im Schoß gefaltet hat. Ihr Blick zeigt Müdigkeit von alltäglichen Sorgen.

Rembrandt arbeitete gern nachdenklich, geduldig und gewissenhaft, verbrachte manchmal zwei bis drei Monate mit seiner Arbeit, gestaltete sie endlos um und trug immer wieder dichte, pigmentreiche Farben auf. Rembrandt rieb die Farbe in den Boden, erreichte die Wirkung des Weltraums und formte die Gesichter und Hände der Helden aus einer ziemlich dicken, bunten Masse. Einer der Biographen des Künstlers, Arnold Houbraken, schrieb: "Einige seiner Figuren könnten buchstäblich" von der Nase genommen "werden - die Farben waren so dicht aufgetragen."

1656 wurde Rembrandt für bankrott erklärt, und zwei Jahre später wurde sein Haus wie sein gesamtes Eigentum für nichts verkauft. 1660 musste sich der Maler in einem Viertel armer Künstler am äußersten Stadtrand von Amsterdam niederlassen. Nur der reife Sohn Titus, der sein eigenes Geschäft mit dem Verkauf von Kunst eröffnete, rettete vor dem Hungertod. Rembrandt und seine neue Frau halfen ihm so gut sie konnten.

Rembrandts seltene Stillleben gehörten offensichtlich zu Perioden seiner düsteren Meditationen, da praktisch alle das Thema des traurigen Untergangs der Pflanzen- und Tierwelt, in dem der Künstler Assoziationen mit dem menschlichen Leben sah, deutlich zum Ausdruck brachten.

Die Leinwand "Butthed Kadaver eines Kadavers" (1655, Louvre Museum, Paris) ist ein hervorragendes Beispiel für ein solch trauriges Stillleben. Das Bild ist erfüllt von toter Stille; es ist nicht einmal ein Hauch von Leben oder Dynamik darin. In einem leeren Raum hängt ein geschnittener Stierkadaver von der Decke. Vielleicht weidete dieses Tier schon gestern ahnungslos auf einer grünen Wiese, und auch heute wird es unwiederbringlich des Lebens beraubt. Alles Leben auf der Erde hat seine eigene Bezeichnung, die früher oder später kommen wird.

Im gleichen Zeitraum entstand das Gemälde „Der polnische Reiter“ (1655, Sammlung Frick, New York). Die Figur des Reiters sorgte ebenso wie das Bild selbst für große Kontroversen, einschließlich der Urheberschaft des Werkes. Die Kleidung des jungen Mannes, ein mit Fell besetzter Hut und ein Kaftan verleihen ihm eine gewisse Theatralik, die für Rembrandts malerische Art nicht charakteristisch war. Das Kostüm sieht eher aus wie ein orientalisches und hat nichts mit Polnisch zu tun. Woher kommt dann dieser Name? Anscheinend wurde das Werk später von den Polen erworben. Aber es gibt ein „Aber“: 1654 wurde in Amsterdam die Broschüre „Der polnische Reiter“ veröffentlicht, in der eine Sekte verteidigt wurde, an die sich der Künstler nach zahlreichen Aussagen anschloss. Das Pferd ist sehr ungeschickt dargestellt,was in keiner Weise dazu passt, dass Rembrandt selbst das Tier so schreiben könnte.

In der strengen Komposition „Der Segen Jakobs“ (vollständiger Name - „Jakob segnet die Söhne von Joseph Manasse und Ephraim“, 1656, Kunstgalerie, Kassel) wird ein feierliches Ereignis dargeboten - gesegnet vom alten Jakob von Gabeln. Die Leinwand ist im für Rembrandt charakteristischen Stil bemalt - breite, kräftige Pinselstriche, leuchtend satte Farben. Das Bild Jakobs ist voller Größe und Würde. Mit einer leichten Geste erhebt er sich leicht auf dem Bett und berührt den Kopf seiner Enkelin. Beide Kinder ließen vor Zittern am Bett nach. Neben dem Patriarchen ist seine Frau, die die Szene mit Ehrfurcht beobachtet. Die Tagesdecke aus rotem Samt im Vordergrund belebt die Leinwand auf ungewöhnliche Weise und verleiht dem Moment einen Hauch von Feierlichkeit und Bedeutung.

Späte Schaffensperiode

Rembrandt, der sein Haus, seinen Besitz und seine reiche Sammlung an Gemälden der Weltmalerei verloren hatte, schrieb an sein Herzensvolk - seinen Sohn und Hendrikyo - und half und unterstützte ihn in schwierigen Zeiten.

Eines der besten Werke ist das berührende „Porträt des Titussohnes lesend“ (um 1656, Kunsthistorisches Museum, Wien). Vor uns liegt eine lebendige Verkörperung von Jugend, Frische und Begeisterung. Der Junge lebt in seiner Welt der Bücher, Fantasien und erstaunlichen Träume. Funkelnde Sonnenstrahlen huschen über das Gesicht des enthusiastisch lesenden Titus, ein Lächeln spielt auf seinen Lippen. Die Gesichtszüge und roten Locken des Jungen ähneln seiner Mutter Saskia.

Mit viel Sinn für Wärme und Zärtlichkeit schreibt der Künstler „Portrait of Hendrikyo Stoffels“ (um 1656, Landesmuseum, Berlin). Nach dem Untergang konnte der Maler endlich eine legale Ehe mit seiner Geliebten verbinden. Sie heirateten irgendwo in den 1660er Jahren, weil Hendrikyo in zahlreichen Dokumenten, die sich auf diese Zeit beziehen, bereits als die Frau von Rembrandt bezeichnet wird.

Auf dem Porträt steht eine junge, hübsche Frau in häuslicher Kleidung neben der Fensteröffnung. Ihr Blick ist nach vorne gerichtet, vielleicht wartet sie auf eine geliebte Person, die gleich kommt. Die Leinwand spiegelt perfekt den ewigen weiblichen Anteil wider: Erwartungen, Abheben, Verwandte treffen und sich um sie kümmern.

Die Leinwand "Der Evangelist Matthäus und der Engel" (1661, Louvre, Paris) zeigt uns Matthäus in der Interpretation von Rembrandt. Hier tritt er als starker, mutiger Mann mit großer Lebenserfahrung vor uns auf. Jetzt, wo er alt geworden ist, sitzt er an einem Tisch und schreibt das Evangelium nach den Worten eines Engels auf. Die philosophische Botschaft des Autors spiegelt sich deutlich in der Arbeit wider - ein Mensch, der geboren wird, durchquert Qualen, arbeitet, freut sich, leidet, sein Gesicht wird runzlig, sein Körper verblasst und dann kommt der Tod.

Die Art und Weise, wie der Engel sanft und vorsichtig seine Hand auf die Schulter des Ältesten legte, spiegelt den Gedanken des Künstlers wider, wie wichtig es für uns alle im fortgeschrittenen Alter ist, uns als nahe, nahe Person zu fühlen, die sich um uns kümmert.

1660 erhielt Rembrandt schließlich einen neuen Großauftrag von der Amsterdamer Tuchfabrik. Der Künstler schreibt ein wunderbares Gruppenporträt der Ältesten der Tuchwerkstatt, genannt "Sindiki" (Amsterdam, Ricksmuseum). Der Maler, der seine Helden auszeichnet, legt großen Wert auf professionelle Bescheidenheit und Ehrlichkeit. Fünf Syndiker und ein Diener (dessen untergeordnete Rolle auf der Leinwand überhaupt nicht zu spüren ist) schauen den Betrachter mit einem aufmerksamen Blick an. Die Gesichter der Helden drücken Ehrlichkeit, Anstand und Verstand aus.

Der französische Maler, Kunsthistoriker und Schriftsteller Eugene Fromapagen hat Rembrandts Fähigkeit, ungewöhnliche Landschaftskompositionen zu schaffen, perfekt beschrieben: „Sie sind beschäftigt, obwohl sie sich nicht bewegen, reden sie, obwohl sie ihre Lippen nicht bewegen. Niemand wirft auf, jeder lebt. "

Die strengen schwarz-weißen Roben der Helden sind mit goldbraunen Paneelen und einer roten Tischdecke verdünnt. Auf dem Tisch vor ihnen liegt ein offenes Buch - die Ladencharta, die Qualitätsstandards für die Arbeit der Amsterdamer Tuchmacher enthält. Das Buch ist auf Wunsch der Kunden der Leinwand eindeutig in das Porträt eingebunden, jedoch gelang es dem Autor, ein Gefühl von weit hergeholter Handlung, voller Tiefe und Inhalt zu vermeiden.

Dieses Bild als sensationelle Nachtwache sorgte nach den überlieferten Beweisen für viel Diskussion und Debatte. Die Röntgenuntersuchung ergab, dass die Leinwand 1661 und 1662 zwei großen Verbesserungen unterzogen wurde. Die genauen Gründe, warum die Arbeit erneuert wurde, waren uns nicht bekannt.

Das Schicksal des großen Künstlers wurde im Laufe der Jahre trauriger. Die demonstrative Ablehnung der Kreativität, die sich ständig verschlechternde finanzielle Situation und der Tod von zwei der engsten Menschen (Hendrikyo starb 1663 und der Künstler verlor seinen einzigen Sohn Titus 1668) beeinflussten die geistige Verfassung des Künstlers stark. Rembrandt zweifelte jedoch nie an der Loyalität seines eigenen Weges.

Trotz der Gerichtsverfahren, des Verlusts von Verwandten, der Insolvenz, des Rückgangs der Zahl der Studenten und der Bestellungen, einer äußerst schlechten finanziellen Situation, schuf er weiterhin neue Meisterwerke wirklich realistischer Kunst.

Rembrandts spätere Werke sind frei von Bewegung, Lärm und Effekten. Die Handlungen sind ruhig, als ob der Künstler in diesem Moment aus dem Leben der Helden gerissen wäre, die Welt um sie herum erstarrte, alles erstarrte im Vorgriff auf den schicksalhaften Moment. Zu diesen Gemälden gehört das Gemälde „David und Uriah“ (um 1665, Eremitage, St. Petersburg), das einen Mann zeigt, der das Zelt mit einem Buchstaben im Busen verlässt. In dem Brief - das Todesurteil gegen David, der, dies im Voraus wissend, demütig und still in seine Augen schaut.

Die größten Meisterwerke, die vor dem Tod geschaffen wurden

Das Gemälde "Die jüdische Braut" (um 1666, von Ricksmuseum, Amsterdam) gehört zu den größten Meisterwerken des Meisters. Die Leinwand sorgte für große Kontroversen. Einige glaubten, dass das Bild eines der biblischen Ehepaare zeigt: Rebekka und Isaak, Rachel und Jacob oder Ruth und Boas; andere sahen hier den Sohn des Künstlers Titus und seine Braut Magdalena Val Leu, während andere dachten, es sei ein Porträt von Zeitgenossen des Malerdichters Miguel de Barrios und seiner Frau.

Es ist allgemein anerkannt, dass dieses Werk eines der bewegendsten und ungewöhnlichsten Bilder eines Ehepaares ist, unabhängig davon, wer für Rembrandt posiert. Eine andere große Künstlerin, Vincent Van Gogh, beschrieb sie folgendermaßen: "Diese Zärtlichkeit, hinter der der Schmerz lauert, ist unendlich, halboffen, übermenschlich und gleichzeitig so natürlich."

Die Helden des Bildes sind in orangerote und goldgelbe Farben gekleidet und in ein stetiges intensives Licht getaucht, das die helle Flamme ihrer Liebe symbolisiert. Die ganze Haltung eines Mannes, der sich vorsichtig zu seiner Frau beugt, ihre Schulter sanft umarmt und ihre Brust mit der anderen Hand berührt, spricht von endloser Sorgfalt und Zärtlichkeit für seine Frau, Liebe und Bewunderung für sie. Im Gegenzug berührt das Mädchen ängstlich seine Hand mit den Fingerspitzen, sie ist ruhig für ihr Schicksal, das sie ihrem neuen Ehemann anvertraut.

Das zweitgrößte Meisterwerk des Meisters, das am Ende seines Lebens geschrieben wurde, war das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1668, Eremitage, St. Petersburg). Es war ein brillanter Abschluss des kreativen Weges von Rembrandt.

Wenn die „jüdische Braut“ eine Hymne an die irdische, fleischliche Liebe war, dann erzählt dieses Bild von der Liebe höherer Ordnung, voller Reue, Akzeptanz, Vergebung, jener alles verzehrenden Liebe, die nur zwischen einem Elternteil und seinem Kind möglich ist. Die Farbe des Bildes wurde sehr gedämpft gewählt, wobei dunkle Farben vorherrschten. Nur die Umhänge des Vaters, der seinen Sohn umarmt und rechts vom Mann steht, brennen mit Feuer. In der Rolle des verlorenen Sohnes sah sich Rembrandt sein ganzes Leben lang. Auch die Arbeit "Selbstbildnis mit Saskia auf dem Schoß" hieß ursprünglich "Fest des verlorenen Sohnes". Dieser geliebte Künstler des Evangeliums Gleichnisses bildete die Grundlage mehrerer Zeichnungen.

Die Komposition des Bildes ist einfach. Im Vordergrund kniet ein Sohn in der Hoffnung auf Vergebung und beugt den Kopf vor den Füßen seines Vaters. Zwei schauen sich nicht an, reden nicht, sehen ihre Augen nicht, aber gerade in ihren Posen herrscht eine enorme Nähe und Liebe, die nur zwischen zwei Ureinwohnern bestehen kann, die sich unendlich lieben. Der Künstler schreibt die gelöschten Sohlen der alten Schuhe seines Sohnes aus, damit wir verstehen, wie lange er gereist ist, bevor er vor seinem erschöpften Vater auftaucht, der ihn mit seinen gespannten Händen umarmt. Die Gesichter der Hauptfiguren, die die Figuren umgeben, sind ebenfalls ausdrucksstark, sie sind sehr ausdrucksstark und voller Ehrfurcht.

Der größte Künstler, Harmenszoon Van Rijn Rembrandt, der der Welt ein reiches kulturelles Erbe in Form von mehr als sechshundert Gemälden, anderthalbtausend Zeichnungen und dreihundert Radierungen hinterließ, starb am 4. Oktober 1669 in Vergessenheit und Armut. Er ist auf dem Westerkerke-Friedhof in Amsterdam beigesetzt, neben denen, die er zu Lebzeiten am meisten geliebt hat: Saskia, Hendrikyo und Titus.

Alle Wechselfälle des kreativen und persönlichen Lebens des großen Künstlers konnten seinen Geist nicht brechen und seine Leistung untergraben. Wie der Genius der Renaissance, Tizian, schuf Rembrandt fast bis in die letzten Tage seines Lebens Meisterwerke und versuchte, die Essenz des menschlichen Lebens und die Seele des Mannes selbst zu durchdringen, der die Hauptfigur seiner erstaunlichen Gemälde war sein ganzes Leben. Der unschätzbare Beitrag, den Rembrandt zur niederländischen Kunst geleistet hat und der den gewählten kreativen Weg nie verändert hat, hat die nationale und weltweite Kunst wirklich revolutioniert und auf den Weg der kontinuierlichen Evolution gebracht.

Zhuravleva Tatyana