Bartolome Esteban Murillo - Leben und Malerei Automatische übersetzen

Über das Leben des führenden Künstlers des „goldenen Zeitalters“ der spanischen Malerei, der einen unschätzbaren Beitrag zur Kunstgeschichte leistete und Begründer der Malschule von Sevilla wurde, ist nicht allzu viel bekannt. Bartolome Esteban Murillo wurde höchstwahrscheinlich im Dezember 1617 geboren. Es gibt eine Aufzeichnung seiner Taufe, die am 1. Januar 1618 stattfand. Um zu verstehen, unter welchem ​​Einfluss der kreative Stil eines brillanten Künstlers entstanden ist, muss man verstehen Was Sevilla war, wo er zu dieser Zeit geboren wurde.

Sevilla

Sevilla war einer von zwei Häfen in Spanien, die nach dem königlichen Erlass des 16. Jahrhunderts mit Amerika handeln durften. Hierher wurden Perlen, Gold, Silber, Leder sowie Kakao, seltene Vögel, Hin und andere in Spanien beispiellose Waren gebracht. Riesige Werften am Ufer des schiffbaren Flusses Guadalquivir waren ständig beschäftigt, hier bauten sie Schiffe, stellten Segel, Seile und alles Notwendige für die Flotte her. Aus den eingebrachten Rohstoffen schufen die besten Handwerker Sevillas (genauer gesagt die Vororte Triana und Makarene) prächtige Gefäße, Brokatbrokate aus Gold und Stoff, Kleidung für die Geistlichen, fertigten und bemalten massive und schwere Kirchenkerzen. Auf den Terrassen zahlreicher Kirchen drängten sich Almosen, die Armen, die Armen und die Verkrüppelten. Die Zahl der armen Straßenkinder und obdachlosen Landstreicher war enorm. In den Dokumenten des Stadtrats gibt es viele Aufzeichnungen, dass die Armen verhungerten.

Gleichzeitig war Sevilla auch ein wichtiges Zentrum der allmächtigen und wohlhabenden katholischen Kirche. Bereits im 15. Jahrhundert waren die spanischen Geistlichen stolz auf die riesigen Kathedralen, die die größten gotischen Bauwerke Europas darstellten. Die Klöster waren zahlreich und sehr reich, sie besaßen wahre Schätze und verteilten großzügig Aufträge an die besten Künstler. Die prächtigen Kirchenfeste und feierlichen Prozessionen von Sevilla waren im ganzen Land berühmt. Dafür sorgten nicht nur die Geistlichen, sondern auch das Wissen: Die Herzöge von Medina Sidonia, Zunig, Alcalá und viele andere spendeten große Geldsummen für solche Ereignisse und versuchten, ihren Reichtum und Einfluss zu betonen.

Sevilla war also eine Stadt der Gegensätze - Luxus und Armut, Reichtum und Elend. Selbst in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts, als infolge der Wirtschaftskrise Ruine und Verarmung ganz Spanien erfassten, kamen die Schiffe immer noch über den Ozean nach Sevilla, der Puls des Handels schlug jedoch immer noch in allen Gebieten nach von Andalusien gehörte fünf Adelsfamilien. Die Adligen, die so stolz auf die Noblesse des Blutes waren und jede Arbeit als beschämend betrachteten, mit Ausnahme der Militärangelegenheiten, der Kirche oder des Gerichtsdienstes, beteiligten sich zunehmend am Handel. Die Größe Spaniens gehört ebenso der Vergangenheit an wie seine Träume von Weltherrschaft. In der spanischen Kunst tauchten immer weniger heroische Bilder von furchtlosen siegreichen Kriegern und willensstarken Märtyrern auf. Die realistische Kunst verlor allmählich ihre strenge Männlichkeit und Ausdruckskraft. Sie wurden entweder durch übermäßig erhabene oder umgekehrt weiche lyrische Bilder ersetzt, die in den Werken der Meister der beiden Madrider Schulen zu sehen sind, zum Beispiel Juan Kareño de Miranda, Claudio Coelho, Antonio Pereda und Sevilla - Herrera Jünger, Pedro de Moya, Alonso Kano. Der Anspruch prächtiger Ornamente wuchs in der Architektur, und in der Holzskulptur wurden die Statuen oft nicht nur gemalt, sondern mit echten Luxusoutfits versehen.

Beginn des kreativen Weges

In dieser Zeit wurde der zukünftige große Künstler Bartolome Esteban Murillo geboren. Nachdem er seine Eltern früh verloren hatte, wuchs der Junge in der Familie seiner Tante, der Frau des Sevilla-Friseurs Juan Lagares, auf. Nachdem die Verwandten die Vorliebe des Kindes für das Malen entdeckt hatten, gaben sie ihm die Gelegenheit, den Künstler Juan del Castilio zu studieren, der sich durch seine Liebe zu Sevilla-Romanciers und italienischen Künstlern auszeichnete. Doch bald stellte sich heraus, dass Murillo auf sich allein gestellt war, als sein Lehrer nach Cádiz fuhr. Frühe Biographen behaupten, der junge Künstler habe seine Arbeiten auf kleine Leinwandstücke gemalt und diese dann auf der Werft verkauft. Dies scheint wahrscheinlich, da in Sevilla viele Maler für die Werft gearbeitet haben.

Zuverlässige Fakten über das Leben von Murillo gibt es nur sehr wenige. Er verbrachte ungefähr zwei Jahre in Madrid (wahrscheinlich von 1648 bis 1650), wo er Velazquez wirklich treffen und dank ihm die Gemälde großer Meister in den königlichen Sammlungen studieren konnte. Außerdem brachte Murillos Freund Pedro de Moya, der die Werke von Anthony van Dyck bewunderte, Kopien und Zeichnungen aus den Werken dieses Genies der Malerei aus Flandern und England nach Sevilla. Murillo führte hauptsächlich die Befehle der Klöster aus und schuf große Zyklen biblischer und evangelischer Geschichten, Legenden über das Leben der Heiligen. In den Erzählungen „Anbetung der Hirten“, „Das Wunder, fünftausend Menschen mit fünf Broten zufriedenzustellen“, in zahlreichen Szenen, in denen Almosen gegeben und kranke Heilige geheilt werden, porträtierte er liebevoll das arme Sevilla: Bauern, Bettler, Krüppel. Sein ganzes Leben lang schrieb er Genrebilder, in denen er barfuß lebende Kinder der spanischen Armen zeigte, die sich auf den Straßen der Stadt mit Spielen beschäftigten.

In den Werken der frühen Periode von Murillo (40er Jahre des 17. Jahrhunderts) ist der offensichtliche Einfluss von Velazquez, Herrera d. Ä., Zurbaran, Roelas und anderen Meistern der Schule von Sevilla offensichtlich. Der Künstler arbeitet in der dunklen Art von Caravaggisten und belebt seine Leinwände mit nur wenigen Flecken in warmen Farben. Bereits in diesen Jahren beginnt sich der junge Künstler für das Problem der Lichtdurchlässigkeit zu interessieren und unternimmt in seinen Arbeiten schüchterne Versuche, es zu lösen.

Vielleicht hat der junge Murillo das Gemälde „Anbetung der Hirten“ gemalt, das sich jetzt in der Eremitage befindet. Vor der jungen hübschen Madonna, die das Jesuskind sanft ansieht und in einer elenden Krippe liegt, stehen einfache andalusische Bauern, die ihre mageren Geschenke mitgebracht haben. Dies ist ein kniender alter Mann, der schüchtern die Hände hebt und es nicht wagt, das Baby zu berühren, eine spitze, lächelnde alte Frau in einem leichten Schal, ein junger Mann in einem roten Umhang und ein Hirte mit einem charakteristischen Stab. Ihre Figuren sind immer noch ziemlich starr geschrieben und ihre Platzierung ist nicht allzu erfolgreich: Sie werden von einer „Leiter“ übereinander platziert. Die dunkle Farbe der Leinwand auf der linken Seite wird durch das vom Baby ausgehende Licht beleuchtet. Das strahlende Weiß des Blattes und der zarte rosafarbene Körper des Kindes erzeugen eine Illusion von strahlendem Licht, das Madonnas sanftmütiges Gesicht, ihr rötlich schlichtes Kleid beleuchtet und goldene Glanzlichter auf den Rand der rauen Kleidung des knienden alten Mannes wirft.

In den 40er und 50er Jahren schuf Murillo mehr als einmal Genrebilder und setzte damit die etablierte demokratische Tradition der Malschule von Sevilla in der ersten Hälfte des Jahrhunderts fort. Zu diesen Werken zählen "Zigeuner" (Madrid, Prado), "Mädchen mit Blumen und Früchten" (Moskau, Puschkin-Museum), "Mies" (Paris, Louvre) und "Junge mit Hund" (St. Petersburg, Hermitage).

Das Gemälde "Junge mit Hund" wurde Mitte der 50er Jahre gemalt. Wir sehen einen Jungen die Straße entlang gehen. In seiner Hand ist ein Korb. Das liebevoll lächelnde Kind zeigt dem Hund mit einer Handbewegung, dass in seinem Körbchen nichts als ein leerer Tonkrug ist. Die Figur des Kindes wurde in Generationen geschrieben, aber der Künstler schaffte es, ein Gefühl für die Bewegung des Jungen entlang der Straße zu entwickeln, ein klares Verständnis dafür, dass das Baby mit einem vierbeinigen Freund unterwegs spricht. Das Gesicht des Jungen ist so realistisch gemalt, dass es keinen Zweifel daran gibt, dass das Bild aus der Natur stammt und der Künstler dieses Kind gut kannte. Die Figur wird durch weiche glatte Linien umrissen. Wenn man ein schlankes Gesicht beleuchtet, dessen Schönheit sich nicht unterscheidet, spürt man ein Lächeln unter den langen Wimpern leicht abgesenkter Augenlider, durch die der Glanz listiger Augen deutlich sichtbar wird. Der Künstler schreibt Haare, Gesicht, Hände, Kleidung mit einer sehr dünnen Farbschicht und hält lange, schräge Pinselstriche. Die Farbe des Bildes ist langweilig, streng durchdacht und eher grafisch. Die Grautöne des Himmels erhellen sich bis zum Horizont, rechts erhebt sich eine gelbliche Wand mit einem ausdruckslosen hellgrünen Baum. Vor diesem verblassten Hintergrund fallen die dunklen Ärmel der Jacke, das helle Fell des Hundes und der goldene Korb deutlich auf. Wahrscheinlich diente derselbe Junge dem Maler als Vorbild für das Werk „Boy in the Window“ (London, National Gallery), in dem er auch seinen unverwechselbaren Geschmack herausarbeitete und weiterhin mit Licht und Farbe experimentierte.

Erfolg und Anerkennung

Mit der Verbesserung seiner Fähigkeiten verfeinerte Murillo in den 50er Jahren des 17. Jahrhunderts zunehmend die Farbskala von Gold- und Silbertönen, die ihn anzog, und versuchte, einen vom Licht durchdrungenen Luftdunst zu vermitteln. Die Karriere des Meisters gewinnt allmählich an Fahrt. Bereits 1656 erhielt er den Titel des ersten Malers seiner Heimat Sevilla für das große Gemälde „Vision des hl. Antonius von Padua“, das für den Altar der Kathedrale von Sevilla aufgeführt wurde. Alle bewunderten, wie meisterhaft der Lichtstrom ausgeschrieben war, zu dem der Mönch Antonius von Padua seine Arme ausstreckt, der das Jesuskind vom Himmel herabkommen sah.

Zeitgenossen lobten Murillo: Sie nannten ihn „Sevilla Apellen“ und verglichen ihn mit dem großen Maler des antiken Griechenlands und stellten ihn sogar höher als Tizian. Um die Wende der 1950er und 1960er Jahre entstand das Werk „Die Verkündigung“ (St. Petersburg, Hermitage). Darin sehen wir eine noch subtilere Ausarbeitung von Licht und Farbe als auf dem Bild „Junge mit Hund“. Der Engel, der gerade mit der guten Nachricht zu Maria gekommen war, dass sie dazu bestimmt war, die Mutter des Sohnes Gottes zu werden, kniete vor ihr nieder.

Zusammen mit dem Engel schien der Himmel in Form einer leichten Wolke den bescheidenen Raum betreten zu haben, die Umrisse der Wände ausgewaschen und die Säule mit Dunst umhüllt zu haben. Nur ein Tisch mit einem darauf liegenden Buch, ein Blumenstrauß aus Lilien in einer dünnen Glasvase und Platten eines einfachen Bodens sind deutlich zu erkennen. Eine leichte Decke auf Marias Kopf und ihre Schultern verschmelzen mit der Wolke. Die Gesamtfärbung des Bildes ist sehr fein aufgelöst. Der Hauptfarbfleck war ein karminroter Engelsschal mit zarten Farbtönen, der leicht vor dem Hintergrund rauchgrauer Wolken flattern konnte. Die Farbe des Schals passt gut zu den lila-grauen Kleidern des Engels und dem goldgelben Korb auf dem Boden und sogar zu dem weichen blauen Kissen darin. Die zweite Version des Gemäldes befindet sich im Prado-Museum in Madrid, auf dem jedoch ein Teil des Engelsfußes und ein Teil der Blumenvase von den Rändern der Leinwand abgeschnitten sind, was die Komposition der Arbeit erheblich verzerrt.

Der Maler wandte sich als wahrer Sohn seines Landes wiederholt dem Bild der Madonna zu und sang die Schönheit der Frauen von Sevilla. Die Andalusier nannten ihr Land "das Land Marias der Täuferin". Es war die Jungfrau Maria, die die Schirmherrin von Sevilla sowie aller Städte und Dörfer Andalusiens war. Gewöhnliche Leute ehrten sie als Fürsprecherin, komponierten Lieder, Geschichten und Legenden über sie. In der Volksdichtung war Madonna schon immer eine Schönheit mit großen Augen und zarten weißen Händen. Sie wird von Menschen, Bäumen, der Sonne, dem Meer und den Bächen bewundert. In den Werken von Murillo ist Maria auch immer eine großäugige, anmutige, zarte und schlanke Frau, im Gegensatz zu den Werken vieler spanischer Meister, die in Madonna vor allem ihre Mutter sahen, mit bescheidenem Blick auf ihr Kind.

Die berühmtesten Madrillas von Murillo: "Madonna und Kind" (Florenz, Uffizien), "Madonna und Rosenkranz" (Madrid, Prado), "Madonna und Kind", die den zweiten Namen hat - "Madonna und Serviette" (Sevilla, Museum) der Schönen Künste) und „Madonna mit Kind“, auch als „Zigeuner-Madonna“ bekannt (Rom, Corsini-Galerie). All diese bezaubernden Frauen, die den Betrachter anschauen, können auch bewundert und nicht nur zu ihnen gebetet werden. Das bezaubernde Bild des Künstlers findet sich in verschiedenen Szenen: „Unbefleckte Empfängnis“, „Verkündigung“, „Anbetung der Hirten“, „Pause auf der Flucht nach Ägypten“, „Flucht nach Ägypten“, „Heilige Familie“, „Einnahme der Madonna“ to Heaven “und viele andere, die beide im Auftrag der Kirche verfasst und für andere Kunden erstellt wurden.

Die Kompositionen von Murillos Werken, die von der katholischen Kirche in Auftrag gegeben wurden, zeichnen sich durch eine Kombination aus ruhiger Feierlichkeit der religiösen Leinwand mit Genre-Motiven aus, die dem einfachen menschlichen Leben Wärme und Seelenfrieden verleihen. Dies ist die Arbeit "Rest on the Flight in Egypt". Hier sehen wir den ruhigen Traum eines Babys, die fürsorgliche Handbewegung einer Mutter mit einer offenen Handfläche, die ein Kind schützt, Marias ruhiges, sanftes Gesicht, den zuverlässigen Baldachin eines Baumes, unter dem sie sich ausruhte. Joseph steht in der Nähe und hält ein Maultier. Niedliche neugierige Engel, die Angst haben, das Kind zu wecken, stehen in einiger Entfernung und umarmen sich.

Die Arbeit ist überraschend harmonisch: das Verhältnis von Figuren und Landschaft, das sanfte Fließen sanfter Linien, die warmen Farben von Madonnas roten Gewändern, kombiniert mit Josephs dunkelbrauner Kleidung, Bäumen, einem rosafarbenen Kalb und einem transparenten silbernen Dunst von fernen Hügeln. Sorgfältige meisterhafte Ausführung gewöhnlicher Dinge - ordentlich geknotete Knoten, auf Josephs Strohhut geworfen, eine Flasche in einem leeren Kürbis - beweisen uns, wie geschickt Stillleben-Meister Murillo war. Keiner der spanischen Meister wandte sich so oft apokryphen Themen wie Murillo zu. Sie interessierten sich nicht weniger für ihn als für die klassischen Themen der Himmelfahrt der Madonna und der Unbefleckten Empfängnis, von denen viele in Museen auf der ganzen Welt zu finden sind - im Prado, in der Eremitage, im Louvre, in den Museen von Sevilla und privat Sammlungen. Apokryphen sind eine Legende, die die offizielle Kirche in den Texten der vier bestehenden kanonischen Evangelien nicht zulässt: Legenden über die Spiele des kleinen Christus mit seinen Brüdern (Söhnen Josephs); über die Dattelpalme, die während ihrer Reise nach Ägypten auf dem Gebet der Madonna wuchs; ein Angriff auf eine heilige Familie von Tieren und Räubern (Drachen, Wölfe, Löwen und Leoparden); über die Erziehung des Jesusknaben durch Joseph; über Marys Kindheit und viele andere.

Ein Merkmal der Malschule von Sevilla war das Bild der Madonna, die in Begleitung von Engeln in den Himmel flog. Die junge Velazquez malte die Unbefleckte Empfängnis (London, National Gallery) und zeigte ihr ein junges, ziemlich irdisches Mädchen mit einem leicht vollmundigen Gesicht und schüchternen Augen. Wie viele Kunsthistoriker glauben, wurde es von Juana geschrieben, der Tochter des Lehrers von Velazquez - Francisco Pacheco, der später seine Frau wurde. Unten sehen Sie die Gebäude und Straßen von Sevilla. Murillo schuf in der spanischen Malerei ein neues Bild von Maria - eine junge, zerbrechliche, anmutige Sevillanerin, die sich sanft und leicht in den Wolken erhebt. Dies ist die „Unbefleckte Empfängnis“, die in der Eremitage aufbewahrt wird. Eine dichte graue Wolke, auf der kleine Engel fröhlich herumtollen, trägt die darauf stehende Madonna davon. Die Jungfrau Maria steht darauf und beugt ein Knie leicht, anmutig, nur mit der Berührung ihrer Finger, fügt ihre Hände zusammen und hält sanft die geschweifte Kante des Umhangs mit den Ellbogen fest.

Das Himmelfahrtsbild (St. Petersburg, die Eremitage) wurde einige Jahre später gemalt. Das Gesicht des Mädchens ähnelt dem Gesicht von Maria von der Unbefleckten Empfängnis, das der Künstler für das Kapuzinerkloster geschaffen und in Sevilla aufbewahrt hat. Wahrscheinlich wurden beide Gemälde vom Meister nach demselben Modell gemalt. Die Madonna trägt ein langes weißes Kleid an der Taille - ein goldener Gürtel, ein Schal, der über ihre Schultern gehängt ist, wirbelt leicht in der Luft. Ungewöhnlich meisterhaft vermittelt eine sanfte Bewegung nach oben. Dem Betrachter kommt es vor, als stünde er unten und sein Blick folgt allmählich der aufsteigenden Figur. Engel spielen zu Marys Füßen, und einer von ihnen, ein dunkelhäutiger, dunkelhaariger kleiner Junge, versucht, den flatternden Umhang der Jungfrau zu stützen, indem er auf sie zufliegt. Madonnas rechter Arm ist erhoben, ihr Kopf ist leicht geneigt, ihre Augen sind zum Himmel erhoben.

Der Eindruck einer Aufwärtsbewegung entsteht nicht nur durch Komposition. Murillo zeigt diesen Anspruch mit satten Farben und Licht. Ganz unten - völlige Dunkelheit - ist dies ein verlassenes Land. Mit zunehmender Höhe wird der Hintergrund heller, transparenter, die Farben heller, silbriger, die Silhouetten fliegender Engel ertrinken in ihrem Dunst. Am oberen Rand der Leinwand erscheinen wärmere Goldtöne, die in Gelb-, Reh- und Rosatönen schimmern. Der Künstler schreibt wieder mit langen Schrägstrichen, alles ist glatt, weich, die Flügel der Engel sind nur leicht von Weiß berührt. Hell-Dunkel ist transparent, der Übergang der Töne ist unsichtbar und die Konturen der Figuren lösen sich in der Luft auf.

Murillo hat auch eine andere Madonna - die Geliebte eines armen Hauses, die gewöhnliche Frau eines Handwerkers. Im 18. Jahrhundert erwarb die Eremitage das Gemälde "Die Heilige Familie", dessen kleines Format der intimen Interpretation der Handlung entspricht. Der Zimmermann Joseph hatte eine Stunde Ruhe. Er legte den Job beiseite und nahm das Kind in die Arme. Das Gesicht seines Vaters war ruhig und liebevoll. Das Kind zieht die Stifte zu der Mutter, die nähend gegangen ist, um ihren Sohn mitzunehmen. Die Aktion findet wahrscheinlich in einer Werkstatt statt, in der ein grüner Vorhang den Arbeitsbereich vom Gehäuse trennt. Goldenes weiches Licht füllt den gesamten Raum aus. Die farbenfrohe Bandbreite der Arbeit wurde subtil aufgelöst: Josephs gelber Umhang und die graue Farbe seiner Kleidung, Marias rosa Kleid und ein dunkelblauer Umhang auf ihrem Schoß, ein hellgelber Schal, das weiße Leichentuch eines Babys und rosafarbene Schattierungen waren geschickt aufeinander abgestimmt und tief durchdacht. Leichte, fast transparente lange Striche entstehen, wenn der Künstler den Rand des weißen Leichentuchs und die Falten des Vorhangs überragt, während das Korbflechten im Gegenteil mit kurzen Pinselstrichen geschrieben wird. Die einfache Wirtschaftlichkeit eines einfachen Zimmermanns - eine Werkbank mit einem Hobel, einer Säge, die sich gegen den Tisch lehnt, und ein Werkzeugkorb - steht im Vordergrund, aber die goldene Luft des Raumes mildert ihre Umrisse, als ob sie sich in einem himmlischen auflösen würden Dunst.

Im Jahr 1660 wurde Murillo Präsident der von ihm gegründeten Akademie der Künste in Sevilla, einer freien Vereinigung von Künstlern, die aus eigenen Spenden bestanden. Er glaubte, dass der Künstler zuerst die Natur studieren und den Traditionen der Kunst folgen sollte, die zu Hause akzeptiert wurden, und die Antike imitieren sollte. Seine Werke unterschieden sich von den Werken der Bologna-Akademie ausschließlich durch Genre-Motive, Interesse an spanischen Volkstypen und die Entwicklung von Hell-Dunkel- und Farbproblemen.

Der Beschützer der Sevilla-Akademie war der Marquis von Villamanrique, für den der Künstler in den 1665-1670er Jahren eine Reihe von Gemälden zu Szenen aus dem Leben Jakobs aufführte. Darunter befinden sich die Werke „Die Leiter Jakobs“ und „Der Segen Jakobs Isaaks“ (beide in der Eremitage, St. Petersburg). Dies sind riesige dekorative Werke, die den Palast schmücken sollen. In beiden Leinwänden ist die biblische Handlung wie in den Hintergrund gerückt. Im Gemälde „Der Segen Jakobs Isaaks“ wird der Szene mit Beteiligung der Hauptfiguren ein viel kleinerer Platz eingeräumt als dem Rest der Landschaft mit Figuren. Der Bogen des Hauses, in dessen Tiefe wir auf dem Bett eines sitzenden blinden alten Mannes Isaac sehen, ist auf der rechten Seite gezeigt. Neben ihm ist seine Frau Rebekka, und sein Jacob kniet am Bett seines Vaters. Dies ist eine Geschichte darüber, wie ein sterbender Isaac Esau, seinen ältesten Sohn, segnen wollte, auf den er die Führung in der Familie übertragen wollte. Rebekka benutzte die Blindheit ihres Mannes und brachte ihren jüngsten Sohn, seinen Liebling Jacob, zu ihm. Alle Charaktere sind sehr charakteristisch für Murillo. Isaac ist ein ruhiger und liebenswürdiger alter Mann, Rebekah ist eine dünne alte Frau mit eingefallenen Wangen und einer scharfen Nase. Diese Art von Frauen ist häufig in Murillos Gemälden zu finden - dies ist Anna, die Mutter Marias, und alte Bettlerinnen in Almosenszenen und Bäuerinnen in zahlreichen „Anbetung der Hirten“. Und alte Bettlerinnen in Almosenszenen, und Bäuerinnen in zahlreichen "Anbetung der Hirten".und alte Bettler in Szenen des Almosengebens und Bäuerinnen in zahlreichen "Anbetung der Hirten".

Licht und Raum

Die ganze Szene, in der der Vater den Sohn segnet, wird von einem leuchtend roten Vorhang hinter Isaacs Bett hervorgehoben. Ein ungewöhnliches Raumgefühl entsteht durch einen klaren Übergang zwischen der dunklen Kante des Bogens und dem hellen Ton von Isaacs Hemd und Kissen zur leuchtend hellen Hängekante des Vorhangs. Die weitläufige Landschaft, die sich über die Hausmauer hinaus erstreckt, zieht mit über dem Boden schwebenden Gewitterwolken die Blicke auf sich. Weiche Überläufe von Himmeltönen sind unendlich vielfältig - alle Grautöne von rauchig dunkel bis transparent silbrig, in denen die Umrisse fliegender Vögel verloren gehen.

Alle Schattierungen der Himmelsfarben werden perfekt mit den bräunlich-goldenen Tönen der Straße und den Schatten darauf kombiniert. Während des gesamten Werks spürt man die strikte Reihenfolge einer einzelnen kompositorischen Lösung, die die Tiefe des Raums betont. Die Straße, die in die Berge führt, der Baum, der sich in die gleiche Richtung neigt, die Bewegung einer Frau, die unter der Last eines schweren Krugs gebeugt ist, die entfernte Gestalt eines Jägers verstärken den Eindruck von Tiefe. Das Bild ist voller Haushaltselemente - Gefäße im Vordergrund, Taubenschlag, ein Zaun aus alten Brettern, Blumentöpfe auf dem Dach. An einigen Stellen an der Hauswand fällt Gips ab. All dies ist aus dem Leben genommen und zeigt uns das Leben gewöhnlicher Andalusier.

Die Arbeit „Die Treppe Jakobs“ ist dekorativer. Hier hat Murillo die Fabelhaftigkeit und den Reichtum des Traums in großartiger Weise vermittelt. Die biblische Geschichte erzählt, wie Jacob, aus Angst vor der Rache seines Bruders, nach Harran reiste, aber auf dem Weg einschlief und in einem Traum eine Treppe zum Himmel sah, auf der Engel herabstiegen und die Nachricht überbrachten, dass Gott das ganze Land bestimmt hatte gib ihm, auf wessen Erde er schläft. Die Handlung spielt nachts im Licht des Mondes und wirft seine schwachen Strahlen auf den Fluss, den Wasserfall, die verdrehten Stämme und die Äste. Die Gestalt Jakobs in blassen Kleidern ist kaum zu erkennen. Und hier ist der Maler am meisten von der Landschaft und der Schaffung der magischen Realität des Mondlichts, das durch dunkle Wolken erscheint, auf der Leinwand angezogen. Zarte zerbrechliche Engel sind in hellgelbe, rosa und blaue Gewänder gekleidet. Vor dem Hintergrund einer mysteriösen Nachtlandschaft mit einer komplexen Palette von dunklen und aufhellenden Tönen schimmern ihre Flügel und Kleider mit hellen Flecken. Der dunkelgraue Himmel ist mit charakteristischen großen Pinselstrichen gemalt. Die Blätter an den Zweigen mächtiger alter Bäume sind stellenweise leicht von rosa, stellenweise von roten Lockenstrichen berührt, wodurch ein falscher Eindruck von Blumen entsteht.

In der Blütezeit seiner Bildkunst in den 1660-1670er Jahren versuchte Murillo, die Bilder seiner Figuren zu poetisieren, wofür er wiederholt beschuldigt wurde, die Helden seiner Bilder süß und absichtlich schön zu machen. Diese Vorwürfe sind jedoch nicht ganz gerecht. Tatsächlich sind die Kinder, die wir auf den Leinwänden „Johannes der Täufer mit dem Lamm“ (St. Petersburg, die Eremitage), „Der gute Hirte“ (Madrid, Prado) und anderen sehen, noch typisch für Andalusien gesehen in Sevilla und den umliegenden Dörfern. Die demokratische Ausrichtung der Arbeit des Künstlers drückte sich darin aus, dass er die Schönheit der Madonna mit der Schönheit der einfachen Frauen Andalusiens und der Schönheit ihres Sohnes, des kleinen Jesus, mit der Schönheit der Straßenlumpen gleichsetzte.

Auf dem Gemälde „Die Almosen von Foma Villanueva“ (Sevilla, Museum der Schönen Künste) sehen wir beispielsweise einen jungen Einwohner von Sevilla, der das Baby mit einer Hand an die Brust drückt und mit der anderen das ältere halbnackte Baby vorbeiführt die Hand. Die Frau und ihre Kinder unterscheiden sich nicht von der Madonna und dem Jesuskind von den religiösen Gemälden des Künstlers.

Auf dem Gemälde „Johannes der Täufer mit dem Lamm“ ist der kleine John ein hübscher Junge mit großen Augen und großen Locken, der ein flauschiges Lamm an die Brust drückt. Die sanft gemeißelten Beine und Arme des Kindes und seine leicht geschwungene Figur geben ihm Anmut. Der Junge steht im Zentrum der Komposition, in der die Landschaft eine große Rolle spielt, und erinnert an das Gemälde „Jakobsleiter“. Murillo hat viele solcher Kinderbilder.

Das 1670 gemalte Gemälde "Joseph führt das Baby Christi" (St. Petersburg, Hermitage) wird als Genreszene interpretiert. Ein junger schwarzbärtiger Joseph führt einen lockigen Jungen in einem langen lila Hemd an und spricht mit ihm auf der Straße. Die Stadtlandschaft, die wir dahinter sehen - Sevilla, seine Gebäude und Straßen sind mehr als einmal in den Werken des Meisters zu erkennen. Murillo bezog sich oft auf diese Verschwörung, die in den kanonischen Evangelien nicht enthalten war. Auf der Leinwand "Joseph mit dem Christuskind" (Moskau, Puschkin-Museum) sehen wir, wie Joseph, der Christus umarmt, ihn mit einem blühenden Zweig amüsiert. Murillo malte immer bereitwillig Szenen mit Joseph.

Zwar hatte der Künstler auch andere Kinderbilder - nicht schön und fröhlich, aber verstört, blass, krank und unglücklich. Solche Kinder sind in Leinwänden zum Thema Almosengabe zu sehen. Aber Murillo versuchte, unnötig tragische Szenen zu vermeiden; sie haben nicht allzu gut für ihn geklappt. In der Arbeit „The Crucifixion“ (St. Petersburg, Hermitage) hebt sich der Leib Jesu von einem dunkelgrauen Wolkenhintergrund ab, der Sohn Gottes ist ruhig und schön. Maria, Johannes und Maria Magdalena, die am Fuße des Kreuzes stehen, sind jung und schön.

Die ebenfalls zur Sammlung Hermitage gehörende großformatige Leinwand „Der Tod des Inquisitors Pedro Arbues“ wurde vom Tribunal der Inquisition von Sevilla in Auftrag gegeben. Pedro Arbués de Epila, der Ende des 15. Jahrhunderts lebte, war der Inquisitor von Aragon unter den katholischen Königen Ferdinand und Isabella, die die Inquisition in Spanien gründeten. Aragon genoss damals eine Reihe von Privilegien und Freiheiten. Die harten Statuten der Inquisition, insbesondere die Beschlagnahme des gesamten Eigentums der Verurteilten, führten zu Unruhen unter den aragonesischen Adligen, die letztendlich beschlossen, Arbues zu töten, in der Hoffnung, dass der König Angst haben und ihm keinen Ersatz schicken würde.

Der spanische Adlige Juan de la Abadia führte den Mord an, während der junge Vidal de Uranso und Juan de Esperaindeo, die von der Inquisition hingerichtete Menschen rächen wollten, zu Darstellern wurden. Der Mord fand am 15. September 1485 direkt in der Kathedrale von Saragossa statt. Eines späten Abends, als Arbuez vor dem Altar kniete, stach ihn de Esperaindeo mit einem Schwert in den Arm, und de Uranso warnte, dass der gewaltige und verhasste Inquisitor Kettenhemd unter seiner Kleidung trägt und seinen Kopf mit Rüstung und Stoß schützt ein Dolch in seinen Nacken.

Alle Teilnehmer der Verschwörung wurden gefoltert. Arbuesu wurde ein großes Grab errichtet und später in den Rang eines Heiligen erhoben. Murillo kannte alle Umstände des Mordes und reproduzierte sie genau auf dem Bild, aber trotz der wunderschön gemalten Figuren, des schönen Übergangs des Halbton-Helldunkels in der abgedunkelten Kathedrale, sind die Gesichter der Teilnehmer zu trocken und ausdruckslos, und auch die Körperhaltungen theatralisch.

Arbeit für das Caridad-Krankenhaus

Eine der bekanntesten Gemäldeserien von Murillo war ein Zyklus von elf Werken (1671-1674), der für das Caridad-Krankenhaus in Sevilla aufgeführt wurde. Das Krankenhaus gehörte einer 1578 gegründeten Bruderschaft, die für die Beerdigung von hingerichteten, unbekannten und ertrunkenen Personen geschaffen wurde. Die Bruderschaft gründete eine große Kapelle, die dem heiligen Georg gewidmet war und einen Teil eines großen Raumes auf dem Territorium der Werft in Sevilla einnahm. An derselben Stelle wurde 1664 ein kleines Krankenhaus eingerichtet, dessen Eingang mit einer Inschrift geschmückt war, die mit den Worten endete: "… das Haus der Armen und die Treppe zum Himmel."

Don Miguel Manyara Vicentele de Leka, der zur gleichen Zeit wie Muirlo lebte, baute das alte wieder auf und baute ein neues großes Krankenhaus, in dem er die Kranken behandelte, die Toten begrub und die Hungrigen mit kostenloser Suppe versorgte und bieten andere Formen der Barmherzigkeit. Manyara selbst war jedoch eine sehr interessante Figur, die für seine Zeit charakteristisch war. Als Harke, Lebensbrenner, Teilnehmer an Orgien und Morden fürchtete er einst die Predigten der Geistlichen und bedrohte nicht nur das Leben nach dem Tod mit dem endgültigen Urteil, sondern auch das irdische Gericht der Inquisition. Es gibt eine Legende, nach der Manyara von seiner Beerdigung geträumt hat, nach der er seine Sünden bereute und ihn sogar vererbte, um ihn nicht in der Caridad-Kirche selbst, sondern unter einem Ofen am Eingang zu begraben, damit jeder sein Grab mit seinen Füßen treten würde Füße. Manyara schlug Murillo vor, für das Krankenhaus elf Gemälde zu schreiben, die die Barmherzigkeit verherrlichen. Alle Handlungen wurden der Bibel, dem Evangelium und späteren Heiligenlegenden entnommen. Die bekanntesten Werke dieser Serie waren „Moses Carving Water from the Rock“ (Sevilla, Caridad), „Christ Heals Paralysis“ (London, National Gallery) und „St. Elisabeth, die Königin von Ungarn, behandelt die Kranken “(Madrid, Prado).

Das für Caridad gemalte Gemälde „Die Befreiung des Apostels Petrus aus dem Gefängnis“ (St. Petersburg, Hermitage) zeichnet sich durch eine ungewöhnliche Interpretation der Grenzlösung aus. Der Künstler wollte eine Lichtquelle in einem abgedunkelten Raum am zuverlässigsten darstellen. Strahlendes Strahlen geht von einem Engelskopf aus, der die Wand beleuchtet und sie fast unsichtbar macht, als ob sie von einem Spiel aus Grausilbertönen durchdrungen wäre, die mit rosafarbenen Tönen durchsetzt sind. Links von den Figuren der schlafenden Soldaten ist eine weitere Lichtquelle zu sehen - ein winziges goldenes Kerzenlicht, das die schwarze Silhouette einer Hellebarde, den roten Umhang eines der Soldaten und einen in die Wand geschraubten Eisenring sparsam beleuchtet. Und hier blieb Murillo sich selbst treu: Der abgebildete Gefangene ist ein gutaussehender alter Mann mit einem ruhigen Gesicht, der keine Gefühle ausdrückt.

Zur gleichen Zeit schrieb Caridad für das Krankenhaus einen weiteren Künstler, der ebenfalls aus Sevilla stammte - Juan Valdes Leal, der den Auftrag von Miguel Manyara ausführte. Die Arbeit von Valdes Leal war der Kunst von Murillo diametral entgegengesetzt. Als talentierter Maler, der die Farbe perfekt beherrscht, malt Valdez Leal lieber düstere Gemälde, die von Tragik, Mystik und leidenschaftlicher Dynamik durchdrungen sind. In seinen Werken sehen wir Figuren in einem Anfall von Unruhe, unruhigem Blenden von Licht im Wechsel mit fließenden Schatten, der Kombination von Farben, obwohl elegant, aber übermäßig scharf.

Ein Beispiel sind zwei seiner berühmtesten Gemälde, die für Caridid ​​geschrieben wurden - "Hieroglyphen des Todes" und "Das Ende der irdischen Herrlichkeit". Im ersten Fall stellte er ein Skelett mit einer Sense dar, das über Menschenmengen, Bücher und Waffen lief, die nicht mehr benötigt wurden, und löschte das Feuer einer schwelenden Kerze mit knochigen Fingern. Im zweiten Fall zeigte er ein schreckliches Bild der Verwesung der Leichen eines Ritters und eines Bischofs, mit einer mysteriösen Hand, die eine Waage darüber hält.Typisch für Valdes Leal und das Werk "Portrait of Manyara". Manyara sitzt am Tisch und zeigt mit einer leicht theatralischen Handbewegung auf das Kruzifix. Ein Junge mit einem Buch, gekleidet in dunkle Klosterkleider, ließ sich auf einer niedrigen Bank links nieder. Das blasse Kind legte einen Finger an die Lippen und symbolisierte so ein Gelübde der ewigen Stille und Demut.

Die Unterschiede in der Arbeit der Künstler wurden jedoch nicht nur von ihren Persönlichkeiten und Charakteren bestimmt, sondern auch von der Komplexität der widersprüchlichen Kunst am Ende des "goldenen Zeitalters" der spanischen Kultur. Valdez Leal reflektierte in seiner Arbeit eine aristokratische Reaktion auf den Realismus, die mystische Schrecken des Jenseits beinhaltete. Esteban Murillo liebte auch das Leben in seinen verschiedensten Erscheinungsformen. Seine Arbeit ist mit den besten Traditionen der nationalen spanischen Kunst der Blütezeit verbunden. Er bemühte sich mit aller Kraft um die wahrheitsgemäße Übertragung der Umwelt und war zutiefst aufrichtig bei diesen Bemühungen. Als aufmerksamer Maler bemerkte er die Gegensätze Sevillas - den Reichtum der Kirche und den Adel und die Armut der Menschen. All dies spiegelt sich in seinen Kreationen wider. Zur gleichen Zeit war er der Sohn seiner Zeit,In der Erkenntnis, dass sich die Bedingungen geändert hatten, ersetzten die Poetisierung der Bilder und die Dekorativität der Komposition oft die Tiefe des Inhalts und die Ausdruckskraft, die für alte Meister charakteristisch sind.

Der Künstler starb an einem Unfall. Murillo stürzte beim Bemalen des Kapuzinerklosters in Cadiz aus hohen Wäldern. In schwerer Verfassung wurde er nach Sevilla nach Hause gebracht, wo er im April 1682 an seinen Verletzungen starb.