Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)

Michelangelo Merisi da Caravaggio wurde am 28. September 1571 in einem kleinen Dorf in der Nähe von Bergamo geboren. Sein Name ist in der Geschichte der Weltkunst erhalten geblieben - Caravaggio. Das Geburtsdatum des großen Künstlers wurde erst durch den überlebenden Ausbildungsvertrag bekannt, den die Eltern des zukünftigen Künstlers mit der damals eher bekannten Malerin Simone Peterzano abgeschlossen hatten. Das Dokument von 1584 besagt, dass Michelangelo Merisi zum Zeitpunkt seines Abschlusses 13 Jahre alt war. Peterzano war Schüler des großen Tizian und lebte in Mailand, wo Caravaggios kreative Karriere begann.

Der Beginn des kreativen Weges

Michelangelos Mutter, Lucia Aratori, war die zweite Frau des Architekten und Dekorateurs Fermo Merisi, der zusammen mit Francesco I Sforza diente, der den Titel Marquis da Caravaggio trug. Insgesamt hatte die Familie fünf Kinder. Die ersten Lebensjahre Michelangelos vergingen in Mailand, wo die Familie vor der Pest nach Bergamo floh. Zwar hat die Epidemie den Vater und den Onkel des zukünftigen Künstlers nicht verschont, dessen ganze Familie in der Obhut seiner Mutter blieb, die in großer Not war.

Michelangelo tritt 1584 in die Werkstatt von Simone Peterzano ein und unterschreibt einen Vertrag mit dem Herzog von Colonna, dem Erben des 1583 verstorbenen Marquis da Caravaggio. Die Kolonne, die beschloss, alle Werke des jungen Malers zu kaufen, sobald er eintrat Die Werkstatt von Peterzano wurde sein ganzes Leben lang der treue Patron von Caravaggio.

Das Oberhaupt der katholischen Kirche, die einer der größten Abnehmer von Gemälden war, war Papst Sixtus V., der neue Tendenzen in der Kunst favorisierte, die gerade in der Lombardei aufgetaucht waren. Zu dieser Zeit wurde das Herzogtum Mailand unter spanischer Herrschaft zum Zentrum strenger künstlerischer und religiöser Doktrin. Insbesondere die Kunst Europas und Italiens stand unter der Herrschaft des Manierismus, aber parallel dazu gab es einen Bologna-Römischen Akademismus, der sich auf die Nachahmung der großen venezianischen und römischen Maler beschränkte. In der Lombardei hingegen wandten sich die Künstler vom Manierismus ab und konzentrierten sich auf eine realistische Reflexion des Lebens. Dieser Trend hatte großen Einfluss auf die Gestaltung des kreativen Stils von Michelangelo Merisi.

Leider wissen wir wenig über die Aktivitäten der Mailänder Werkstatt Simone Peterzano in der Zeit, als Caravaggio dort ankam. Giovanni Paolo Lomazzo schrieb im Jahre 1584, dass Peterzano sich über die große Nachfrage freute, die seine Werke stets genoss, "elegant und leicht" machte. Betrachtet man seine Fresken in der Kirche von Garegnano in der Nähe von Mailand oder auf seinen Gemälden wie "Venus" oder "Cupid and Two Satyrs" (Sammlung Corsini, New York), so ist ein deutlicher Einfluss des Manierismus zu erkennen, der sich mit den Gemälden mischt neuer lombardischer Realismus.

In den frühen Werken von Caravaggio ist der Einfluss des Peterzano-Stils deutlich zu erkennen, aber auch die Kontinuität in Bezug auf die Gemälde der großen Meister der Renaissance wie Tizian, Giorgione, Giovanni Bellini oder Leonardo da Vinci. Das Werk der letzteren, nämlich "Madonna in the Rocks", Caravaggio, ist natürlich in der Kirche San Francesco Grande in Mailand zu sehen. Zurück in Bergamo bewunderte der Künstler das Gemälde von Lorenzo Lotto, das sich durch seine besondere emotionale Spannung auszeichnete.

Die Kunsthistorikerin Mina Gregory beweist überzeugend, dass die junge Künstlerin die Werke von Andrea Mantegna sorgfältig studiert hat. Dies zeigt deutlich das einzige von Caravaggio gemalte Fresko, das zweifellos unter dem Einfluss des Malstils dieses großartigen Meisters der Perspektive gemalt wurde. Caravaggio war auch in Mantua, wo er die monumentalen Werke von Giulio Romane untersuchte.

In der Zwischenzeit wurde in Mailand eine echte Schule gegründet, die unter dem Einfluss der malerischen Art der Campi-Brüder stand. Darin entwickelten junge Künstler die Themen ihrer Werke und konzentrierten sich hauptsächlich auf das wirkliche Leben, von dem sie sich inspirieren ließen. Das Gemälde dieser kreativen Gruppe enthielt alle Innovationen der bildenden Kunst jener Zeit.

Um die Wirkung von Helldunkel zu entdecken, wurde Caravaggio möglicherweise von dem Werk des Meisters der Hochrenaissance, Giovanni Girolamo Savoldo, unterstützt, den der junge Maler bewunderte. Dann schuf er ein Porträt der berühmten Künstlerin Sofonisba Anguissola, die den großen Michelangelo in ihrer Jugend kannte. Sofonisba kreierte Genreszenen aus dem Alltag. In einer ihrer Zeichnungen, die aus Kohle und Kreide hergestellt wurden, ist ein Bild ihres kleinen Sohnes zu sehen, dessen Krebs mit einem Finger gebissen wurde. Es war diese Zeichnung, die den jungen Caravaggio zur Handlung seines ersten Gemäldes veranlasste, das er unmittelbar nach seiner Ankunft in Rom malte.

Leider können wir nur hypothetisch über die kreative Gestaltung von Caravaggio sprechen. Nach Ansicht des Kunsthistorikers Berenson war Giorgione für die Entwicklung von Caravaggios Stil von grundlegender Bedeutung. Der Einfluss der lombardischen Schule ist auch deutlich zu lesen. Roberto Longy schreibt: „In Mailand wurde lange Zeit eine Gruppe von Künstlern aus der Lombardei verehrt, die einfache demokratische Kunst schufen. In ihren Gemälden herrschte viel menschliches Gefühl, inneres Licht und überhaupt keine religiöse Ekstase. koloristische Entscheidung, Schwarz-Weiß-Effekte wurden untereinander abgestimmt und mit der Natur verifiziert. Es war eine realistische Kunst, die Natur und Mensch einfach und wahrhaftig darstellen wollte. "

Peterzano, der seinerzeit ein sehr fortschrittlicher Lehrer war, spielte auch eine wichtige Rolle bei der Gestaltung des künstlerischen Stils von Caravaggio. In der Ausbildung konzentrierte er sich auf die Maltechnik, ohne die es unmöglich ist, Spitzenleistungen zu erbringen.

Kaum 18 Jahre alt, zog Caravaggio nach Rom. Er sehnte sich nach selbständiger Arbeit. Die Route seiner Reise ist unbekannt, wir können nur annehmen, dass er auf seinem Weg viele Werke großer Meister gesehen hat. In Rom bietet der Prälat Pandolfo Pucci einem jungen Mann Schutz. Die ersten Werke von Caravaggio haben eine einfache Handlung: „Ein Junge, von einer Eidechse gebissen“ (1594, National Gallery, London), „Ein junger Mann mit einem Obstkorb“ (1593, Borghese Gallery, Rom), „Ein Junge, der putzt eine Birne “(1593).

Das erste Selbstporträt von Caravaggio gilt als Gemälde "Musicians" (1595, Metropolitan Museum of Art, New York), in dem sich der Künstler zusammen mit zwei weiteren jungen Musikern und Cupid im Hintergrund porträtierte. Viele Kunsthistoriker betrachten das Bild von Amur als eine Art homoerotisches Symbol, das auf Caravaggios Vorliebe für Homosexualität hinweist. Bald erkrankt der Maler schwer, erholt sich aber auf wundersame Weise und malt fast sofort das Gemälde „Little Sick Bacchus“ (1953, Galleria Borghese, Rom), das sein zweites Selbstporträt ist.

Caravaggio wird vom mächtigen Kardinal del Monte gesponsert, für den der Künstler eine Reihe von religiösen Gemälden schafft. Im Gemälde "Büßerin Magdalena" (1595-1597, Galerie Doria Pamphili, Rom) sehen wir das erste weibliche Bild, das von der Künstlerin geschaffen wurde. Im gleichen Zeitraum erschafft der Maler seinen zweiten "Bacchus" (1596, Uffizien, Florenz), diesmal voller Gesundheit. Bald provoziert Caravaggio seinen ersten, aber keineswegs den letzten Konflikt mit der Gerechtigkeit.

Aber warum hat sich der junge Künstler für Rom entschieden? Die Biographen von Caravaggio sind sich einig, dass die Wahl der Kulturhauptstadt Italiens und damit der ganzen Welt auf die außergewöhnlichen Ambitionen von Caravaggio zurückzuführen war, der davon träumte, der größte Künstler aller Zeiten zu werden. Liegt es daran, dass er viele Male gegen das Gesetz verstoßen hat, weil er geglaubt hat, dass ihm - mehr als den Menschen um ihn herum - alles erlaubt ist?

Rom blühte damals wirklich auf. Der Bau des Petersdoms, der in jenen Jahren das größte architektonische Bauwerk der Welt war, ist gerade abgeschlossen worden. Es wurden große Basiliken errichtet, wie zum Beispiel San Giovanni Laterano, Santa Maria Maggiore, der Hafen von Ripetta am Tiber eröffnet, der wirklich zum Tor zur Welt wurde. Papst Sixtus V. lud alle talentierten Maler der Halbinsel nach Rom ein, und viele, darunter auch Lombards, folgten diesem Aufruf. All dies sollte der ganzen Welt den Triumph des Christentums vermitteln.

Wie viel über das Leben von Caravaggio wissen wir nicht genau, wann er in Rom ankommt. Vielleicht war es 1591 oder 1592. Es gibt viele Beweise dafür, dass der Künstler unter Papst Clemens VIII. In die Ewige Stadt gekommen ist.

Der junge Künstler, der in Rom ankam, hatte höchstwahrscheinlich mehrere in Mailand gemalte Leinwände dabei. Aber diese Arbeiten mit ihrer realistischen Interpretation der Figuren und Handlungen konnten kaum das Interesse der lokalen Öffentlichkeit wecken, deren Geschmack dann den Manierismus und den Klassizismus bestimmte. Große Liebe in Rom genoss Kopien der Werke von Michelangelo und Raffael. Es ist bezeichnend, dass Maler wie Agnesti, Siolante, Taddeo Zuccaro, Salviate, Rafaelino da Reggio, Césars Nebbia oder Giuseppe Cerzi, die zu dieser Zeit sehr populär waren, nur eine kleine Spur in der Weltkunstgeschichte hinterließen.

Der Kunsthistoriker Callab schreibt: „Junge Künstler, die Ende des 16. Jahrhunderts nach Rom kamen, mussten sich nicht nur auf eine bescheidene Nachahmung von Gemälden alter Meister beschränken, sondern auch ihren Idealismus, ihre künstlerische Schüchternheit und ihre Furcht vor dem Verlassenlassen eine leere Oberfläche Art der Darstellung. In der Malerei begnügten sich diese Künstler nur mit äußerer Ähnlichkeit. "Um irgendwie zu überleben, waren sie gezwungen, sich dem Geschmack der Öffentlichkeit zu unterwerfen und nur das Leben zu dekorieren. Ein Beispiel ist die Arbeit von Annibale Carracci, die aus Bologna nach Rom kam. Er wurde beauftragt, die Galerie in Bologna zu dekorieren Palazzo Farnese: Bereits bei der Umsetzung seines kreativen Plans stieß er auf große Schwierigkeiten und Misstrauen gegenüber Kunden und der Öffentlichkeit.

Das gleiche passierte mit Caravaggio. Er kauerte in den Armenvierteln der Stadt, am selben Ort wie viele andere Einwanderer aus der Lombardei, dieselben arbeitslosen Künstler, Bildhauer und Steinmetze, die versuchten, im Vorgriff auf Befehle zu überleben. Bald gelang es dem Maler, in den Dienst von Lorenzo Siciliano zu treten, in dessen Atelier er seine Landsleute, die Brüder Longo, traf.

In dieser Zeit verbrachten Caravaggio und seine Kameraden ihre Arbeitstage damit, die Landschaft zu erkunden und Spaß zu haben. Vergebens suchten Forscher nach Werken des Künstlers dieser Zeit. Vielleicht schrieb er etwas für sich selbst, aber offensichtlich fanden diese Gemälde keine Käufer.

Und doch lächelte Caravaggio glücklich in der Person eines wohlhabenden Philanthropen, eines Mannes mit feinem künstlerischen Geschmack, aber mit zweifelhaftem Ruf, Prälat des päpstlichen Hofes, Monsignore Pandolfo Pucci. Er war der Bruder eines Kardinals, der sich übrigens auch um den „schüchternen“ Benvenuto Cellini kümmerte.

Der Prälat war fasziniert von der Fingerfertigkeit, dem Talent des jungen Künstlers und seinem unnachgiebigen, explosiven Charakter. Pucci lud Caravaggio in sein Haus ein und sorgte für dessen Existenz. Der Künstler seinerseits musste aus Dankbarkeit für die Freundlichkeit des Prälaten die Arbeit für ihn tun, die besten frommen Kirchengemälde zu kopieren. Monsignore Pucci schickte alle seine Werke zum Kapuzinerkloster in Recanati, in dem er einst geboren wurde und die ersten Jahre seines Lebens verbrachte. Kein einziges Werk dieser Reihe hat uns erreicht.

Stil und Themen

Mit viel Freizeit und kreativer Freiheit konnte Caravaggio jede Handlung für seine Werke auswählen und lange darüber nachdenken. Jetzt wissen wir mit Sicherheit, dass das Gemälde des Künstlers „Ein Junge von einer Eidechse gebissen“ (um 1954, National Gallery, London und, zweite Option, Longy Foundation in Florenz) während seines Aufenthalts bei Monsignore Pucci entstanden ist. Das Bild war eine Art Erinnerung an die bekannte Kohlezeichnung von Sofonisba Anguissola. Der junge Mann auf der Leinwand ist in dem Moment dargestellt, als die Eidechse ihn beißt und er seine Hand ängstlich wegzieht. Zum ersten Mal in der Malerei wurde ein Moment der Bewegung aufgenommen und festgehalten.

Laut Berenson besteht in dieser Arbeit von Caravaggio ein "universelles Bedürfnis nach Innovation", der Wunsch, Konventionen zu zerstören. Vielleicht verbirgt sich hier auch eine Allegorie: Die bloßen Schultern des Jungen und eine Blume hinter dem Ohr zeigen, dass der junge Mann der römischen Unterschicht angehört - der Welt der Prostituierten und Diebe, die Caravaggio mit körperlichen Schmerzen und dem Leiden in Verbindung brachte, das die Liebe unbedingt begleitet. Während der gesamten Karriere des Künstlers waren die Bilder von körperlichem Leiden untrennbar mit geistigem und seelischem Leiden verbunden.

Caravaggio schrieb auch seinen berühmten "Lautenspieler" während seines Aufenthalts bei Pucci. Jetzt ist das Bild in der Eremitage in St. Petersburg. Das Bild eines Musikers ist sehr typisch für die vom Künstler gewählten Modelle. Es gibt eine andere Version der Leinwand, die im Metropolitan Museum of Art in New York aufbewahrt wird. Darauf sehen wir den gleichen spielenden Jungen, aber wir sehen keine Blumen oder Früchte neben ihm.

Es ist erstaunlich, mit welcher Gründlichkeit der Künstler Musikinstrumente schreibt. Das verträumte Gesicht des Lautenspielers, die Trägheit in seinem Blick, lässt darauf schließen, dass der junge Mann in der Vorstellung in seine tiefe innere Welt entführt wird. Sie können eine faszinierende Inschrift auf der Partitur im Bild der Eremitage lesen: "Voi sapete chio vato" ("Du weißt, dass ich dich liebe"). Ich frage mich, wer diese Anerkennung geschickt hat? Im Bild „Musiker“ zeigt der Vordergrund dem Publikum auch eine entfaltete Partitur, die von einem halbnackten Sänger gehalten wird. Aber hier die von seiner Hand gemachte Inschrift, die bisher niemand lesen konnte.

Die Tatsache, dass alle Werke dieser Zeit, Caravaggio, nur von jungen Männern inspiriert wurden (weibliche Bilder fehlen), legt auch die unkonventionelle Ausrichtung des Künstlers nahe. Das erste weibliche Bild in seiner Arbeit war das Gemälde "Büßer Magdalena", das um 1596 gemalt wurde.

Es ist nicht bekannt, warum Caravaggio das Haus von Monsignore Pucci verlassen hat. Vielleicht hatte der Prälat eine sehr schwere Veranlagung. Der Künstler erscheint wieder auf den römischen Straßen, ohne Lebensunterhalt. Glücklicherweise hat der alte Freund des Malers, der mit ihm in der Werkstatt von Lorenzo Siciliano zusammengearbeitet hat - der Künstler Antiveduto Gramatica - den Obdachlosen und verarmten Caravaggio beschützt. Die Grammatik hatte in der Öffentlichkeit einige Erfolge, so dass sie regelmäßig bestellt wurde.

Aber das Unglück verfolgte den armen Caravaggio. Er erkrankte an römischem Fieber, das auf der ganzen Halbinsel grassierte. Ein Freund des Künstlers Longo brachte ihn in das Klosterkrankenhaus von Santa Maria della Consolation, wo sie diejenigen mitbrachten, die nicht die Mittel hatten, um die Behandlung zu bezahlen. Dort wurde Caravaggio in den Keller gestellt, der als Todeszelle galt.

Zufällig fiel der Künstler dem früheren Spanier Senor Conteras auf, einem guten Freund von Monsignore Pucci, der vorbeiging und Caravaggio erkannte. Conteras bat darum, den todkranken Maler in ein anderes Zimmer zu verlegen, und befahl, seine Krankenschwestern nicht zu verlassen. Dies allein hat dem Künstler das Leben gerettet.

Aber die Themen Tod und Krankheit, von nun an als fernes Echo der Erfahrung, sind in vielen seiner Gemälde zu sehen, zum Beispiel in Mariä Himmelfahrt. Aus Dankbarkeit für seine Rettung malte Caravaggio für Contares-Gemälde, aber leider haben sie, wie viele seiner anderen Werke, unsere Tage nicht erreicht.

Sechs Monate Krankenhausaufenthalt, Schmerzen und Angst, Begleiterkrankungen haben die Seele des Künstlers tief getroffen. Damals schuf Caravaggio eines seiner berühmtesten Werke, "Sick Bacchus". Die Figur des Bacchus ist spiegelbildlich dargestellt: Ein aufgedunsenes, blasses Gesicht und trübe Augen zeigen den ernsten Zustand des Künstlers nach der Krankheit an. In „Kranker Bacchus“ sehen wir einen Gott, der nicht mehr in der Lage ist, die Freuden des Lebens zu genießen, es zu genießen.

Das Gemälde wurde in der Werkstatt eines der berühmtesten Maler Roms, des Kavaliers Cesare d’Arpino, gemalt, der Caravaggio in seinem Haus unterstellte. Cesare d’Arpino war nicht viel älter als Caravaggio selbst, galt aber bereits als Favorit der High Society und wurde sogar am päpstlichen Hof adoptiert. D’Arpino gehörte zu einer der beliebtesten Kunstvereinigungen in der italienischen Hauptstadt - der Akademie der Rücksichtslosen (zu der auch Dichter wie Batista Laura, der zukünftige Papst Urban XVII und Torquato Tasso gehörten). Aus Dankbarkeit für das Tierheim musste Caravaggio für die Fresken von Cesare d’Arpino Girlanden aus Blättern und Blüten tragen. Bei dieser Gelegenheit wurde sogar ein Vertrag unterzeichnet. Wandbilder von Caravaggio-Zeitgenossen als perfekt anerkannt.

Im Haus von Cesare d’Arpino traf Caravaggio viele der wohlhabenden Philanthropen Roms: Kardinäle, Kaufleute, Botschafter sowie berühmte Künstler, die einen guten Ruf genießen: Van Dyck, Jan Brueghel und möglicherweise Rubens. Unter ihnen war Valentine, die kürzlich die Aufmerksamkeit eines jungen Künstlers aus Frankreich auf sich gezogen hatte. Es wird vermutet, dass Valentin später heimlich aus der Werkstatt von Cesare d’Arpino auszog und mehrere Werke von Caravaggio verkaufte.

Ungefähr zu dieser Zeit schuf der Maler ein weiteres Meisterwerk: "Der junge Mann mit dem Obstkorb", das Papst Paul V. später seinem Neffen Shipione Borghese überreichte. Beide Gemälde (dieses und „Kranker Bacchus“) befanden sich 1607 Jahre in der Werkstatt des Kavaliers Cesare d’Arpino. Dann wurden sie von den Agenten von Papst Paul V. beschlagnahmt, der nach Papst Clemens VIII. Den Thron bestieg, um die Schulden zurückzuzahlen.

Da Caravaggio kein festes Einkommen hatte, wandte er sich an Valentin und riet mir, religiöse Gemälde zu schreiben. In der Tat war die Nachfrage nach Kirchenmalerei enorm. Caravaggio nahm das Angebot an, erhielt Farben und Pinsel, brachte aber nach einer Weile den Agenten mit seinem zweiten „Bacchus“ zu nichtreligiöser Arbeit.

Auf dieser Leinwand sehen wir den alten Gott in Form eines dickhäutigen Jugendlichen, der voller Gesundheit ist und für viele Charaktere des Künstlers charakteristisch ist, die seit Jahrhunderten etwas schwer sind. Der Kopf des Bacchus ist mit einem traditionellen Weinkranz verziert, in seiner Hand steht ein Glas Wein, und auf dem Tisch sehen wir eine halb leere Karaffe. Aber es gibt noch andere Nuancen - leicht verwelkte Blätter in einem Kranz, verdorbene abgestandene Früchte, die einen aufmerksamen Betrachter zum Nachdenken bringen.

Der Biograf Caravaggio Giovanni Ballone wird schreiben: „Bacchus mit mehreren Zweigen von Trauben, die in verschiedenen Farben gemalt sind, wird mit größter Sorgfalt sowie mit einer gewissen Schärfe und Trockenheit der Art und Weise geschrieben; Dieses Gemälde stammt aus der Zeit, als Caravaggio versuchte, von seinem eigenen Geld zu leben und seine Bilder zu verkaufen. "1916 wurde dieses Werk von Roberto Longy wiederentdeckt, der es im Depot der Uffizien entdeckte.

Caravaggios außergewöhnliches Talent wurde mit einer Verzögerung von 300 Jahren gewürdigt. Es ist nicht sicher, ob der Kunde Bacchus akzeptierte oder das Werk nie zum Verkauf angeboten wurde. in jedem Fall konnte seine Implementierung dem Meister nicht helfen, seine materiellen Probleme zu lösen. Valentin, der an Caravaggios enormes künstlerisches Talent glaubte, überredete den Künstler, einen Auftrag zur Ausführung religiöser Werke anzunehmen, aber der Hartnäckige begann trotz allem, an einem neuen Werk zu arbeiten - er schrieb The Fortune Teller.

Auf der Leinwand sehen wir entweder eine Straßenszene oder eine der Folgen des Volkstheaters. Valentine hat Caravaggio für ihre 30 Taler bezahlt! Anschließend wurde das Werk von Fürst Doria-Pamphili an den französischen König Ludwig XIV. Gestiftet und befindet sich derzeit im Louvre.

Eine Röntgenuntersuchung der Arbeit ergab, dass sich unter dem Bild des jungen Wahrsagers ein früheres Bild in der Nähe von Cesare d’Arpino befindet. Vielleicht hat Caravaggio einfach Geld auf Leinwand gespart. Die Vulgarität dieser Szene schockierte die Zeitgenossen der Künstlerin, aber sie war es, die später einen anderen Maler - den Franzosen Georges de Latour - dazu inspirierte, ein Bild mit demselben Namen und derselben Handlung zu schaffen. Nachdem Caravaggio das Geld erhalten hatte, stürzte er sich sofort auf Abenteuer, Kämpfe und Schlägereien, die die päpstliche Polizei zwangen, sein Leben erneut streng zu überwachen.

Was danach geschah? Wie hat Valentine es geschafft, den eigensinnigen Künstler davon zu überzeugen, auf den gerechten Weg zurückzukehren? Wahrscheinlich verwendete er in diesem Kampf mit der rebellischen Gesinnung von Caravaggio den Namen eines der reichsten Kunstsammler dieser Zeit - Kardinal Francesco Maria del Monte. Schließlich willigt der Maler ein, für den Kardinal ein Bild zu einem religiösen Thema zu schreiben, das das erste in seinem Werk wurde.

Richtig, der Künstler stellte seine Bedingung: völlige Freiheit bei der Auswahl eines Themas. Caravaggio weigerte sich sofort, die traditionellen Szenen der Kreuzigung und des Martyriums zu schreiben. Als Objekt für das Bild wählte der Künstler das Thema Ekstase, das sowohl mit seiner bildnerischen Art als auch mit seinem künstlerischen Temperament übereinstimmt. Er beginnt das monumentale Werk Ecstasy des Hl. Franziskus. Caravaggio nimmt die Kreation der Leinwand entschlossen auf und lässt sich im Keller des Hauses Valentine nieder, um diese schwierige Aufgabe für ihn so schnell wie möglich zu erledigen.

Das Werk sollte ein höchst künstlerisches und meisterhaftes Werk sein, das Caravaggio die Türen zu den Sammlungen bedeutender römischer Kunstliebhaber öffnen konnte. Gleichzeitig hätte sie ihn berühmt gemacht und geholfen, bei wohlhabenden und maßgeblichen Menschen Gunst zu erlangen. Moderne Forscher des Künstlers betrachten Ecstasy of St. Francis als das erste reife Werk von Caravaggio.

Das Genie der Innovation

Die Arbeit „Ecstasy of St. Francis“ sorgte für viel Kontroverse und Diskussion. Der Schriftsteller Dominic Fernandez sieht in ihr die Geburt des echten Barocks. Die Handlung des Bildes entfaltet sich vor dem Hintergrund eines Nachtwaldes. Im Hintergrund stellte Caravaggio einfache Hirten dar, die ein Feuer entzündeten. In seinem Licht taucht die Gestalt des schlafenden begleitenden Heiligen, Bruder Leon, deutlich auf. Der heilige Franziskus offenbart Stigmata in einem Zustand mystischer Ekstase.

Niemand vor Caravaggio hat eine Szene religiöser Ekstase wie diese dargestellt: Ein Heiliger liegt in den Armen eines Engels, dessen Bild in Form eines verführerischen jungen Mannes verkörpert ist, der stark an die Lieblingsmodelle des Malers erinnert. Die Gestalt eines Engels schwebt trotz der Flügel dahinter nicht, sondern fällt gleichsam zu Boden. Auf der Suche nach neuen Ausdrucks- und Ausdrucksmitteln erweitert der Künstler das Spiel des Lichts und löst die gesamte Komposition als theatralische Nachstellung, um auf diese Weise nicht nur einen signifikanten künstlerischen Effekt, sondern auch mehr Überzeugungskraft zu erzielen.

Die Ekstase des heiligen Franziskus hat seine Arbeit getan - den Grundstein für Caravaggios Ruhm als religiöser Maler gelegt. Weitere monumentale Werke des Künstlers folgten, darunter die Bekehrung Sauls aus der Kirche Santa Maria del Pololo. Kardinal del Monte, der die Innovationskraft des Malers schätzt, lädt Caravaggio in den Palazzo Madama ein.

Francesco Maria del Monte war der Botschafter des toskanischen Herzogs am Hofe von Pantifex Maximus. Sein Wohnsitz befand sich in der Villa Medici. Der Kardinal war ein sehr gebildeter Mensch: Er sprach Hebräisch, Altgriechisch und andere osteuropäische Sprachen. Er war ein großer Fan von Musik und Malerei, immer offen für neue Ideen. Dank dessen machte Caravaggio einen guten Eindruck auf ihn und der Kardinal gab ihm kreative Freiheit und vollen Inhalt. Caravaggio lebte im Palast von Madama und wurde als Schüler des Kardinals angesehen. Er wurde zu einem gefragten und berühmten Künstler. Sie haben ihn zwar nicht nur bewundert, sondern auch gehasst.

Geschützt vor allen Widrigkeiten, gut versorgt und vielleicht sogar verliebt, begann sich der Künstler an ein ruhiges Leben zu gewöhnen. Was jedoch die Schärfe und Schärfe seiner Bildsprache, die ständig verfeinert wurde, nicht beeinträchtigte. Er war fasziniert von der Suche nach den dramatischsten Szenen, und als Verkörperung seiner Ideen griff er auf eine Fülle von Kontrasten zurück, ein Spiel aus Licht und Schatten, das seinen Gemälden Vitalität und Überzeugungskraft verlieh.

Inzwischen zeichnete sich ein Wandel der Jahrhunderte ab. Der Manierismus als Kunstrichtung verfiel allmählich: Die Renaissance ist Geschichte geworden. Es war die Zeit des Edikts von Nantes, das den Religionskriegen in Europa ein Ende setzte. Frankreich und Italien schlossen ein Bündnis: Heinrich IV. Heiratete Maria Medici. Michelangelo Merisi, der jetzt den Namen Caravaggio annahm, war zu dieser Zeit 25 Jahre alt.

Als Schüler des Kardinals, der die meisten seiner Werke glücklich erworben hat, konnte sich der Künstler der Inspiration völlig hingeben - der „Wut des Augenblicks“. Er begann nicht nur religiöse, sondern auch Genrebilder zu schreiben. Die "Büßerin Magdalena" von Caravaggio ist überraschend echt. Als Vorlage für den Maler diente übrigens ein Model aus der Straße namens Julia. Zwei Jahre später schuf er das Gemälde „Die Zirkulation der Magdalena“, das sich durch ein noch sorgfältigeres Studium aller Details auszeichnet.

Im Haus von Kardinal del Monte schreibt Caravaggio sein berühmtes Stillleben "Fruit Basket". Der über dem Tisch schwebende Korb wirkt ungewöhnlich materiell. Zusammen mit frischen saftigen Früchten füllte der Meister es mit überreifen Früchten und welken Blättern. Diese Leinwand schmückte nie die Sammlung von del Monte, der Kardinal entdeckte sie erst später in der Werkstatt des Gentleman Cesare d’Arpino, dem der Künstler sie selbst als Entschädigung für Schulden schenkte. Später vergaßen sie Caravaggios Stillleben. Bis vor kurzem war der „Obstkorb“ Teil der niederländischen Malschule. Nur die von Longy 1919 durchgeführte wissenschaftliche Studie bestätigte die Urheberschaft von Caravaggio.

Bald verließ der Künstler den Palazzo Madama und zog in das Haus von Kardinal Maffeo Barberini, der einer der Kunden von Valentin war. Von der ständigen Beratung und Anleitung seines Freundes beeinflusst, wendet sich Caravaggio erneut der Entwicklung religiöser Themen zu, ohne das Vertrauen in seine Ideen und Prinzipien zu verlieren. Der Künstler sucht nach dramatischen Situationen in der Geschichte und im Leben, verstärkt sie durch die Theatralik kompositorischer Lösungen mit außergewöhnlichen Kontrasten von Licht und Schatten und verleiht seinen Werken einen völlig neuen Klang.

Die Werke „Taking Christ in Custody“ (National Gallery, Dublin, Irland) und „The Donation of Isaac“ widmen sich Geschichten aus der biblischen Geschichte. Am attraktivsten in "The Donation of Isaac" ist eine hochhumanistische Interpretation des Bildes eines Engels, der Abraham erscheint und einen Dolch über seinen Sohn bringt. Der Engel deutet auf den Widder, der anstelle des Jungen auf den Altar gelegt werden soll.

Im Bild "St. Katharina von Alexandria" zeigt der Künstler im Hintergrund ein erschreckendes Folterrad mit Stahlstacheln. Caravaggio gleicht die Komposition meisterhaft aus, indem er die dunklen und hellen Teile in Beziehung setzt. Das einige Zeit in der Sammlung von del Monte befindliche Werk wurde von seinen Erben an die Familie Barberini verkauft, von der es 1935 in die Sammlung Thyssen-Bornemisza überging.

Das Gemälde "Johannes der Täufer" stammt aus derselben Zeit, dessen Entstehung von den Figuren der nackten Jugendlichen Michelangelos aus der Sixtinischen Kapelle inspiriert wurde. Er schreibt auch eine andere Maria Magdalena, die nach Art der venezianischen Meister aufgeführt wird („Bekehrung der Magdalena“). Auf dieser Leinwand sehen wir neben Magdalen auf einem runden großen Spiegel eine weitere Figur - Marta, die von Caravaggio vorgestellt wird. Das Model für Martha war Filis Melandrone, der mit dem Künstler zusammengearbeitet hat und an St. Catherine schrieb.

Die beharrliche persönliche Bitte des Kardinals und die große Nachfrage nach religiöser Malerei zwangen den Maler, weiter an biblischen Themen zu arbeiten. Alle seine nachfolgenden Werke versetzten der Grundrichtung des europäischen Kunstmanierismus einen schweren Schlag.

Bald beschließt Caravaggio, eine Leinwand über einen der schlimmsten im Alten Testament beschriebenen Momente der jüdischen Geschichte zu schreiben. Er schreibt Judith und Holofernes, wo er den Moment darstellt, als Judith dem assyrischen Tyrannen Holofernes abgeschnitten wurde. Das Model für Judith war auch Filis Melandrone. Zunächst porträtierte die Künstlerin Judith mit nackten Brüsten, musste sie dann aber mit einer Corsage „bedecken“. Ein Stück von der Heldin entfernt wartet auf einen älteren Diener. Sie hält bereitwillig eine Leinenserviette in die Hand, um den Kopf des Opfers darin einzuwickeln. Das Bild der alten Magd wurde von Caravaggio unter dem Eindruck von Leonardo da Vincis „Kopf des alten Mannes“ geschaffen.

Das Gemälde "Erholung auf der Flucht nach Ägypten" demonstriert anschaulich die Akzeptanz und Ablehnung der Traditionen der religiösen Malerei. Das braune Haar der Muttergottes steht im Kontrast zu den hellroten Locken des Jesuskindes. Ein von hinten geschriebener Engel spielt Cello; sein Blick ist auf die Partitur gerichtet, die Joseph hält. Der Künstler porträtierte den Ehemann der Jungfrau Maria als barfuß und grau bärtig, er sitzt auf einer Tasche, daneben sehen wir eine halbtrunkene Flasche Wein. Als Kulisse dient die Landschaft, die die gesamte Komposition umrahmt. Er und das Muster aus Blumen und Blättern stehen den Gemälden von Giorgione stilistisch nahe, aber Caravaggio übertrifft ihn natürlich durch die Stärke seines Talents.

Die Leinwand "Erholung auf dem Weg nach Ägypten" wurde von der Öffentlichkeit mehrdeutig wahrgenommen und erhielt eine Vielzahl von Bewertungen. Der Kardinal erteilte Caravaggio jedoch einen neuen Auftrag, die Decke seiner Residenz zu streichen (derzeit befindet sich dort die Villa der Boncompany Ludovisi). Der Künstler vollendete den Auftrag Mitte der 1590er Jahre. Dieses Fresko ist immer noch das einzige bekannte Werk von Caravaggio auf dem Gebiet der Wandmalerei. Der Maler demonstriert die erstaunliche Fähigkeit, eine Perspektive zu besitzen. Die von ihm im Fresko dargestellten Figuren Jupiters, Neptuns und Plutos zeugen von den außergewöhnlichen Fähigkeiten des 26-jährigen Künstlers. Obwohl das Werk von erleuchteten Kunstkennern sehr positiv aufgenommen wurde, erwartete Valentine mehr vom Künstler. Er hilft Caravaggio, einen Großauftrag für Gemäldeszenen aus dem Leben des Apostels Matthäus der größten römischen Kirche von San Luigi dei Francesi abzuschließen.

Im Rahmen dieses Auftrags schuf der Künstler zwei monumentale Leinwände - "Martyrium des Apostels Matthäus" und "Die Berufung des Apostels Matthäus", die noch heute die Kirche San Luigi dei Francesi schmücken, die sich an der gleichen Stelle befand, an der sie während der Zeit identifiziert wurden Zeit des Künstlers. Sie sind ein lebendiger Beweis für eine neue Etappe in Leben und Werk von Caravaggio.

Dieses malerische Ensemble war das größte, das im Leben des Künstlers aufgeführt wurde. Und das Ergebnis seiner Arbeit war erstaunlich. Die von ihm geschriebenen monumentalen Werke, die auf einem innovativen Blick auf biblische Themen beruhen, lösten sowohl unter Geistlichen als auch unter Kunstkennern leidenschaftliche Debatten aus. Dies ist nicht verwunderlich, da zu Beginn des 17. Jahrhunderts Kirchengemälde und -fresken im Rampenlicht standen und nicht nur bei den Geistlichen, sondern auch bei allen Liebhabern der Malerei großes Interesse hervorriefen, so dass jeder darauf aus war, neue Werke von Malern zu sehen.

Die Geschichte dieses Ordens ist eher ungewöhnlich. Kardinal Matteo Contarelli, der die Kapelle dem himmlischen Schutzpatron Matthäus weihen wollte, lud Maler und Bildhauer ein, die Kirche zu schmücken. Die Arbeiten waren zum Zeitpunkt des Todes des Kardinals noch nicht abgeschlossen, und die Frage ihrer Fertigstellung wurde in zahlreichen Kirchenräten weiter erörtert.Unter den Künstlern, die an der Kapelle von Contarelli beteiligt sind, sind Girolamo Muziano und der Gentleman Cesare d’Arpino zu erwähnen, der die Gewölbe und die Decke der Kirche mit Szenen aus dem Leben des Heiligen bemalt hat. Er wollte alle Wände der Kapelle mit Fresken bemalen, konnte aber aus unbekannten Gründen nicht weiterarbeiten. Die Fertigstellung wurde Caravaggio anvertraut. Der mit dem Künstler geschlossene Vertrag vom 25. Juni 1599 ist erhalten. Ihm zufolge erhielt Caravaggio eine Belohnung von 400 Scudos.

Tatsächlich ist nicht klar, warum die Wahl auf Caravaggio fiel und nicht auf andere, in jenen Jahren berühmtere römische Meister. Vermutlich spielte die Vermittlung der allmächtigen Förderer des Künstlers, Kardinal del Monte und des wohlhabenden genuesischen Philanthropen und Aristokraten Vincenzo Giustiniani, hier eine große Rolle. Natürlich war der Maler von der ihm erwiesenen Ehre geschmeichelt und machte sich sofort an die Arbeit. Hier wurde jedoch ein Problem deutlich: In der Kapelle von Contarelli wurden regelmäßig Messen abgehalten, weshalb es unmöglich war, die für die Schaffung großformatiger Kompositionen erforderlichen Wälder zu errichten. Caravaggio bot seinen Weg aus der Situation an - er entschied sich, großformatige Ölgemälde auf einer Leinwand von 3,40 x 3,24 Metern in Öl zu malen! Keiner seiner Zeitgenossen hat bisher Aufträge dieser Größenordnung ausgeführt. Nach kurzem Nachdenken stimmte der Klerus zu.

Der Maler hat die vertraglichen Fristen nicht eingehalten und seine Arbeiten einige Monate später eingereicht. Pünktlich zu Beginn des Jahres 1600 vollendete er das „Martyrium des Apostels Matthäus“. Caravaggio änderte wiederholt die Komposition der Leinwand auf der Suche nach der erfolgreichsten Lösung. Der Maler schilderte die Szene, die sich im Hof des Königs von Äthiopien abspielte, der die Hinrichtung des hl. Matthäus befahl, der dort das Evangelium predigte. Der Henker hielt sein Schwert bereit und beugte sich bereits über den widerstrebenden Märtyrer, um ihn zu töten. Ein Engel streckt dem Heiligen einen Palmzweig entgegen - das Wahrzeichen des Märtyrertums für den Glauben. In der Ferne steht ein junger Mann mit zartem Gesicht, der unwillkürlich versucht, sich von der schrecklichen Szene zu distanzieren, die sich abspielt. Der flüchtende Junge wendet sich ab, sein Gesicht drückt unbeschreibliches Entsetzen aus.In einer der Figuren der Leinwand kann Caravaggio selbst als Zeuge dieses Verbrechens gesehen werden - ein Mann mittleren Alters mit Bart und einem erschöpften Gesichtsausdruck. Dies ist das dritte Selbstporträt des Künstlers.

Das Gemälde „Martyrium des Apostels Matthäus“ erobert zuallererst mit realistischer Authentizität, emotionalem Reichtum und höchster Überzeugungskraft der Bilder. Hermann Foss schreibt: „Als Caravaggio begann, die von ihm erfundene Beleuchtungsmethode bei der Entwicklung von mehrfigurigen Kompositionen anzuwenden, hatte er das Bedürfnis, die von Zuccaro und Giuseppino verwendeten linear-planaren Bildmittel aufzugeben. Seine Konkurrenten zögerten nicht, kritische Urteile zu fällen. Einer der Theoretiker des römischen Manierismus, der Künstler Zuccaro, sagte: „Viel Lärm aus dem Nichts! Ich sehe hier nichts als eine Kopie des Giorgione-Stils! "

Anerkennung von Talenten

Das einige Monate später in einer Kapelle neben der Komposition „Martyrium“ entstandene Gemälde „Die Berufung des Apostels Matthäus“ gab weiteren Anlass zu Gesprächen. Der Künstler zeigte das Rätsel der Berufung in Form einer Szene aus dem römischen Alltag. Caravaggio verwirklicht seinen mutigen Plan und wählt den Ort einer der römischen Tavernen, in denen normalerweise Spieler zu finden sind. Im Original spielt eine Episode der Evangeliumsgeschichte in einem Raum, der den modernen Gepflogenheiten entspricht. Immerhin geht es um den Hauptsteuereintreiber, den Hauptsteuereintreiber, der die Steuererhebung kontrolliert.

Auf der Leinwand fällt Licht von oben und beleuchtet nur die rechte Seite des Raumes. Das einzige Fenster ist fest geschlossen und erscheint zugemauert. Der Maler stellte eine Situation dar, die für die Aufführung des Sakraments der Bekehrung völlig ungeeignet war, doch hier erscheint Jesus. Als er eintrifft, zeigt er mit der Hand auf den gewählten Steuereintreiber, und diese Geste erinnert ein wenig an die Bewegung der Hand des Gottes der Heerscharen aus dem Fresko "Erschaffung der Welt" von Michelangelo.

Schließlich wird Caravaggio berühmt. Er hat überzeugend bewiesen, dass in der Malerei eine harmonische Verbindung des Göttlichen mit dem Alltäglichen möglich ist. Das Erscheinen Jesu im Steuerbüro, das auf seiner Leinwand zu sehen ist, wirkt nicht blasphemisch. Diese Innovation in der Kirchenmalerei löste zwar endlose Debatten aus. Trotzdem zeigten sich die Testamentsvollstrecker von Kardinal Contarelli zufrieden und wiesen den Künstler sofort an, das zentrale Bild für den Kirchenaltar zu erfüllen. Das Motiv des letzten Bildes wurde im Voraus festgelegt - der Apostel Matthäus und der Engel. Pünktlich präsentierte der Maler das Werk den Kunden, was jedoch abgelehnt wurde, da Caravaggio das Bild des Heiligen mit den charakteristischen Merkmalen eines einfachen Bauern ausstattete, der ihn bärtig, kahl, mit bloßen und schmutzigen Beinen zeigte.

Unter dem Druck des Klerus präsentiert Caravaggio die zweite Fassung des Bildes mit einer völlig anderen Interpretation der Handlung. In der zweiten Version des Werks weigert sich der Maler, die emotionale Nähe zwischen dem Apostel und etwas zu demonstrieren, das ein Engel in sein Ohr flüstert. Das von Caravaggio geschaffene Altarbild des hl. Matthäus ist noch heute in der Kapelle der Kirche San Luigi dei Francesi zu sehen. Das künstlerische Ensemble aus drei monumentalen Leinwänden blieb lange Zeit in der Dunkelheit des Kellers der Contarelli-Kapelle in völliger Vergessenheit, bis er von Roberto Longa "wiederbelebt" wurde. Die erste Ausstellung dieser Werke fand 1922 in einer Ausstellung in Florenz statt.

Diese sensationellen Gemälde brachten Caravaggio beispiellosen Erfolg. Er erhielt sofort eine neue Bestellung. Jetzt musste der Künstler an einem religiösen Thema für eine andere Kapelle arbeiten, die auf dem schönsten Platz Roms stand - Cherazi in der Kirche Santa Maria del Popolo. Die links vom Altar gelegene Kapelle wurde von der Familie Cherazi für das Familiengrab gekauft.

Es war 1601, Caravaggio hatte endlich Schüler, von denen einer, Giovanni, sogar zu seinem Lehrer zog, im Keller des Palazzo del Monte. Der Künstler vollendete derweil das Gemälde Mariä Himmelfahrt für die Kapelle von Cherubini in der Kirche Santa Maria della Scala in Trastevere, das von den Bettelmönchen der Karmeliter unter direkter Vermittlung von Marquis Giustiniani in Auftrag gegeben wurde.

Die Leinwand "Maria Himmelfahrt" sollte die größte im Altar der Kapelle werden. Die Komposition des Bildes zeigt uns die sterbende Maria. Ihr Zimmer ist arm, die ganze elende Umgebung besteht aus einem hohen Bett, einem Stuhl und einem Waschgefäß. Das Sterbebett ist von einem großen roten Vorhang bedeckt, der direkt vom Deckenbalken hängt. Longy bemerkt: „Das Bild sagt uns, wie der Tod einer Frau von den einfachen Leuten aussieht… Der Schmerz aller, die am Bett stehen, ist beeindruckend und erhält unbegrenzte Einflusskraft dank eines Lichtstrahls, der Schatten bekämpft und fällt von links und beleuchtet die flackernden Flammenfarben von innen. Die Trauer und der Schock der Anwesenden, die durch die Beleuchtung zum Ausdruck gebracht werden, wirken unendlich groß und unerschöpflich. "

Kein Wunder, dass die Karmelitermönche das Bild ablehnten. Es war nicht ohne Gerüchte. Hat die Künstlerin nicht eine Frau von leichter Tugend als Vorbild für die Hauptfigur eingeladen? Caravaggio stellte den Körper der verstorbenen Maria so dar, dass alles auf eine schwere Krankheit hindeutete. Sogar das Vordergrundbild einer Schüssel mit Essigwasser, die dazu bestimmt war, die Toten zu waschen, war selbst Gotteslästerung und alarmierte die Kirche. Es sei daran erinnert, dass ein Jahr zuvor in Rom Giordano Bruno, der den religiösen Dogmatismus ablehnte, auf dem Spiel der Inquisition verbrannt wurde.

Das Produkt Mariä Himmelfahrt fand lange Zeit keinen Käufer, bis der mantuanische Herzog von Vincenzo Gonzaga es auf Anraten von Rubens für seine eigene Sammlung erwarb. Rubens war begeistert von dem Mut und der Kraft von Caravaggios Malerei, seiner Fähigkeit, Licht und Schatten zu übertragen. Die Mariä Himmelfahrt wurde, wie der größte Teil der Sammlung des Herzogs, 1628 an Karl I. in England verkauft. Einige Zeit nach dem Tod des Königs gehörte das Gemälde einem Pariser Bankier, dann erwarb es Ludwig XIV.

In dieser Zeit beginnt Caravaggio erneut, sich mit seinen Freunden aus armen Gegenden zu treffen, und versucht überhaupt nicht, einen einträglichen Vertrag mit der Kirche Santa Maria del Popolo abzuschließen, über den Valentine sehr besorgt ist. Trotzdem stimmt der Maler zu, ein monumentales Gemälde für den reichen Bankier Marquis Giustiniani zu schreiben - „Krönen mit einer Dornenkrone“. Die Originalversion des Bildes, die lange als Kopie galt, wurde erst 1974 identifiziert, sie befindet sich in der Prato Art Gallery.

Zusätzlich zu ihr schreibt die Meisterin für unglaublich kurze Zeit ein weiteres großformatiges Werk - „Die Position im Sarg“, das sich jetzt im Vatikan befindet. In dieser Arbeit zeigten sich überraschend seine außergewöhnliche Vision von Licht und Schatten und sein Talent für die Arbeit mit „wiederbelebten“ Farben. Das Gemälde war Caravaggios einziges Werk zu einem religiösen Thema und wurde von Kunden der Kirche Santa Maria in Vallicella im Namen von Monsignore Vitrici unverzüglich positiv aufgenommen. Später fertigte Rubens eine Kopie dieses Werks an, wobei er die Komposition leicht veränderte.

Bald darauf wurde mit der Kirche Santa Maria del Popolo ein wichtiger Vertrag über 400 Scudos geschlossen, der direkt von Valentine unterstützt wurde. Dieses Geld ermöglichte es Caravaggio, Schulden abzuzahlen und Unabhängigkeit zu erlangen. Ursprünglich sollte der Künstler laut Vertrag paarweise kleinformatige Werke schreiben, die auf Zypressenbrettern ausgeführt wurden. Am Ende malte Caravaggio sie jedoch mit Ölfarben auf Leinwand. Die Pläne wurden von Senor Cherazi vorgeschlagen: "Die Kreuzigung des Apostels Petrus" und "Die Bekehrung von Saul". Wahrscheinlich hat der Maler diesen in jeder Hinsicht klassischen Auftrag begeistert ausgeführt.

Trotzdem lehnte der Klerus die erste Version der vom Künstler geschaffenen Gemälde nachdrücklich ab, wodurch die Entstehung ihrer zweiten Versionen ausgelöst wurde. Die Originalfassung des Gemäldes „Die Kreuzigung des Apostels Petrus“ befindet sich in der Eremitage in St. Petersburg, während die erste Fassung der „Bekehrung Sauls“ verloren geht. Die zweite Version von The Crucifixion war so realistisch und überzeugend, dass die karmelitischen Mönche sie mit Furcht akzeptierten. Caravaggio porträtiert Henker, die versuchen, ein großes Kreuz mit den daran genagelten Heiligen zu errichten. Der Künstler malte den Apostel Peter mit einem Dargestellten, der für ihn für das Gemälde "Rast auf der Flucht nach Ägypten" und Gemälde aus San Luigi Lei Francesi posierte. Die "Kreuzigung des Apostels Petrus" wurde von den Kunden angenommen,obwohl mit etwas Unzufriedenheit.

Das Gemälde „Der Aufruf Sauls“ wurde von den Mönchen zweimal abgelehnt, bevor es in die Kapelle von Cherazi gebracht wurde. Tatsache war, dass eine solche Interpretation der biblischen Handlung, wie im Gemälde „Maria Himmelfahrt“, eine undenkbare Provokation war. Es genügt zu bemerken, dass fast der gesamte Raum der Leinwand für das Bild des Pferdes reserviert ist. Einer der Prälaten der Kirche Santa Maria del Popolo hat diese künstlerische Entscheidung mit Caravaggio selbst hartnäckig bestritten. Ein Diener der Kirche hat dieses Gespräch für die Geschichte aufgezeichnet: „Warum ist das Pferd in der Mitte und liegt der Apostel Saul auf dem Boden?“ - „Also ist es notwendig!“ - „Sollte dieses Pferd Gott ersetzen?“ - „Nein aber es steht im Licht Gottes. “

Berneson bemerkt, dass "… Caravaggio etwas von den Bildhauern unserer Zeit vorwegnimmt…". Roberto Longi glaubt, dass beide Gemälde aus der Kirche Santa Maria del Popolo ein lebendiger Beweis für das künstlerische Genie des Meisters sind. „Caravaggios Experimente auf dem Gebiet der Malerei ermöglichten es ihm schließlich, die Reduzierung tiefer Schatten anzuwenden, und dies verstärkte natürlich die Wirkung seines tragischen und mutigen Realismus… Caravaggio veränderte die traditionelle Ikonographie vollständig. Vielleicht ist dies das revolutionärste Bild in der Geschichte der religiösen Kunst, das dazu beigetragen hat, einen wichtigen Wendepunkt in der kolossalen spirituellen Entwicklung der Gesellschaft zu setzen “, schreibt er. Anthony Blunt ist prägnanter, argumentiert jedoch, dass es dieses Gemälde von Caravaggio war, das Georges de Latour zum Schaffen des Gemäldes "St. Joseph the Carpenter" inspirierte."

Wegen Verspätung bei der Ausführung des Auftrags wurde Caravaggio mit 100 Scudos bestraft. Werke aus Santa Maria sowie Gemälde aus San Luigi gerieten nach und nach in Vergessenheit. Einer der Gründe dafür war die zu hohe Platzierung von Gemälden in den Räumlichkeiten der Kirche. Sowohl die "Bekehrung Sauls" als auch die "Kreuzigung des Apostels Petrus" befanden sich im Halbschatten unter der Decke, so dass es fast unmöglich war, etwas auszumachen. Erst im 20. Jahrhundert fand ihre Wiedergeburt statt.

Der Künstler war sehr kritisch eingestellt. In Empörung und Groll versunken stürzt er sich kopfüber in ein wildes Leben. Seit Monaten hatte Valentine nichts mehr von ihm gehört. Und Caravaggio ging mit einem jungen Bräutigam namens Benedetto und seinem Freund Lionello Spada am Stadtrand von Rom umher. Valentine schaffte es jedoch immer noch, auf seine Spur zu kommen. Nachdem er den Maler aufgesucht hatte, schlug er vor, eine Reihe von Gemälden zu berühmten mythologischen Themen anzufertigen. So entstanden die Bilder „Narzisse“ und „Amor der Sieger“ (1603).

Die zum Verkauf stehenden Leinwände stießen bei Kunsthändlern, die sie für unanständig hielten, auf äußerst feindliche Kritik. Vielleicht war das Modell für die Figur des Amur, die der Maler als sehr irdisches, verspieltes Kind darstellt, der Bräutigam Benedicto. Der kleine Junge, der mit Pfeilen bewaffnet ist, verspottet unverschämt die Symbole der Liebe, der Kunst, der Macht und der Macht. Das Werk hat eine aussagekräftige Inschrift: Amor vinciti omnia ("Liebe erobert alles"). Darüber hinaus gab es Gerüchte, dass Amur der Eroberer als Parodie auf Michelangelos berühmte Siegesstatue im Vecchio-Palast in Florenz geschaffen wurde. Andere sahen darin einen Hinweis auf das Bild des heiligen Bartholomäus aus dem Fresko "Das Jüngste Gericht" der Sixtinischen Kapelle. Natürlich hat Caravaggio das homosexuelle Thema in der Arbeit seines großen Vorgängers offengelegt.

Verdorbener Ruf

Die Zeit von 1602 bis 1606 war nicht nur von Kreativität geprägt, sondern auch von abenteuerlichen Abenteuern, ständigen Auseinandersetzungen mit den Dienern des Gesetzes und der Zahlung zahlloser Geldstrafen. Zum Beispiel wurde ein bestimmter Maler von Girolamo Spampa mit einem Schwert verwundet, um beleidigende Kritiken seiner Werke zu erhalten. Wenig später wurde er beschuldigt, diffamierende Verse über den Maler und seinen zukünftigen Biographen Ballon verfasst und veröffentlicht zu haben. Dies geschah gerade, als der Künstler das Werk Christi Himmelfahrt für die römische Kirche del Gesu vollendete. Dann wurde der Maler für die Komposition der sensationellen Verleumdung (die in Rom nicht vergeben wurde) in das Gefängnis von Torre di Nona geschickt, auch dort, wo es ihm gelang, sich schlecht zu benehmen. Die mit Frechheit, Lügen und Verleumdung angefüllten Äußerungen von Caravaggio trugen in keiner Weise zur Nachsicht der Richter bei.

Ohne die Fürsprache von zwei oder sogar drei Kardinälen und dem Marquis Giustiniani hätte Caravaggio angesichts der zahlreichen früheren Verurteilungen unweigerlich eine lange Haftstrafe erhalten. Aber der Künstler tat Buße, versprach, keine ungebührlichen Taten mehr zu begehen, und bat Ballon sogar um Vergebung, woraufhin er freigelassen wurde. So hatte er die Gelegenheit, die Arbeit "David mit dem Haupt von Goliath" zu beenden. Darin befreite sich der Künstler vom Einfluss des Manierismus und gab eine völlig neue Interpretation von Raum und Licht. Drei Jahre später schrieb Caravaggio eine weitere Version dieser Leinwand. Bald unterzeichnete er einen Vertrag für die Schaffung des monumentalen Werkes "Madonna di Loreto" für die Kapelle von Cavaletti in der römischen Kirche Sant Agostino. Der Künstler machte sich an die Arbeit, aber diese Arbeit brachte ihm kein Glück.Trotz der Warnungen lädt Caravaggio ihn ein, für eine Prostituierte auf der Piazza Navona namens Helen zu posieren.

Der ehemalige Notar Mariano Pascvalone zeigte sich darüber offen empört. Dies oder etwas anderes verursachte einen heftigen Konflikt zwischen dem Maler und dem Notar, der dazu führte, dass der blutige Pascvalone im Hof auftauchte und erklärte, er sei vor dem Palast des spanischen Botschafters vom Künstler Caravaggio zusammengeschlagen worden. Der skandalöse und strafrechtlich geahndete Vorfall zwang Caravaggio, Rom dringend zu verlassen.

Er reist 1604 nach Genua und erhält die Schirmherrschaft des Herzogs Marzio Colonna, der ihn seit seinem Studium in Mailand beschützt. Dort erhält Caravaggio ein Angebot von Fürst Marcantonio Doria, der sich wünschte, der Künstler hätte seine Residenz mit Fresken bemalt. Doch der Maler lehnt einen lukrativen Vertrag ab. In der Galerie des Palazzo Bianchi befindet sich nun Caravaggios Werk „Der Mann“ (Ecce Homo, 1606), das vielleicht genau bei dem Besuch dieses Künstlers in Genua geschrieben wurde. Richtig, das ist nicht bewiesen.

Plötzlich zieht der Notar Mariano Pascvalone seine Klage gegen Caravaggio zurück und der Künstler kehrt nach Rom zurück. Dort beendet er die Madonna di Loreto. Auf diesem unglaublich beliebten Gemälde wird die Jungfrau Maria „im Himmel schweben“ im Altarraum dargestellt. Die Künstlerin beschließt, sie in einer einfachen Bauerngestalt zu präsentieren, als sie zwei barfüßige, schmutzige Pilger mit rührender Sanftmut und Ehrfurcht begegnet. Das Gesicht der Madonna ist von unendlicher Bescheidenheit erfüllt, und das Jesuskind, das sie in den Händen hält, sieht die Ältesten mit einem gemischten Gefühl der Neugier und Angst an. Besonders eindrucksvoll ist die Interpretation der Pilgerbilder in der Arbeit.

Das Bild sorgte wie immer für viele Kontroversen und endlose Diskussionen, in denen der Maler sowohl als neuer Fan als auch als neuer unversöhnlicher Feind auftrat. Die Priester der Kirche von Sant Agostino konnten sich nicht entschließen, das Werk anzunehmen und daher den Vertrag von Caravaggio zu bezahlen. Ein Brief eines Geistlichen ist im Staatsarchiv der Stadt Modena aufbewahrt, in dem er die Probleme des Künstlers mit der Justiz und seinen Prozess in der Justizkurie beschreibt.

Bald darauf ereignete sich ein neuer Vorfall, der die Situation des Malers natürlich nur verschlimmerte. Bei einem lustigen Essen im Albergo del Moro servierte der junge Kellner Caravaggio indiskret und beiläufig, und er warf einen Teller Artischocken hinein. Dies führte zu einer Schlägerei und der Unruhestifter wurde festgenommen. Der Künstler erschien wieder im Hof, den er nur dank seiner Gönner hinterließ. Caravaggio versucht, sich irgendwie zu rehabilitieren und zu rechtfertigen, und bestellt zwei Leinwände: "Der heilige Franziskus mit dem Schädel" und "Der Hieronymus", die für die Kirche der Kapuzinermönche bestimmt sind.

Etwa zur gleichen Zeit entstand das 1945 bei der Bombardierung Berlins zerstörte Werk „Christus im Olivenhain“. Wir können jetzt nur Kopien davon sehen. In den gleichen Jahren datiert Longo „Johannes der Täufer“ aus der Galerie Borghese und eine weitere Version des Gemäldes „Christus in Emmaus“, das sich heute in der Pinacoteca di Brera in Mailand befindet.

Diese Zeit war die fruchtbarste aller Zeiten, in denen Caravaggio in Rom war. In der zweiten Fassung des Gemäldes „Christus in Emmaus“ erlangt der Künstler höchste Meisterschaft in der kompositorischen Konstruktion des Bildes, bei dem die Figuren von fünf biblischen Figuren fast den gesamten Raum der Leinwand ausfüllen.

Die Schirmherrschaft des Herzogs von Colonna trug dazu bei, dass Caravaggios Aufträge immer zahlreicher wurden. Jetzt konnte sein kreatives Genie voll zum Vorschein gebracht werden, und die Auszeichnung des Künstlers ließ nicht lange auf sich warten. Trotz der Bekanntheit des Malers erhielt der Neffe von Kardinal Shipione Borghese von Papst Paul V. die Erlaubnis, Caravaggio mit der Ausführung des Madonnenbildes für den Petersdom zu beauftragen.

Absolut alle römischen Maler dieser Zeit träumten davon, in dieser größten Kathedrale der Welt zu arbeiten. Nach den Bestimmungen des Vertrages war es notwendig, den wichtigsten Altar der Palafrenieri-Kapelle zu schmücken, eine der bedeutendsten Familien Italiens, zu der auch Papst Paul V. gehörte ausgezeichnete Gelegenheit für den Künstler, den beschädigten Ruf vollständig wiederherzustellen und seine Position als einer der besten Maler Roms und ganz Italiens zu etablieren.

Aber wie immer hat Caravaggios Hartnäckigkeit alles ruiniert. Trotz der Ratschläge und Warnungen lädt die Künstlerin erneut das Straßenmodell Helen als Model ein. Er erledigt den Auftrag ungewöhnlich schnell - alle Arbeiten an der Leinwand wurden in nur drei Tagen abgeschlossen und der Öffentlichkeit präsentiert.

Es war ein unbeschreiblicher Zusammenbruch aller Ambitionen und Hoffnungen des Malers. Nie zuvor war Caravaggio in der Lage gewesen, die Evangeliumsgeschichte und die Vitalität der Bilder so realistisch zu interpretieren. Wie zu erwarten war, betrachtete die Mehrheit der Öffentlichkeit das Werk als ungeheuer vulgär. Die Madonna Palafrenieri wurde vom Klerus kategorisch abgelehnt, und die Türen, die dem Künstler den Weg zu Ruhm und Reichtum öffnen konnten, waren für immer geschlossen. "Wir sehen auf diesem Bild nichts anderes als Vulgarität, Sakrilegien, fehlende Göttlichkeit und Schönheit", schrieb einer der Sekretäre des Kardinalsrates. Dann, wie seine Rivalen: der Kavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano und Giovanni Ballone und andere, die aktiv an die Spitze des Ruhmes geklettert sind - die Akademie des Heiligen Lukas selbst, auf dem Weg, die Ehre zu erhalten, einen Ritter ’Am Kreuz verlor Caravaggio für immer die Gelegenheit, von der High Society und der päpstlichen Autorität anerkannt zu werden.

Der Maler wird wieder ernst und gerät bald wieder in das Gefängnis von Torre di Nona. Jetzt sprechen wir über ein schwerwiegenderes Verbrechen. Eine der päpstlichen Wachen wurde tot aufgefunden und beobachtete den Künstler nachts - jemand brach sich mit einem Stein den Kopf. Der Maler versuchte, seine Unschuld zu beweisen: Er versicherte, dass der Stein versehentlich gerade in dem Moment vom Dach fiel, als dieser Mann dort vorbeikam. Aber das Gericht lehnte diese Version ab und Caravaggio wurde eingesperrt.

Der Künstler wurde lange gefesselt und verhört, er wurde sogar zum Prügelstrafen verurteilt. Vielleicht hat dieses Leid Caravaggio dann auf der Leinwand "Flagellation of Christ" reflektiert, die er später in Neapel schreiben wird. Freunde fürchteten um sein Leben und sahen seine Rettung nur im Flug.

Caravaggios Flucht aus dem Gefängnis war ein Erfolg, aber jetzt wurde er von der päpstlichen Polizei auf die schwarze Liste gesetzt. Weder der Künstler selbst noch seine Freunde hatten eine Idee, wie sie die Verfolgung beenden könnten. Am bedauerlichsten ist jedoch, dass der Künstler nicht aus seinen Fehlern lernen wollte.

Im Hafen von Ripetta am Ufer des Tibers nahm Caravaggio seine Abenteuer und Kämpfe wieder auf und versteckte sich regelmäßig im Palazzo Colonna. Während eines Ballspiels auf dem Marsfeld am 29. Mai 1606 beschuldigte der Künstler Ranuccio Tomassoni, seinen Partner getäuscht zu haben. Dies führte zu einem Kampf. Waffen wurden ins Leben gerufen, infolgedessen fiel Tomassoni tot um. Der Maler wurde ebenfalls verwundet, konnte jedoch fliehen.

Nach diesem Skandal wurden seine Freunde festgenommen und er selbst zum Tode verurteilt. Zu diesem Zeitpunkt bedeutete eine solche Verurteilung, dass jeder Strafverfolgungsbeamte die Verurteilung jederzeit und überall nach Feststellung eines Flüchtlings vollstrecken konnte.

Caravaggio schrie um Hilfe für seine Gönner, aber sie waren bereits müde von den endlosen Anfragen des Künstlers, der sich nicht umsichtig verhalten wollte. Schwach und krank musste sich der Maler wieder verstecken. Er wollte Zuflucht in den Ländern der Kolonne oder in Lacy außerhalb der römischen Grenzen suchen.

Mit 35 Jahren betritt der Maler den letzten Lebensabschnitt. Rom versprach ihm jedoch nie Reichtum, sondern stellte ihm die für die Entwicklung seines Genies ausreichenden Existenzmittel zur Verfügung. Caravaggio kehrte nie in die Ewige Stadt zurück. Obwohl er jede Minute auf eine Rückkehr hoffte und sich in einem geheimen Unterschlupf versteckte. Der durch Krankheit, Hass und Lebensgefahr vergiftete Flüchtling beginnt, seine Meisterwerke in einem unglaublichen, „unmenschlichen“ Tempo zu schreiben. Seine neuesten Werke sind voller Leidenschaft, Größe und Kraft.

Balancieren am Rande

Caravaggio, der im Mai 1606 aus Rom geflohen war und den Ruhm eines der besten Maler der Ewigen Stadt hatte, erwartete keine Entschuldigung und zog es daher vor, sich von den päpstlichen Detektiven zu entfernen. Ohne zu zögern begab er sich nach Neapel - eine große, dicht besiedelte Stadt, die buchstäblich von neuen Ideen, künstlerischen Bewegungen und revolutionärem Geist erfüllt war.

Hier erhält der Künstler fast sofort einen Auftrag von einem reichen Ragus-Händler. Caravaggio schafft ein großes Altarbild „Madonna mit dem Rosenkranz“ für den Altar der Dominikanerkirche, der einen zweiten Namen trägt - „Madonna del Rosario“. Diese Leinwand markiert den Beginn einer neuen Etappe seiner Arbeit.

Das fertige Werk löste einen Konflikt zwischen dem Künstler und den Dominikanermönchen aus, die sich in den auf der Leinwand dargestellten Figuren wiedererkannten. Dies widersprach dem traditionellen Konzept der religiösen Malerei. Der Maler verwendet scharfe Hell-Dunkel-Kontraste für eine betont volumetrische, sehr materielle Übertragung von Formen, während die Bildtechniken selbst die Rückkehr des Künstlers zu seinem frühen Schreibstil anzeigen.

Infolgedessen wurde das Gemälde vom Brügger Maler Louis Finsonius gekauft. Er schickte sie nach Antwerpen, wo der Kunstverein, zu dem Rubens, Van Balen und Jan Brueghel gehörten, ihn für 1800 Gulden für die Dominikanische Kathedrale erwarb. Im Jahre 1781 kaufte Joseph II., König von Österreich-Ungarn, es von den Mönchen, nachdem er in völliger Bewunderung gekommen war.

Auch die bald bei Caravaggio eingegangene neue Bestellung wurde vom Kunden nicht geschätzt. Diesmal sollte der Künstler eine Leinwand für die Kirche von Pio Monte della Misericordia schreiben. Der Kunde war der Leiter der Stadtkurie. Der Maler wurde beauftragt, das monumentale Transaltarbild „Sieben Werke der Barmherzigkeit“ zu schaffen.

Der Meister beschließt, sieben im Matthäusevangelium beschriebene Folgen auf einer Leinwand zu kombinieren. Das Gemälde zeichnet sich, wie die Madonna del Rosario, durch einen neapolitanischen Stil aus, der besonders im Charakter der Figuren und in der Komposition ausgesprochen wurde. Arm und Reich, Plebejer und Adlige sind in einer Nachtszene vereint. Eine einfache Frau von den Leuten an der Tür des Gefängnisses stillt den alten Mann: „Ich hatte Hunger und du hast mir etwas zu essen gegeben“ („Matthäusevangelium“). In der Nähe nimmt ein dünner Herr ein Schwert, um ein Stück Stoff von seinem Umhang abzuschneiden und ihn mit einem Bettler zu bedecken. Der Besitzer einer Übernachtung gibt einer durstigen Person einen Drink, und diese verwendet wie Samson einen Eselskiefer anstelle einer Schüssel. Eine andere Figur auf dem Bild begegnet dem abgemagerten Wanderer und opfert ihm seine Reisekleidung.Und der letzte Akt der Barmherzigkeit, der von Caravaggio gefangen genommen wurde, ist die Beerdigung des Verstorbenen. Der Verstorbene wird um die Ecke des Hauses herum ausgeführt, eine Mauer verbirgt einen Teil seines Körpers.

Die Meinungen der Zeitgenossen des Künstlers und der Kritiker unseres Jahrhunderts sind unterschiedlich. Jemand hält das Bild für grotesk, jemand sieht darin den „letzten Blitz“ des Genies von Caravaggio. Eines ist jedoch klar: Es handelt sich um ein ungewöhnlich hochkünstlerisches und meisterhaftes Werk, das Rembrandt, Velazquez und Franz Hals unbestreitbar beeinflusst hat. Ribera lieh Caravaggio direkt die Figuren des Wanderers und des Wirtes des Gasthauses für sein Gemälde „Fünf Sinne“.

Für einen achtmonatigen Aufenthalt in Neapel schuf der Künstler zwei Versionen des Gemäldes „Die Geißelung Christi“, das zur künstlerischen Verkörperung der von Caravaggio in Rom erlebten Folter wurde. Mina Gregory schreibt über die erste Version: "Die Dunkelheit betont die innere Stärke Christi." Der Wissenschaftler Roberto Longi hält diese Arbeit für eine der erstaunlichsten in Caravaggio: "Grausamkeit, Rücksichtslosigkeit, Gräueltaten und unendliche Angst vor Gott stehen in Konflikt miteinander."

Auf beiden Fassungen des Bildes sehen wir die gleichen Gesichter der Peiniger, was den Wachen des Gefängnisses, in dem er inhaftiert war, die persönliche Rache des Künstlers nahe legt. Der verfolgte Kriminelle Caravaggio wurde für mehrere Monate zum fruchtbarsten und berühmtesten Künstler Neapels. Plötzlich verlässt er die