Lineare Perspektive in der Malerei Automatische übersetzen

Der Begriff „Perspektive“ bezieht sich auf den Versuch, auf einer zweidimensionalen Oberfläche, z. B. Papier, ein Bild darzustellen, das Tiefe vermittelt. Die Verwendung der Perspektive verbreitete sich in vollem Umfang während der italienischen Renaissance durch Künstler wie Piero della Francesca (1420-1492).

Definition und Bedeutung der Perspektive

Perspektive – ist ein lineares System der räumlichen Ausrichtung, das die Illusion von Tiefe auf einer zweidimensionalen flachen Oberfläche (oder auf einer flachen dreidimensionalen Oberfläche wie einer Reliefschnitzerei) erzeugt. Es reproduziert die optischen Effekte der Rezession, indem es Raum und Tiefe von einem einzigen Blickpunkt aus organisiert. Dieses oft als „lineare“ Perspektive bezeichnete System (es werden auch die Begriffe geometrische, mathematische oder optische Perspektive verwendet) basiert auf der Art und Weise, wie das menschliche Auge die Welt sieht: (1) näher gelegene Objekte erscheinen größer und weiter entfernte Objekte kleiner; (2) die Größe eines Objekts auf dem Sehstrahl erscheint (in der Perspektive) relativ kürzer als die Größe auf dem Sehstrahl. Die perspektivische Zeichnung wird von gegenständlichen Künstlern verwendet, um natürliche Tiefe und Festigkeit zu erzeugen. Sie ist ein sehr nützliches Werkzeug für die Schaffung realistischer Kunst. Surrealisten oder andere Künstler, für die eine strenge Wiedergabe der natürlichen Welt nicht wichtig oder wünschenswert ist, können jedoch die Regeln der Perspektive völlig verzerren oder ignorieren.

Erläuterung der ästhetischen Probleme, die mit der bildenden Kunst verbunden sind, hier: Definition der Kunst .

Extreme Grenze und Fluchtpunkt

Eine der wichtigsten Verwendungen der Perspektive in der Malerei – um die Position festzulegen, von der aus der Künstler oder der Betrachter die Szene sieht. Dies geschieht durch das Zeichnen einer horizontalen Linie auf der herkömmlichen Bildfläche („Horizontlinie“) und einer vertikalen Linie nach unten („Blickpunkt“). Beide Linien sind völlig imaginär und können zu Konstruktionszwecken über das Bild hinausreichen. Nachdem der Künstler den Punkt festgelegt hat, von dem aus der Betrachter die Szene betrachtet, nimmt er an, dass die parallelen Linien in der Ferne konvergieren und sich schließlich im sogenannten „Fluchtpunkt“ auf der „Horizontlinie“ treffen. Der Künstler zeichnet dann imaginäre konvergierende Linien, um darzustellen, wie Objekte an Größe verlieren, wenn sie sich vom Betrachter wegbewegen.

Arten der linearen Perspektive

In der Malerei gibt es verschiedene Arten der Perspektive, die gängigsten sind die Einpunkt-, Zweipunkt- und Dreipunktperspektive, die nach der Anzahl der konvergierenden Punkte in einer Zeichnung eingeteilt werden. Die Ein-Punkt-Perspektive wird in der Regel für die Darstellung einfacher Ansichten verwendet, z. B. wenn ein Eisenbahngleis direkt vor dem Betrachter in der Ferne verschwindet. Die Zweipunktperspektive wird in der Regel verwendet, um zwei entfernte Ansichten darzustellen, z. B. die einer Person, die in der Ecke eines Gebäudes auf Straßenebene steht, wobei eine Wand (z. B.) nach links und die andere – nach rechts zurücktritt. Die Dreipunktperspektive wird in der Regel für Gebäude verwendet, die von oben oder unten betrachtet werden. Zusätzlich zu den beiden Fluchtpunkten aus unserem letzten Beispiel, einem für jede Wand, gibt es nun einen dritten Fluchtpunkt, der widerspiegelt, wie diese Wände in den Boden oder höher in den Himmel zurückweichen.

Da ein Fluchtpunkt (oder Punkte) per Definition nur existieren kann, wenn es parallele Linien in der Szene gibt, bedeutet das Fehlen solcher Linien, dass das Bild keine Fluchtpunkte hat, also eine Nullpunktperspektive. Dies ist zum Beispiel bei einer natürlichen Szene wie einem Gebirge oder einem Blick auf das Meer der Fall – beide enthalten normalerweise keine parallelen Linien. Eine Null-Punkt-Perspektive kann dennoch ein Gefühl von „Tiefe“ vermitteln: weiter entfernte Berge und weiter entfernte Segelboote haben einen kleineren Maßstab. Das Konzept der „atmosphärischen Perspektive“ – bei dem Staub und Wasserdampf in der Atmosphäre die Sicht auf entfernte Objekte teilweise verdecken – wird ebenfalls verwendet, um die Tiefe dieser natürlichen Szenen darzustellen.

Geschichte der Linearperspektive

Die Techniken der Bildperspektive wurden in der klassischen Antike, etwa im 5. Jahrhundert v. Chr., von dem Athener Maler Agatharchus und anderen als Teil des wachsenden Interesses an illusionistischer Kunst (bekannt als Skenographie) in Theaterkulissen diskutiert. Diese wurden später mit beträchtlichem Erfolg in den illusionistischen Fresken in Pompeji umgesetzt. Der Wert der Perspektive in der Kunst war jedoch nicht nur eine Frage der Ästhetik, sondern auch ein Spiegelbild der Kulturpolitik. Die ägyptische und die byzantinische Kunst – zum Beispiel ignorierten die Perspektive zugunsten einer nicht-naturalistischen Darstellung völlig. So hielten sich die ägyptischen und byzantinischen Künstler an ein hieratisches Schema der grafischen Darstellung, in dem die Größe und Zeichnung der Figuren ihrer relativen Stellung in der Gesellschaft entsprach. In der chinesischen Malerei spielte die Perspektive bis zur Kunstära der Qing Dynastie (1644-1911) eine untergeordnete Rolle.

Die Entwicklung der Perspektive in der Renaissance

Im frühen vierzehnten Jahrhundert führte der große Maler von Fresken der Proto-Renaissance Giotto di Bondone (1267-1337) in seinem Gemälde von 1305 – „Jesus vor Kaiphas“ die lineare Perspektive ein, aber die Umsetzung war widersprüchlich und unzureichend.

In der Tat wurde die Verwendung der Perspektive in der Malerei erst in der Frührenaissance richtig untersucht. Der Prozess begann um 1413, als Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein Architekt, Ingenieur und Bildhauer, die geometrische Methode der Perspektive demonstrierte, indem er sein Gemälde des Florentiner Baptisteriums mit der tatsächlichen Ansicht verglich. Seine Ideen wurden während der Florentiner Renaissance von dem Maler Mazaccio in seinen Fresken wie „Heilige Dreifaltigkeit“ (1425.) und „Tribut“ (1426) und Tommaso di Cristofano Masolino (1383-1440) in seinen Werken Heilung der Verkrüppelten und Auferstehung der Tabitha (1425) – Teil der Fresken der Brancacci-Kapelle .

Die wissenschaftlichen Details der linearen Perspektive und die korrekte Methode der Darstellung von Entfernungen in der Malerei wurden auch von dem genuesischen Architekten und Kunsttheoretiker Leon Battista Alberti (1404-1472) – in seinem Traktat Della Pittura (1435/1436) – und der florentinische Bildhauer Lorenzo Ghiberti (1378-1455) – in seinem unvollständigen Manuskript mit dem Titel „Kommentare“, ein Werk, das sich stark auf das Buch der Optik des irakischen Mathematikers Alhazen aus dem 11. Andere Pioniere der Perspektive in der Kunst waren der umbrische Maler Piero della Francesca, der die mathematischen Prinzipien in „Della Pittura“ Alberti (mit genauen Illustrationen) entwickelte, Francesco Squarcione von Padua (1395-1468) – Andrea Mantegnas Lehrer – und der Florentiner Paolo Uccello (1397-1475), dessen Besessenheit von der optischen Perspektive in seinem Werk „Die Schlacht von San Romano“ (1455) gut dargestellt ist.

Die Prinzipien der linearen Perspektive wurden während der Hochrenaissance von Künstlern wie Raffael (1483-1520) in Meisterwerken wie Die Schule von Athen (1518) weiter erforscht. Doch obwohl die Kunst der Renaissance einen bedeutenden Durchbruch in unserem Verständnis der genauen Darstellung von Tiefe auf der zweidimensionalen Bildebene brachte, blieb sie fest an das einfache Schema der Ein-Punkt-Perspektive gebunden, das in den Akademien der bildenden Künste in ganz Europa zum festen Bestandteil des Lehrplans wurde. In der Barockzeit nutzten Künstler wie Pietro da Cortona (1596-1669) und Andrea Pozzo (1642-1709) ihre Kenntnisse der Perspektive, um auf der Pionierarbeit von Andrea Mantegna aufzubauen und eine Technik der illusionistischen Malerei zu verfeinern, die Quadratura genannt wurde. Diese Methode der (Fresko-)Deckenmalerei trompe l’œil (Täuschung) erweiterte die architektonischen Merkmale des Raums in einen imaginären Raum.

Zwei weitere Meister der linearen Einpunktperspektive sind die niederländischen Künstler Pieter Saenredam (1597-1665) und Emanuel de Witte (1615-1692), die für ihre architektonischen Gemälde von Kircheninnenräumen bekannt sind.

ab dem 18. Jahrhundert

Erst im 18. Jahrhundert begann man, die Zweipunktperspektive in der Kunst zu schätzen und zu erforschen, insbesondere durch Künstler wie den venezianischen Architekturmaler Canaletto (1697-1768) und Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), die neue Wege zur Verbesserung der Einpunktperspektive mit ihrer alten Idee eines zentralen Fluchtpunktes erprobten. Die nächste große Entwicklung war der Kubismus, der in den späten 1900er Jahren aufkam und alle Vorstellungen von dreidimensionaler Tiefe in der Malerei revolutionierte, indem er die zweidimensionale Bildebene förderte. Die beeindruckendsten Fortschritte in der linearen Perspektive wurden jedoch Ende des 20. Jahrhunderts mit dem Aufkommen des Computers erzielt. Heutzutage können moderne Grafikprogramme auf Knopfdruck zahlreiche räumliche Tiefen- und Ausrichtungsschemata demonstrieren.

Weitere Informationen über die großen Bewegungen der Malerei und Bildhauerei finden Sie unter: Kunstgeschichte .
Für eine chronologische Liste wichtiger Daten, siehe Chronologie: Kunstgeschichte .

UNTERSCHIEDLICHE KUNSTFORMEN
Für Definitionen, Bedeutungen und Erklärungen der verschiedenen Künste, siehe „ARTEN DER KUNST“.