Lineare Perspektive in der Malerei 1 345 Automatische übersetzen Originaltextautor - Neil Cоllins

EINFACH SETZEN: Der Begriff "Perspektive" bezieht sich auf den Versuch, ein Bild (auf einer zweidimensionalen Oberfläche wie Papier) so darzustellen, wie es vom Auge betrachtet wird. Es ist das, was einem Gemälde oder einer Zeichnung Tiefe verleiht. Es wurde zum ersten Mal während der Italienische Renaissance von Malern wie Piero della Francesca (1420 & ndash; 92).

Definition und Bedeutung der Perspektive

Die Perspektive ist ein lineares System der räumlichen Ausrichtung, das auf einer zweidimensionalen ebenen Fläche (oder auf einer flachen dreidimensionalen Fläche wie einer Reliefschnitzerei) eine Tiefenillusion erzeugt. Es bildet die optischen Effekte der Rezession nach, indem es Raum und Tiefe von einem Standpunkt aus organisiert. Dieses oft als lineare Perspektive (geometrische, mathematische oder optische Perspektive) bezeichnete System basiert darauf, wie das menschliche Auge die Welt sieht: (1) Objekte, die näher sind, erscheinen größer, während weiter entfernte Objekte kleiner erscheinen. (2) Die Größe der Abmessungen eines Objekts entlang der Sichtlinie erscheint relativ kürzer (verkürzt) als die Abmessungen entlang der Sichtlinie. Perspektivisches Zeichnen wird von gegenständlichen Künstlern verwendet, um eine natürliche Tiefe und Solidität wiederherzustellen. Es ist ein sehr nützliches Werkzeug, um realistische Kunst zu schaffen. Surrealisten oder andere Maler, für die eine strikte Replikation der natürlichen Welt nicht wichtig oder wünschenswert ist, können die Regeln der Perspektive jedoch völlig verzerren oder missachten.

Fluchtpunkt

Eine der Hauptanwendungen der Perspektive in der Malerei besteht darin, die Position zu bestimmen, von der aus der Künstler oder der Zuschauer die Szene betrachtet. Dies geschieht, indem eine horizontale Linie über die fiktive Fläche des Bildes (die "Horizontlinie") und eine vertikale Linie darunter (das "Sichtzentrum") gelegt wird. Beide sind rein imaginäre Linien und können zum Zwecke der Konstruktion über den Bildrand hinausragen. Nachdem der Künstler die Position festgelegt hat, von der aus der Betrachter die Szene betrachtet, geht er davon aus, dass parallele Linien konvergieren, wenn sie zurücktreten, und dass sie sich schließlich an dem sogenannten "Fluchtpunkt" auf der "Horizontlinie" treffen. Der Künstler zeichnet dann imaginäre konvergierende Linien, um darzustellen, wie sich die Größe von Objekten verringert, je weiter sie sich vom Betrachter entfernen.

Arten der linearen Perspektive

Es gibt verschiedene Arten von Perspektiven in der Malerei, von denen die häufigsten Ein-Punkt-Zwei-Punkt- und Drei-Punkt-Perspektiven sind, die nach der Anzahl der Fluchtpunkte in der Zeichnung klassifiziert sind. Eine Einpunktperspektive wird normalerweise verwendet, wenn einfache Ansichten dargestellt werden, z. B. eine Eisenbahnstrecke, die direkt vor dem Zuschauer in der Ferne verschwindet. Die Zweipunktperspektive wird normalerweise verwendet, um zwei zurückgehende Ansichten darzustellen, z. B. die, die für eine Person sichtbar sind, die an der Straßenecke eines Gebäudes steht, wobei eine Wand (z. B.) nach links und eine nach rechts zurücktritt. Die Dreipunktperspektive wird normalerweise für Gebäude verwendet, die von oben oder unten betrachtet werden. Neben den beiden Fluchtpunkten aus unserem letzten Beispiel, einer für jede Wand, gibt es jetzt einen dritten Fluchtpunkt, der widerspiegelt, wie diese Wände in den Boden oder über den Himmel zurücktreten.

Da Fluchtpunkte per Definition nur dann existieren können, wenn parallele Linien in der Szene vorhanden sind, bedeutet das Fehlen solcher Linien, dass das Bild keine Fluchtpunkte hat – das heißt, eine Nullpunktperspektive. Diese Situation besteht zum Beispiel in einer natürlichen Szene wie einem Gebirgszug oder einem Blick auf das Meer – beide enthalten normalerweise keine parallelen Linien. Die Nullpunktperspektive kann jedoch immer noch ein Gefühl von "Tiefe" haben: Entfernte Berge und entfernte Segelboote haben Merkmale mit kleinerem Maßstab. Das Konzept der "atmosphärischen Perspektive" – ​​wo Staub und Wasserdampf in der Atmosphäre schweben und unsere Sicht auf entfernte Objekte teilweise verdecken – wird auch verwendet, um die Tiefe in diesen natürlichen Szenen darzustellen.

Geschichte der linearen Perspektive

Die Techniken der Bildperspektive wurden in der Antike um das 5. Jahrhundert v. Chr. Vom Maler Agatharchus von Athen und anderen diskutiert, als Teil eines wachsenden Interesses am Illusionismus (bekannt als Skenographia) in Theaterkulissen und Kulissen. Sie wurde später in den illusionistischen Wandmalereien von Pompeji ohne großen Erfolg umgesetzt. Der Wert der Perspektive in der Kunst war jedoch nicht nur eine Frage der Ästhetik, sondern auch ein Spiegelbild der Kulturpolitik. Zum Beispiel, Ägyptische Kunst und Byzantinische Kunst – völlig vernachlässigte Perspektive zugunsten nicht-naturalistischer Repräsentation. So hielten ägyptische und byzantinische Künstler an einem hieratischen Schema der bildlichen Darstellung fest, in dem Figuren nach ihrem jeweiligen gesellschaftlichen Status bemessen und gezeichnet wurden. Im Chinesisches Gemälde Die Perspektive war bis in die Zeit von. von zweitrangiger Bedeutung Qing-Dynastie Kunst (1644-1911).

Perspektivenentwicklung in der Renaissance

Zu Beginn des 14. Jahrhunderts wurde der große Protorenaissance Freskenmaler Giotto di Bondone (1267-1337) führten lineare Perspektiven in sein Gemälde von 1305 ein – Jesus vor Kaiphas ; Die Umsetzung war jedoch widersprüchlich und unangemessen.

Tatsächlich wurde die Verwendung der Perspektive in der Malerei erst in der Ära der Malerei richtig untersucht Frühe Renaissance . Der Prozess begann um 1413 als Filippo Brunelleschi (1377-1446) demonstrierte der Architekt, Ingenieur und Bildhauer die geometrische Methode der Perspektive, indem er sein Gemälde der Florentiner Taufkirche mit einer realen Ansicht verglich. Seine Ideen wurden im Laufe der Zeit weiterentwickelt Florentiner Renaissance vom Maler Masaccio in seinen Freskengemälden wie Heilige Dreifaltigkeit (1425) und The Tributgeld (1426) und von Tommaso di Cristofano Masolino (1383-1440) in seinem Werk Die Heilung der Krüppel und die Auferweckung der Tabitha (1425) – Teil der Brancacci Kapelle Fresken . Die wissenschaftlichen Details der linearen Perspektive und die korrekte Methode zur Darstellung der Distanz in der Malerei wurden auch vom genuesischen Architekten und Kunsttheoretiker diskutiert Leon Battista Alberti (1404-72) – in seiner Abhandlung Della Pittura (1435/1436) – und vom Florentiner Bildhauer Lorenzo Ghiberti (1378-1455) – In seinem unvollständigen Manuskript mit dem Titel Commentaries , einem Werk, das sich stark auf das Buch der Optik des irakischen Mathematikers Alhazen aus dem 11. Jahrhundert stützte. Andere Pioniere der Perspektive in der Kunst waren der umbrische Maler Piero della Francesca, der die mathematischen Prinzipien von Albertis Della Pittura (mit präzisen Illustrationen) aus Padua weiterentwickelte Francesco Squarcione (1395-1468) – Lehrer von Andrea Mantegna – und der Florentiner Paolo Uccello (1397-1475), dessen Besessenheit von der optischen Perspektive in seinem Werk gut zum Ausdruck kommt Schlacht von San Romano (1455).

Die Prinzipien der linearen Perspektive wurden im Laufe der Zeit weiter erforscht Hohe Renaissance von Künstlern wie Raphael (1483-1520), in Meisterwerken wie Die Schule von Athen (1518). Während jedoch Renaissance-Kunst Dies war ein wichtiger Durchbruch für unser Verständnis der genauen Darstellung der Tiefe in einer zweidimensionalen Bildebene. Es blieb jedoch fest mit dem einfachen Ein-Punkt-Perspektiven-Schema verbunden, das zu einem festen Bestandteil des Kerncurriculums der Akademien der bildenden Künste in ganz Europa wurde. In der Barockzeit mögen Maler Pietro da Cortona (1596-1669) und Andrea Pozzo (1642-1709) nutzten ihr Wissen um die Perspektive, um auf der Pionierarbeit von Andrea Mantegna aufzubauen und die illusionistische Maltechnik zu perfektionieren Quadratura . Diese trompe l’oeil Die Methode der (Fresko-) Deckenmalerei schien die architektonischen Merkmale eines Raumes in einen imaginären Raum zu erweitern.

Zwei weitere Meister der linearen Einpunktperspektive sind die niederländischen Maler Pieter Saenredam (1597-1665) und Emanuel de Witte (1615-1692), bekannt für ihre architektonischen Gemälde von Kircheninterieurs.

Ab dem 18. Jahrhundert

Erst im 18. Jahrhundert wurde die Zwei-Punkte-Perspektive in der Kunst geschätzt und erforscht, vor allem von Künstlern wie dem venezianischen Architektur-Stadtbildmaler Canaletto (1697-1768) und Giovanni Battista Piranesi (1720-78), die alle mit ihrer alten Idee eines zentralen Fluchtpunkts kühne neue Wege der Verbesserung der Einpunktperspektive versuchten. Die nächste große Entwicklung war Kubismus , die in den späten 1900er Jahren auftauchte und alle Ideen der dreidimensionalen Tiefe in der Malerei revolutionierte, indem sie die zweidimensionale Bildebene förderte. Die spektakulärsten Fortschritte in der linearen Perspektive sind jedoch im späten 20. Jahrhundert mit dem Aufkommen der Computer zu verzeichnen. Moderne Grafiksoftwareprogramme können heute auf Knopfdruck zahlreiche Schemata der räumlichen Tiefe und Ausrichtung demonstrieren.