Moderne Kunst: Geschichte, Charakteristika, Bewegungen Automatische übersetzen
Was ist moderne Kunst? (Definition)
Es gibt keine genaue Definition des Begriffs "Moderne Kunst": Es bleibt ein elastischer Begriff, der eine Vielzahl von Bedeutungen aufnehmen kann. Dies ist nicht allzu überraschend, da wir uns in der Zeit ständig weiterentwickeln und das, was heute als "moderne Malerei" oder "moderne Skulptur" bezeichnet wird, in fünfzig Jahren möglicherweise nicht mehr als modern angesehen werden kann. Trotzdem ist es Tradition zu sagen, dass "Moderne Kunst" Werke bedeutet, die in der ungefähren Zeit von 1870 bis 1970 entstanden sind. Diese "Moderne" folgte einer langen Periode der Herrschaft, die von der Renaissance inspiriert war akademische Kunst , gefördert vom Netzwerk der Europäischen Akademien der bildenden Künste. Und ist selbst gefolgt von " Zeitgenössische Kunst "(Ab 1970), dessen Avantgarde auch als" Postmoderne Kunst ". Diese Chronologie stimmt mit der Ansicht vieler überein Kunstkritiker und Institutionen, aber nicht alle. Sowohl die Tate Modern in London als auch das Musee National d’Art Moderne im Centre Pompidou in Paris nehmen beispielsweise das Jahr 1900 als Ausgangspunkt für "Moderne Kunst". Auch unterscheiden weder sie noch das Museum of Modern Art in New York zwischen "modernistischen" und "postmodernen" Werken: Sie sehen beide vielmehr als Phasen der "modernen Kunst".
Übrigens beim Versuch, das zu verstehen Kunstgeschichte Es ist wichtig zu erkennen, dass sich Kunst nicht über Nacht ändert, sondern eher breitere (und langsamere) Veränderungen in der Gesellschaft widerspiegelt. Es spiegelt auch die Sichtweise des Künstlers wider. So zum Beispiel eine Arbeit von Kunst bereits 1958 produziert, könnte entschieden "postmodernistisch" sein (wenn der Künstler eine sehr avantgardistische Einstellung hat – ein gutes Beispiel ist Yves Kleins Nouveau Realisme ); während ein anderes Werk, das 1980 von einem konservativen Künstler geschaffen wurde, eher als Rückfall in die Zeit der "Modernen Kunst" denn als Beispiel der "Zeitgenössischen Kunst" gesehen werden könnte. In der Tat ist es wahrscheinlich wahr zu sagen, dass mehrere verschiedene Stränge der Kunst – dh mehrere Sätze von Ästhetik , einige hypermodern, einige altmodisch – können gleichzeitig existieren. Es sei auch daran erinnert, dass viele dieser Begriffe (wie "Moderne Kunst") erst im Nachhinein erfunden werden.
HINWEIS: Die 1960er Jahre gelten allgemein als das Jahrzehnt, in dem sich die künstlerischen Werte allmählich von "modernistisch" zu "postmodernistisch" wandelten. Dies bedeutet, dass beide Wertemengen für einen bestimmten Zeitraum gleichzeitig existierten.
Wichtige Daten finden Sie unter: Zeitleiste der Kunstgeschichte (2, 5 Millionen v.Chr.)
Was waren die Ursprünge der modernen Kunst?
Um zu verstehen, wie "moderne Kunst" begann, ist ein kleiner historischer Hintergrund hilfreich. Das 19. Jahrhundert war eine Zeit bedeutender und rasch zunehmender Veränderungen. Infolge der industriellen Revolution (um 1760-1860) begannen enorme Veränderungen in der Produktion, im Transportwesen und in der Technologie die Art und Weise zu beeinflussen, wie Menschen in Europa und Amerika lebten, arbeiteten und reisten. Städte schwollen an und gediehen, als Menschen das Land verließen, um städtische Fabriken zu bevölkern. Diese von der Industrie inspirierten sozialen Veränderungen führten zu größerem Wohlstand, aber auch zu beengten und überfüllten Lebensbedingungen für die meisten Arbeitnehmer. Dies wiederum führte zu: mehr Nachfrage nach Stadtarchitektur; mehr Nachfrage nach angewandte Kunst und Design – siehe zum Beispiel die Bauhaus Schule – und die Entstehung einer neuen Klasse wohlhabender Unternehmer, die zu Kunstsammlern und Förderern wurden. Viele der weltbesten Kunstmuseen wurden von diesen Tycoons aus dem 19. Jahrhundert gegründet.
Darüber hinaus wirkten sich zwei weitere Entwicklungen unmittelbar auf die Kunst der damaligen Zeit aus. Zunächst erfand der amerikanische Maler John Rand (1801–1873) 1841 die zusammenklappbare Farbtube aus Zinn. Zweitens wurden große Fortschritte erzielt Fotografie So können Künstler Szenen fotografieren, die zu einem späteren Zeitpunkt im Studio gemalt werden können. Diese beiden Entwicklungen würden einem neuen Malstil, der abwertend als "Impressionismus" bekannt ist, sehr zugute kommen, der einen radikalen Einfluss auf die Art und Weise haben würde, wie Künstler die Welt um sie herum malten, und dabei die erste große Schule der modernistischen Kunst werden würde.
Die sozialen Veränderungen des 19. Jahrhunderts beeinflussten nicht nur die Art und Weise , wie Künstler Kunst schufen, sondern inspirierten auch Künstler, sich mit neuen Themen auseinanderzusetzen. Anstatt dem sklavisch zu folgen Hierarchie der Genres und weil sie sich mit akademischen Themen beschäftigten, die Religion und griechische Mythologie betrafen, mit Porträts und "bedeutungsvollen" Landschaften durchsetzt waren – alles Themen, die darauf abzielten, den Zuschauer zu erheben und zu unterweisen – begannen die Künstler, Kunst über Menschen, Orte oder Ideen zu machen, die sie interessierten. Die Städte – mit ihren neuen Bahnhöfen und neuen Slums – waren naheliegende Entscheidungen und lösten eine neue Klasse aus Genre-Malerei und Stadtlandschaft. Weitere Themen waren die Vorortdörfer und Ferienorte, die von den neuen Schienennetzen bedient wurden und neue Formen von Landschaftsmalerei von Monet, Matisse und anderen. Das Genre der Geschichtsmalerei änderte sich auch dank Benjamin West (1738-1820), der den Tod von General Wolfe (1770, National Gallery of Art, Ottowa), das erste Gemälde der "Zeitgeschichte", malte, und Goya (1746-1828). deren 3. Mai 1808 (1814, Prado, Madrid) führte eine bahnbrechende, nicht heroische Redewendung ein.
Im 19. Jahrhundert gab es auch eine Reihe von philosophischen Entwicklungen, die einen signifikanten Einfluss auf die Kunst hatten. Das Wachstum des politischen Denkens zum Beispiel führte Courbet und andere, um eine sozial bewusste Form von Realistische Malerei – siehe auch Realismus zum Impressionismus ). Auch die Veröffentlichung von The Interpretation of Dreams (1899) von Sigmund Freud machte den Begriff des "Unterbewusstseins" populär und veranlasste Künstler, den Symbolismus und später den Surrealismus zu erforschen. Das neue Selbstbewusstsein, das Freud förderte, führte zur Entstehung von Deutscher Expressionismus Als Künstler wandten sie sich dem Ausdruck ihrer subjektiven Gefühle und Erfahrungen zu.
Wann begann die moderne Kunst?
Als Geburtsdatum der "modernen Kunst" wird am häufigsten das Jahr 1863 genannt Edouard Manet (1832-83) stellte sein schockierendes und respektloses Gemälde aus Le Dejeuner sur l’herbe in dem Salon des Refuses in Paris. Trotz Manets Respekt vor dem Französische Akademie und die Tatsache, dass es einem Renaissance-Werk von Raffael nachempfunden war, galt als eines der skandalösesten Bilder dieser Zeit.
Dies war jedoch nur ein Symbol für umfassendere Veränderungen, die in verschiedenen Bereichen stattfanden Arten von Kunst , sowohl in Frankreich als auch anderswo in Europa. Eine neue Generation von " Moderne Künstler "hatten es satt, den traditionellen akademischen Kunstformen des 18. und frühen 19. Jahrhunderts zu folgen, und begannen, eine Reihe von" modernen Gemälden "zu schaffen, die auf neuen Themen, neuen Materialien und kühnen neuen Methoden basierten. Skulptur und die Architektur Betroffen waren auch – und mit der Zeit würden ihre Veränderungen noch revolutionärer sein – aber Malerei der schönen Kunst erwies sich als das erste große Schlachtfeld zwischen den Konservativen und den neuen "Modernen".
Was ist das Hauptmerkmal der modernen Kunst?
Was wir "Moderne Kunst" nennen, dauerte ein ganzes Jahrhundert und beinhaltete Dutzende von verschiedenen Kunstbewegungen fast alles umfassend, von der reinen Abstraktion bis zum Hyperrealismus; von Anti-Kunst-Schulen wie Dada und Fluxus bis zu klassischer Malerei und Skulptur; vom Jugendstil bis zum Bauhaus und der Pop Art. Die Vielfalt war so groß, dass man sich kaum ein einheitliches Merkmal vorstellen kann, das die Epoche definiert. Aber wenn es irgendetwas gibt , das moderne Künstler von den früheren Traditionalisten und späteren Postmodernisten unterscheidet, dann ist es ihre Überzeugung, dass Kunst eine Rolle spielt . Für sie hatte Kunst einen echten Wert. Im Gegensatz dazu nahmen ihre Vorgänger einfach an, dass es Wert hatte. Immerhin hatten sie in einer Zeit gelebt, die von christlichen Wertesystemen beherrscht wurde, und waren einfach "den Regeln gefolgt". Und diejenigen, die nach der Neuzeit (ab 1970) kamen, die sogenannten "Postmodernisten", lehnten die Vorstellung, dass Kunst (oder Leben) einen inneren Wert hat, weitgehend ab.
Inwiefern war moderne Kunst anders? (Eigenschaften)
Obwohl es für "Moderne Kunst" kein einzelnes charakteristisches Merkmal gibt, wurde für eine Reihe wichtiger Merkmale Folgendes festgestellt:
(1) Neue Arten von Kunst
Moderne Künstler waren die ersten, die sich entwickelten Collagenkunst verschiedene Formen von Montage eine Vielzahl von kinetische Kunst (inkl. Handys), verschiedene Genres der Fotografie, Animation (Zeichnung plus Fotografie) Land Kunst oder Erdarbeiten, und Performance-Kunst .
(2) Verwendung neuer Materialien
Moderne Maler befestigten Gegenstände an ihren Leinwänden, wie Zeitungsfragmente und andere Gegenstände. Bildhauer verwendeten "Fundstücke", wie die " fertige " von Marcel Duchamp , aus denen sie Werke der Junk-Kunst schufen. Assemblagen wurden aus alltäglichen Gegenständen wie Autos, Uhren, Koffern, Holzkisten und anderen Gegenständen zusammengestellt.
(3) Ausdrucksvolle Verwendung von Farbe
Bewegungen der modernen Kunst wie der Fauvismus, der Expressionismus und die Farbfeldmalerei waren die ersten, die die Farbe in großem Maße nutzten.
(4) Neue Techniken
Die Chromolithographie wurde vom Plakatkünstler Jules Cheret erfunden, das automatische Zeichnen wurde von surrealistischen Malern entwickelt, ebenso wie Frottage und Decalcomania. Gesturalistische Maler haben das Action Painting erfunden. Popkünstler führten "Benday Dots" und Siebdruck in die bildende Kunst ein. Andere Bewegungen und Schulen der modernen Kunst, die neue Maltechniken einführten, schlossen ein: Neoimpressionismus, Macchiaioli, Synthetismus, Cloisonnismus, Gesturalismus, Tachismus, kinetische Kunst, Neo-Dada und Op-Art.
Wie hat sich die moderne Kunst zwischen 1870 und 1970 entwickelt?
1870-1900
Obwohl das letzte Drittel des 19. Jahrhunderts in gewisser Weise vom neuen impressionistischen Malstil geprägt war, gab es in Wirklichkeit einige wegweisende Strömungen der modernen Kunst, von denen jede ihren eigenen Schwerpunkt hatte. Dazu gehörten: Impressionismus (Genauigkeit bei der Erfassung von Sonnenlichteffekten); Realismus (Inhalt / Thema); Akademische Kunst (klassische Lebensbilder); Romantik (Stimmung); Symbolismus (rätselhafte Ikonographie); lithografische Plakatkunst (kühne Motive und Farben). Das letzte Jahrzehnt brachte eine Reihe von Revolten gegen die Akademien und ihre "Salons" in Form der Sezessionsbewegung mit sich, während Ende der 1890er Jahre der Niedergang der "naturbasierten Kunst" wie des Impressionismus zu verzeichnen war, der bald zu einer Revolution führen würde Aufstieg in ernstere "nachrichtenbasierte" Kunst.
1900-14
In vielerlei Hinsicht war dies die aufregendste Zeit der modernen Kunst, als noch alles möglich war und die "Maschine" noch ausschließlich als Freund des Menschen angesehen wurde. Die Pariser Künstler schufen eine Reihe neuer Stile, darunter Fauvismus, Kubismus und Orphismus, während die deutschen Künstler ihre eigene Schule expressionistischer Malerei gründeten. Alle diese fortschrittlichen Bewegungen lehnten traditionalistische Einstellungen zur Kunst ab und versuchten, sich für ihre eigene Agenda der Moderne einzusetzen. So wollte der Kubismus die formalen Attribute der Malerei priorisieren, während der Futurismus die Möglichkeiten der Maschine hervorhob und der Expressionismus die individuelle Wahrnehmung förderte.
1914-24
Das Gemetzel und die Zerstörung des Ersten Weltkriegs haben die Dinge grundlegend verändert. 1916 wurde die Dada-Bewegung ins Leben gerufen, die von einem nihilistischen Drang erfüllt war, das Wertesystem, das Verdun und die Somme verursacht hatte, zu untergraben. Plötzlich gegenständliche Kunst schien obszön. Mit Fotografien der Kriegstoten konnte kein Bild mithalten. Bereits Künstler hatten sich mehr und mehr der gegenstandslosen Kunst als Ausdrucksmittel zugewandt. Abstrakte Kunstbewegungen Zu dieser Zeit gehörten Kubismus (1908-40), Vortizismus (1914-15), Suprematismus (1913-18), Konstruktivismus (1914-32), De Stijl (1917-31), Neoplastizismus (1918-26) und Elementarismus (1924-31), das Bauhaus (1919-33) und die spätere St. Ives School. Sogar die wenigen figurativen Bewegungen, wie die metaphysische Malerei (c.1914-20), waren ausgesprochen nervös. Aber vergleiche das frühe 20. Jahrhundert Klassische Wiederbelebung in der modernen Kunst und Neoklassische Figurenbilder von Picasso (1906 & ndash; 30).
1924-40
Die Zwischenkriegszeit war weiterhin von politischen und wirtschaftlichen Problemen geprägt. Abstrakte Malerei und Skulptur dominierten weiterhin, da naturgetreue Repräsentationskunst sehr unmodern blieb. Selbst der realistische Flügel der Surrealismus-Bewegung – die größte Bewegung der Zeit – konnte nur einen Fantasiestil der Realität schaffen. In der Zwischenzeit zeichnete sich auf dem Kontinent eine unheimlichere Realität ab, und zwar in Form von Nazi-Kunst und sowjetische Agit-Stütze. Nur Art Deco, ein eher schlichter Designstil, der auf Architektur und angewandte Kunst abzielt, zeigte sich zuversichtlich für die Zukunft.
1940-60
Die Kunstwelt wurde durch die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs verändert. Zunächst verlagerte sich der Schwerpunkt von Paris nach New York, wo er seitdem erhalten geblieben ist. Nahezu alle zukünftigen Weltrekordpreise würden in den New Yorker Verkaufsräumen von Christie’s und Sotheby’s erzielt. In der Zwischenzeit hatte das unbeschreibliche Phänomen Auschwitz den Wert aller realistischen Kunst untergraben, mit Ausnahme von Holocaust-Kunst der Betroffenen. Infolgedessen wurde die nächste bedeutende internationale Bewegung – der abstrakte Expressionismus – von amerikanischen Künstlern der Vereinigten Staaten von Amerika ins Leben gerufen New Yorker Schule . In der Tat würde in den nächsten 20 Jahren die Abstraktion dominieren, da neue Bewegungen aus dem Ruder laufen würden. Dazu gehörten: Art Informel, Action-Painting, Gesturalismus, Tachismus, Farbfeldmalerei, lyrische Abstraktion, Hard Edge Painting und COBRA, eine Gruppe, die am besten für ihre kindlichen Bilder und ausdrucksstarken Pinselstriche bekannt ist. In den 1950er Jahren entwickelten sich andere Tendenzen avantgardistischerer Art wie kinetische Kunst, Nouveau Realisme und Neo-Dada, die alle eine wachsende Ungeduld mit der Kunstindustrie zeigten.
1960er Jahre
Die Explosion von Popmusik und Fernsehen spiegelte sich in der Pop-Art-Bewegung wider, deren Bilder von Hollywood-Prominenten und die Ikonographie der Popkultur den Erfolg des amerikanischen Massenkonsums feierten. Es hatte auch ein cooles "Hip" -Gefühl und trug dazu bei, einige der Düsterkeiten der frühen 60er Jahre zu zerstreuen, die mit der Kubakrise von 1962 verbunden waren, die in Europa den Erfolg der Fluxus-Bewegung unter der Führung von George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik und John Beuys angeheizt hatte Wolf Vostell. Die bodenständige Pop-Art war auch ein willkommener Kontrapunkt zum gelehrteren Abstrakten Expressionismus, der bereits zu verblassen begann. In den 1960er Jahren entstand jedoch auch eine andere hochkarätige Bewegung, der Minimalismus, eine Form der Malerei und Skulptur, die – anders als die emotionsgeladene Ausdrucksweise des Abstrakten Expressionismus – von allen äußeren Bezügen oder Gesten befreit wurde.
Moderne Fotokunst
Eine der wichtigsten und einflussreichsten neuen Medien, die in der "Moderne" an Bedeutung gewonnen haben, ist die Fotografie. Insbesondere vier Genres haben sich etabliert. Sie beinhalten: Portraitfotografie ein Genre, das gemalte Porträts weitgehend ersetzt hat; Pictorialism (fl.1885-1915) eine Art von Kamerakunst, bei der der Fotograf ein reguläres Foto manipuliert, um ein "künstlerisches" Bild zu erstellen; Modefotografie (1880-heute) eine Art Fotografie, die sich der Förderung von Kleidung, Schuhen, Parfums und anderen Markenartikeln widmet; Dokumentarische Fotografie (1860-Präsens), eine Art scharfe Kameraarbeit, die einen Moment der Realität einfängt, um eine Botschaft über das Geschehen auf der Welt zu vermitteln; und Strassenfotografie (1900-Präsens), die Kunst, zufällige Interaktionen menschlicher Aktivitäten in städtischen Gebieten einzufangen. Von vielen auf der Welt praktiziert größte Fotografen Diese Genres haben einen wesentlichen Beitrag zur modernen Kunst des 20. Jahrhunderts geleistet.
Moderne Architektur
Die Moderne in der Architektur ist eine kompliziertere Angelegenheit. Das Wort "Modernismus" im Gebäudedesign wurde erstmals in den 1880er Jahren in Amerika verwendet, um Wolkenkratzer zu beschreiben, die von der Chicago School of Architecture (1880-1910), wie das von Burnham und Root entworfene Montauk-Gebäude (1882-83); das von William Le Baron Jenney entworfene Home Insurance Building (1884); und das Marshall Field Warehouse (1885-7), entworfen von Henry Hobson Richardson. Im 20. Jahrhundert entstand eine neue Art von Design, bekannt als Internationaler Stil moderner Architektur (c.1920-70). Beginnend in Deutschland, Holland und Frankreich in den Händen von Le Corbusier (1887-1965), Walter Gropius (1883-1969) und andere verbreiteten sie sich nach Amerika, wo sie dank der Bemühungen von zum vorherrschenden Sprachgebrauch für kommerzielle Wolkenkratzer wurde Mies van der Rohe (1886–1969), ehemals Direktor der Bauhausschule. Später wurde das Zentrum des modernen Gebäudedesigns dauerhaft in den Vereinigten Staaten errichtet, hauptsächlich aufgrund des Aufkommens der supertollen Wolkenkratzerarchitektur, die dann in die ganze Welt exportiert wurde.
Wann endete die moderne Kunst? Was hat es ersetzt?
Die Moderne hörte nicht nur auf, sondern wurde allmählich von den Ereignissen in den späten 1960er Jahren überholt – eine Zeit, die mit dem Aufkommen der Massenpopkultur und auch mit dem Aufkommen der antiautoritären Herausforderungen (in sozialen und politischen Bereichen sowie in den USA) zusammenfiel Kunst) zu den bestehenden Orthodoxien. Ein Schlüsseljahr war das Jahr 1968, in dem die Tet-Offensive, die Ermordung von Martin Luther King und Bobby Kennedy sowie Straßendemonstrationen in den Hauptstädten Europas stattfanden. Als die Moderne immer altmodischer wurde, gab sie dem Platz, was als "Zeitgenössische Kunst" bezeichnet wurde – was "Kunst der Gegenwart" bedeutet. Der Begriff "Zeitgenössische Kunst" ist hinsichtlich des Fortschritts der fraglichen Kunst neutral, und so wird häufig ein anderer Ausdruck – "Postmodernismus" – verwendet, um die jüngste Zeit zu bezeichnen Avantgarde-Kunst . Schulen der "postmodernen Kunst" befürworten eine neue Ästhetik, die sich durch eine stärkere Fokussierung auf Medium und Stil auszeichnet. Zum Beispiel betonen sie Stil über Substanz (z. B. nicht "Was", sondern "Wie"; nicht "Kunst um der Kunst willen", sondern "Stil um des Stils willen" willen) und legen viel größeren Wert auf die Kommunikation der Künstler mit dem Publikum.
Was sind die wichtigsten Bewegungen der modernen Kunst?
Die einflussreichsten Bewegungen der "modernen Kunst" sind (1) der Impressionismus; (2) Fauvismus; (3) Kubismus; (4) Futurismus; (5) Expressionismus; (6) Dada; (7) Surrealismus; (8) Abstrakter Expressionismus; und (9) Pop Art.
(1) Impressionismus (1870er, 1880er)
Exemplarisch dargestellt durch die Landschaftsbilder von Claude Monet (1840-1926) konzentrierte sich der Impressionismus auf die fast unmögliche Aufgabe, flüchtige Momente von Licht und Farbe einzufangen. Einführung nicht-naturalistischer Farbschemata und lockerer – oft stark strukturierter – Pinselstriche. Aus der Nähe waren viele impressionistische Gemälde nicht wiederzuerkennen. Sehr unbeliebt bei der Öffentlichkeit und den Kunstbehörden, obwohl es von anderen modernen Künstlern, Händlern und Sammlern sehr geschätzt wird. Schließlich wurde die berühmteste Malerbewegung der Welt. Sehen: Merkmale der impressionistischen Malerei (1870-1910). Der Hauptbeitrag des Impressionismus zur "modernen Kunst" bestand darin, die Verwendung nicht-naturalistischer Farben zu legitimieren und damit den Weg für die völlig nicht-naturalistische abstrakte Kunst des 20. Jahrhunderts zu ebnen.
Von kurzer Dauer, dramatisch und sehr einflussreich Henri Matisse (1869-1954) war der Fauvismus in der Mitte des 20. Jahrhunderts in Paris "der" Modestil. Der neue Stil wurde auf der vorgestellt Salon d’Automne und wurde sofort berühmt für seine lebendigen, grellen, nicht-naturalistischen Farben, die den Impressionismus fast monochrom erscheinen ließen! Ein wichtiger Vorläufer des Expressionismus. Sehen: Geschichte der expressionistischen Malerei (1880-1930). Der Hauptbeitrag des Fauvismus zur "modernen Kunst" bestand darin, die unabhängige Kraft der Farbe zu demonstrieren. Diese sehr subjektive Herangehensweise an Kunst stand im Gegensatz zur klassischen inhaltlichen Sichtweise der Akademien.
Als strenger und herausfordernder Malstil führte der Kubismus ein Kompositionssystem aus flachen, zersplitterten Ebenen als Alternative zu einer von der Renaissance inspirierten linearen Perspektive und abgerundeten Volumina ein. Entwickelt von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) in zwei Varianten – Analytischer Kubismus und später Synthetischer Kubismus – Sie beeinflusste die abstrakte Kunst für die nächsten 50 Jahre, obwohl ihre Popularität begrenzt war. Der Hauptbeitrag des Kubismus zur "modernen Kunst" bestand darin, eine völlig neue Alternative zur konventionellen Perspektive anzubieten, die auf der unausweichlichen Tatsache der flachen Bildebene beruht.
Die futuristische Kunst wurde von Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) gegründet und verherrlichte Geschwindigkeit, Technologie, Automobil, Flugzeug und wissenschaftliche Errungenschaften. Obwohl sehr einflussreich, lehnte es sich stark an den Neoimpressionismus und den italienischen Divisionismus sowie an den Kubismus an, insbesondere an seine fragmentierten Formen und seine vielfältigen Sichtweisen. Der Hauptbeitrag des Futurismus zur "modernen Kunst" bestand darin, Bewegung in die Leinwand einzuführen und Schönheit mit wissenschaftlichem Fortschritt zu verbinden.
Obwohl von Künstlern wie JMW Turner (Interior at Petworth, 1837) vorweggenommen, Van Gogh (Weizenfeld mit Krähen, 1890) und Paul Gauguin Der Expressionismus (Anna The Javanese, 1893) wurde im Vorkriegsdeutschland durch zwei Gruppen berühmt: Die Brücke (Dresden / Berlin) und Der Blaue Reiter (München), angeführt von Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) und Wassily Kandinsky (1866-1944). In der Skulptur die Formen des in Duisburg geborenen Künstlers Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) waren (und sind) erhaben. Der Hauptbeitrag des Expressionismus zur "modernen Kunst" bestand darin, die Idee der Subjektivität in Malerei und Skulptur zu popularisieren und zu zeigen, dass die gegenständliche Kunst zu Recht subjektive Verzerrungen enthalten kann.
Die erste Anti-Kunst-Bewegung, Dada, war eine Revolte gegen das System, das das Gemetzel des Ersten Weltkriegs (1914-18) zugelassen hatte. Es wurde schnell zu einer anarchistischen Tendenz, deren Ziel es war, das künstlerische Establishment zu untergraben. Sie wurde 1916 in der neutralen Schweiz ins Leben gerufen. Ihre Führer waren Anfang zwanzig und die meisten hatten sich "abgemeldet", um die Einberufung in neutralen Städten wie New York, Zürich und Barcelona zu vermeiden. Zu den Gründern gehörte der Bildhauer Jean Arp (1887-1966) und der rumänische Dichter und dämonische Aktivist Tristan Tzara (1896-1963). Der Hauptbeitrag von Dada bestand darin, die Kunstwelt aufzurütteln und das Konzept der "modernen Kunst" zu erweitern, indem völlig neue Arten von Kreativität (Performance-Kunst und Readymades) sowie neue Materialien (Junk-Art) und Themen einbezogen wurden. Sein aufrührerischer Sinn für Humor hielt in der surrealistischen Bewegung an.
Vom Schriftsteller in Paris gegründet Andre Breton (1896-1966) war der Surrealismus "die" modische Kunstbewegung der Zwischenkriegszeit, obwohl der Stil noch heute gesehen wird. Bestehend aus abstrakten und figurativen Flügeln, entwickelte es sich aus der nihilistischen Dada-Bewegung, deren Mitglieder sich größtenteils in Surrealisten verwandelten, aber im Gegensatz zu Dada weder Antikunst noch politisch waren. Surrealistische Maler verwendeten verschiedene Methoden – darunter Träume, Halluzinationen, automatische oder zufällige Bilderzeugung -, um rationale Denkprozesse bei der Schaffung von Kunstwerken zu umgehen. (Weitere Informationen finden Sie unter Automatismus in der Kunst .) Der Hauptbeitrag des Surrealismus zur "modernen Kunst" bestand darin, einen erfrischend neuen Satz von Bildern zu erzeugen. Ob diese Bilder eindeutig nicht rational waren, ist zweifelhaft. Aber surrealistische Kunst macht definitiv Spaß!
(8) Abstrakter Expressionismus (1948-60)
Ein breiter Stil der abstrakten Malerei, der unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg in New York entwickelt wurde und daher auch als New York School bezeichnet wird. Es wurde von amerikanischen Künstlern angeführt, die stark von europäischen Expatriates beeinflusst wurden, und bestand aus zwei Hauptstilen: einer stark animierten Form der gestischen Malerei, die von populär gemacht wurde Jackson Pollock (1912-56) und einen viel passiveren stimmungsorientierten Stil, der als Farbfeldmalerei bekannt ist und von verteidigt wird Mark Rothko (1903 & ndash; 70). Der Hauptbeitrag des abstrakten Expressionismus zur "modernen Kunst" war die Popularisierung der Abstraktion. In Pollocks Fall durch die Erfindung eines neuen Stils, der als "Action Painting" bekannt ist – siehe Fotos durch Text; in Rothkos Fall durch Demonstration der emotionalen Wirkung großer Farbflächen.
(9) Pop-Art (Ende der 1950er, 1960er Jahre)
Ein Kunststil, dessen Bilder die Populärkultur und den Massenkonsum der 1960er Jahre in Amerika widerspiegeln. In den späten 1950er Jahren in New York und London zum ersten Mal aufgetaucht, entwickelte es sich bis in die späten 1960er Jahre zum vorherrschenden Avantgarde-Stil. Popkünstler mögen es, fett gedruckte, leicht zu erkennende Bilder und lebendige Blockfarben zu verwenden Andy Warhol (1928-87) schufen eine Ikonographie auf der Grundlage von Fotos berühmter Persönlichkeiten wie Filmstars, Werbung, Plakaten, Verpackungen für Konsumgüter und Comics – Material, das dazu beitrug, die Kluft zwischen kommerziellen und bildenden Künsten zu verringern. Der Hauptbeitrag des abstrakten Expressionismus zur "modernen Kunst" bestand darin zu zeigen, dass gute Kunst einfach sein und aus allem bestehen kann. Sehen: Andy Warhols Pop Art (um 1959-73) .
Hier ist eine alphabetisch geordnete Liste von Bewegungen und Schulen der "Moderne".
Weitere Einzelheiten finden Sie unter: Moderne Kunstrichtungen (c.1870-1970).
Wer sind die größten modernen Künstler?
Moderne Maler
Impressionisten (blühte 1870-1880)
Eine der revolutionärsten Bewegungen der modernen gegenständlichen Kunst, zu deren führenden Mitgliedern gehörten: Claude Monet (1840-1926); Pierre-Auguste Renoir (1841–1919); Edgar Degas (1834–1917); Camille Pissarro (1830–1903); Alfred Sisley (1839–1899); Edouard Manet (1832-83); Berthe Morisot (1841–1895); John Singer Sargent (1856–1925). Sehen Impressionistische Maler .
Postimpressionisten (blühte 1880-1900)
Zu den modernen Künstlern, die sich von der impressionistischen Malerei des Mainstreams trennten, gehörten: James Abbott McNeill Whistler (1834–1903); Georges Seurat (1859 & ndash; 1891); Paul Cezanne (1839 & ndash; 1906); Van Gogh (1853–1890); Paul Gauguin (1848–1903); Henri Matisse (1869–1954). Sehen: Postimpressionistische Maler .
Plakatkünstler
Die Plakatkunst, die sich um die Belle Epoque in Paris dreht, wurde durch die Kreativität (und Erfindungen) von Jules Cheret (1836-1932), dem wundervollen "Cabaret Du Chat Noir" -Plakat von Theophile Steinlen (1859-1923), dem Theaterplakat, veranschaulicht von Toulouse-Lautrec (1864-1901) und die Jugendstilarbeiten von Alphonse Mucha (1860-1939). Nachdem Mucha nach Amerika gereist war, kam der talentierte Leonetto Cappiello (1875-1942) aus Italien nach Paris. Ein weiterer wichtiger Plakat- und Bühnenbildner war Leon Bakst (1866-1924), der mit dem nach Paris kam Ballets Russes geführt von Sergei Diaghilev.
Primitive / Fantasiekünstler
Diese lose Kategorie umfasst den naiven Henri Rousseau (1844-1910) (Le Douanier) und die vielseitigen Symbolisten Paul Klee (1879–1940) und Marc Chagall (1887-1985).
Realisten
Außerhalb Europas blühte der moderne Realismus auf und umfasste die höchsten Meister der Redewendung: Winslow Homer (1836-1910), Thomas Eakins (1844-1916) und Ilya Repin (1844-1930). Siehe auch: Realistische Künstler .
Expressionisten (blühte 1905-1933)
Beeinflusst vom Fauvismus wurde die expressionistische Bewegung durch die Werke von Kandinsky, Munch, Modigliani (1884-1920), Egon Schiele (1890-1918), Kirchner, Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980) veranschaulicht. und Otto Dix (1891-1969). Siehe auch Expressionistische Maler .
Kubisten (blühte 1908-14)
Diese revolutionäre abstrakte Kunstbewegung wurde von Braque und Picasso mitbegründet und erhielt wertvolle Beiträge von modernen Künstlern wie Juan Gris, Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) und Marcel Duchamp (1887-1968). Sehen: Kubistische Maler .
Abstrakte Maler
Die größten Vertreter der Abstraktion in der Neuzeit waren Kasimir Malewitsch (1878-1935); Piet Mondrian (1872–1944). Sehen: Abstrakte Maler .
Art Deco (1920er, 1930er Jahre)
Der berühmteste Vertreter dieser Kunst- und Designbewegung war wahrscheinlich der glamouröse Porträtist der polnisch-russischen Gesellschaft Tamara de Lempicka (c.1895-1980).
Surrealisten
Zu den führenden Malern der dominierenden Kunstbewegung in den späten 1920er und 1930er Jahren gehörten Joan Miro (1893-1983), Rene Magritte (1898-1967) und Salvador Dali (1904-89). Sehen: Surrealistische Künstler .
Abstrakte Expressionisten
Die Malerei des abstrakten Expressionismus war die erste große amerikanische Kunstbewegung. Zu den führenden Mitgliedern der New Yorker Schule gehörten Rothko, Pollock, Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-70), Robert Motherwell (1915-91). Franz Kline (1910-62) und andere.
Pop-Künstler
Dieser populäre Stil der modernen Kunst verdrängte den intellektuelleren Abstrakten Expressionismus und wurde durch Maler wie Andy Warhol (1928-87) und Roy Lichtenstein (1923-97) veranschaulicht.
Moderne Bildhauer
Zu den führenden Bildhauern der Neuzeit gehörten: der expressive Realist Auguste Rodin (1840-1917); die Expressionisten Ernst Barlach (1870-1938) und Wilhelm Lehmbruck (1881-1919); der avantgardistische Künstler Constantin Brancusi (1876-1957); der Futurist Umberto Boccioni (1882-1916), der Kubist Alexander Archipenko (1887-1964), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), Ossip Zadkine (1890-1967), Jacques Lipchitz (1891-1973) und Naum Gabo (1890) -1977); die Kinetiker Alexander Calder (1898-1976) und Jean Tinguely (1925-91); und der Schweizer minimalistische Bildhauer Alberto Giacometti (1901-66). Andere Formen der Moderne sind die primitiven Werke von Modigliani (1884-1920) und Jacob Epstein (1880-1959); und die als "Readymades" bekannten "Fundstücke" von Marcel Duchamp (1887-1968). In der Zwischenzeit verkörperten Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-75) und Ben Nicholson (1894-1982) die moderne britische Skulptur. Beispiele für die moderne Skulptur in Amerika sind James Earle Fraser (1876-1953), Daniel Chester French (1850-1931), Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973) und Gutzon Borglum (1867-1941). Die Moderne der Mitte des 20. Jahrhunderts wird durch die Assemblagen von Louise Nevelson (1899-1988) und Cesar Baldaccini (1921-98) dargestellt. die heroischen Statuen von Jewgeni Wutschetitsch (1908-74); und die emotionalen Holocaust-Skulpturen von Wiktor Tolkin (1922-2013) und Nandor Glid (1924-97). Siehe auch: Bildhauer des 20. Jahrhunderts .
Kunst Wertschätzung
Sehen: Wie man moderne Skulptur schätzt (Seit 1850).
Moderne Druckereien
Moderne Exponenten der Druckgrafik – Gravur, Radierung, Lithografie und Siebdruck – sind unter anderem: Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), MC Escher (1898-1972), Willem de Kooning (1904-97), Robert Rauschenberg (1925-2008) Andy Warhol (1928-87).
Moderne Glasmaler
Zu den wichtigsten Vertretern der Glasmalerei gehörten: Marc Chagall (1887-1985), Joan Miro (1893-1983), Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) und Evie Hone (1894-1955).
Moderne Fotografen
Die moderne Fotokunst (1870-1970) verdankt sich den Pionierleistungen von Alfred Stieglitz (1864-1946) und Edward Steichen (1879-1973). Ansonsten wird die modernistische Fotografie durch die Bildsprache von hervorgehoben Man Ray (1890-1976); die Landschaften von Ansel Adams (1902 & ndash; 84); die Architekturfotos von Eugene Atget (1857-1927) und Bernd und Hilla Becher; die Modeaufnahmen von Norman Parkinson (1913-90), Irving Penn (1917-2009) und Richard Avedon (1923-2004); die Porträtmalerei von Julia Margaret Cameron (1815–79), Dorothea Lange (1895–1965) & Walker Evans (1903–1975); und die Straßenfotografie von Henri Cartier-Bresson (1908–2004).
Welches sind die 25 größten modernen Gemälde?
Hier finden Sie eine chronologische Liste der besten Beispiele der modernen Malerei (1870-1970), die unser Herausgeber ausgewählt hat.
Eindruck, Sonnenaufgang (1873) Musee Marmottan Monet, Paris.
Von Claude Monet (1840-1926)
Tanzen Sie im Le Moulin de la Galette (1876) Musee d’Orsay, Paris
Von Renoir (1841-1919)
The Gross Clinic (1875) Universität von Pennsylvania.
Von Thomas Eakins (1844-1916)
Die Töchter von Edward Darley Boit (1882) Boston Museum of Fine Arts.
Von John Singer Sargent (1856-1925)
Religiöse Prozession in Kursk Gubernia (1883) Tretjakow-Galerie.
Von Ilja Repin (1844-1930)
Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte (1884-6) AIC.
Von Georges Seurat (1859-1891)
Caféterrasse bei Nacht, Arles (1888) Yale University Art Gallery.
Von Vincent van Gogh (1853-1890)
The Scream (1893) Öltempera & Pastell, National Gallery, Oslo.
Von Edvard Munch (1863-1944)
Mädchen mit Fächer (1902) Folkwang Museum, Hessen.
Von Paul Gauguin (1848-1903)
Die großen Badenden (Les Grandes Baigneuses) (1906) National Gallery, London; Kunstmuseum, Philadelphia; Barnes Foundation, Merion, PA.
Von Paul Cezanne (1839–1906)
Der Kuss (1907-8) Öl & Gold auf Leinwand, Österreichischegallerie, Wien.
Von Gustav Klimt (1862-1918)
Les Demoiselles d’Avignon (1907) Museum of Modern Art, New York.
Von Pablo Picasso (1881-1973)
La Danse (1910) Hermitage, St. Petersburg.
Von Henri Matisse (1869-1954)
Dynamik eines Hundes an der Leine (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
Von Giacomo Balla (1871-1958)
Akt beim Treppenabstieg Nr. 2 (1912) Philadelphia Museum of Art.
Von Marcel Duchamp (1887-1968)
Sitzender Akt (1916), Courtauld Institute, London.
Von Amedeo Modigliani (1884-1920)
Le Coquelicot (Die Mohnblume) (1919) Toulouse-Lautrec Museum, Albi.
Von Kees van Dongen (1877-1968)
Mädchen mit Handschuhen (1929) Privatsammlung.
Von Tamara de Lempicka (1895-1980)
Amerikanische Gotik (1930) oil on beaverboard, Kunstinstitut von Chicago.
Von Grant Wood (1891-1942)
Guernica (1937) Öl auf Leinwand, Museum Reina Sofia, Madrid.
Von Pablo Picasso (1881-1973)
Nighthawks (1942) Kunstinstitut von Chicago.
Von Edward Hopper (1882-1967)
Broadway Boogie Woogie (1942-3) Museum für moderne Kunst, New York.
Von Piet Mondrian (1872-1944)
Nr.1, 1950 (Lavender Mist) (1950) National Gallery, Washington DC.
Von Jackson Pollock (1912-56)
Frau 1 (1950-2) Museum of Modern Art, New York.
Von Willem De Kooning (1904-97)
Der Hörraum (1952) Menil Collection, Houston.
Von Rene Magritte (1898-1967)
Der schreiende Papst (1953) Sammlung William Burden, New York.
Von Francis Bacon (1909-92)
Vier Marilyns (1962) Privatsammlung.
Von Andy Warhol (1928-86)
Welches sind die 25 größten modernen Skulpturen?
Hier finden Sie eine chronologische Liste der besten Werke der modernen Bildhauerei (1870-1970), die von unserem Herausgeber zusammengestellt wurden.
David (um 1872) Bronze, Musée d’Orsay, Paris.
Von Marius Jean Antonin Mercier (1845-1916)
Freiheitsstatue (1886) Kupfer, Liberty Island, New Yorker Hafen.
Von Frederic-Auguste Bartholdi (1834-1904)
Kleiner Tänzer im Alter von vierzehn (1879-81) Bronze, Musee d’Orsay, Paris.
Von Edgar Degas (1834-1917)
Der Kuss (1888-9) Marmor, Musee Rodin, Paris.
Von Auguste Rodin (1840-1917)
Stehender Akt (1907) Musee National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris.
Von Andre Derain (1880-1954)
Der Kussstein (1907), Hamburgerkunsthalle, Hamburg.
Von Constantin Brancusi (1876-1957)
Walking Woman (1912) Denver Kunstmuseum.
Von Alexander Archipenko (1887-1964)
Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913) Museum of Modern Art, NY.
Von Umberto Boccioni (1882-1916)
Das große Pferd (1914-18) Original im Philadelphia Museum of Art.
Von Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
Ende der Spur (1915) Brookgreen Gardens, Murrells Inlet, USA.
Von James Earle Fraser (1876-1953)
Fallen Man (1915-16) Neue Nationalgalerie, Berlin.
Von Wilhelm Lehmbruck (1881-1919)
Konstruierter Kopf Nr. 2 (1916) Nasher Sculpture Center, Dallas.
Von Naum Gabo (1890-1977)
Statue von Lincoln (1922) Lincoln Memorial, Washington DC.
Von Daniel Chester French (1850-1931)
Frau mit Gitarre (1927) Privatsammlung.
Von Jacques Lipchitz (1891-1973)
Mount Rushmore-Präsidentenporträts (1927-41) South Dakota.
Von Gutzon Borglum (1867-1941) und seinem Sohn Lincoln Borglum (1912-86)
Adam (1938) Harewood House, Leeds, Großbritannien.
Von Jacob Epstein (1880-1959)
Kämpfende Hengste (1950) Hyatt Huntingdon Sculpture Garden, S. Carolina.
Von Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973)
Die zerstörte Stadt (1953) Schiedamse Dijk, Rotterdam.
Von Ossip Zadkine (1890-1967)
Sky Cathedral (1958) Assemblage, Museum für moderne Kunst, New York.
Von Louise Nevelson (1899-1988)
Walking Man I (1960) Fondation Maeght, Saint-Paul-de-Vence.
Von Alberto Giacometti (1901-66)
Geteilter Kopf (1963) Bronze, Fiorini, London.
Von Cesar Baldaccini (1921-98)
Locking Piece (1963-4) Henry-Moore-Stiftung, Millbank, London.
Von Henry Moore .
Die Mutterlandsrufe (1967) Mamayev Kurgan, Stalingrad (jetzt Volgagrad)
Von Yevgeny Vuchetich (1908-74)
Das Dachauer Denkmal (1968) München.
Von Nandor Glid (1924-97)
Das Majdanek-Denkmal (1969) Lublin, Polen.
Von Wiktor Tolkin (1922-2013).
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