Moderne Kunst: Geschichte, Charakteristika, Bewegungen Automatische übersetzen

Der Begriff „moderne Kunst“ (Moderne Kunst oder „Modernismus“) hat keine genaue Definition: Er bleibt ein dehnbarer Begriff, der eine Vielzahl von Bedeutungen haben kann. Das ist nicht verwunderlich, da wir uns ständig in der Zeit vorwärts bewegen und das, was heute als „moderne Malerei“ oder „moderne Bildhauerei“ gilt, in fünfzig Jahren vielleicht nicht mehr als modern angesehen wird. Dennoch ist es üblich zu sagen, dass „moderne Kunst“ – Werke sind, die in der Zeit von 1870-1970 entstanden sind.

Diese „modernistische Ära“ folgte auf eine lange Periode der Dominanz der von der Renaissance inspirierten akademischen Kunst, die durch das Netzwerk der europäischen Kunstakademien gefördert wurde. Es folgt die „Aktuelle Kunst“ (seit 1970), deren avantgardistischste Form auch als „Postmoderne Kunst“ bezeichnet wird. Diese Chronologie stimmt mit den Ansichten vieler Kunsthistoriker und Kunstinstitutionen überein, aber nicht mit allen. Sowohl die Tate Modern in London als auch das Nationalmuseum für moderne Kunst im Centre Pompidou in Paris betrachten beispielsweise das Jahr 1900 als Ausgangspunkt für die „moderne Kunst“. Außerdem unterscheiden weder sie noch das Museum of Modern Art in New York zwischen Werken der „Moderne“ und der „Postmoderne“, sondern betrachten beide als Phasen der „Moderne“.

Beachten Sie, dass die „-Moderne“ nicht dasselbe ist wie die „-Moderne“. Während „Moderne“ eine Epoche ist (um die es auf dieser Seite geht), die viele verschiedene Stile und Kunstströmungen umfasst, ist „Moderne“ ein bestimmter Stil.

Beim Versuch, Kunstgeschichte zu verstehen, ist es übrigens wichtig zu erkennen, dass sich die Kunst nicht über Nacht verändert, sondern vielmehr die breiteren (und langsameren) Prozesse der Gesellschaft widerspiegelt. Sie spiegelt auch die Weltanschauung des Künstlers wider. So kann beispielsweise ein Kunstwerk aus dem Jahr 1958 durchaus „postmodern“ sein (wenn der Künstler eine sehr avantgardistische Weltanschauung hat – ein gutes Beispiel ist „Neuer Realismus“ von Yves Klein); während ein anderes Werk, das 1980 von einem konservativen Künstler geschaffen wurde, eher als ein Rückgriff auf die Zeiten der „zeitgenössischen Kunst“ als ein Beispiel für „aktuelle Kunst“ gesehen werden könnte. In der Tat ist es wahrscheinlich richtig, dass mehrere verschiedene Kunstbewegungen, d.h. mehrere Ästhetiken, einige hypermodern, einige altmodisch – gleichzeitig existieren können. Es sei auch daran erinnert, dass viele dieser Begriffe (z. B. „zeitgenössische Kunst“) erst im Nachhinein erfunden werden.

ANMERKUNG: Die 1960er Jahre gelten allgemein als das Jahrzehnt, in dem sich die künstlerischen Werte allmählich von der „Moderne“ zur „Postmoderne“ wandelten. Das bedeutet, dass eine gewisse Zeit lang beide Wertesysteme nebeneinander existierten.

Für wichtige Daten, siehe: Chronologie der Kunstgeschichte (beginnend mit 2,5 Millionen vor Christus)

Was waren die Ursprünge der modernen Kunst?

Um die Ursprünge „der modernen Kunst“ zu verstehen, sollten wir einen kleinen geschichtlichen Hintergrund geben. Das neunzehnte Jahrhundert war eine Zeit bedeutender und rasch zunehmender Veränderungen. Infolge der Industriellen Revolution (ca. 1760-1860) begannen enorme Veränderungen in den Bereichen Produktion, Transport und Technologie die Art und Weise zu beeinflussen, wie die Menschen in Europa und Amerika lebten, arbeiteten und reisten. Die Städte wuchsen und gediehen, als die Menschen die ländlichen Gebiete verließen, um in den städtischen Fabriken Arbeit zu finden. Diese von der Industrie inspirierten sozialen Veränderungen führten zu größerem Wohlstand, aber auch zu beengten und beengenden Lebensbedingungen für die meisten Arbeiter. Dies wiederum führte zu einer verstärkten Nachfrage nach städtischer Architektur, zu einer wachsenden Nachfrage nach angewandter Kunst und Design – siehe z. B. den Artikel über die Bauhaus-Schule – und zum Entstehen einer neuen Klasse wohlhabender Unternehmer, die zu Sammlern und Mäzenen der Künste wurden. Diese Magnaten des neunzehnten Jahrhunderts gründeten viele der besten Kunstmuseen der Welt.

Darüber hinaus hatten zwei weitere Ereignisse einen direkten Einfluss auf die bildende Kunst dieser Zeit. Zum einen erfand der amerikanische Künstler John Rand (1801-1873) 1841 Zinndosen für Ölfarben (in denen sie nicht eintrocknen konnten), und später wurden Tuben eingeführt. Zweitens wurden große Fortschritte in der Fotografie gemacht, die es den Künstlern ermöglichte, Szenen zu fotografieren, die später im Atelier gemalt werden konnten. Beide Entwicklungen kamen einem neuen Malstil zugute, der abschätzig als „Impressionismus“ bezeichnet wurde und die Art und Weise, wie Künstler die Welt um sich herum malten, radikal veränderte und zur ersten großen Schule der modernen Kunst wurde.

Die gesellschaftlichen Veränderungen des 19. Jahrhunderts beeinflussten nicht nur die Art und Weise, wie Künstler Kunst schufen, sondern inspirierten die Künstler auch dazu, nach neuen Themen zu suchen. Anstatt sklavisch der Hierarchie der Gattungen zu folgen und sich mit akademischen Themen zu begnügen, die mit Religion und griechischer Mythologie zu tun hatten, durchsetzt mit Porträts und „bedeutenden“ Landschaften – alles Themen, die den Betrachter erheben und belehren sollten, – begannen die Künstler, Kunst über die Menschen, Orte oder Ideen zu schaffen, die sie interessierten. Die Städte – mit ihren neuen Bahnhöfen und neuen Slums – waren eine offensichtliche Wahl und gaben Anlass zu einer neuen Klasse von Genrebildern und Stadtbildern. Andere Themen waren die Vorstadtdörfer und Erholungsgebiete, die durch die neuen Eisenbahnnetze erschlossen wurden und die neue Formen der Landschaftsmalerei von Monet, Matisse und anderen inspirierten. Auch das Genre der Historienmalerei wurde durch Benjamin West (1738-1820), der mit „Der Tod des Generals Wolfe“ (1770, National Gallery of Art, Ottowa) das erste „moderne“ Historienbild malte, und Goya (1746-1828), dessen Dritter Mai 1808 (1814, Prado, Madrid) ein innovatives, unheroisches Idiom einführte.

Das neunzehnte Jahrhundert war auch Zeuge einer Reihe von philosophischen Entwicklungen, die einen bedeutenden Einfluss auf die Künste hatten. Das Aufkommen des politischen Denkens veranlasste beispielsweise Courbet und andere, eine sozial bewusste Form der realistischen Malerei zu fördern – siehe auch den Artikel Vom Realismus zum Impressionismus). Darüber hinaus machte die Veröffentlichung von „Die Traumdeutung“ (1899) von Sigmund Freud den Begriff des „Unterbewusstseins“ populär und veranlasste Künstler, sich mit dem Symbolismus und später dem Surrealismus auseinanderzusetzen. Das von Freud geförderte neue Selbstbewusstsein führte zur Entstehung des deutschen Expressionismus (oder fiel zumindest damit zusammen), da sich die Künstler dem Ausdruck ihrer subjektiven Gefühle und Erfahrungen zuwandten.

Wann ist die moderne Kunst entstanden?

Als Geburtsdatum „der modernen Kunst“ wird meist das Jahr 1863 angegeben – das Jahr, in dem Édouard Manet (1832-1883) sein schockierendes und respektloses Gemälde „Frühstück im Gras“ auf dem Salon des Refusés in Paris ausstellte. Trotz Manets Respekt vor der Französischen Akademie und der Tatsache, dass es dem Werk des Renaissance-Raphaels nachempfunden war, wurde es als eines der skandalösesten Gemälde der Zeit angesehen.

Aber es war einfach ein Symbol für die umfassenderen Veränderungen, die sich in den verschiedenen Künsten sowohl in Frankreich als auch im übrigen Europa vollzogen. Eine neue Generation von „Modernisten“ war es leid, den traditionellen akademischen Kunstformen des 18. und frühen 19. Jahrhunderts zu folgen, und begann, eine Reihe von „modernen Gemälden“ zu produzieren, die auf neuen Themen, neuen Materialien und kühnen neuen Methoden basierten. Auch die Bildhauerei und die Architektur litten darunter – und im Laufe der Zeit sollten ihre Veränderungen sogar noch revolutionärer werden, – aber die Malerei erwies sich als das erste große Schlachtfeld zwischen den Konservativen und den neuen „Modernisten“.

Was ist das Hauptmerkmal der modernen Kunst?

Was wir als „moderne Kunst“ bezeichnen, dauerte ein Jahrhundert und umfasste Dutzende verschiedener künstlerischer Bewegungen, die fast alles abdeckten, von der reinen Abstraktion bis zum Hyperrealismus; von Anti-Kunst-Schulen wie Dada und Fluxus bis zur klassischen Malerei und Bildhauerei; vom Jugendstil bis zum Bauhaus und der Pop Art. Die Vielfalt war so groß, dass es schwierig ist, ein einheitliches Merkmal zu finden, das diese Epoche definiert. Aber wenn es etwas gibt, das die zeitgenössischen Künstler sowohl von den früheren Traditionalisten als auch von den späteren Postmodernisten unterscheidet, dann ist es ihr Glaube an den Wert der Kunst. Für sie hatte die Kunst einen realen Wert. Im Gegensatz dazu haben ihre Vorgänger einfach angenommen, dass sie einen Wert hat. Schließlich lebten sie in einem Zeitalter, das von christlichen Wertesystemen beherrscht wurde, und befolgten einfach „die Regeln“. Und diejenigen, die nach der Moderne kamen (ab 1970 und später), die so genannten „Postmodernen“, lehnten die Idee, dass die Kunst (oder das Leben) irgendeinen Eigenwert hat, weitgehend ab.

Wie unterscheidet sich die moderne Kunst? (Merkmale)

Obwohl „die moderne Kunst“ kein einzelnes definierendes Merkmal hat, ist sie durch eine Reihe wichtiger Merkmale gekennzeichnet, nämlich

❶ Neue Kunstformen

Zeitgenössische Künstler waren die ersten, die Collagen, verschiedene Formen der Assemblage, eine Vielzahl von kinetischen Künsten (einschließlich Mobiles), verschiedene Gattungen der Fotografie, Animation (Zeichnung plus Fotografie), Land Art oder Erdarbeiten und Performance Art entwickelten.

❷ Verwendung von neuen Materialien

Zeitgenössische Künstler befestigten Objekte wie Zeitungsfragmente und andere Gegenstände an ihren Leinwänden. Bildhauer verwendeten „gefundene Gegenstände“, wie „Redi-mades“ von Marcel Duchamp, aus denen sie Trödelkunstwerke schufen. Die Assemblagen wurden aus den gewöhnlichsten Alltagsgegenständen wie Autos, Uhren, Koffern, Holzkisten und anderen Objekten geschaffen.

❸ Ausdrucksstarke Verwendung von Farben

Moderne Kunstrichtungen wie der Fauvismus, der Expressionismus und die Farbfeldmalerei waren die ersten, die Farbe in bedeutendem Maße einsetzten.

❹ Neue Methoden

Die Chromolithografie wurde von dem Plakatkünstler Jules Chéret erfunden, das automatische Zeichnen wurde von surrealistischen Künstlern entwickelt, ebenso wie Frottage und Decalcomania. Gesturalistische Künstler erfanden das Action Painting. Pop-Art-Künstler führten Benday-Punkte „und Siebdruck in der bildenden Kunst ein“. Andere Bewegungen und Schulen der modernen Kunst, die neue Maltechniken einführten, waren: Neoimpressionismus, Macchiaioli, Synthetismus, Cloisonnismus, Gesturalismus, Tachismus, kinetische Kunst, Neo-Dada und Op-Art.

Wie hat sich die moderne Kunst von 1870 bis 1970 entwickelt?

1870-1900

Obwohl das letzte Drittel des 19. Jahrhunderts in gewisser Weise von der neuen impressionistischen Malerei dominiert wurde, gab es mehrere bahnbrechende Bewegungen der modernen Kunst, die jeweils ihren eigenen Schwerpunkt hatten. Zu ihnen gehören: Impressionismus (präzise Wiedergabe der Wirkung des Sonnenlichts); Realismus (genaue Wiedergabe des Inhalts); Akademische Kunst (lebendige Gemälde im klassischen Stil); Romantik (Stimmung); Symbolismus (rätselhafte Ikonographie); Lithographisches Plakat (kühne Motive und Farben). Im letzten Jahrzehnt gab es mehrere Aufstände gegen die Akademien und ihre „Salons“ in Form der Sezessionsbewegung, und in den späten 1890er Jahren kam es zum Niedergang der „natürlichen Kunst“ wie dem Impressionismus, was bald zum Aufkommen einer ernsthafteren, auf Botschaften basierenden Kunst führte.

1900-1914

In vielerlei Hinsicht war dies die aufregendste Periode der modernen Kunst, als noch alles möglich war und als „die Maschine“ noch ausschließlich als der Freund des Menschen angesehen wurde. Künstler in Paris schufen eine Reihe neuer Stile, darunter Fauvismus, Kubismus und Orphismus, und deutsche Künstler gründeten ihre eigene Schule der expressionistischen Malerei. Alle diese fortschrittlichen Bewegungen lehnten die traditionellen Kunstauffassungen ab und vertraten ihre eigenen Vorstellungen von Modernität. So wollte der Kubismus die formalen Eigenschaften der Malerei in den Vordergrund stellen, während der Futurismus die Möglichkeiten der Maschine betonte und der Expressionismus die individuelle Wahrnehmung propagierte.

1914-1924

Das Gemetzel und die Zerstörung des Ersten Weltkriegs verändern die Situation völlig. 1916 beginnt die Dada-Bewegung, die von einem nihilistischen Drang erfüllt ist, das Wertesystem zu stürzen, das Verdun und die Somme hervorgebracht hatte. Plötzlich erschien die bildende Kunst obszön. Keine Bilder konnten mit den Fotografien der Kriegstoten konkurrieren. Die Künstler wandten sich bereits mehr und mehr der objektlosen Kunst als Ausdrucksmittel zu. Zu den Bewegungen in der abstrakten Kunst jener Zeit gehörten der Kubismus (1908-40), der Vortizismus (1914-15), der Suprematismus (1913-18), der Konstruktivismus (1914-32), De Stijl (1917-31), der Neo-Plastizismus (1918-26), der Elementarismus (1924-31), das Bauhaus (1919-33) und die spätere Schule von St. Ives. Sogar einige figurative Bewegungen waren ausgesprochen kantig, wie die „Metaphysische Malerei“ (1914-20). Aber vergleichen Sie das frühe 20. Jahrhundert - Klassisches Revival in der modernen Kunst und Picassos neoklassische Malerei (1906-30).

1924-1940

Die Zwischenkriegsjahre sind weiterhin von politischen und wirtschaftlichen Problemen geprägt. Abstrakte Malerei und Bildhauerei setzten sich durch, während die realistische bildende Kunst sehr unmodern blieb. Sogar der realistische Flügel der surrealistischen Bewegung, der größten Bewegung dieser Zeit, konnte sich nur mit einer phantastischen Darstellung der Realität begnügen. In der Zwischenzeit zeichnet sich auf dem Kontinent eine düstere Realität in Form von Nazi-Kunst und sowjetischer Agitpropaganda ab. Nur das Art déco, ein eher eleganter Designstil, der sich auf Architektur und Kunstgewerbe konzentrierte, drückte Zuversicht in die Zukunft aus.

1940-1960

Durch die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs wird die Kunstwelt verändert. Zunächst verlagerte sich ihr Schwerpunkt von Paris nach New York, wo sie seither geblieben ist. Fast alle künftigen Weltrekordpreise werden in den New Yorker Verkaufsräumen von Christie’s und Sotheby’s erzielt. In der Zwischenzeit untergräbt das unsägliche Phänomen von Auschwitz den Wert aller realistischen Kunst mit Ausnahme der Holocaust-Kunst der Leidtragenden. Infolgedessen schufen die amerikanischen Künstler der New York School die nächste große internationale Bewegung – den Abstrakten Expressionismus. In den nächsten 20 Jahren sollte die Abstraktion dominieren, während neue Bewegungen wie am Fließband entstanden. Dazu gehörten das Informel, das Action-Painting, der Gesturalismus, der Tachismus, die Farbfeldmalerei, die Lyrische Abstraktion, Hard Edge und COBRA, eine Gruppe, die für ihre kindliche Bildsprache und ihre expressiven Pinselstriche bekannt war. In den 1950er Jahren entstanden weitere avantgardistische Strömungen wie die kinetische Kunst, der moderne Realismus und Neo-Dada, die alle von einer wachsenden Ungeduld mit dem starren Kunstbetrieb zeugten.

1960-е

Die Explosion der populären Musik und des Fernsehens spiegelte sich in der Pop-Art-Bewegung wider, deren Darstellungen von Hollywood-Berühmtheiten und Ikonographie der Popkultur den Erfolg des amerikanischen Massenkonsums feierten. Sie hatte auch einen kühlen Sinn „für Trendigkeit“ und trug dazu bei, die Düsternis der frühen 60er Jahre rund um die Kubakrise von 1962 zu vertreiben, die in Europa zum Erfolg der von George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik und Wolf Fostell angeführten Fluxus-Bewegung beitrug. Die praktische Pop Art war auch ein willkommener Gegenpol zum gelehrteren Abstrakten Expressionismus, der bereits im Abklingen begriffen war. Die 1960er Jahre waren aber auch die Zeit des Aufschwungs einer anderen anspruchsvollen Bewegung, des Minimalismus, einer Malerei und Bildhauerei, die im Gegensatz zum emotionalen Idiom des abstrakten Expressionismus von allen äußeren Bezügen oder Gesten befreit war.

Zeitgenössische Fotografie

Fotografie – eines der wichtigsten und einflussreichsten neuen Medien, die in der „Moderne an Bedeutung gewonnen haben“. Vor allem vier Genres haben sich durchgesetzt. Dazu gehören: Porträtfotografie – ein Genre, das gemalte Porträts weitgehend ersetzt hat; Piktorialismus (1885-1915) eine Kunstform, bei der ein Fotograf ein gewöhnliches Foto so manipuliert, dass ein „künstlerisches“ Bild entsteht; Modefotografie (1880-heute) – Fotografie, die der Werbung für Kleidung, Schuhe, Parfüm und andere Markenartikel dient; Dokumentarfotografie (1860-heute), eine Art von scharfer Kameraarbeit, die einen Moment der Realität einfängt, um eine Botschaft über das Geschehen in der Welt zu vermitteln; und Straßenfotografie (1900-heute) die Kunst, die zufälligen Interaktionen menschlicher Aktivitäten in städtischen Gebieten einzufangen. Diese Genres, die von vielen der größten Fotografen der Welt praktiziert wurden, haben einen großen Beitrag zur modernen Kunst des 20.

Moderne Architektur

Modernismus in der Architektur – die Sache ist eher verwirrend. Der Begriff „Modernismus“ in der Baukunst wurde erstmals in den 1880er Jahren in Amerika verwendet, um Wolkenkratzer zu beschreiben, die von der Chicago School of Architecture (1880-1910) entworfen wurden, wie das Montauk Building (1882-83), das von Burnham and Root entworfen wurde; das Home Insurance House (1884.), entworfen von William Le Baron Jenney, und das Marshall Field Warehouse (1885-7), entworfen von Henry Hobson Richardson. Im 20. Jahrhundert entwickelte sich eine neue Art von Design, die als Internationaler Stil der modernen Architektur (ca. 1920-70) bekannt wurde. Ausgehend von Deutschland, Holland und Frankreich, wo er von Le Corbusier (1887-1965), Walter Gropius (1883-1969) und anderen geprägt wurde, verbreitete er sich in Amerika, wo er durch die Bemühungen von Mies van der Rohe (1886-1969), dem ehemaligen Leiter der Bauhaus-Schule, zur vorherrschenden Sprache der kommerziellen Wolkenkratzer wurde. Später etablierte sich das Zentrum des modernen Bauwesens dauerhaft in den Vereinigten Staaten, vor allem durch das Aufkommen der ultrahohen Wolkenkratzer, die dann in die ganze Welt exportiert wurden.

Wann endete die moderne Kunst? Was trat an ihre Stelle?

Die Moderne hörte nicht einfach auf, sondern wurde allmählich von den Ereignissen der späten 1960er Jahre überholt – eine Periode, die mit dem Aufkommen der Massen-Popkultur und dem Aufkommen antiautoritärer Herausforderungen (in sozialen und politischen Bereichen wie auch in der Kunst) an den bestehenden Kanon zusammenfiel. Das Schlüsseljahr war 1968, als die Tet-Offensive, die Ermordung von Martin Luther King und Bobby Kennedy sowie Straßendemonstrationen in europäischen Hauptstädten stattfanden. Da die Moderne zunehmend altmodisch wirkte, wich sie der so genannten „aktuellen Kunst“, d. h. „der Kunst unserer Zeit“. Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ ist neutral in Bezug auf die Fortschrittlichkeit der betreffenden Kunst, so dass ein anderer Ausdruck – „Postmoderne“ oft verwendet wird, um sich auf die zeitgenössische Avantgardekunst zu beziehen . Schulen der „postmodernen Kunst“ befürworten eine neue Ästhetik, die sich durch eine größere Aufmerksamkeit für Medium und Stil auszeichnet. Sie stellen zum Beispiel den Stil über den Inhalt (z. B. nicht „was“, sondern „wie“ ; nicht „Kunst um der Kunst willen“, sondern „Stil um des Stils willen“) und messen der Kommunikation des Künstlers mit dem Publikum eine viel größere Bedeutung bei.

Welches sind die wichtigsten Trends in der zeitgenössischen Kunst?

Die einflussreichsten Bewegungen „der modernen Kunst“ sind
❶ der Impressionismus,
❷ der Fauvismus,
❸ der Kubismus,
❹ der Futurismus,
❺ der Expressionismus,
❻ der Dadaismus,
❼ der Surrealismus,
❽ der abstrakte Expressionismus und
❾ die Pop-Art.

❶ Impressionismus (1870er, 1880er Jahre)

Der Impressionismus, vertreten durch die Landschaftsbilder von Claude Monet (1840-1926), konzentrierte sich auf die fast unmögliche Aufgabe, flüchtige Momente von Licht und Farbe einzufangen. Es wurden nicht-naturalistische Farbschemata und ein lockerer, oft stark strukturierter Malstil eingeführt. Die Nahaufnahme vieler impressionistischer Gemälde war nicht mehr wiederzuerkennen. Bei der breiten Öffentlichkeit und den Kunstbehörden sehr unbeliebt, aber bei anderen zeitgenössischen Künstlern, Händlern und Sammlern hoch angesehen. Wurde schließlich die berühmteste Malereibewegung der Welt. Siehe: Merkmale der impressionistischen Malerei (1870-1910). Der Hauptbeitrag des Impressionismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, die Verwendung nicht-naturalistischer Farben zu legitimieren und damit den Weg für die völlig nicht-naturalistische abstrakte Kunst des 20.Jahrhunderts zu ebnen.

❷ Fauvismus (1905-7)

Kurzlebig, dramatisch und sehr einflussreich, unter der Führung von Henri Matisse (1869-1954) war der Fauvismus ein „modischer“ Stil in der Mitte des 19. Der neue Stil wurde auf dem Herbstsalon vorgestellt und wurde sofort für seine hellen, lebhaften, nicht-naturalistischen Farben bekannt, die den Impressionismus fast monochrom erscheinen ließen! Ein wichtiger Vorläufer des Expressionismus. Siehe: Geschichte der expressionistischen Malerei (1880-1930). Der Hauptbeitrag des Fauvismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, die unabhängige Kraft der Farbe zu demonstrieren. Dieser sehr subjektive Zugang zur Kunst unterschied sich von der klassischen, inhaltsorientierten akademischen Weltanschauung.

❸ Kubismus (1908-14)

Der Kubismus ist ein strenger und komplexer Malstil, der ein Kompositionssystem mit flachen, gespaltenen Ebenen als Alternative zu der von der Renaissance inspirierten linearen Perspektive und den abgerundeten Volumen vorstellt. Entwickelt von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) in zwei Varianten – Analytischer Kubismus und der spätere Synthetische Kubismus – er beeinflusste die abstrakte Kunst in den nächsten 50 Jahren, obwohl seine Popularität begrenzt war. Der Hauptbeitrag des Kubismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, eine völlig neue Alternative zur traditionellen Perspektive anzubieten, die auf der unausweichlichen Tatsache einer flachen Bildebene beruhte.

❹ Futurismus (1909-14)

Die von Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) begründete futuristische Kunst verherrlichte Geschwindigkeit, Technologie, Automobile, Flugzeuge und wissenschaftliche Errungenschaften. Obwohl sie sehr einflussreich war, nahm sie starke Anleihen beim Neoimpressionismus und italienischen Divisionismus sowie beim Kubismus, insbesondere bei den fragmentierten Formen und den multiplen Sichtweisen. Der Hauptbeitrag des Futurismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, Bewegung auf die Leinwand zu bringen und Schönheit mit wissenschaftlichem Fortschritt zu verbinden.

❺ Expressionismus (ab 1905)

Obwohl er von Künstlern wie Turner (Interieur in Petworth, 1837), Van Gogh (Weizenfeld mit Krähen, 1890) und Paul Gauguin (Anne von Javan, 1893) vorweggenommen wurde, machten zwei Gruppen den Expressionismus im Vorkriegsdeutschland berühmt: di Brucke (Dresden-Berlin) und Blauer Reiter (München), angeführt von Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) bzw. Wassily Kandinsky (1866-1944). In der Bildhauerei waren (und sind) die Formen des Duisburger Künstlers Wilhelm Lembruck (1881-1919) erhaben. Der wichtigste Beitrag des Expressionismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, die Idee der Subjektivität in der Malerei und der Bildhauerei zu popularisieren und zu zeigen, dass die bildende Kunst legitimerweise subjektive Verzerrungen enthalten kann.

❻ Dadaismus (1916-24)

Die erste Anti-Kunst-Bewegung, der Dadaismus, war eine Revolte gegen das System, das das Gemetzel des Ersten Weltkriegs (1914-18) zuließ. Sie entwickelte sich schnell zu einer anarchistischen Strömung, die das Ziel verfolgte, den Kunstbetrieb zu untergraben. Die 1916 in der neutralen Schweiz gegründete Gruppe bestand aus etwas mehr als zwanzig Personen, von denen die meisten „sich weigerten“, in den sicheren Häfen neutraler Städte wie New York, Zürich und Barcelona eingezogen zu werden. Die Begründer waren der Bildhauer Jean Arp (1887-1966) und der rumänische Dichter und Dämonenaktivist Tristan Tzara (1896-1963). Dada hat vor allem dazu beigetragen, die Kunstwelt aufzurütteln und den Begriff der „modernen Kunst“ zu erweitern, indem er völlig neue Formen der Kreativität (Performance und Readymades) sowie neue Materialien (Junk Art) und Themen einbezog. Sein ausgeprägter Sinn für Humor blieb in der surrealistischen Bewegung erhalten.

❼ Surrealismus (ab 1924)

Der Surrealismus, der in Paris von dem Schriftsteller André Breton (1896-1966) gegründet wurde, war eine „modische“ Kunstbewegung der Zwischenkriegszeit, obwohl der Stil immer noch präsent ist. Sie setzte sich aus abstrakten und figurativen Flügeln zusammen und entwickelte sich aus der nihilistischen Dada-Bewegung, deren Mitglieder größtenteils zu Surrealisten wurden, war aber im Gegensatz zu Dada weder kunstfeindlich noch politisch. Surrealistische Künstler verwendeten eine Vielzahl von Techniken, darunter Träume, Halluzinationen und automatische oder zufällige Bilderzeugung, um rationale Denkprozesse bei der Schaffung von Kunstwerken zu umgehen. (Für weitere Informationen siehe Automatismus in der Kunst)) Der Hauptbeitrag des Surrealismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, eine erfrischend neue Art von Bildern zu schaffen. Es ist fraglich, ob diese Bilder eindeutig irrational waren. Aber surrealistische Kunst – sie macht definitiv Spaß!

❽ Abstrakter Expressionismus (1948-60)

Ein breiter Stil der abstrakten Malerei, der sich unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg in New York City entwickelte und daher auch als New Yorker Schule bezeichnet wird. Sie wurde von amerikanischen Künstlern angeführt, die ihrerseits stark von europäischen Auswanderern beeinflusst waren, und umfasste zwei Hauptstile: eine sehr lebhafte Form der gestischen Malerei, die von Jackson Pollock (1912-56) populär gemacht wurde , und einen viel passiveren, stimmungsorientierten Stil, der als „Colour Field“ bekannt ist und von Mark Rothko (1903-70) vertreten wurde . Der Hauptbeitrag des abstrakten Expressionismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, die Abstraktion zu popularisieren. In Pollocks Fall erfand er einen neuen Stil, der als „Action Painting“ bekannt ist – siehe Fotos im Text; in Rothkos Fall demonstrierte er die emotionale Wirkung großer Farbflächen.

❾ Pop-Art (späte 1950er, 1960er Jahre)

Ein Kunststil, dessen Bildsprache die Massenkultur und den Massenkonsum der 1960er Jahre in Amerika widerspiegelt. Sie tauchte erstmals Ende der 1950er Jahre in New York und London auf und wurde bis Ende der 1960er Jahre zum vorherrschenden Stil der Avantgarde. Mit plakativen, erkennbaren Bildern und leuchtenden Blockfarben schufen Pop-Künstler wie Andy Warhol (1928-87) eine Ikonografie, die auf Fotografien bekannter Persönlichkeiten wie Filmstars, Werbung, Plakaten, Verpackungen von Konsumgütern und Comic-Stoffen basiert. Dies trug dazu bei, die Kluft zwischen kommerzieller und bildender Kunst zu verringern. Der Hauptbeitrag des abstrakten Expressionismus zur „modernen Kunst“ bestand darin, zu zeigen, dass gute Kunst bescheiden sein und aus allem gemacht werden kann. Siehe: Andy Warhols Pop Art (ca. 1959-73) .

Liste der Schulen und Bewegungen in der modernen Kunst

Hier ist eine Liste der Bewegungen und Schulen „der Moderne“.
- Abstrakt-expressionistische Malerei (1947-65).
Oberbegriff für die Nachkriegsstile, die gemeinsam als „New York School“ bekannt sind.
- Amerikanische Themenmalerei (1925-45).
Realistischer Stil, der das ländliche und kleinstädtische Amerika verherrlichte.
- Armory Show of Modern Art (1913)
Bahnbrechende Ausstellung für moderne Kunst in Amerika.
- Art Deco (1925-40)
Feines Design im Zusammenhang mit dem neuen „Zeitalter der Maschinen“.
- Art Informel (1950er Jahre)
Europäische Version des Abstrakten Expressionismus.
- Art Nouveau (1890-1914)
Geschwungenes Design. Auch Jugendstil (Deutschland), Stile Liberty (Italien) genannt.
- Arte Nucleare (1951-60)
Von der Kunst beeinflusste politische Gruppe, die Kunst für das Atomzeitalter schuf.
- Arts and Crafts Movement (1862-1914).
Bewegung gegen die Massenproduktion und für das Handwerk.
- Gruppe Ashcan School (Mülleimerschule) (1900-1915),
New York City, deren Gemälde Szenen aus Armenvierteln darstellten.
- Australischer Impressionismus (1886-1900)
Plein Air Heidelberger Schule, benannt nach den Lagern östlich von Melbourne.
- Biomorphe (organische) Abstraktion (1930er ~ 40er Jahre)
Abgerundete Formen nach dem Vorbild der Natur. Siehe die Werke von Henry Moore.
- Berliner Sezession (1898)
Eine abtrünnige Kunstorganisation, die von dem Künstler Max Liebermann geleitet wurde.
- Camden Town Group (1911-13)
Eine Gruppe englischer Impressionisten unter der Leitung von Walter Sickert.
- Cloisonnism (Partitionierung) (1888-94)
Ein Malstil mit hellen Farbflecken, die von dicken schwarzen Konturen umgeben sind.
- COBRA-Gruppe (1948-1951)
Europäisches Äquivalent der New Yorker gestischen oder „Aktionsmalerei“.
- Farbfeldmalerei (1948-68).
Ein Stil des abstrakten Expressionismus, der von Rothko, Barnett Newman und Clifford Still praktiziert wurde.
- Konstruktivismus (1914-32)
Von Wladimir Tatlin gegründete Bewegung für Kunst, Design und Architektur.
- Kubismus (1908-14)
Siehe oben: Wichtigste Bewegungen
- Dada (1916-24)
Siehe oben: Wichtigste Bewegungen
- Der Blaue Reiter (1911-14)
Eine Gruppe deutscher Expressionisten mit Sitz in München.
- De Stijl (1917-31)
Niederländische Avantgarde-Designgruppe, gegründet von Theo van Doesburg.
- Deutscher Werkbund (1907-33)
Deutsche Organisation zur Verbesserung des deutschen Industriedesigns und Handwerks.
- Di Brucke (1905-13)
Eine Gruppe deutscher Expressionisten in Dresden, später Berlin.
- Divisionalismus (1884-1904)
Theorie des Neoimpressionismus, auch als Chromoluminarismus bekannt.
- Existenzielle Kunst (1940er, 1950er Jahre)
Stil der Malerei und Bildhauerei, der von Robert Lapoujade und Giacometti verbreitet wurde.
- Expressionistische Bewegung (1880er Jahre).
Ein subjektiver, oft stark farbiger und verzerrter Malstil.
- Fauvismus (1905-1985).
Siehe oben: „Wichtigste Bewegungen“.
- Fluxus (1960er Jahre).
Avantgarde-Bewegung, verbunden mit Lettrismus, modernisiertem Realismus und Neo-Dada.
- Futurismus (1909-14)

Siehe oben: Wichtigste Bewegungen
- Hard Edge Painting (späte 1950er, 1960er Jahre)
Eine Variante der postmalerischen Abstraktion, eine Reaktion auf den Gesturalismus.
- Impressionismus (1870-1880)

Siehe oben: Wichtigste Strömungen
- Italienischer Divisionismus (1890-1907).
Ein nachimpressionistischer Stil, der sich stark am Pointillismus und Neoimpressionismus orientiert.
- Kitchen Sink Art (Mitte der 1950er Jahre).
Schule des alltäglichen Realismus.
- Macchiaioli (1855-80)
Italienische Gruppe, benannt nach ihrer Verwendung von farbigen Flecken (macchia).
- Magischer Realismus (1920er Jahre).
Eine zeitgenössische Bewegung, die für ihren strengen Naturalismus und ihre ungewöhnlichen Themen bekannt ist.
- Metaphysische Malerei (1914-20)
Ein Vorläufer des Surrealismus, der von Giorgio de Chirico entwickelt wurde.
- Kunst Minimalismus
Trat ohne jeden historischen, sozialen oder ästhetischen Hintergrund auf.
- Münchner Sezession (1892)
. Die erste der progressiven Kunstbewegungen in Europa, die sich von der Hierarchie der konservativen Künste löste.
- Le Nabi (1890er Jahre)
Eine Gruppe von Pariser Künstlern, die für ihr Kunstgewerbe bekannt ist.
- Neo-Dada (1953-65)
Eine Stilrichtung, die für die Verwendung von unorthodoxen Materialien und eine gegen das Establishment gerichtete Ethik bekannt ist.
- Gruppe Neoimpressionismus (1884-1904),
Gruppe, die für die Verwendung von kleinen Punkten aus reinem Farbpigment bekannt ist.
- Neo-Plastizismus (1918-26)
Strenger Stil der Abstraktion, begründet von Piet Mondrian.
- Neoromantik (1935-55)
Die Tendenz der britischen Malerei, fantastische Landschaften nachzubilden.
- Die Neue Sachlichkeit (1925-35)
Ein harter expressionistischer Stil, der den Zynismus der 1920er Jahre in Deutschland widerspiegelt.
- Moderner Realismus (1958-70)
Figurative Avantgarde, Vorläufer der Postmoderne, gegründet von Yves Klein.
- Op Art (1965-70)
Eine Form der abstrakten Malerei, die auf optischen Täuschungen beruht.
- Orphismus (1914-15)
Eine von Robert Delaunay erfundene farbenfrohe Ausdrucksweise der abstrakten Kunst.
- Ecole de Paris (1890-1940)
Die Bezeichnung für eine Gruppe moderner Künstler, die in Paris tätig waren, wie Picasso, Modigliani.
- Pointillismus (1884-1904)
Die dem Neoimpressionismus zugrunde liegende Farbtheorie, bei der kleine Striche aus reinem Pigment verwendet werden.
- Pop Art (1955-70)

Siehe oben: Wichtigste Bewegungen
- Postimpressionismus (1880er ~ 90er Jahre)
Ein loser Begriff für die verschiedenen Malstile, die aus dem Impressionismus hervorgegangen sind.
- Post-malerische Abstraktion (1955-65)
Von Clement Greenberg erfundener Begriff für post-gestische Bewegungen.
- Precisionism (ca. 1920er Jahre)
Ein vom Futurismus und Kubismus beeinflusster Stil der realistischen Malerei.
- Realismus (1850-1900)
Von Courbet befürwortete sozial orientierte Ausdrucksweise.
- Regionalismus (Szenografie) (ca. 1930er Jahre)
Ein Malstil, der Kleinstädte in Amerika feierte.
- Sozialer Realismus (1930-45)
Amerikanischer Stil, der die Probleme der Depressionszeit kommentiert.
- Sozialistischer Realismus (1928-80)
Staatliche Propagandakunst, die hauptsächlich mit der Sowjetunion in Verbindung gebracht wird.
- St Ives School (1939-75)
Kolonie abstraktistischer Künstler unter der Leitung von Ben Nicholson und Barbara Hepworth.
- Suprematismus (1913-18)
Stil der russischen abstrakten Malerei, entwickelt von Kasimir Malewitsch.
- Surrealismus (ab 1924).
Siehe oben: Wichtigste Bewegungen
- Symbolismus (1880er ~ 90er Jahre).
Die Symbolisten suchen die Wirklichkeit in ihrer Phantasie und in ihren Träumen.
- Synthetismus (1888-94)
Bekannt für seine flachen Farbflächen. Erfunden von Gauguin, Emile Bernard.
- Tachismus (1950er Jahre)
Eine fleckige Form der gestischen abstrakten Malerei, die in Frankreich entwickelt wurde.
- Viktorianische Kunst (Vereinigtes Königreich) (1840-1900)
Kunst und Kunstgewerbe während der Herrschaft von Königin Victoria. Siehe Viktorianische Architektur .
- Wiener Sezession (1897-1939)
Abtrünnige Künstler, die die konservative Akademie der Künste der Stadt ablehnten.
- Le Vingt (1883-93)
Belgische Gruppe progressiver Künstler wie James Ensor, Fernand Knopff.
- Vortizismus (1914-15).
Malerei im Stil des englischen Kubismus, entwickelt von Percy Wyndham Lewis.

Für weitere Einzelheiten siehe: Bewegung in der modernen Kunst (1870-1970).

Die größten Künstler der Moderne

Moderne Kunst - Künstler

Impressionisten (Blütezeit 1870-1880)
Eine der revolutionärsten Bewegungen der modernen bildenden Kunst, deren führende Mitglieder waren: Claude Monet (1840-1926); Pierre-Auguste Renoir (1841-1919); Edgar Degas (1834-1917); Camille Pissarro (1830-1903); Alfred Sisley (1839-1899); Édouard Manet (1832-83); Bertha Morisot (1841-1895); John Singer Sargent (1856-1925). Siehe Maler des Impressionismus .

Post-Impressionisten (Blütezeit 1880-1900) (siehe
Die Post-Impressionisten (Blütezeit 1880-1900).)
Zu den zeitgenössischen Künstlern, die sich vom Mainstream der impressionistischen Malerei lösten, gehörten James Abbott McNeil Whistler (1834-1903); Georges Seurat (1859-1891); Paul Cézanne (1839-1906); Van Gogh (1853-1890); Paul Gauguin (1848-1903); Henri Matisse (1869-1954). Siehe Postimpressionistische Künstler .

Plakatkünstler
Im Rampenlicht der Belle Epoque in Paris wurde die Kunst des Plakats durch das Werk (und die Erfindungen) von Jules Chéret (1836-1932) illustriert, das bemerkenswerte Plakat „Cabaret Du Chat Noir“ von Théophile Steinlen (1859-1923), die Theaterplakate von Toulouse-Lautrec (1864-1901) und die Jugendstilwerke von Alphonse Mucha (1860-1939). Nach Muchas Abreise nach Amerika kam der talentierte Leonetto Cappiello (1875-1942) aus Italien nach Paris. Ein weiterer wichtiger Plakat- und Bühnenbildner war Leon Bakst (1866-1924), der mit den Russischen Ballets unter Sergei Diaghilev nach Paris kam.

Primitivisten und Fantasiekünstler
Zu dieser losen Kategorie gehören der naive Henri Rousseau (1844-1910) (Le Duanier) und die vielseitigen Symbolisten Paul Klee (1879-1940) und Marc Chagall (1887-1985).

Realisten
Der Realismus der Moderne erlebte seine Blütezeit außerhalb Europas und umfasste die folgenden Großmeister dieses Idioms: Winslow Homer (1836-1910), Thomas Eakins (1844-1916) und Ilya Repin (1844-1930). Siehe auch: Realistische Maler .

Expressionisten (Blütezeit 1905-1933)
Die vom Fauvismus beeinflusste expressionistische Bewegung wurde durch Werke von Kandinsky, Munch, Modigliani (1884-1920), Egon Schiele (1890-1918), Kirchner, Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980) und Otto Dix (1891-1969) geprägt. Siehe auch Expressionistische Künstler .

Kubisten (Blütezeit 1908-14)
Diese revolutionäre abstrakte Kunstbewegung wurde von Braque und Picasso geschaffen und erhielt wertvolle Anregungen von Künstlern der Moderne wie Juan Gris, Fernand Léger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) und Marcel. Duchamp (1887-1968). Siehe: Kubistische Künstler .

Abstrakte Künstler
Zu den größten Vertretern der Abstraktion in der Moderne gehören Kasimir Malewitsch (1878-1935) und Piet Mondrian (1872-1944). Siehe Abstrakte Künstler .

Art Deco (1920er, 1930er Jahre)
Eine Bewegung in der dekorativen Kunst und im Design sowie ein Malereistil, dessen berühmteste Vertreterin wahrscheinlich die charmante polnisch-russische Porträtmalerin Tamara de Lempicka (1895-1980) war.

Surrealisten
Die dominierende Bewegung der bildenden Kunst der späten 1920er und 1930er Jahre, deren führende Künstler Juan Miró (1893-1983), René Magritte (1898-1967) und Salvador Dalí (1904-1989) waren. Siehe: Surrealistische Künstler .

Abstrakte Expressionisten
Die Malerei des Abstrakten Expressionismus war die erste große Bewegung in der amerikanischen Kunst. Zu ihr gehörten Rothko, Pollock, Willem De Kooning (1904-1997), Clifford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970), Robert Motherwell (1915-1991), Franz Kline (1910-1962) und andere.

Pop Art
Dieser populäre Stil der modernen Kunst verdrängte den eher intellektuellen Abstrakten Expressionismus und wurde durch Künstler wie Andy Warhol (1928-1987) und Roy Lichtenstein (1923-1997) bekannt.

Bildhauer der Moderne

Zu den bedeutendsten Bildhauern der Moderne gehören: der expressive Realist Auguste Rodin (1840-1917); die Expressionisten Ernst Barlach (1870-1938) und Wilhelm Lembruck (1881-1919); der avantgardistische Künstler Constantin Brancusi (1876-1957); der Futurist Umberto Boccioni (1882-1916), die Kubisten Alexander Arkhipenko (1887-1964), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), Osip Zadkin (1890-1967), Jacques Lipshitz (1891-1973) und Naum Gabo (1890)-1977); die Kinetiker Alexander Calder (1898-1976) und Jean Tinguely (1925-91) sowie der Schweizer minimalistische Bildhauer Alberto Giacometti (1901-1966).

Andere Formen der Moderne sind die primitiven Werke von Modigliani (1884-1920) und Jacob Epstein (1880-1959) sowie die „Fundstücke“, die als „Redi-mades“ von Marcel Duchamp (1887-1968) bekannt sind. Die moderne britische Skulptur wurde von Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-75) und Ben Nicholson (1894-1982) verkörpert. Beispiele für moderne Skulpturen in Amerika sind die Werke von James Earl Fraser (1876-1953), Daniel Chester French (1850-1931), Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973) und Gutzon Borglum (1867-1941).

Der Modernismus der Mitte des 20. Jahrhunderts ist durch die Sammlungen von Louise Nevelson (1899-1988) und César Baldaccini (1921-98), die heroischen Statuen von Evgeny Vuchetich (1908-74) und die emotionalen Holocaust-Skulpturen von Victor Tolkin (1922-2013) und Nandor Glid (1924-97) vertreten. Siehe auch Gutzon Borglum (1867-1941). Jahrhunderts ist auch mit Ensembles von Louise Nevelson (1899-1988) und César Baldaccini (1921-98), mit heroischen Statuen von Evgeny Vuchetich (1908-74) und mit emotionalen Skulpturen von Victor Tolkin (1922-2013) und Nándor Glid (1924-97) vertreten, die dem Holocaust gewidmet sind. Siehe auch Gutzon Borglum (1867-1941). Siehe auch: Bildhauer des zwanzigsten Jahrhunderts .

Wertschätzung der Kunst
Siehe auch: Wertschätzung der modernen Skulptur (1850-gegenwärtig).

Graveure

Zu den Vertretern der modernistischen Gravur – Radierung, Ätzung, Lithographie und Siebdruck – gehören Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), M.C. Escher (1898-1972), Willem de Kooning (1904-97), Robert Rauschenberg (1925-2008), Andy Warhol (1928-87).

Zeitgenössische Künstler der Glasmalerei

Zu den besten Vertretern der Glasmalerei gehören Marc Chagall (1887-1985), Juan Miró (1893-1983), Harry Clark (1889-1931), Sarah Purser (1848-1943) und Evie Hawn (1894-1955).

Modernistische Fotografen

Die moderne Fotografie (1870-1970) wird mit den Pionierleistungen von Alfred Stieglitz (1864-1946) und Edward Steichen (1879-1973) verbunden. Andere modernistische Fotografien werden durch den Piktorialismus von Man Ray (1890-1976), die Landschaften von Ansel Adams (1902-84) und die Architekturaufnahmen von Eugène Atget (1857-1927) und Bernd und Hilla Becher hervorgehoben; Modefotografien von Norman Parkinson (1913-1990), Irving Penn (1917-2009) und Richard Avedon (1923-2004); Porträts von Julia Margaret Cameron (1815-1979), Dorothea Lange (1895-1965) und Walker Evans (1903-1975); und Straßenfotografie von Henri Cartier-Bresson (1908-2004).

Die 25 größten Gemälde der Moderne

Hier finden Sie eine chronologische Auflistung der besten Beispiele der Malerei aus der Epoche der Moderne (1870-1970).

Impression, Sonnenaufgang (1873) Monet’s Musée Marmottan, Paris.
Claude Monet (1840-1926)

Tanzen in der Moulin de la Galette (1876) Musée d’Orsay, Paris
Renoir (1841-1919)

Gross Klinik (1875) Universität von Pennsylvania.
Thomas Eakins (1844-1916)

Edward Darley Boyte’s Daughters (1882) Boston Museum of Fine Arts.
John Singer Sargent (1856-1925)

Prozession des Kreuzes in der Provinz Kursk (1883) Tretjakow-Galerie.
Ilja Repin (1844-1930)

Sonntagnachmittag auf der Insel Grande Jatte (1884-6).
Georges Seurat (1859-1891)

Café Nachtterrasse, Arles (1888) Yale University Art Gallery.
Vincent van Gogh (1853-1890)

Der Bach (1893), Öltempera und Pastell, Nationalgalerie, Oslo.
Munch (1863-1944)

Mädchen mit Fächer (1902) Folkwang Museum, Hessen.
Paul Gauguin (1848-1903)

Les Grandes Baigneuses (1906) National Gallery, London; Art Museum, Philadelphia; Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania.
Paul Cézanne (1839-1906)

Kuss (1907-8) Öl und Gold auf Leinwand, Galerie Belvedere, Wien.
Gustav Klimt (1862-1918)

Die Jungfrauen von Avignon (1907), Museum of Modern Art, New York.
Pablo Picasso (1881-1973)

Tanz (1910) Eremitage Museum, St. Petersburg.
Henri Matisse (1869-1954)

Dynamik eines Hundes an der Leine (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
Giacomo Balla (1871-1958)

Akt, die Treppe hinabsteigend #2 (1912) Philadelphia Museum of Art.
Marcel Duchamp (1887-1968)

Sitzender Akt (1916) Courtauld Institute, London.
Amedeo Modigliani (1884-1920)

Le Coquelicot (Der Klatschmohn) (1919) Toulouse-Lautrec-Museum, Albi.
Kees van Dongen (1877-1968)

Mädchen mit Handschuhen (1929) Privatsammlung.
Lempicka (1895-1980)

American Gothic (1930), Biberpappe, Öl, Art Institute of Chicago.
Grant Wood (1891-1942)

Guernica (1937) Leinwand, Öl, Museum Königin Sofia, Madrid.
Pablo Picasso (1881-1973)

Nachtcafé (Midnighters) (1942) Art Institute of Chicago.
Edward Hopper (1882-1967)

Nr. 1, 1950 (Lavender Mist) (1950) National Gallery, Washington, DC.
Jackson Pollock (1912-56)

Frau 1 (1950-2), Museum of Modern Art, New York.
Willema de Kooning (1904-97)

Listening Room (1952) Menil Collection, Houston.
René Magritte (1898-1967)

Schreiender Papst (1953) Sammlung William Burden, New York.
Francis Bacon (1909-1992)

Vier Marilyns (1962), Privatsammlung.
Andy Warhol (1928-86)

Die 25 größten modernen Skulpturen

Hier finden Sie eine chronologische Auflistung der (nach Meinung des Autors dieses Artikels) besten modernen Bildhauerwerke (1870-1970).

David (1872) Bronze, Musée d’Orsay, Paris.
Jean Antoine Mercier (1845-1916)

Freiheitsstatue (1886) Kupfer, Liberty Island, Hafen von New York.
Frédéric-Auguste Bartholdi (1834-1904)

Kleine Tänzerin im Alter von vierzehn Jahren (1879-81), Bronze, Musée d’Orsay, Paris.
Edgar Degas (1834-1917)

Der Kuss (1888-9) Marmor, Musée Rodin, Paris.
Auguste Rodin (1840-1917)

Stehender Akt (1907) Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Pompidou, Paris.
André Doeren (1880-1954)

Kiss (1907) Stein, Hamburger Kunsthalle, Hamburg.
Constantin Brancusi (1876-1957)

Schreitende Frau (1912) Denver Art Museum.
Alexander Archipenko (1887-1964)

Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913) Museum of Modern Art, New York.
Boccioni (1882-1916)

Großes Pferd (1914-18). Das Original befindet sich im Philadelphia Museum of Art.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)

End of the Trail (1915) Brookgreen Gardens, Murrells Inlet, USA.
James Earl Fraser (1876-1953)

Gefallener Mann (1915-16) Neue Nationalgalerie, Berlin.
Lembruck (1881-1919)

Konstruierter Kopf Nr. 2 (1916) Nasher Sculpture Centre, Dallas.
Gabo (1890-1977)

Lincoln-Statue (1922) Lincoln Memorial, Washington, DC.
Daniel Chester French (1850-1931)

Frau mit Gitarre (1927) Privatsammlung.
Jacques Lipchitz (1891-1973)

Mount Rushmore (1927-41) South Dakota.
Borglum (1867-1941) und sein Sohn Lincoln Borglum (1912-86)

Adam (1938) Harewood House, Leeds, UK.
Jacob Epstein (1880-1959)

Kämpfende Hengste (1950) Hyatt Huntingdon Sculpture Garden, Huntingdon, South Carolina.
An Anna Hyatt Huntington (1876-1973)

Die zerstörte Stadt (1953) Schiedam Dijk, Rotterdam.
Tzadkin (1890-1967)

Kathedrale des Himmels (1958), Museum of Modern Art, New York.
Louise Nevelson (1899-1988)

Walking Man I (1960) Stiftung Maeght, St. Paul de Vence.
Alberto Giacometti (1901-1966)

Gespaltener Kopf (1963), Bronze, Fiorini, London.
Baldaccini (1921-1998)

Sperrelement (1963-4) Henry Moore Foundation, Millbank, London.
Henry Moore .

Mutterland (1967) Mamaev Kurgan, Wolgograd
Vuchetich (1908-1974)

Gedenkstätte Dachau (1968) München, Deutschland.
Nandor Glid (1924-1997)

Gedenkstätte Majdanek (1969) Lublin, Polen.
Victor Tolkin (1922-2013).