Der Impressionist Claude Monet Automatische übersetzen

Im Jahr 1862 trifft der künftige Führer des Impressionismus Claude Monet auf der Rückkehr von Le Havre den niederländischen Maler Johan Barthold Jongkind (1819-1891) und beginnt, ihn als seinen wahren Meister zu betrachten. "Ihm verdanke ich die endgültige Ausbildung meines Auges…"

❶ Ursprünge und Einflüsse
❷ Frühgeschichte
❸ Impressionist Édouard Manet
❹ Impressionist Claude Monet
❺ Impressionisten Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cézanne
❻ Monet und Pissarro in London
❼ Entwicklung der impressionistischen Malerei
❽ Impressionistische Ausstellungen
❾ Gruppierung
❿ Vermächtnis

Er ist beeindruckt von der Schnelligkeit seiner Berührung, der Kürze seiner Sätze, der Dynamik seiner Striche, von diesem Mann, der mit Hilfe des Alters und der Erfahrung, ohne Vorbereitung oder Raffinesse, in der Lage war, Volumen und die Idee der Farbe sowohl mit dem Pinsel als auch mit dem Bleistift oder der Radierung zu vermitteln. Monet malt an seiner Seite und folgt seinem Beispiel, indem er seinem Gemälde mehr Körper verleiht, indem er die Farbakzente vervielfacht und runde Striche verwendet (die eindringlicher sind als die feinen Schattierungen von Boudin), um der Komposition mehr Leben zu verleihen.

Nach seiner Ankunft in Paris geht Monet auf Drängen seiner Familie in das Atelier von Glair. Das Wenige, was er dort lernt, wird durch Museumsbesuche und die Atmosphäre von Paris kompensiert. Der einzige positive Nutzen des Ateliers ist die Bekanntschaft mit Sisley, Basile und Renoir . Ihre Freundschaft wird sehr eng, und diese drei Tiroler Männer bilden fortan eine Sphäre der Ausstrahlung und eine echte Gruppe um ihn. Seine Erfahrungen mit Jongkind, seine kühne Intuition und sein Wissen um die Möglichkeiten, die ihm offen standen, hatten Monet bereits zu einem lebendigen und starken Führer gemacht. Es ist von entscheidender Bedeutung, dass seine Ideen bei ihm und denjenigen, die auf sie reagieren, Resonanz finden.

Ab 1863 nimmt er seine Gefährten mit in den Wald von Fontainebleau (Heimat der Schule der Landschaftsmalerei von Barbizon), um mit den Techniken zu experimentieren, die er bereits an der Küste der Normandie verfeinert hatte. Sie versuchen nicht, ihren unmittelbaren Vorgängern zu folgen, den Malern von Barbizon, die sich immer noch im Wald aufhalten, aber deren Formeln sie aufgeben.

Renoir lernt zufällig Diaz kennen, der ihn mehrere Jahre lang großzügig unterstützt und ihm erlaubt, sich auf eigene Kosten mit Farben einzudecken. Ein Künstler dieser Generation, den Monet sehr schätzt, ist Charles Daubigny, der es vorzog, nördlich von Paris zu arbeiten, vor allem auf der Oise, auf einem kleinen Schiff, das von seinem Sohn als schwimmende Werkstatt eingerichtet wurde. Monet bewundert die Offenheit seiner Technik, die Klarheit der vom Motiv ausgehenden Skizzen. Dubigny seinerseits hört nie auf, die zukünftigen Impressionisten zu unterstützen, insbesondere als er Mitglied der Jury des Salons wird.

1864 wird das Atelier von Gleyre geschlossen und die Künstler haben frei. Nach wiederholten Besuchen in Chailly-en-Bierre nimmt Monet Basile für den Sommer nach Honfleur mit und die beiden Freunde arbeiten auf dem Bauernhof von Saint-Simeon, zu dem sich bald auch Boudin und Jongkind gesellen. Anfang 1865 teilt sich Monet ein Atelier mit Bazille in der Rue Furstenberg in Paris. Pissarro und Cézanne besuchen sie. Aber Monet hat es eilig, nach Chailli zurückzukehren, um ein großes Projekt zu verwirklichen, das er sich ausgedacht hat. Er soll direkt unter freiem Himmel ein riesiges Gemälde malen, das etwa 5 mal 6 Meter groß ist, etwa zehn Personen darstellt und auch „Frühstück im Gras“ genannt wird.

Monet kannte Manet noch nicht, aber er war von dessen Ausstellung in der Galerie Martinet beeindruckt und war nicht gleichgültig gegenüber dem Missbrauch, dem „Frühstück im Gras“ im Salon des Refusés ausgesetzt war. Wollte Manet mit dem Thema und dem Titel seines Gemäldes dem älteren Mann Konkurrenz machen?

Wahrscheinlicher ist, dass er den Staffelstab übernehmen und dort Erfolg haben wollte, wo der andere gescheitert zu sein schien. Monet beabsichtigt, dieses Spiel so loyal wie möglich zu spielen, und um den Blick auf sein Werk im Atelier zu vermeiden (Manet hat ihn nicht ganz vermieden), bemüht er sich, seine Leinwände ausschließlich im Freien zu malen. Wenn er feststellt, dass die gigantischen Ausmaße der Leinwand es ihm nicht erlauben, sie so im Wald zu platzieren, wie er es gerne hätte, stellt er sie in der Nähe des Hotels auf und geht in die Natur, um alle Motive, die er in das Bild einbauen will, zu überprüfen. Für die Figuren wendet er sich an Camille, die seit kurzem seine Gefährtin ist, und an Basil, die für mehrere Figuren posieren. Monet verwendet auch Fotografien, auf denen sie in verschiedenen Posen zu sehen sind.

Ein solches Unternehmen kann nicht anders, als Neugier, Verwunderung und einen gewissen Zweifel zu wecken, denn es ist mit einem erheblichen Risiko und großen Kosten verbunden. Courbet kommt nach Chailli, um Monet zu konsultieren, aber es gelingt ihm offenbar nur, ihn zu verärgern. Monet hatte gehofft, das Werk auf dem Salon von 1866 ausstellen zu können und so öffentliche Anerkennung zu erlangen, aber das Unglück verfolgte ihn. Da er sich bereits in unlösbaren finanziellen Schwierigkeiten befindet, ist er gezwungen, die Arbeit an dem Projekt einzustellen und das Gemälde einem unbezahlten Verwahrer als Sicherheit zu überlassen. Später findet er sein Gemälde wieder, aber es liegt in einer Ecke des Zimmers und ist so schäbig, dass er es in Stücke schneiden muss, um die besten Teile zu retten. In seiner Eile malt er ein großes Porträt „von Camille in einem grünen Kleid“, das ihm einen gewissen Erfolg bringt.

Dennoch erhalten wir eine Vorstellung von dem verlassenen Werk weniger durch die spätere reduzierte Fassung als durch die erhaltenen Fragmente von außergewöhnlicher Qualität. Das mittlere Fragment (98×75 cm) zeigt vier Personen und ein üppiges Stillleben mit einem vor ihnen auf einem Tischtuch ausgebreiteten Abendessen; das linke Fragment (164×59 cm), das vor einigen Jahren in der Werkstatt von Giverny entdeckt und 1957 von Georges Wildenstein dem Louvre geschenkt wurde, zeigt vier Figuren.

Ein Gemälde von außergewöhnlicher Qualität, mit einer Breite des Pinselstrichs, die Monet in seinen oft zu akribisch ausgeführten Staffeleibildern nicht zu wiederholen wagte. Man darf auch nicht vergessen, dass das Werk unvollendet geblieben ist. Die großen Farbflächen werden durch entschlossene Schnitte in reinen Tönen aufgelockert, und diese großen Flächen lassen das Sonnenlicht, das durch die Bäume fällt, stark variieren. Die Figuren sind in der Tat vollständig in die Natur integriert, sei es, dass ihre dominanten Züge mit dem Blattwerk verschmelzen, sei es, dass sie in einer Weise wiedergegeben werden, die durch das Licht stärker betont wird.

Wie der so genannte „Naturalismus“ von Monet paradoxerweise zur Abstraktion führte, siehe: Vom Realismus zum Impressionismus (1830-1900).

Es ist wahrscheinlich, dass dieses Werk, wäre es vollendet worden, im Vergleich zu Manets Werk ein entscheidender Schritt nach vorn gewesen wäre, der die spätere Entwicklung des Impressionismus und insbesondere Monets in eine völlig andere Richtung hätte lenken können. Aber auch so hinterließ es einen tiefen Eindruck bei Monets Freunden. Zu diesem Zyklus gehört natürlich auch Basils würdigstes Werk, das große „Treffen der Familie“, das 1867 im Freien unter Kastanienbäumen auf der Terrasse des Hauses der Familie des Künstlers im Languedoc entstand. Bald darauf schuf Monet selbst ein neues Gemälde im gleichen Geist, wenn auch weniger ehrgeizig und nicht so großformatig: „Frauen im Garten“ (1867).

Das Werk wird direkt im Garten der Villa d’Avre gemalt, wo er den Sommer 1866 verbringt. Es wurde ein Graben ausgehoben, damit die über zwei Meter hohe Leinwand auf einem Flaschenzug herabgelassen werden kann, wenn der Künstler die oberen Teile erreichen will. Die Komposition ist viel weniger intensiv als in „Frühstück im Gras“, - nur die vier weiblichen Figuren, die in eher künstlichen Winkeln stehen, erhalten Licht von der Vegetation. Camilla hat für diese vier Figuren posiert, die in leicht homogenen Variationen dargestellt sind.

Das Werk steht dem Werk Manets näher, insbesondere in der Behandlung der Gesichter mit Strichen und vereinfachten dunklen Flecken. Das Werk wurde auch durch ein Wunder gerettet, als Monet, der sich erneut in finanziellen Schwierigkeiten befand, nach Le Havre fliehen musste und über 200 Gemälde zurückließ, von denen er viele verunstaltete, um zu verhindern, dass sie von Gerichtsvollziehern verkauft werden.

Monet hatte also die Idee, den Menschen in seinem natürlichen Maßstab und in seiner Umgebung darzustellen, was ihm auch gelang. Er musste diese Idee jedoch aufgrund einer unglaublichen Reihe von persönlichen Enttäuschungen aufgeben, die ihn in den Jahren vor dem Krieg von 1870 in einen Selbstmordversuch trieben. Dieses Scheitern führte ihn zu kleinen Staffeleibildern und zu einer Abkehr von der Form, die ihm in diesen Dimensionen nicht mehr als ausreichende Grundlage für die Auseinandersetzung mit den Problemen von Licht und Farbe erschien. Er neigte zu einer genialen Analyse von Naturfragmenten, und erst am Ende seines Lebens gelang es ihm, zu dieser Analyse in monumentalen Proportionen zurückzukehren. Man kann sich nur vorstellen, was er hätte erreichen können, wenn er den von ihm eingeschlagenen Weg weiterverfolgt hätte.

So ist Monet ab 1865 gezwungen, in seinen Beiträgen für den Salon bescheidenere Landschaften zu bevorzugen: Meeres- oder Waldszenen. Diese Werke zeichnen sich durch große Klarheit, Freiheit, Konzentration und Intensität, Licht und Neuartigkeit aus. Sie wurden anfangs gut aufgenommen.

Auf dem Salon von 1865 ist Manet überrascht, dass neben ihm ein Künstler sitzt, der fast sein Namensvetter ist, den er noch nicht kennengelernt hat und dem gegenüber er immer noch eine gewisse Verbitterung empfindet, da er den Erfolg seiner Seestücke erkennt, während alle anderen wütend „Olympia“ verurteilen. Doch bald, als er den Künstler kennenlernt, verschwinden seine Vorurteile und er empfindet eine unzweifelhafte Freundschaft für ihn.

Doch im Laufe der Jahre begegnet Monet demselben Hass, derselben Ungerechtigkeit wie der ältere Mann. Auf dem Salon von 1866 wird er wieder mit „Route von Fontainebleau“ und „Porträt von Camille“ empfangen. Aber 1867 wird seine „Frauen im Garten“ abgelehnt, und dasselbe gilt 1869 für die wunderbaren Landschaften von La Grenouillere. Und doch, welche Vielfalt in seiner erlernten Eleganz und in seinen Vorschlägen, welch reicher Einfallsreichtum in den Werken, in denen Monet immer wieder versucht, ein neues Problem zu lösen!

1865 malt Monet in Anlehnung an Jongkind, der die Apsis der Kathedrale von Notre Dame von derselben Stelle aus zu verschiedenen Jahreszeiten gemalt hat, die Straße zum Hof Saint-Simeon im Sommer und dann im Schnee. Im Jahr 1866 malt er die ersten Panoramabilder von Paris vom Dach des Louvre gegenüber von Saint-Germain-l’Auxerrois. Obwohl diese Gemälde strenge Titel tragen „Saint-Germain-l’Auxerrois“, „Garten der Infantin“, „Quai du Louvre“, zeigen sie ein weitläufiges Bild der Stadt mit mehreren Plänen der Fassaden der Kais und der Place Dauphine, die jetzt beleuchtet und dann mit hellen Schatten gemalt sind, wobei sich die Kuppeln des Pantheon, des Val-de-Grasse und des Chlodwigsturms unter einem großen gesprenkelten Himmel abheben. Massen von Grünpflanzen oder Büschel von hellem Laub schaffen einen Raum in der Tiefe, der immer transparent ist: die geschäftigen Silhouetten von Fiacres (Taxis) und flanierenden Menschen im Vordergrund stechen hervor. Es sind die ersten Stadtansichten, die Panoramablicke auf die Boulevards und die Pont Neuf, die alle Impressionisten bis zum Ende des Jahrhunderts zu ihren Erkundungen inspirieren.

Im selben Sommer bieten seine in Le Havre gemalten Seestücke die unterschiedlichsten Kombinationen von Grundrissen, die sich entweder in parallelen Streifen entfalten oder sich in eine Diagonale einfügen. Der Künstler strebt nicht mehr nach einer Verschmelzung von Land, Meer und Himmel, sondern setzt seine Leinwand aus wenigen, klar definierten Elementen zusammen: blühende Gärten, verschiedene Menschengruppen, Silhouetten von Booten, Segeln und anderen nautischen Objekten. Einige von ihnen werden von vollem Licht beleuchtet, meist in der ersten Reihe der Komposition, während andere in geschickt gewählten Blau- oder Lila-Tönen gegen das Licht arrangiert sind.

Die Geschmeidigkeit, das Fließen seiner Pinselstriche schafft eine Atmosphäre von Meeresbrise, und wenn wir diese Werke mit den herrlichen leichten monochromen Variationen vergleichen, die Whistler am gleichen Ort und zur gleichen Zeit mit vollendeter Poesie schafft, hat Monet immer noch den Vorteil an Lebendigkeit und Leben. Mehr dazu siehe: Merkmale der impressionistischen Malerei (1870-1910).

Im Jahr 1868 erhält Monet eine kurze Atempause von seinen materiellen Sorgen. Nachdem es Boudin gelungen ist, ihn zusammen mit Courbet und Manet zur internationalen Seefahrtausstellung in Le Havre einzuladen, sieht er, wie sein Porträt von Camille von Arsène Husset gekauft wird, der als Inspektor der schönen Künste zur Ausstellung gekommen ist, und lernt einen wohlhabenden Kunstliebhaber, Monsieur Godibert, kennen, der ein Porträt seiner Frau in Auftrag gibt und ihm bei mehreren weiteren Gelegenheiten zur Seite steht. Dieses Porträt, das äußerlich etwas dem weltlichen Typus von Alfred Stevens, Manets Freund und gelegentlichem Besucher des Cafés „Herbois“, geopfert wird, steht in seiner Behandlung und Komposition den zeitgenössischen Porträts Manets sehr nahe, in denen die Individualität des Modells hinter der Vielfalt der Symbole und dem Reichtum der Dekoration verschwindet.

In Zolas berühmtem Porträt beispielsweise ist das Profil im Vergleich zu dem Stillleben, das durch das Tintenfass, das aufgeschlagene Buch und die farbigen Broschüren auf dem Tisch gebildet wird, oder im Vergleich zu dem japanischen Paravent oder den gerahmten Drucken fast ein untergeordnetes Element. Im Porträt von Duret ist das Gesicht, träge wie ein Ärmel oder ein Hut, fast unbedeutend im Vergleich zu der riesigen aufgeblasenen Silhouette. Die Animation kehrt zu den Händen zurück, und in dem Stillleben im Vordergrund sind eine Zitrone und eine Karaffe zu sehen, leuchtende Kugeln, die ein Gegengewicht zu der schweren, aufrechten Masse des Körpers bilden.

In Monets Porträt „von Madame Godibert“ ist der Kopf fast vollständig gedreht, und die Hauptsache ist die Eleganz des blauseidenen Morgenmantels, die Bewegung des Schals, der Blumenstrauß, die Vorhänge, gemalt mit großen Pinselschwüngen und verdünnt mit tiefem Schwarz. Aber Manet, besser als Monet, versteht es, sich von unnötigen Accessoires zu befreien. Er nimmt sich ein Beispiel an den spanischen Malern, in deren Werken der Gegensatz von Schwarz und lebhaften Farben durch ihre Anordnung vor einem neutralen Hintergrund aus hellen und wolkigen Ockertönen verstärkt wird, und stellt seine Figuren in eine solche Umgebung. Das auffälligste Beispiel dafür ist vor dem Porträt von Duret sein „Fifer“, so konkret und lebendig in den leuchtenden Farben der Form, aber in der Leere schwebend.

Ende 1868 sind Monet und seine Familie in Bougival, wieder ohne Geld und verzweifelt auf Freunde angewiesen. Renoir, der mit seiner Mutter in Ville d’Avray wohnt, kommt zu ihm, um mit ihm zu arbeiten, aber seine Situation ist genauso schlimm und sie müssen ihre Arbeit oft aus Mangel an Farben unterbrechen. Sie haben jedoch das Gefühl, dass sie an den Enden ihrer Pinsel Ideen für schöne Leinwände haben.

Ihre Eindrücke ergänzen sich, und bei der Arbeit an demselben Thema schaffen sie zum ersten Mal parallele Visionen von großem Interesse, wobei jeder seine eigenen charakteristischen Merkmale beibehält und beide versuchen, ihre eigene Malmethode zu entwickeln. Das erste ist das Thema des Bootes und des Wassers, in dem sich die Häuser und Bäume am Ufer spiegeln. Darauf folgen die unvergesslichen Gemälde von La Grenouillere. Von diesem Moment an können wir mit Sicherheit die Geburt des Impressionismus als eine neue Technik für eine mögliche universelle Anwendung datieren.

Die von de Maupassant beschriebene berühmte Stelle an der Seine beim Restaurant „Fournaise“ war eine ungewöhnlich lebendige Szene, die die beiden Freunde faszinierte. Die Anlegestelle, eine kleine Insel mit einem einzigen Baum, dient als Mittelpunkt der Komposition, in der sie elegante Menschen beim Flanieren und Vorbeigehen zeigen. In den Werken dieser beiden impressionistischen Maler, die sich zwar unterscheiden, aber doch nahe beieinander liegen, ist nur die Behandlung des Wassers fast identisch: langgezogene Pinselstriche erzeugen einen Wechsel von Licht und Schatten, je nachdem, ob das Wasser volles Licht empfängt und es reflektiert oder von der Schattenseite her plätschert.

Bei Renoir verschmelzen die Figuren mit dem überhängenden Laub zu einem fast ununterscheidbaren Geflecht aus Vegetation. Die Menschen verlieren ihre Individualität, umhüllt von zarten Schatten und Lichtreflexen. Bei Monet hingegen sind die Kontraste viel stärker ausgeprägt. Die Magie ist auch in seinen Gemälden präsent, aber die Komposition ist immer klar und die weißen Töne sind präzise voneinander getrennt.

Die Dekoration der Bäume entfaltet sich als Fries in voller Schärfe und schafft Tiefe, wobei die Silhouette der Insel im Vordergrund und die Fassade des Restaurants auf der rechten Seite getrennt werden. Es gibt Details von außergewöhnlicher Kühnheit, wie die Badenden auf der linken Seite, die als verschwommene Lichtflecken auf dem Wasser erscheinen. Dieses Meisterwerk wurde von der Jury des Salons von 1870 abgelehnt, obwohl Daubigny darauf bestand und deswegen zurücktrat. Aus dieser Zeit stammen auch die bedeutenden Schneestudien, in denen Monet und Renoir die Reflexion des Sonnenlichts auf dem rosa oder gelb gefärbten Schnee mit bläulichen oder lilafarbenen Schatten erforschten. Siehe: Die besten Gemälde des Impressionismus .

Sollte man in dem Missverständnis, das Monet traf, einen Indikator für die Erosion der Gesellschaft jener Zeit sehen? Am Ende des Zweiten Kaiserreichs herrscht eine allgemeine Gleichgültigkeit und damit auch Angst; niemand glaubt mehr an etwas Bestimmtes. Die Kräfte der Zukunft sind schon da. Sie bereiten sich vor, gruppieren sich, und werden bald ausbrechen. Aber im Moment gibt es nichts als Ignoranz und Verachtung für sie. Das Erbärmliche an Monets Kampf mit den Widrigkeiten ist, dass ein wenig mehr Verständnis seitens seiner Familie ihn hätte überflüssig machen können. Seinen Eltern fehlt es nicht an Geld, und sie hätten, wenn schon nicht dem Selbstbewusstsein ihres Sohnes, so doch wenigstens seinem Mut und seiner Beharrlichkeit nachgeben können.

Seine Lage wird fast unhaltbar, als 1867 seine Gefährtin Camille, die er erst 1870 heiraten konnte, ihm einen Sohn gebiert. Es gibt Zeiten, in denen Monet ohne Feuer und Brot dasteht. Die Familie erklärt sich nur dann bereit, ihm zu helfen, wenn er einen bescheidenen Kuchen isst und unter ihre Fittiche zurückkehrt. Sie bieten ihm Essen und Unterkunft, aber nur für ihn selbst, nicht für Camilla und ihr Kind. Er erleidet fast ein Martyrium bei dem Versuch, trotz der großen Entbehrungen ein Werk zu schaffen, an das er glaubt. Seine einzige Stütze ist Basil, den er unermüdlich um Hilfe bittet, in dessen Atelier Monet manchmal für längere Zeit Zuflucht findet, der mit allen Mitteln versucht, Käufer für Monets Gemälde zu finden, und der im Falle eines Misserfolgs die abgelehnten Werke manchmal selbst in Raten kauft.

Wir bedanken uns für die Verwendung eines Auszugs aus dem Buch „Impressionismus“ von Jacques Lassagne (1966).