Die Geschichte des Westerns:
Mythen und Realität auf der Leinwand

Der Western hat sich zu einem der einflussreichsten und bekanntesten Genres der Filmgeschichte entwickelt. Filme über den Wilden Westen prägten die Wahrnehmung dieser Epoche der amerikanischen Geschichte von den 1850er- bis zu den 1900er-Jahren durch Millionen von Zuschauern und schufen einen Mythos, der oft weit von der Realität abwich. Das Genre stilisierte staubige Prärien und einsame Revolverhelden zu Symbolen nationaler Identität, doch hinter diesen romantisierten Bildern verbarg sich eine weitaus komplexere Realität.

Die Entstehung eines Genres aus Jahrmärkten und Volksfesten

Der Western entstand nicht aus dem Nichts – seine Wurzeln liegen in der populären Unterhaltung der 1870er Jahre. Wandershows, die den Wilden Westen darstellten und in der legendären „Buffalo Bill’s Wild West Show“ (1883–1913) gipfelten, prägten viele Elemente des späteren Filmgenres. Diese Shows, die sich an ein städtisches Publikum richteten, vermischten schon damals Fakten mit Fiktion und romantisierten die Frontier.

Die ersten Westernfilme erschienen 1894 – eine Reihe kurzer Stummfilme der Edison Studios, gedreht in New Jersey. Interessanterweise spielten darin Veteranen der Buffalo Bill Show mit und demonstrierten die Fähigkeiten, die sie im Wilden Westen erworben hatten, darunter die berühmte Revolverheldin Annie Oakley und Mitglieder des Sioux-Stammes. Anfänglich wurden diese Filme als „Wildwest-Dramen“ bezeichnet, der Begriff „Western“ etablierte sich erst 1912.

Der große Eisenbahnraub und Stummfilm

Ein wahrer Durchbruch gelang mit dem 1903 erschienenen Film „Der große Eisenbahnraub“ von Edwin Porter. Er gilt als eines der Meisterwerke des frühen Stummfilms und zeichnet sich durch praktische Spezialeffekte, ambitionierte Stunts, eine schlüssige Handlung und innovative Filmtechniken aus, darunter der Einsatz von Matte-Effekten, Weitwinkelaufnahmen und Kameraschwenks. Dieser Film legte den Grundstein für das Western-Genre mit seinen charakteristischen Handlungssträngen und Themen.

Stummfilme griffen schnell auf Western-Themen zurück. Mitte der 1910er-Jahre begann sich das Kino von der Vaudeville-Ästhetik abzuwenden, und dank Regisseuren wie David Griffith ähnelte das Filmen immer weniger Theaterproduktionen. Die Entwicklung der Nahaufnahme ermöglichte ein zurückhaltenderes und realistischeres Schauspiel, was entscheidend für die Vermittlung der psychologischen Tiefe der Charaktere war.

Das Goldene Zeitalter und die Entstehung der Mythologie

Von den 1930er- bis zu den 1950er-Jahren erlebte der Western seine Blütezeit und avancierte zu einem der populärsten und ikonischsten amerikanischen Genres. Hollywood machte aus Western Blockbuster mit universeller Anziehungskraft und fing die Nachkriegsfaszination für den amerikanischen Cowboy ein. Die Filme dieser Ära begründeten den Kanon des Genres: heldenhafte Revolverhelden, malerische Landschaften und das Thema von Recht und Unrecht.

John Ford und John Wayne – die Schöpfer des Kanons

Das Duo aus Regisseur John Ford und Schauspieler John Wayne prägte den klassischen Western. Angefangen mit „Stagecoach“ (1939) arbeiteten sie an 14 Filmen zusammen, neun davon Western. „Stagecoach“ machte Wayne nicht nur zum Star, sondern begründete auch eine künstlerische Partnerschaft, die Jahrzehnte andauern sollte. Anders als die formelhaften Western des alten Hollywoods behandelten Fords Werke tiefgründigere Themen und erkundeten nicht nur die äußere Welt des Westens, sondern auch die Innenwelt erfahrener Cowboys und Kavalleristen.

Stagecoach erzählte die Geschichte einer Gruppe Reisender, die durch die Wüste von Arizona nach New Mexico eskortiert wurden. Waynes Figur, der Ringo Kid, parodierte beinahe die Klischees der Western des vorangegangenen Jahrzehnts und wurde gleichzeitig zu einem Archetyp. Der Film war einer der ersten Western, der die Genregrenzen sprengte – jedes Mitglied der Postkutschengruppe verkörperte einen Außenseiter, und in ihrem gemeinsamen Kampf um Akzeptanz fanden sie in der symbolischen Ödnis eine Gemeinschaft.

Ford schuf seinen Westen in der mythischen Pracht des Monument Valley – einer moralischen Landschaft, in der Gut und Böse klar unterschieden waren und der Fortschritt, so kostspielig er auch sein mochte, letztlich gerecht war. Seine Vision, insbesondere in seiner Kavallerie-Trilogie (Fort Apache, 1948; She Wore a Yellow Ribbon, 1949; Rio Grande, 1950) und seinem Meisterwerk von 1956, The Searchers, feierte die Institutionen – das Militär, die Familie, das Recht – , die aus dem Chaos Zivilisation formten.

High Noon und Shane sind einsame Helden.

Anfang der 1950er-Jahre erschienen zwei Filme, die zu Meilensteinen des Genres wurden und gleichzeitig dessen Neudefinition einleiteten. „High Noon“ (1952) mit Gary Cooper in der Hauptrolle etablierte das Modell des einsamen Helden, der sich einer Verbrecherbande entgegenstellt. Der in Echtzeit spielende Film war einer der ersten, der das Format des Wettlaufs gegen die Zeit nutzte. Marshal Will Kane muss sich entscheiden, ob er in der Stadt bleibt und sich seinen Verfolgern stellt oder mit seiner frisch angetrauten Frau flieht.

„High Noon“ gilt als frühes Beispiel des revisionistischen Westerns. Im traditionellen Western-Schema führte ein starker Mann die Zivilisierten gegen die Unzivilisierten an, doch in diesem Film unterstützen die Zivilisierten ihren Marshal nicht. John Wayne selbst nannte diese Haltung „unamerikanisch“.

George Stevens’ Film „Shane“ aus dem Jahr 1953 begründete das Ideal des klassischen reisenden Revolverhelden, ein beliebtes Archetyp im Western-Genre für die folgenden Jahrzehnte. Der rätselhafte Held Shane, gespielt von Alan Ladd, gerät in einen Konflikt in einer Kleinstadt und gewinnt schnell die Gunst der Einheimischen, während er gleichzeitig den Zorn bedrohlicher Rancher auf sich zieht, die ihr Land an sich reißen wollen. Shane greift zu Gewalt, um den Siedlern ein friedliches Leben zu ermöglichen, doch er selbst kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Ein kleiner Junge namens Joey ruft ihm nach: „Komm zurück!“, aber Shane geht – ein einsamer Westernheld, der die Gesellschaft rettet, indem er sich ihr entzieht.

Westliche Mythen versus historische Realität

Hollywood-Western haben hartnäckige Mythen über den Wilden Westen geschaffen, die der historischen Realität widersprechen. Das Genre konzentrierte sich schon immer mehr auf Unterhaltung als auf die akkurate Darstellung des Lebens im Grenzland.

Der Mythos der weitverbreiteten Schießereien

Eines der hartnäckigsten Klischees ist, dass Cowboys ständig in Duelle und Schießereien verwickelt waren. Tatsächlich waren Schießereien im Wilden Westen äußerst selten, und wenn sie vorkamen, waren ihre Ursachen vielfältig. Schätzungen zufolge starben zwischen 1866 und 1900 etwa 20.000 Menschen durch Schusswaffen im amerikanischen Westen. Die Häufigkeit und Dramatik von Schießereien wurden jedoch von den Autoren von Groschenromanen im späten 19. Jahrhundert stark übertrieben.

Das klassische Duell „Angesicht zu Angesicht um zwölf Uhr mittags“ kam so gut wie nie zustande. In der gesamten Geschichte des Wilden Westens sind nur zwei Fälle solcher Konfrontationen dokumentiert. Einer davon war die Schießerei zwischen Bill Hickok und Davis Tutt, die wegen einer Taschenuhr und eines Kartenspiels begann. Selbst die berühmte Schießerei am O’Key Corral am 26. Oktober 1881 fand nicht innerhalb des Pferchs selbst statt und dauerte nur kurz – sie entbrannte in einer engen Gasse nahe dem Fotostudio von C.S. Fly.

Die meisten Cowboys waren Rancharbeiter, keine Revolverhelden, und Waffen waren für ihre tägliche Arbeit nicht unbedingt notwendig. Revolver waren schwer, oft unzuverlässig und für die Arbeit mit Rindern unpraktisch zu tragen. Ein Strick und ein Hammer am Gürtel waren viel üblicher als eine Pistole. Wenn Cowboys doch einmal Schusswaffen trugen, dann meist nur für bestimmte Zwecke – die Jagd oder den Schutz der Herde vor Raubtieren. Viele Ranches verboten sogar das Tragen von Waffen auf der Arbeit, da sie Unfälle mehr fürchteten als Angriffe.

Das Cowboyleben ist harte Arbeit statt Romantik.

Die Vorstellung, das Leben eines Cowboys sei glamourös und abenteuerlich gewesen, entspricht nicht der Wahrheit. Der Alltag eines Cowboys war körperlich extrem anstrengend, schmutzig, oft eintönig und undankbar, mit geringem Lohn, manchmal weniger als einem Dollar am Tag. Die Hauptaufgabe bestand darin, Rinder zu hüten und Herden über weite Strecken zu treiben.

Cowboys arbeiteten lange, hart, oft von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang. Wenn sie nach wochen- oder monatelanger Reise endlich eine Stadt erreichten, war der Besuch eines Saloons ein seltener Luxus. Die meiste Zeit verbrachten sie mit praktischen Dingen: Proviant kaufen, eine warme Mahlzeit zu sich nehmen, vielleicht baden oder sich rasieren. Der Mythos von Saloons als Orten endloser Schlägereien, Glücksspiel und Schießereien ist eine weitere Übertreibung.

Die Vielfalt, die Hollywood versteckt hat

Hollywoods Version des Wilden Westens war fast ausschließlich von Weißen bewohnt. In Wirklichkeit war die Grenze von einer Vielzahl ethnischer Gruppen bevölkert. Ungefähr jeder vierte Cowboy war Afroamerikaner.

Die frühesten Belege für Afroamerikaner als Viehhirten in Nordamerika stammen aus dem kolonialen South Carolina, wohin Viehhirten aus der Region des heutigen Senegal in Westafrika aufgrund ihrer besonderen Fähigkeiten geholt wurden. In den 1850er Jahren, als die Viehzucht Texas erreichte, stellten Afroamerikaner die Mehrheit der Cowboys im frühen Texas, obwohl ein Drittel der Bevölkerung des Bundesstaates versklavt war.

Nach dem Bürgerkrieg waren schwarze Cowboys mit Erfahrung im Umgang mit Rindern noch gefragter, da Rancher begannen, Rinder in den nördlichen Bundesstaaten zu verkaufen, wo Rindfleisch fast das Zehnfache des Preises von Rindern im rinderreichen Texas einbrachte. Zu den bekanntesten afroamerikanischen Cowboys zählten Pete Staples, ein ehemaliger texanischer Sklave, der an den ersten Viehtrieben nach Kansas teilnahm, und Bowes Icard, der den Goodnight Loving Trail von Texas nach Denver bewirtschaftete. Daniel Wallace, der das Viehbrandzeichen erfand, das ihm seinen Spitznamen einbrachte, wurde der erfolgreichste schwarze Rancher in Texas.

Als sich die Rinderzucht nach dem Bürgerkrieg von Texas aus ausbreitete, zogen schwarze Cowboys in den gesamten Westen und arbeiteten in jedem Bundesstaat und Territorium der Region, wobei die größten Zahlen im Arizona-Territorium, in Kalifornien, Nevada und im New-Mexico-Territorium zu finden waren.

Frauen an der Grenze sind mehr als nur Opfer

Westernfilme stellten Frauen traditionell entweder als hilflose Opfer dar, die gerettet werden mussten, oder als Saloonbewohnerinnen. Die Realität war jedoch vielschichtiger. Frauen spielten im Wilden Westen eine weitaus bedeutendere Rolle, als in den Filmen dargestellt.

Martha „Calamity“ Jane Cannary verdiente sich ihren Spitznamen, nachdem sie einen von Indianern überfallenen Hauptmann gerettet hatte. In Wyoming begann sie, die Persönlichkeit zu entwickeln, die sie als Calamity Jane berühmt machen sollte. 1870 schloss sie sich General George Armstrong Custer als Kundschafterin in Fort Russell an und trug dabei eine Soldatenuniform. Später beschrieb sie diese Zeit als die tollkühnste und mutigste Reiterin und eine der besten Schützinnen des Westens.

Charlotte Parkhurst in Kalifornien erlangte schnell Berühmtheit für seine Fähigkeit, Passagiere und Gold sicher auf wichtigen Routen zwischen Goldgräberstädten und Großstädten wie San Francisco und Sacramento zu transportieren. Der Historiker Ed Sams schrieb, dass nur wenige Männer und Frauen den Goldrausch der 1850er Jahre ignorieren und die harte Arbeit, die das Reisen auf schmalen, unbefestigten Straßen erforderte, die sich an Bergkurven entlangschlängelten, in tiefe Schluchten hinabführten und oft reißende, eisige Bäche überquerten, nachhaltig verrichten konnten.

Narcissa Whitman war eine der ersten weißen Frauen, die den nordamerikanischen Kontinent auf dem Landweg durchquerten, um als Missionarin unter den Cayuse im heutigen Washington zu wirken. Sacagawea war zusammen mit ihrem neugeborenen Kind die einzige Frau, die die 31 festen Mitglieder der Lewis-und-Clark-Expedition bis zum westlichen Rand des Landes und zurück begleitete. Ihre Kenntnisse der Shoshone- und Hidatsa-Sprachen erwiesen sich während der Reise als unschätzbarer Vorteil.

Eleanor Pruitt Stewart zog 1909 nach Wyoming, um sich dort ein eigenes Stück Land zu sichern. In einer Reihe von Briefen an eine Freundin, die später unter dem Titel „Briefe einer Pionierin“ veröffentlicht wurden, beschrieb Stewart eindrücklich die Herausforderungen und den Lohn des Lebens im Grenzland. Ihre Schriften verdeutlichten nicht nur die körperlichen Strapazen der Landbewirtschaftung – Dürre, Isolation und Knochenarbeit – , sondern auch die Befriedigung, sich einen Platz in der Welt geschaffen zu haben.

Stereotypen und Missverständnisse über die Ureinwohner Amerikas

Die Darstellung von Ureinwohnern Nordamerikas in Westernfilmen zählt zu den problematischsten Aspekten des Genres. Jahrzehntelang prägte Hollywood das Bild der Indianer durch eine Brille, die oft Stereotype verfestigte, Kulturen verzerrte und die Komplexität der Identitäten der Ureinwohner Nordamerikas ignorierte.

Historisch gesehen waren indigene Charaktere in Filmen eindimensionale Stereotypen, die schädliche Klischees verfestigten. Zu diesen Stereotypen gehörten Bilder des „edlen Wilden“, des „wilden Kriegers“ und des „betrunkenen Indianers“. Solche Darstellungen reduzierten indigene Völker auf vereinfachte Karikaturen und ignorierten die reiche Vielfalt an Kulturen, Sprachen und Traditionen der indigenen Stämme Nordamerikas.

In John Fords frühen Werken erschienen die Ureinwohner Nordamerikas oft als gesichtslose, wilde Bedrohung, als narratives Hindernis, das von den Kräften der Zivilisation überwunden werden musste, und lieferten so die moralische Rechtfertigung für die Doktrin der Manifest Destiny. Western stellten die Reise nach Westen als heroisch und unausweichlich dar und präsentierten die Expansion oft sowohl als physische Eroberung als auch als moralische Mission.

Ein eindrucksvolles Beispiel dafür sind Navajo-Schauspieler, die in John-Ford-Filmen im Monument Valley mitwirkten. Ironischerweise wurden sie dabei oft von weißen Beratern angewiesen, wie sie „einen Indianer spielen“ sollten, obwohl sie selbst indigener Abstammung waren. Dies spiegelt einen umfassenderen Trend wider: Selbst wenn indigene Menschen anwesend waren, wurden ihre Stimmen gefiltert oder umgeschrieben, um Hollywoods mythischem Narrativ zu dienen.

Spaghetti-Western und die Dekonstruktion des Mythos

In den 1960er Jahren revolutionierte der italienische Regisseur Sergio Leone das Genre mit dem, was später als Spaghetti-Western bekannt werden sollte. Diese im amerikanischen Westen spielenden Filme, die hauptsächlich von italienischen Regisseuren in Europa gedreht wurden, verliehen dem Genre eine neue Identität und ästhetische Eigenständigkeit.

„Für eine Handvoll Dollar“ aus dem Jahr 1964 war ein riesiger Kassenerfolg. Leones unverwechselbarer visueller Stil mit extremen Nahaufnahmen und dramatischen Pausen erwies sich als unglaublich populär. Diese neuen Filme verkomplizierten die Psychologie traditioneller Westernfiguren und entfernten sich von der simplen Rhetorik ihrer amerikanischen Pendants. In Spaghetti-Western sind selbst die „guten“ Protagonisten skrupellos, moralisch fragwürdig und hetzen Menschen gegeneinander auf, um sich persönlich zu bereichern.

Leones Filme zeichneten sich nicht nur durch ihren Stil aus. Sie waren auch von Realismus geprägt: schmutzige mexikanische Städte, kleine Hütten, Schüsseln mit Bohnen, große Holzlöffel. Die Filme besaßen einen Realismus, der den Western der 1930er- bis 1950er-Jahre mit ihrer Brutalität und den vielen Grautönen stets zu fehlen schien. Leone fand noch tiefere Schwarztöne und schmutzigere Weißtöne. Seine Darstellung des Bürgerkriegs besaß einen Realismus, der seinen Vorgängern fehlte.

Der 1968 erschienene Film „Spiel mir das Lied vom Tod“, der als krönender Abschluss des Spaghetti-Western gilt, hob das Genre auf eine beispiellose epische Dimension und erschwerte es, den Themen noch etwas Neues hinzuzufügen. Leone war sich dessen vermutlich vollkommen bewusst.

Leones Filme und andere Spaghetti-Western werden oft als brechend mit Konventionen beschrieben, als Kritiker oder gar Entmystifizierer vieler Konventionen traditioneller amerikanischer Western. Dies war teils beabsichtigt, teils eine Folge des unterschiedlichen kulturellen Kontextes. 1968 erreichte die Spaghetti-Western-Welle ihren Höhepunkt und machte ein Drittel der italienischen Filmproduktion aus, nur um bis 1969 auf ein Zehntel zurückzufallen.

Revisionistische Western und der Niedergang des Genres

Ab den späten 1960er Jahren schufen unabhängige Filmemacher revisionistische Filme, die die üblichen Klischees des Westerns radikal umkehrten und sowohl den Kapitalismus als auch die Gegenkultur kritisierten.

Ende der 1960er-Jahre wirkte der Westen nicht mehr so wild. Amerika, das sich einst nach der strengen Gerechtigkeit der Cowboy-Ära gesehnt hatte, steckte nun tief in bürgerlichen Unruhen, politischen Skandalen und den Traumata des Vietnamkriegs. Plötzlich verloren Geschichten von rechtschaffenen Männern mit Waffen ihre Wirkung. Die schwarz-weißen Moralvorstellungen der Western schienen unvereinbar mit einer Welt voller Grautöne.

Revisionistische Western wie „The Wild Bunch“ (1969) und „McCabe & Mrs. Miller“ (1971) reagierten auf diesen veränderten Geschmack, indem sie die Mythen des Genres dekonstruierten. Diese Filme waren düsterer, gewalttätiger und kritisierten oft genau jene Werte, die traditionelle Western hochhielten. In „The Wild Bunch“ beispielsweise schilderte Regisseur Sam Peckinpah den Westen als einen Ort sinnloser Gewalt und moralischen Verfalls, wo Ehre und Heldentum Illusionen waren.

Filme aus den frühen 1970er-Jahren zeichnen sich besonders durch ihre hyperrealistische Kameraführung und ihr Produktionsdesign aus. Andere Filme, wie beispielsweise die von Clint Eastwood, wurden von Profis gedreht, die mit dem Western-Genre vertraut waren – sowohl als Kritik als auch als Weiterentwicklung. Eastwoods „Der Texaner“ (1976) und „Erbarmungslos“ (1992) boten starke Nebenrollen für Frauen und indigene Amerikaner.

Mit dem Aufkommen des revisionistischen Westerns verlor das Genre insgesamt seine dominante Stellung in Hollywood. Es war nicht länger das wichtigste Genre für Blockbuster, und die Anzahl der produzierten Western ging deutlich zurück. Der Aufstieg von Science-Fiction- und Actionfilmen in den späten 1970er und 1980er Jahren verdrängte die Western.

Renaissance und moderne Transformationen

Trotz seines Niedergangs in den 1970er und 1980er Jahren erlebte der Western Anfang der 1990er Jahre ein bemerkenswertes Comeback, vor allem aufgrund des wiedererwachten Interesses an der Fähigkeit des Genres, moralische Komplexität und Selbstreflexion zu vermitteln. Diese Wiederbelebung wurde von Filmen getragen, die die revisionistischen Tendenzen der vorangegangenen Jahrzehnte aufgriffen und gleichzeitig die emotionale und thematische Kraft des Western-Mythos neu entfachten.

Clint Eastwoods Film „Erbarmungslos“ aus dem Jahr 1992 markierte einen Wendepunkt und bot eine tiefgründige Auseinandersetzung mit der Gewalt und den Folgen des Lebens eines Revolverhelden. Der Film dekonstruierte das romantisierte Bild des Westernhelden und zeigte einen alternden Killer, der versucht, seine Vergangenheit wiedergutzumachen.

Neo-Western und Genre-Mischung

Das Western-Genre hat sich im 21. Jahrhundert stetig weiterentwickelt, oft durch Genre-Mischungen und die Einbeziehung vielfältiger Perspektiven, die dem Genre historisch nicht zugeordnet werden konnten. Regisseure nutzen den Western zunehmend als Rahmen, um aktuelle gesellschaftliche Probleme zu beleuchten und so den Wandel der Kulturlandschaft widerzuspiegeln.

Die Coen-Brüder, Joel und Ethan, haben sich zu Meistern der Erneuerung des Western-Genres entwickelt. Angefangen mit ihrem bahnbrechenden Neo-Noir-Film „Blood Simple“ aus dem Jahr 1984, haben die Coen-Brüder über ein Dutzend Filme geschrieben und inszeniert, die sich im Western-Genre bewegen und dabei immer wieder auf die Geschichten und Themen zurückgreifen, die das kollektive Bewusstsein geprägt haben, und diese erweitern.

Der Film „No Country for Old Men“ aus dem Jahr 2007 kritisiert nicht nur die Moralvorstellungen alter Western, er verwirft sie gänzlich und ersetzt rechtschaffene Helden und Schurken durch eine postmoderne Unfähigkeit, irgendetwas zu glauben. Apathie und Nihilismus herrschen vor, und die sinnlose Gewalt des Films tötet alle, ungeachtet ihrer moralischen Haltung.

Der Film „Fargo“ aus dem Jahr 1996 verleiht der banalen Welt der unteren Mittelschicht des Mittleren Westens sofort einen Hauch von Erhabenheit und erhebt einen simplen Krimi zu einer großen Erzählung. Nichts in „Fargo“ ist konventionell erhaben: Die Figuren sprechen mit starkem Regionalakzent, die Gewalt ist brutal, und alle sind einfach nur erschöpft vom Hamsterrad des Berufslebens. Und doch finden die Coen-Brüder in diesen einfachen Leben etwas Erhabenes.

Moderne Western haben die Fähigkeit des Genres zur ständigen Erneuerung unter Beweis gestellt. Die vor über einem Jahrhundert auf der Leinwand geschaffenen Mythen des Wilden Westens wandeln sich fortwährend und spiegeln den Wertewandel der Gesellschaft wider. Romantisierte Bilder von einsamen Revolverhelden und heldenhaften Siedlern sind komplexeren Erzählungen gewichen, die die Vielfalt des Grenzlandes, die moralische Ambivalenz der Gewalt und den Preis des sogenannten Fortschritts thematisieren. Der Western bleibt ein lebendiges Genre, gerade weil er seine eigene Mythologie immer wieder neu erfindet und Legende und Wahrheit in Einklang bringt.