Sandro Botticelli (1445-1510) Automatische übersetzen

Leider gibt es nur sehr wenige verlässliche Fakten über das Leben des größten Künstlers Alessandro da Marianno Vanni di Amedeo Filippepi, der uns unter dem Namen Sandro Botticelli bekannt ist. Es ist bekannt, dass Alessandro 1445 in Florenz in der Familie des Gerbers Marpano Filippepi und seiner Frau Emeralda geboren wurde, die bereits drei Söhne Giovanni, Simone und Antonio hatten. Es gibt keine genauen Informationen darüber, wie Alessandro den Spitznamen "Botticelli" ("Fass") erhielt, der sein zweiter Vorname wurde. Vielleicht nannten ihn seine Eltern in der Familie oder einen seiner älteren Brüder so. Die mageren Fakten über die Kindheit des großen Künstlers sagen nur, dass der vierte Sohn des Gerbers ein sehr aufmerksamer, neugieriger, aber schmerzhafter Junge aufgewachsen ist.

Gegen dreizehn begann Sandro unter der Leitung seines Bruders Antonio, der eine eigene Werkstatt hatte, Schmuck zu studieren. Schmuckkunst mit ihrer akribischen und akribischen Zeichnung aller Details eines zukünftigen Produkts in der Skizzenphase eroberte das Herz des jungen Mannes und half ihm, seine wahre Berufung zu verstehen. So begann Botticelli bereits in den frühen 1460er Jahren, die Werkstatt eines der berühmtesten italienischen Maler seiner Zeit, Fra Filippo Lippi (ca. 1406-1469), zu besuchen.

Fra Filippo hatte eine reiche und ungewöhnliche Biographie. Mehr als zehn Jahre lang gehörte er zum Orden der karmelitischen Mönche, die 1431 von ihm verlassen wurden. Bereits ein berühmter Künstler, Lippi, entfachte 1456 eine ungezügelte Leidenschaft für die junge Nonne Lucretia Buti. Er entführte seine Geliebte aus einem Kloster in Prato, um sie zu heiraten. Nur dank der Fürsprache des Schutzheiligen des Malers, Herzog Cosimo de Medici, konnten die Jungvermählten in relativer Sicherheit leben. Ein solch ungewöhnliches Leben prägte den Charakter des Meisters spürbar, er zeichnete sich durch freies Denken und ständiges Verlangen nach Perfektion und Entdeckung aus. Ironischerweise wurde der Sohn von Lippi und Lucretia Filippino, mit dem Sandro schon in jungen Jahren bekannt war, später sein Schüler.

Giorgio Vasarn, der an der Zusammenstellung der Biographie von Botticelli beteiligt war, beschrieb die Jahre seiner Ausbildung folgendermaßen: "Er wurde ein Anhänger seines Lehrers und ahmte ihn so sehr nach, dass Fra Filippo ihn liebte und ihn bald zu einem solchen erzogen hatte ein Ausmaß, an das niemand denken konnte. " Leider ist dies die einzige Information über diesen Lebensabschnitt des Künstlers.

Filippo Lippis revolutionäres Werk „Die Madonna unter dem Schleier“ (1465, Uffizien, Florenz) malte als Altarbild eine der Kirchen von Florenz, in der erstmals in der Geschichte der italienischen Renaissance eine junge Frau aus Florence erschien in der Gestalt der Muttergottes, erstaunte den jungen Botticelli zuvor so sehr, dass er viele solcher Leinwände schuf. Sandro wiederholte diese sanfte und inspirierte Arbeit fast vollständig in seiner Arbeit „Madonna und Kind mit einem Engel“ (1465-1467, Galerie des Bildungsheims, Florenz). Dieses Gemälde wiederholt die Komposition von Lippi vollständig und gibt alle Details bis zur Stelle der Schleierfalten, die den Kopf der Madonna bedecken, absolut genau wieder. Eine sehr ähnliche Komposition weist mehrere andere Werke des Künstlers auf.

Es ist anzumerken, dass der junge Künstler durch das Kopieren der Komposition des Lehrers neue Intonationen in sein Werk einbrachte. Sein Madonnenbild ist nachdenklicher und friedlicher. Um den Betrachter nicht von den Helden der Leinwand abzulenken, verzichtete Botticelli auf den komplexen Landschaftshintergrund. Die Fokussierung auf das Bild mit einem Hauch göttlicher Größe und ungewöhnlich lyrischen Farben ist zu einem charakteristischen Merkmal vieler früher Werke des Künstlers geworden.

Nachdem Sandro die Genauigkeit und Raffinesse von Lippis Zeichnung vollständig verstanden hatte und seine Art übernahm, den emotionalen Zustand der Figuren zu vermitteln, verließ er seine Werkstatt 1467 im Alter von zweiundzwanzig Jahren. Aber der Maler hat seine Ausbildung dazu nicht beendet. Um seine Fähigkeiten zu erweitern und zu verbessern, besuchte der junge Maler die Werkstatt von Andrea Verrocchio, dem berühmten italienischen Bildhauer, Maler und Juwelier, zu dessen Schülern Leonardo da Vinci und Pietro Perugino gehörten.

Wenn er von Lippi Botticelli die virtuose Beherrschung der Linie lernte, übernahm er von Verrocchio die Kunst, durch Licht-Luft-Modellierung eine besondere Atmosphäre zu schaffen. Mit Hilfe des von verschiedenen Lehrern geliehenen Wissens führte Sandro brillant Werke wie Madonna im Rosenkranz (um 1470, Uffizien, Florenz), Madonna auf der Loggia (um 1467, Galerie Uffizien, Florenz) und Madonna mit dem Baby und zwei auf Engel ”(1468-1469, Capodimonte Museum, Neapel). Alle Bilder auf den Leinwänden sind ungewöhnlich ruhig und elegant, und die Komposition der Werke ist sehr nachdenklich.

Die frühen Gemälde des Künstlers zeichnen sich durch das Fehlen einer komplexen Schwarz-Weiß-Modellierung aus. Die Hauptrolle in ihnen spielt eine Zeichnung mit einem expressiven Impuls. Mit nur einer einzigen Zeile enthüllte Botticelli das makellos saubere und strahlende Gesicht seiner göttlichen Gebete und betonte die Verfeinerung, den Adel und ihre Zugehörigkeit zu einer anderen, erhabeneren Welt. Bei der Arbeit an diesen Bildern wollte der Maler nicht die reale Welt zeigen, sondern ein ideales, träumendes Land, das nur in seiner Vorstellung existierte. Bereits in den ersten eigenständigen Arbeiten von Botticelli erschien faszinierendes Plastik, das für immer den individuellen Stil des Malers bestimmen wird.

Freischwimmen

Nachdem Botticelli 1469 seinen letzten Lehrer verlassen hatte, eröffnete er seine eigene Werkstatt im Haus seines Vaters, das sich in der Via Maria Novella in Santa Maria Novella befand. In dieser Zeit schuf der Künstler sein berühmtes Altarbild „Altar von Ambrogio“ (auch bekannt als „Madonna mit Kind und den Heiligen Maria Magdalena, Johannes dem Täufer, Franziskus, Katharina von Alexandrien, Kozma und Damian“, Uffizien, 1467-1470) Florenz).

Die Komposition des Bildes ist sehr typisch für diese Zeit und eine Variation des biblischen Themas „Anbetung des Kindes“. Maria mit dem Baby im Arm sitzt in der Mitte der Leinwand, um die sich die Heiligen befinden. Die Tatsache, dass die großen Märtyrer Kozma und Damian zu den Verehrern des Jesuskindes und seiner Mutter gehören, könnte darauf hindeuten, dass das Gemälde zu dieser Zeit vom Herrscherhaus der Medici in Florenz in Auftrag gegeben worden war, dessen himmlische Gönner diese Heiligen waren. Es fällt auf, dass die mathematische Genauigkeit, mit der Botticelli die Farbkonstruktion des Bildes berechnet und meisterhaft die Farben Rot, Violett-Blau, Blau und Braun verteilt, auffällt. Mit hellen Akzenten hob der Künstler die Figuren der Hauptfiguren hervor: Madonna, Jesuskind, Kozma und Damian. Gleichzeitig wirkt der architektonische Hintergrund der Leinwand aufgrund der fehlenden Perspektive flach und theatralisch.

Es ist mit Sicherheit bekannt, dass Sandro Botticelli 1470 endlich seinen möglicherweise ersten offiziellen Auftrag erhielt. Die Leinwand, die ein allegorisches Bild von „Stärke“ zeigt (Uffizien, Florenz), sollte in den Zyklus der Gemälde „Tugenden“ eintreten, die die Rückenlehnen der Stühle im Hauptgerichtssaal des Handelsgerichts schmücken sollen.

Dieser Auftrag spielte eine große Rolle in der Karriere des Künstlers, als er ihm erlaubte, in den Kreis der florentinischen Maler einzutreten, die der Medici-Familie nahe stehen. Botticelli führte es auf und konzentrierte sich auf den Geschmack seiner Ära. Er stellte auf der Leinwand eine weibliche Figur dar, deren Bild moralische Stärke und eher eine Art melancholische Nachdenklichkeit als Entschlossenheit verkörpert. Die Allegorie der „Stärke“ in der Interpretation von Botticelli birgt seltsamerweise absolut keine mutige Energie. Darüber hinaus erzeugt ihre Figur mit einer leichten Neigung des Kopfes, die durch die anmutige Bewegung ihrer Hände, die die Stange kraftlos halten, betont wird, ein Gefühl innerer Zerbrechlichkeit und sogar Zerbrechlichkeit. Auch wenn die Heldin der Arbeit auf einem bequemen Stuhl sitzt, vermittelt ihre Pose den Eindruck von Instabilität.

In der Interpretation der Falten, der allgemeinen Modellierung der weiblichen Figur und der sorgfältigen Untersuchung der dekorativen Elemente des Throns ist der Einfluss von Verrocchio deutlich zu lesen. Aber bereits auf diesem Bild manifestieren sich auch ihre eigenen „künstlerischen Funde“ eines sehr jungen Meisters: eine gewisse Ausdehnung der Proportionen, die Feinfühligkeit bei der Gestaltung des Gesichts und eine besondere anmutige plastische Bewegung.

Wie viele Renaissancekünstler verriet Botticelli seinen Helden oft direkte Porträtähnlichkeit mit Menschen, die er kannte - Freunden, Kunden und vielleicht Liebhabern. So fällt es schwer, die Heldin des Gemäldes „Stärke“, die Jungfrau Maria aus dem Altarbild „Madonna mit Kind und zwei Engeln“ sowie die hl. Katharina aus dem Altarbild „Altar von Sant’Ambrogio“ nicht zu bemerken Sind ungewöhnlich ähnlich. Kunsthistoriker schlagen vor, dass der Künstler für all diese Arbeiten dasselbe reale Modell verwendete, das zu dieser Zeit in Florenz lebte.

Botticelli, der bereits eine gewisse Anerkennung bei den Zeitgenossen erlangt hatte, trat 1472 der Lukasgilde bei und erklärte sich damit zum freien Meister. Der Künstler eröffnete eine große Werkstatt, in der er Assistenten und Lehrlinge zusammenbrachte. Filippino Lippi war einer seiner ersten Schüler.

Botticelli schuf zwischen 1470 und 1472 die sogenannte „Madonna der Eucharistie“ (Isabella Stewart Gardner Museum, Boston). Der Künstler wiederholte die kompositorische Konstruktion von „Madonna und Kind mit zwei Engeln“ fast vollständig und konzentrierte sich auf die symbolische Interpretation der Handlung.

Die Madonna mit dem Baby im Arm steht vor dem Hintergrund einer Landschaft, die hinter den architektonischen Elementen sichtbar ist. Johannes der Täufer steht vor ihnen und hält in seinen Händen eine Schale mit Ähren und Trauben, die als Symbole für das Sühnopfer Christi dienen. Die Präsenz dieser Elemente im Bild gab ihm einen Namen. Obwohl die religiöse Symbolik, die in der damaligen Kunst sehr verbreitet ist, in den Werken des XV-XVI. Jahrhunderts weit verbreitet ist, war sie nicht typisch für die Werke Botticellis sowie für Landschaftshintergründe im Hintergrund seiner Gemälde. Vielleicht wurden diese Elemente von den frühen Gemälden von Leonardo da Vinci inspiriert.

Die Leinwand "St. Sebastian" (1473, Landesmuseum, Berlin) wurde von Botticelli für die Kirche Santa Maria Maggiore angefertigt. Die Arbeit ist nach klassischen Traditionen gefertigt und wird daher von den Florentinerinnen positiv aufgenommen. Im darauffolgenden Jahr, am Tag des hl. Sebastian, wurde das Bild auf der Säule der Kirche, für die es geschaffen wurde, der Öffentlichkeit präsentiert - eine Tatsache, die besagt, dass der Künstler in seiner Heimatstadt einen gewissen Ruhm erlangte. Es gibt Hinweise darauf, dass der Maler 1474 nach Pisa eingeladen wurde, um auf dem Camposanto-Friedhof neben der Kathedrale von Pisa Wandmalereien anzufertigen. Es ist nicht bekannt, warum, aber Botticelli kam seinen Verpflichtungen nicht nach und kehrte nach Florenz zurück.

Majestätische Gönner

Eine entscheidende Rolle im Schicksal des großen Malers spielte eines seiner besten Werke „Anbetung der Könige“ (1473, Uffizien, Florenz) im Auftrag des Bankiers Giovanni (Gaspra) di Zanobi Lamy. Wirklich schöne Arbeiten sollten die Lamy-Kapelle schmücken, die sich in der Kirche der Stätte Maria Novella befindet. Der Kunde war eine sehr einflussreiche Person in Florenz und hatte freundschaftliche Beziehungen zu Vertretern der Medici-Familie. Es ist nicht schwer zu bemerken, dass es unter den Helden der religiösen Szene, die der Maler darstellt, explizite Porträts von Mitgliedern dieses Familiennamens gibt. Es stellte sich heraus, dass der Bankier Botticelli am Medici-Hof vorstellte, damit der Künstler ein Gruppenporträt von Vertretern der florentinischen Elite in die Komposition der biblischen Handlung einbezog.

Den zentralen Platz in der Komposition nimmt nach allen anerkannten Kanonen die heilige Familie ein - die Jungfrau Maria, Jesus und Josef. Sie sind von mehreren Reihen von Vertretern der drei Generationen der Medici umgeben, in der Nähe von Lorenzo dem Prächtigen und Botticelli selbst, die gekommen sind, um sich vor dem Baby zu verneigen. Alle Zeichen auf der Leinwand sind etwas idealisiert und eher ein Hinweis auf eine bestimmte Person als auf seine Porträtkopie. Trotzdem war dies für die Zeitgenossen des Künstlers völlig ausreichend.

Zum Beispiel erkannten die Zeitgenossen in der Figur eines alten Mannes, der respektvoll die Beine des Kindes berührte, den verstorbenen Cosimo Medici leicht. Der erste Biograf von Botticelli, Vasari, schreibt darüber: „Und wir sehen eine besondere Ausdruckskraft in dem alten Mann, der, indem er die Füße unseres Herrn küsst und vor Zärtlichkeit schmilzt, perfekt zeigt, dass er das Ziel seiner langen Reise erreicht hat. Die Figur dieses Königs ist ein Vollzeitporträt von Cosimo dem Ältesten von Medici, dem lebhaftesten und ähnlichsten von allen, das bis heute überlebt hat. "Neben dem alten Mann sehen wir die Heiligen Drei Könige vor Jesus knien - das sind die verstorbenen Söhne von Cosimo - Giovanni und Pierrot. Und auf der linken Seite des Bildes ist der Enkel von Cosimo Lorenzo Medici. Lorenzo ist von seinen besten Freunden umgeben - dem Philosophen Pico della Mirandola, der mit der Hand auf die heilige Familie und den Dichter Lngelo Polppsapo zeigt, der seinen Kopf auf Lorenzos Schulter senkt.

In der Mitte der Gruppe, auf der rechten Seite der Leinwand, sehen wir den jüngeren Bruder von Lorenzo, der sein Mitherrscher war - Giuliano, gekleidet in einen dunklen Umhang. Hinter ihm steht ein alter Mann, höchstwahrscheinlich ein Philosoph Giovanni Argiropulo, direkt über dem Philosophen ein älterer Mann in blauer Kleidung, der mit dem Finger auf sich selbst zeigt - dies ist der Kunde des Werkes, der Bankier Lamp. Botticelli selbst ist im Vordergrund des Bildes in einen goldenen ockerfarbenen Umhang gehüllt.

Dieses Werk brachte dem Maler nicht nur Berühmtheit, sondern auch das Wohlwollen von Vertretern einer der edelsten und einflussreichsten Familien in Florenz ein und verwickelte ihn so in turbulente historische Ereignisse. Als am 26. April 1478 während einer feierlichen Messe in der Kathedrale von Florenz ein Eingeborener der Nazis ein fast erfolgreiches Attentat auf die Medici-Brüder unternahm. Infolgedessen starb Giuliano, und Lorenzo, obwohl er am Leben blieb, wurde gezwungen, die Stadt dringend zu fliehen.

Später, als Lorenz Medici seine Position vollständig wiedererlangte, ordnete er zunächst die Festnahme und Hinrichtung aller Mitglieder der Familie der Nation an, ohne eine Ausnahme zu machen. Dann befahl der Medici Botticelli, Porträts der hingerichteten Mauern seines Palastes zu malen, um diejenigen zu warnen, die es wagen, in das Leben von Vertretern seiner Familie einzugreifen. Trotz der Seltsamkeit des Ordens trug er zur Stärkung des Ansehens des Malers bei, der auf diese Weise ein besonderes Arrangement von Lorenzo selbst erhielt. Diese erstaunlichen Wandbilder haben unsere Tage nicht erreicht.

Botticelli war in den nächsten Jahren ausschließlich an den zahlreichen Aufträgen seiner neuen Gönner beteiligt. Die meiste Arbeit des Meisters sollte die luxuriöse Medici-Villa in Castello schmücken. Die beiden berühmtesten Werke des Künstlers - „Frühling“ (1478, Uffizien, Florenz) und „Die Geburt der Venus“ (1484, Uffizien, Florenz) - gehören zu dieser ruhigen und fruchtbaren Zeit in Sandros Leben.

Bei der Gestaltung seines "Frühlings" ließ sich der Künstler von "Fasti" - Ovids poetischem Kalender - inspirieren. Der komplexe kompositorische Aufbau des Werkes setzt sich aus mehreren getrennt angeordneten Gruppen zusammen, die nur durch innere Bewegung miteinander verbunden sind. Gleichzeitig wird das Bild dank genau dieser Details sowie des Rhythmus der Leinwand, der wie unsichtbare Musik das Werk durchdringt, zu einem Ganzen.

Auf der rechten Seite des Bildes fand Botticelli einen geflügelten Marshmallow. Betroffen von der außergewöhnlichen Schönheit der Nymphe Chloris versucht der Gott des Windes, sie zu fesseln, um sie mit Gewalt zu heiraten. Doch nachdem Zephyr ihre Taten bereut hat, verwandelt er seine Geliebte in Flora, die wir in derselben Gruppe von Helden sehen. Der Maler hält den Moment des Beginns der Transformation fest: Die Figur des Chloris scheint in seine nächste Inkarnation überzugehen. Die Tatsache, dass die Kleidung dieser beiden weiblichen Figuren vom Meister in verschiedene Richtungen meisterhaft gemalt wird, legt nahe, dass diese beiden Bilder noch nicht verbunden sind und sich sozusagen in verschiedenen Seinsräumen befinden.

Die junge, wunderschöne Flora tritt leicht vor und überschüttet buchstäblich den gesamten umliegenden Raum mit zarten Blumen, was die Ankunft des Frühlings symbolisiert. In der Mitte der Komposition befindet sich eine elegante Figur der Venus vor einem dunkelgrünen Hintergrund. Ihr Kleid ist aus feinstem Stoff gefertigt und mit Goldfäden vernäht. Die Tatsache, dass sie die Göttin der Liebe ist, unterstreicht den symbolisch luxuriösen scharlachroten Umhang, der ihr Outfit ergänzt.

Das Bild der Venus auf der Leinwand wird von Botticelli wie die von ihm früher geschaffenen Marienbilder interpretiert. Das Gesicht der griechischen Göttin drückt Traurigkeit, Bescheidenheit und Schüchternheit aus, und ihr Kopf selbst, leicht nach rechts geneigt, ist mit einem sehr dünnen Gasschleier bedeckt, der diese Eigenschaften nur betont.

Der beflügelte Amor mit den goldenen Augen schwebt über der Venus und zielt von seinem Bogen auf eine Gruppe von göttlich schönen Grazien, die auf der linken Seite der Leinwand tanzen. Eine schneeweiße Seidenaugenbinde, die an die Augen eines schelmischen Kleinen gebunden ist, soll ihn daran hindern, einen präzisen Schuss zu machen. Dank dieser rührenden Figur lenkt Botticelli unsere Aufmerksamkeit auf eine Gruppe von drei Nymphen (deren symbolische Bedeutung wie Schönheit, Keuschheit und Vergnügen von rechts nach links gelesen wird), die sich langsam in einem runden Tanz bewegen. Ihre schlanken Körper haben sich länglich hervorgehoben Proportionen, anmutige und geschmeidige Bewegungen bilden eine klar gebaute, rhythmische Kreisbewegung. Leichte Kurven und Biegungen dreier Grazien, grazile Verbindung von Händen und Füßen vermitteln den vorwärts gerichteten Rhythmus des Tanzes.

Mögliche Modelle für die Figuren von Mädchen sind die Schönheiten Simonetta Vespucci und Katerina Sforza, von denen die letzte als Schönheit dargestellt ist. Der Maler schafft Bilder von Waldschönheiten und zeigt Einfallsreichtum im Bild ihrer Frisuren. In einer der Grazien ist das Haar zu einem Knoten zusammengefasst, in der anderen strömt es mit leichten Wellen über die Schultern, und in der dritten ist sein Rücken mit einem freien goldenen Strahl bedeckt.

Am linken Bildrand, neben den Händlern, ist der Bote der Götter Merkur. Sein Blick, der auf den Himmel gerichtet ist, lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf eine Gewitterwolke, die dieses gesegnete Paradies bedroht. Mit einer leichten, aber selbstsicheren Geste lässt der junge Mann ihn nicht in den wunderschönen Garten eindringen, in dem die dicht verwobenen Zweige der Orangenbäume den Rhythmus des gesamten Werkes verstärken, das Botticelli ungewöhnlich gekonnt erbaut hat.

Der Künstler zeigte äußerste Sorgfalt und Genauigkeit im Bild der verschiedenen auf dem Bild abgebildeten Pflanzensorten. Er studierte ziemlich sorgfältig alles, was im Frühling in der Nähe von Florenz wuchs. So "identifizierten" die Forscher über fünfzig Arten von Kräutern und Blumen auf der Leinwand. Nur in einem Kranz auf Floras Kopf und ihrer Halskette sind Kornblumen, Gänseblümchen, Nieswurz, Maiglöckchen, Myrtenblätter, Immergrün, Vergissmeinnicht, Granatapfelblüten, Mohn, Butterblumen, Veilchen, Blüten und Beeren von Erdbeeren deutlich zu erkennen.

Diese Tatsache zeigt, dass Botticelli nicht nur die komplexen rhythmischen Entscheidungen der Kompositionen seiner Werke sorgfältig durchdacht hat, sondern auch jedes Detail bis hin zur subtilen logischen Nachdenklichkeit des Ortes aller Akteure, die einer strengen Regelmäßigkeit unterworfen ist.

Ein weiteres Meisterwerk des Meisters - "Die Geburt der Venus" - ist etwas anders geschrieben. Das Gemälde, das wie der Frühling eines der berühmtesten Kunstwerke der Welt ist, hat einen poetischen Prototyp, der dem Künstler als Inspiration diente. Das literarische Wahrzeichen des Gemäldes sind die Texte von Homer, der „Stans“ von Poliziano und die Werke von Virgil.

Im Gegensatz zu „Frühling“ sehen wir in dem Gemälde „Die Geburt der Venus“ keine begrenzte Ecke des Gartens Eden, als ob sie durch die dichte Vegetation vor der Welt verborgen wäre, sondern den offenen Raum des Himmels und des Meeres. Botticelli stellte die Zeit des frühen Morgens dar, als der gerade verstreute Nachtdunst der Welt die schöne Venus präsentierte. Die Göttin der Schönheit, die gerade aus dem Schaum des Meeres geboren wurde, steht auf einer riesigen Muschel, die von einem Schlag der Zephyrer an die Küste getrieben wird. Das Aussehen der Schönheit auf Erden ist triumphierend - Rosen fliegen unter ihren Füßen, und die Göttin Oro eilt ihr entgegen. Sie trägt eine junge Schönheit in einem kostbaren Umhang, auf den zarte Blumen gestickt sind.

Die Kompositionsstruktur des Bildes ist recht einfach und klar. Die Venus selbst verkörpert die ideale Schönheit, ihre Züge strahlen Makellosigkeit und Harmonie aus. Wie viele weibliche Bilder von Botticelli liegt der Schatten der Traurigkeit auf dem Gesicht der Venus, nur hervorgehoben durch die vom Wind entwickelten goldenen Haarsträhnen. Die gesamte Haltung der Göttin ähnelt der berühmten antiken Statue der Venus Pudik (lateinisch „bescheiden, keusch, schüchtern“), die auch als Venus de Medici bekannt ist.

Die Komposition der Komposition wird von einem subtilen linearen Rhythmus dominiert, der allen dargestellten Formen Bewegung verleiht, ihnen Volumen verleiht und die Illusion von Raum und Tiefe erzeugt. Transparente, kalte und helle Farben, die von blassen Farbkombinationen dominiert werden (blasse Grüntöne des Meeres, goldenes Haar der Venus, blaue Kleidung von Marshmallows, ein weißes Kleid und ein dunkelroter Umhang einer Nymphe, die sie trifft), geben die Arbeit eine besondere Harmonie und Ausdruckskraft. Dieses Werk ist wie der Frühling zu einem der bekanntesten Gemälde des Malers geworden.

Vatikanische Anerkennung

Am 27. Oktober 1480 reist Botticelli zusammen mit den Künstlern Cosimo Rosselli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio und anderen nach Rom, wo sie von Papst Sixtus IV. Eingeladen wurden, um die Fresken der "Großen Kapelle" zu schmücken Sixtinisch.

Zu diesem Zeitpunkt war der Ruhm des Künstlers bereits so groß, dass Sixtus IV ihn an die Spitze anderer Maler setzte, die an dem Werk beteiligt waren. Angesichts der Tatsache, dass Zeitgenossen vor allem die Kompositionen des Künstlers „Bestrafung der aufsteigenden Leviten“, „Drei Versuchungen Christi“ und „Jugend des Mose“ zu schätzen wussten, war dies gerechtfertigt. Die Fresken des Meisters ergänzten perfekt eines der größten und feierlichsten monumentalen Ensembles des 15. Jahrhunderts. Die Arbeiten bestechen durch rasante Aktion, Dynamik und Emotion der Bilder.

Das prächtige Fresko „Die Jugend des Moses“ (1480-1482, Sixtinische Kapelle, Rom) ist eines der monumentalsten Werke des Meisters und erzählt die Geschichte des alttestamentlichen Charakters Moses, dessen Mission die Entfernung von Juden aus Ägypten war. Botticelli schilderte mehrere Szenen aus dem Leben des biblischen Helden, die zu unterschiedlichen Zeiten auftraten und vom Künstler in eine Komposition einbezogen wurden. Eine solche Herangehensweise an die Konstruktion des Gemäldes zeigt die Anziehungskraft des Malers auf die früheren berühmten Beispiele monumentaler Kunst. Ereignisse in der Arbeit entwickeln sich von rechts nach links: hier tötet Moses den Ägypter; Dann flieht er vor der Rache des Pharaos nach Midian und hilft dort, die Schafe den Töchtern Josephs zu füttern. Dann zieht Moses seine Sandalen aus, um zum brennenden Busch zu gehen, von dem aus der Herr ihn anruft und ihm die Mission der Erlösung aus der Gefangenschaft seines Volkes auferlegt. Die letzte Episode zeigt den Auszug der Söhne Israels aus Ägypten. Trotz der scheinbar übermäßigen Überlastung der Komposition lässt sich jede der Szenen leicht aus der allgemeinen Serie herausheben. Alle Bilder werden sehr bedingt und mit großer Fantasie des Künstlers interpretiert. Dem Betrachter präsentiert sich eine eher idealisierte Antike, in der viele Helden moderne Botticelli-Kostüme tragen. Alle Figurenbilder sind harmonisch und schön hervorgehoben.

Das Fresko „Bestrafung der Leviten“ (1481-1482, Sixtinische Kapelle, Rom) besteht aus mehreren Szenen. Auf der linken Seite sind die Leviten, die Moses steinigen wollen, dann gibt es eine Szene, in der das Räuchergefäß des Hohepriesters Aaron geraucht wird, dessen Flamme mit einer Welle des Stabes Moses die Rebellen verbrennt. Die Komposition wird von einer Gruppe von Abtrünnigen abgeschlossen, die die Erde selbst aufnimmt. Der semantische Inhalt des Freskos sollte zur Etablierung der päpstlichen Autorität beitragen. Als Zeichen des Respekts für den Kunden stellte der Künstler häufig eine Eiche auf den Fresken dar - das Wappensymbol von Sixtus IV und die Farbkombination seines Wappens - blau und gelb. Alle biblischen Szenen entfalten sich vor dem Hintergrund prächtiger Landschaften.

Das ebenfalls von Botticelli für die römische Kapelle geschaffene Werk „Die drei Versuchungen Christi“ (1481-1482, Sixtinische Kapelle, Rom) zeigt Evangeliumsepisoden (Matthäus: 4, Lukas: 4), in denen von der Versuchung Jesu durch die Teufel. In der ersten Handlung in der oberen linken Ecke bietet er Christus an, Steine ​​in Brot umzuwandeln, und erhält die Antwort: „Der Mensch wird nicht allein vom Brot leben“. Der zentrale Teil der Komposition zeigt sie auf dem Dach des Tempels, wo der Versucher den Sohn des Herrn überredet, herunterzustürmen. Die dritte Handlung in der oberen linken Ecke zeigt eine Szene, in der der Teufel Jesus bittet, sich vor ihm zu verbeugen.

Die Szenen selbst wurden von Botticelli in kleiner Größe geschaffen, und der gesamte Vordergrund der Arbeit ist vom Ritual der Reinigung des Aussätzigen besetzt. Der Künstler schildert in dieser Arbeit, wie auch in der Anbetung der Könige, seine Zeitgenossen, die in seinem Plan Zeugen der fortschreitenden Reinigung sind. Es wird vermutet, dass in der unteren linken Ecke der Komposition ein Selbstporträt von Botticelli und ein Porträt seines Schülers und Freundes Filippino Lippi zu sehen sind. Auf der anderen Seite ist der Neffe von Papst Sixtus IV, Girolamo Riario, in einen roten Mantel gehüllt.

Als der Biograf des Malers, Vasari, schrieb Botticelli, der an den Wandgemälden in der Kapelle arbeitete, "gewann den größten Ruhm und Ruhm und erhielt vom Papst einen anständigen Geldbetrag, den er sofort verschwendete und verschwendete, während er in Rom war, weil Er lebte sein Leben wie immer nachlässig. Im Herbst 1482 wurden alle Fresken fertiggestellt, und die Maler, die daran arbeiteten, verließen Rom und gingen in ihre Heimat Florenz. "

Erfolg und Ruhm

Die Werkstatt von Botticelli, die bereits den größten Ruhm erlangt hatte, war in den 1480er Jahren mit einer Vielzahl von Aufträgen überfüllt, die der Künstler allein nicht bewältigen konnte, weshalb der größte Teil der Arbeit von ihm selbst erledigt wurde Studenten, die den malerischen Stil des Künstlers perfekt imitierten. Während dieser Nachfrist erhält Botticelli einen neuen Auftrag von seinem Patron Lorenzo di Pierre Francesco Medici.

Das Werk „Pallas und der Zentaur“ (1482, Uffizien, Florenz) sollte der ganzen Welt und ihren Nachkommen zeigen, wie stark und mächtig die Medici-Dynastie war und wie weise sie Florenz regierte. Auf Wunsch von Lorenzo dem Prächtigen wurde das Werk als Allegorie des "goldenen Zeitalters" von Florenz aus der Zeit der Medici aufgeführt.

Botticelli erweiterte aus eigenem Willen den Handlungsspielraum weiter und fügte ihm die Idee des Kampfes zwischen Gut und Böse hinzu. Die Komposition des Bildes basiert auf dem Kontrast, der das schöne Bild der Göttin dem hässlichen Zentauren gegenüberstellt. Das Pallas-Kleid ist reich mit Emblemen des Medici-Hauses verziert. Die Göttin wird vor dem Hintergrund einer wunderschönen Landschaft mit einem klaren und tiefen Himmel über ihrem Kopf dargestellt. Hinter den Zentauren sehen wir verfallene alte Gebäude, die Unwissenheit und Chaos symbolisieren.

Es wird angenommen, dass die Inspiration für die Schaffung dieser Leinwand den Ideen des Philosophen Marsilio Ficino entsprach: "Das Tier in uns ist der Instinkt, die Person in uns ist die Vernunft." Diese Annahme fügt eine weitere mögliche Interpretation der Arbeit hinzu: Botticelli teilt einen Menschen visuell in zwei Prinzipien: das Göttliche, verbunden mit der Sphäre des Geistes, hohen Bestrebungen und der Vernunft, und das Tier - das ausschließlich die Bedürfnisse des physischen Körpers repräsentiert. Aus der Sicht einer solchen Interpretation der Handlung wird die Geste des Pallas zur Personifizierung seiner Macht über natürliche Instinkte. Eine interessante Tatsache ist, dass das Gesicht des Zentauren tiefes Leiden darstellt - ein Ausdruck, der für das Bild der Heiligen in Botticellis Gemälden charakteristisch ist.

Das Werk „Venus und Mars“ (1482-1483, National Gallery, London) ist ein weiteres facettenreiches Werk des Meisters. Das Hornissennest mit Insekten in der rechten oberen Ecke der Komposition weist darauf hin, dass das Gemälde von einem Vertreter des Vespucci-Hauses in Auftrag gegeben wurde, dessen Wappensymbol die Gattung ist. Ein möglicher Grund für das Schreiben dieser Leinwand war die Hochzeit eines der Mitglieder des Hauses. Der gesamte erste, horizontal verlängerte Plan ist von den in Gedanken liegenden Figuren der Venus und dem entspannten, schlafenden Mars besetzt. Gleich hinter ihnen mit den Waffen des gewaltigen Kriegsgottes stehen kleine Satyrn.

In Florenz, in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, verbreitete sich die Astrologie, sodass die auf der Leinwand dargestellten Figuren als allegorisches Abbild der Planeten und nicht nur der olympischen Götter interpretiert werden können. Die Farbe der Arbeit zeichnet sich durch majestätische Zurückhaltung aus, und die Leinwand selbst atmet Frieden. Die kompositorische Konstruktion ist leicht und sehr ausgewogen.

Im Jahr 1485 schuf Botticelli ein weiteres erstaunliches Werk - den „Altar von Bardi“ (Landesmuseum, Berlin). Das Altarbild, dessen voller Name nach „Madonna und Johannes der Täufer und Johannes der Evangelist“ klingt, wurde im Auftrag von Giovanni Agnolo Bardi gemalt und war für seine Familienkapelle in der Kirche von Santo Spirito bestimmt.

Die strenge Kanonizität zeichnet sich durch die kompositorische Konstruktion dieses Werkes des Meisters aus. In der Mitte des Bildes, auf dem reich verzierten Thron, sitzt die Königin des Himmels, das Baby in den Armen, auf beiden Seiten die Heiligen - Johannes der Täufer und Johannes der Theologe. Alle Figuren stehen auf dem Hintergrund eines Gartenpavillons mit drei Bögen, der die Bilder mit antiken Statuen vergleicht.

Der Bardi-Altar unterscheidet sich stark von anderen früheren Werken Botticellis. Alle Linien sind fein abgestimmt und klar, auch etwas starr, was sich deutlich in dem durch Laub geformten "Ornament" bemerkbar macht. Das Madonnenbild, das der Künstler zuvor sehr majestätisch und feierlich darstellte, ist mit völlig neuen Intonationen gefüllt. Hier sehen wir zuallererst eine Mutter voller Angst und Trauer, die das schwierige Schicksal ihres Sohnes erwartet. Besonders fragil sind die Gesichtszüge und verlängerten Hände von Mary, die ihr überirdisches Bild unterstreichen. Eine bedeutende Rolle in der Arbeit spielen theologische Symbole, die auf die Inkarnation von Christus hinweisen - Lilien, Oliven, Palmen und Lorbeeren.

Solche Kompositionen ziehen den Künstler ab den 1480er Jahren immer mehr an. Es sind die Altarbilder, die er sich am genauesten ansieht und unter den vielen eingehenden Aufträgen auswählt. Die herausragendsten Werke dieser Zeit sind der Altar des hl. Barnabas (ein anderer Name ist Madonna auf dem Thron mit den Heiligen Katharina von Alexandrien, Augustinus, Barbara, Johannes dem Täufer, Ignatius und Erzengel Michael, um 1487, Galerie der Uffizien, Florenz). Madonna mit Granatapfel “(um 1487, Uffizien, Florenz) und„ Madonna Magnificat “(ein anderer Name ist„ Die Majestät der Madonna “, um 1483-1485, Uffizien, Florenz).

Dank dieser und anderer Werke donnerte der Ruhm Botticellis in ganz Italien. Es gibt einen bekannten Fall, in dem sich der Herzog von Mailand erkundigte, wer der beste Maler in Florenz ist, und eine eindeutige Antwort hörte - Botticelli, "der perfekt sowohl an die Wand als auch an die Tafel schreiben kann und dessen Gemälde außergewöhnlich stark und perfekt sind Proportionen. "

Das Porträt war zwar kein Lieblingsgenre des Malers, nahm aber dennoch einen bedeutenden Platz in seiner Arbeit ein. In den Bildern seiner Zeitgenossen bemühte sich Botticelli, die vorherrschenden Traditionen des florentinischen Profilporträts beizubehalten, obwohl er es sich manchmal erlaubte, einige der Errungenschaften der niederländischen Meister in die Arbeit einzubringen. Nicht alle Werke, die jetzt dem Maler zugeschrieben werden, können als eigene Werke betrachtet werden. Höchstwahrscheinlich wurden einige von seinen Schülern geschrieben. Das früheste Porträt, das dem Pinsel der großen Botticelli zugeschrieben wird, ist das „Porträt eines jungen Mannes“ (1470, Palatine Gallery, Florenz). Darauf ist ein sehr junger Florentiner abgebildet, mit großen Augen, die den Betrachter arrogant ansehen und eine rote Jacke und einen traditionellen Cappuccino in dunkler Kirschfarbe tragen. Ein junger Mann steht gegen einen transparenten blauen Himmel.

Um 1474 schrieb Botticelli das mysteriöse Porträt einer unbekannten Person mit der Cosimo Medici-Medaille (Uffizien, Florenz). Die Arbeit hat eine Reihe von Funktionen. So drückt ein junger Mann, der vor einer herrlichen Frühlingslandschaft abgebildet ist, mit beiden Händen eine Medaille an seine Brust, auf der ein Porträt von Cosimo Medici eingraviert ist. Botticelli hat das Bild des Modells etwas idealisiert, indem er seine Merkmale milderte und gleichzeitig seine charakteristischen Merkmale hervorhob - eine klare Kontur der Gesichtskontur und ein klares, direktes Aussehen. Intensive Schwarz- und Rottöne erzeugen im Kostüm der dargestellten Person einen ungewöhnlich starken Farbakkord. Die umgebende Landschaft bringt emotionale Obertöne. Die ganze Intonation des Werkes gibt Anspannung ab - offensichtliche Unnatürlichkeit beim Drehen des Kopfes, ein trauriger Blick,eine unsichere Handbewegung und ein scharfer Farbkontrast zwischen Hintergrund und Kleidung des Helden.

Kompositorisch hat sich die Bauweise seit der zweiten Hälfte der 1470er Jahre geändert. Der Maler nutzt den Landschaftshintergrund nicht mehr, und der gesamte umgebende Raum wird stark vereinfacht, während die Figur des Modells, die sich normalerweise in drei Vierteln oder einem Profil befindet, fast den gesamten Raum des Bildes einnimmt. Frauenporträts sind eindeutig idealisiert, zum Beispiel „Porträt von Simoneta Vespucci“ (um 1480, Landesmuseum, Berlin), und die Modelle befinden sich hauptsächlich im Profil. Die vier erhaltenen Fassungen des Porträts von Giuliano Medici (Nationalgalerie von Washington, Carrera-Akademie in Bergamo, Sessel-Sammlung in Mailand und Landesmuseum in Berlin) zeichnen sich durch eine sehr eigenartige Schreibweise aus. Es ist nicht sicher, ob mindestens eines dieser Werke dem Pinsel von Botticelli selbst gehört.Die kompositorische Konstruktion aller Fassungen des Porträts von Giuliano ist nahezu identisch. Das Modell befindet sich immer fast im Profil vor hellem Hintergrund. Eine dünne, glatte Linie ist das Hauptausdrucksmittel.

Die meisten Porträts von Botticelli zeichneten sich durch eine besondere melancholische Intonation aus. Die Identität der meisten jungen Männer, die vom Meister dargestellt wurden, blieb uns unbekannt. Obwohl der Maler es vorzog, Menschen zu malen, die er gut kannte oder für ihre spirituellen Eigenschaften bewunderte. In den Porträts der Jahre 1482-1490 zeigt sich der Wunsch des Künstlers nach einer realistischeren Interpretation des Bildes. Porträts des Meisterpinsels werden psychologischer, Neuerungen treten auch in der kompositorischen Konstruktion auf, beispielsweise im Gemälde „Portrait of a Young Man“ (um 1483, National Gallery, London), das sich vor dem Porträtisten befindet.

Scharfe Kurve

Die turbulenten politischen Ereignisse in Florenz in den frühen 1490er Jahren beeinflussten das Leben von Sandro Botticelli erheblich. Im Jahr 1492 starb Lorenzo der Prächtige. Piero Medici, der die Macht von seinem Vater geerbt hatte, entpuppte sich als mittelmäßiger Herrscher, der die gesamten Medici aufgrund einer Reihe grober politischer Fehler aus seiner Heimatstadt ins Exil brachte. Infolgedessen kam ein heftiger Kämpfer für Glauben und Askese an die Macht, der Dominikanermönch Girolamo Savonarola.

Savonarola ist seit langem gegen die Tyrannei der Medici-Familie und wirft ihm Korruption und übermäßige Liebe zu Luxus und Ausschweifung vor. Sogar der Papst stammte von einem erbitterten Verfechter des Glaubens, und die feurigen Predigten des Mönchs schwangen in den Seelen vieler Bürger mit, die später Savonarola an die Macht brachten. Ich muss sagen, dass die Menschen dem Mönch wirklich freiwillig folgten, anscheinend müde vom luxuriösen Lebensstil ihrer Herrscher, und selbst im Herzen von Botticelli konnte der Dominikaner Zweifel an der Loyalität des gewählten kreativen Weges aufkommen lassen. Es gab niemanden, der den Maler unterstützte, seine Schüler und Freunde waren ebenfalls beeindruckt vom neuen Herrscher, und sein geliebter Bruder Giovanni starb. Infolgedessen nahm der Künstler eine abwartende Position ein und schloss sich keiner Seite des Konflikts zwischen Savonarola und den Medici an.

Der militante Mönch arrangierte einen echten "Tag des Gerichts" für Florenz. Am 7. Februar 1497 wurde auf dem Signoria-Platz ein Feuer entfacht, in dem die von der Dominikanerpredigt beeindruckten Einwohner Musikinstrumente, Schmuck, luxuriöse Frauenkleider, Gemälde, die nicht der christlichen Moral entsprachen, sowie die von Savonarola verurteilten verbrannten als Verkörperung der Sünde. Dieser Tag wurde für die Kunstgeschichte fatal - viele junge Künstler, darunter auch Studierende von Botticelli, brachten und warfen ihre Werke in die „reinigende Flamme“. Der Maler beteiligte sich nicht direkt an der Reue der "Sünder", vielleicht weil seine geschwächten Beine es ihm nicht mehr erlaubten, selbständig zu gehen.

Die Regierungszeit von Savonarola dauerte nicht lange, am 23. Mai 1498 verbrannten die Einwohner von Florenz den verleumdeten Mönch mit demselben Fanatismus, mit dem er ein Jahr zuvor großartige Kunstwerke verbrannte. Seltsamerweise machte die Hinrichtung des Dominikaners auf Botticelli einen noch größeren Eindruck als seine Predigten. Der Maler fing an, von Schuldgefühlen und Hoffnungslosigkeit geplagt zu werden, und seine Seele raste zum Traum religiöser Erneuerung. Infolgedessen machten ihn Zweifel und Schmerzen in der Seele des Künstlers unsozial. Der Ruhm des Meisters begann zu verblassen, Befehle wurden immer weniger.

In der späten Zeit seines Schaffens schuf Botticelli mehrere Gemälde, die entweder von den Anhängern von Savonarola in Auftrag gegeben oder unter dem Einfluss seiner Predigten gemalt wurden. Zu letzteren gehören zwei Altarbilder „Trauer Christi“ (1495, Museum Poldi Pezzoli, Mailand und 1500, Alte Pinakothek, München). Die Arbeiten zeichnen sich dadurch aus, dass der Künstler das christliche Drama neu interpretiert - als unerträglichen menschlichen Kummer. Alle in diesen beiden Werken dargestellten Figuren sind von endlosem Kummer über ein unschuldiges Opfer gepackt. Im Auftrag der "Piagnoni" (wörtlich "Heulsuse") - Anhänger von Savonarola - schreibt der Maler für Francesco del Puglieze "Die letzte Kommunion des hl. Isronim" (ca. 1498, Metropolitan Museum of Art, New York); und "St. Augustine" (1490-1495, Uffizien, Florenz), für Giacomo und Giovannidi Bernardo.Diese seltenen Aufträge ließen den Künstler irgendwie über Wasser bleiben.

Im Jahr 1502 wurde die Gesundheit des Meisters endgültig untergraben. Zu dieser Zeit wurde nach Angaben der Verleumdung von Missgunstigen und Neidern eine Klage gegen Botticelli wegen seiner Sünden erhoben. Der wahrscheinlichste Grund für diesen Verdacht war, dass der Maler in seinem ganzen Leben noch nie eine legale Ehe geschlossen hatte. Diese Ereignisse erschwerten das Leben des Meisters weiter und acht Jahre später, im Alter von 65 Jahren, starb der große Sandro Botticelli. Er ist auf dem Friedhof der Florentiner Kirche von Onis beigesetzt.