Skulptur:
Definition, Typen:
Statuen, Reliefs Automatische übersetzen

Was ist Bildhauerei?

Die Bildhauerei, die beständigste und vielleicht größte Form der bildenden Kunst, die dem Menschen bekannt ist, hat in der Entwicklung der westlichen Kultur eine wichtige Rolle gespielt. Ihre Geschichte und stilistische Entwicklung gehören zur westlichen Kunst selbst. Sie ist ein Schlüsselindikator für die kulturellen Errungenschaften des klassischen Altertums und war ein wichtiger Einflussfaktor für die Entwicklung der Kunst der Renaissance in Italien. Zusammen mit der Architektur war sie die wichtigste Form der monumentalen religiösen Kunst, die jahrhundertelang (ca. 400-1800) die treibende Kraft der europäischen Zivilisation war. Auch heute noch ist die Bildhauerei, obwohl sie sich ständig weiterentwickelt, die wichtigste Methode, um historische Persönlichkeiten und Ereignisse darzustellen und zu verewigen.

Im Laufe ihrer Geschichte hat sie einige der größten Meister der Welt angezogen, darunter klassische Bildhauer wie Phidias, Myron von Eleuthera, Polyclitus, Scopas, Lysippus, Praxiteles und Leochar, sowie Donatello (1386-1466), Michelangelo (1475-1654) Giambologna (1529-1608), der große Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) und Damien Hirst (b. 1965).

Hervorragende Beispiele dieser seit langem bestehenden Form der öffentlichen Kunst finden sich in vielen der besten Kunstmuseen .

Eine leicht verständliche Darstellung der kreativsten Epoche in der Geschichte der plastischen Kunst finden Sie unter : „Griechische Skulptur“.

Auch bekannt als „plastische Kunst“, sollte die Bildhauerei ziemlich einfach zu definieren sein, aber leider ist sie es nicht.

Eine sich immer weiter ausbreitende Kunstform

Das liegt daran, dass sich die Definition oder Bedeutung der Bildhauerei im Laufe des 20. Mit der Entwicklung neuer bildhauerischer Werkzeuge und Techniken wird in zeitgenössischen Werken eine so große Vielfalt an neuen Materialien, Techniken und räumlichen Bezugssystemen verwendet, dass „Skulptur“ nicht länger ein fester Begriff ist, der sich auf eine feste Kategorie von Objekten oder kreativen Aktivitäten bezieht. Vielmehr handelt es sich um eine sich ständig erweiternde Kunstform, die sich selbst ständig weiterentwickelt und neu definiert.

Definition der traditionellen Bildhauerei

Die traditionelle Bildhauerei vor dem 20. Jahrhundert zeichnete sich durch vier Hauptmerkmale aus. Erstens: Sie war die einzige dreidimensionale Kunstform. Zweitens war sie die repräsentativste. Drittens wurde sie als eine Kunst der festen Form angesehen. Der leere Raum war für das Volumen oder die Masse im Wesentlichen zweitrangig. Viertens bedienten sich die traditionellen Bildhauer nur zweier grundlegender Techniken: des Schnitzens oder des Modellierens. Das heißt, sie schnitzten entweder direkt aus dem von ihnen gewählten Material (z. B. Stein, Holz) oder sie bauten die Skulptur sozusagen von innen nach außen auf, indem sie Ton, Gips, Wachs und dergleichen verwendeten. Modelle für die traditionelle Bildhauerei stammen aus der griechischen und römischen Bildhauerei der klassischen Antike.

Definition der modernen Bildhauerei

Die Bildhauerkunst ist nicht mehr auf traditionelle Bildhauerkonzepte, Materialien oder Herstellungsmethoden beschränkt. Sie ist nicht mehr ausschließlich gegenständlich, sondern oft völlig abstrakt. Und doch ist die Skulptur nicht ausschließlich fest und statisch: Sie kann ein leerer Raum sein, sie kann auch kinetisch sein und sich bewegen. Und schließlich kann sie nicht nur geschnitzt oder modelliert, sondern auch zusammengesetzt, geklebt, (holografisch) projiziert oder auf verschiedene Weise konstruiert werden. Die traditionelle vierstellige Bedeutung und Definition von Skulptur ist somit nicht mehr gültig.

Die Grundformen der Skulptur sind obsolet

Früher wurden in der Kunstgeschichte nur zwei skulpturale Grundformen verstanden: volumetrische Skulptur (auch freistehende Skulptur genannt) und Reliefs (einschließlich Flachrelief, Relief und vertieftes Relief). Heute erfordern neue Formen der Lichtskulptur (z. B. Hologramme) und der bewegten Skulptur eine Neudefinition der möglichen Formen.

Definition und Bedeutung der Skulptur heute

Die Vielfalt der plastischen Künste des 21. Jahrhunderts hat uns nur ein definierendes Merkmal gelassen: die Dreidimensionalität. Die aktuelle Definition der Bildhauerei sieht also etwa so aus:

„Die Bildhauerei ist der einzige Zweig der bildenden Künste, der sich speziell mit der ausdrucksvollen dreidimensionalen Form beschäftigt“.

Geschichte der Bildhauerei

Die dreidimensionale Kunst beginnt mit der prähistorischen Bildhauerei . Die frühesten bekannten steinzeitlichen Werke sind Venus Berehat Ram und Venus Tan-Tan, beide primitiv und auf 230.000 v. Chr. datiert. Danach waren Bildhauer in allen antiken Zivilisationen und in allen wichtigen Kunstströmungen bis in die Gegenwart aktiv. Nach der ägyptischen Bildhauerei waren die wichtigsten goldenen Zeitalter in der Entwicklung der Bildhauerei (1) die klassische Antike (500-27 v. Chr.), (2) die Gotik (ca. 1150-1300), (3) die italienische Renaissance (1400-1600) und (4) die barocke Bildhauerei (1600-1700). Für eine detaillierte Chronologie der Entstehung und Entwicklung der dreidimensionalen Kunst siehe: Geschichte der Bildhauerei .

Theorie der Bildhauerei

Aufgrund ihres dreidimensionalen Charakters und der Tatsache, dass sie an vielen verschiedenen Orten ausgestellt werden kann, gibt es eine Reihe wichtiger Konzepte und theoretischer Fragen, die das Design und den Zweck der Bildhauerei bestimmen. Hier ist ein kurzes Beispiel.

Elemente der bildhauerischen Gestaltung

Die beiden Hauptelemente der Skulptur sind Masse und Raum . Die Masse bezieht sich auf das Volumen der Skulptur, das feste Stück, das von seiner Oberfläche umschlossen wird. Der Raum ist die Luft, die eine feste Skulptur umgibt, und er reagiert auf verschiedene Weise mit dieser: Erstens definiert er die Ränder der Skulptur; zweitens kann er von einem Teil der Skulptur umgeben sein und Hohlräume oder Bereiche der Leere bilden; drittens kann er die einzelnen Teile der Skulptur verbinden, die so im Raum miteinander verbunden sind.

Bildhauerische Werke können nach ihrer Behandlung dieser beiden Elemente bewertet und unterschieden werden. Einige Bildhauer konzentrieren sich beispielsweise auf die feste Komponente ihrer Skulptur, während andere sich mehr damit befassen, wie sich die Skulptur zu dem Raum verhält, in dem sie sich befindet (z. B. wie sie sich „durch den“ Raum bewegt oder wie sie ihn umgibt). Vergleichen Sie die ägyptische Skulptur mit den Werken von Alexander Calder (1898-1976) und Naum Gabo (1890-1977), und Sie werden sehen, was gemeint ist.

Ein weiteres wichtiges Element der (meisten) Skulpturen sind ihre Oberflächen . Sie können ganz unterschiedliche visuelle Effekte erzeugen, je nachdem, ob sie (zum Beispiel) konvex oder konkav, flach oder modelliert, farbig oder unbemalt sind. Konvexe Flächen drücken beispielsweise Zufriedenheit, Sättigung, inneren Druck und allgemeine „Vollständigkeit“ aus, während konkave Flächen äußeren Druck, inneres Versagen und möglichen Zusammenbruch suggerieren. Eine flache Oberfläche hingegen weist keine Dreidimensionalität auf, während eine modellierte Oberfläche - eine, die Licht/Schatten-Vorsprünge oder Vertiefungen enthält - starke Effekte dreidimensionaler Formen vermitteln kann, die in der Dunkelheit auftauchen oder sich zurückziehen, ähnlich wie es die Chiaroscuro-Künstler tun. Obwohl die meisten Pigmentspuren heute verschwunden sind, waren viele Skulpturen der Antike (z. B. ägyptische, griechische und römische Statuen/Reliefs) und des Mittelalters (z. B. gotische Kathedralskulpturen) mit Farbe oder anderen färbenden Materialien bedeckt, darunter möglicherweise eine Schicht aus Gold oder Silber und anderen kostbaren Farbstoffen. Alternativ können die Skulpturen auch direkt aus kostbaren farbigen Materialien wie Elfenbein, Jade und Gold oder Kombinationen davon geschnitzt worden sein. Farbe kann einer Oberfläche offensichtlich verschiedene Eigenschaften wie Textur, Proportion, Tiefe und Form verleihen. Eine interessante Verwendung von Farbe durch einen zeitgenössischen Bildhauer ist in dem Pop-Art-Werk Ale Cans (1964, Öl auf Bronze, Offentliche Kunstsammlung, Basel) von Jasper John (geb. 1930) zu sehen.

Für einen Leitfaden zu den ästhetischen Prinzipien der orientalischen Bildhauerei in China, siehe: Traditionelle chinesische Kunst: Merkmale .

Grundsätze der bildhauerischen Gestaltung

Sie bestimmen die Herangehensweise der Bildhauer an Themen wie Orientierung, Proportion, Maßstab, Gliederung und Gleichgewicht .

Orientierung
Um ein Gefühl der Harmonie (oder Disharmonie) in der Skulptur selbst oder zwischen ihren Teilen oder zwischen der Skulptur und dem Betrachter oder zwischen der Skulptur und ihrer Umgebung zu schaffen, arbeitet der Bildhauer gewöhnlich nach einem bestimmten räumlichen Plan oder Bezugsrahmen. Ein solcher Plan, der häufig auf einem System von Achsen und Ebenen basiert, ist wichtig, um die linearen Proportionen zwischen den interagierenden Komponenten zu wahren. So werden zum Beispiel die Posen menschlicher Figuren in der Regel unter Bezugnahme auf die vier Kardinalebenen berechnet und geschaffen, d. h.: das Prinzip der Axialität (z.B. anatomische Bewegung), das Prinzip der Frontalität (vorherrschend in den stehenden Figuren des Kouros der griechischen Archaik), das Gegenteil - eine dynamische Pose, in der ein Teil des Körpers sich von einem anderen Teil abwendet oder dreht, wie in den Werken von Michelangelo (1475-1564) und Giambologna (1529-1608) - und die chiastische Haltung (eine Pose, in der das Gewicht des Körpers hauptsächlich auf einem Bein ruht, ein typisches Merkmal der griechischen figürlichen Bildhauerei der Hochklassischen Periode).

Proportion
Die Art und Weise, wie Bildhauer mit der Proportionalität umgehen, ist sehr unterschiedlich. Einige (z. B. ägyptische Bildhauer) hielten sich an hierarchische, nicht-naturalistische Proportionskanons (z. B. größte Götter, nächstgrößere Pharaonen, kleinste Bürger usw.). Andere Bildhauer folgten eher naturalistischen, aber ebenso ikonometrischen Proportionsregeln. Im Vergleich dazu verwenden viele Stammeskulturen Systeme, die - aus religiösen oder kulturellen Gründen - bestimmten Körperteilen (z. B. dem Kopf) eine größere Größe zuweisen. Darüber hinaus kann ein bestimmter Standort einer Skulptur einen besonderen Ansatz für die Proportionalität erfordern. So kann beispielsweise eine menschliche Statue, die auf einem hohen Gebäude steht, einen größeren Oberkörper erfordern, um die perspektivischen Effekte auszugleichen, wenn sie vom Boden aus betrachtet wird. (Der große Rokokomaler Tiepolo war ein Meister darin, diesem Effekt bei der Gestaltung seiner Deckenfresken entgegenzuwirken.)

Maßstab
Dies gilt zum Beispiel für die Notwendigkeit, dass eine Skulptur dem Maßstab ihrer Umgebung entspricht. Gehen Sie durch eine beliebige große gotische Kathedrale und beobachten Sie die Vielfalt der Skulpturen, die Türöffnungen, Fassaden und andere Oberflächen schmücken. Darüber hinaus können einige Figurengruppen, die biblische Szenen darstellen, leicht unterschiedliche Maßstäbe aufweisen: Die Jungfrau Maria und Jesus können die gleiche Größe haben, während (zum Beispiel) die Apostel kleiner sein können.

Artikulation
Dies beschreibt, wie bildhauerische Figuren (und andere Formen) zusammengefügt werden: entweder, wie verschiedene Körperteile zu einer Form kombiniert werden, oder wie separate Abschnitte miteinander verbunden werden. Der französische realistische Bildhauer Auguste Rodin (1840-1917) schuf eine impressionistische Kontinuität in seinen Figuren, im Gegensatz zu früheren griechisch-klassischen Bildhauern (z. B. Polykletus) und Bildhauern der Renaissance, die einzelne Einheiten von abgegrenzter Form bevorzugten.

Gleichgewicht
In der autonomen figurativen Bildhauerei beinhaltet das Gleichgewicht zwei Hauptfragen. Erstens muss der skulpturale Körper physisch stabil sein - leicht genug für eine kriechende oder gebeugte Figur, weniger leicht für eine stehende Statue, insbesondere wenn sie sich nach vorne oder hinten lehnt. Wenn die natürliche Haltung instabil ist, muss ein Sockel verwendet werden. Zweitens sollte die Statue unter dem Gesichtspunkt der Komposition ein dynamisches oder statisches Gleichgewicht aufweisen. Ohne eine solche Harmonie ist Schönheit fast unmöglich.

Der beste Weg, die Bildhauerei zu verstehen

Sind Sie verwirrt von all diesen merkwürdigen Begriffen über die Elemente und Prinzipien der bildhauerischen Gestaltungslehre? Keine Sorge, viele Kunsthistoriker sind es auch. Der beste Weg, Skulpturen zu verstehen, ist, sie so oft wie möglich zu betrachten. Wenn möglich, besuchen Sie das nächstgelegene öffentliche Kunstmuseum und sehen Sie sich einige Kopien von griechischen oder Renaissance-Skulpturen an. So bekommen Sie einen guten Eindruck von den Werken im traditionellen Stil. Wenn möglich, sollten Sie auch eine Ausstellung besuchen, die Werke von abstrakten Bildhauern wie Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol Lewitt (1928-2007) oder Richard Serra (geb. 1939). 1939). Die Werke der abstrakten Bildhauerei eines dieser zeitgenössischen Künstler sollten Ihnen viel Stoff zum Nachdenken geben.

Materialien

Fast jedes Material, das sich zu einem Volumen formen lässt, kann in der Bildhauerei verwendet werden. Bestimmte Materialien wie Stein - insbesondere harter Kalkstein (Marmor) -, Holz, Ton, Metall (z. B. Bronze), Elfenbein und Gips haben jedoch außergewöhnliche „plastische“ Eigenschaften und sind daher bei Bildhauern seit prähistorischen Zeiten besonders beliebt. Infolgedessen wurde die Bildhauerei während des größten Teils ihrer Geschichte mit vier Hauptmethoden geschaffen: Steinschnitzen, Holzschnitzen, Bronzeguss und Tonbrand. Ein seltener Typus war die chryselephatinische Skulptur, die ausschließlich für große Kultstatuen bestimmt war.

Steinskulptur

Die Steinskulptur, wahrscheinlich die früheste Form der Monumentalskulptur und auch das beste Medium für monumentale Werke, war in vielen Epochen des Steinzeitpaläolithikums verbreitet. Prototypische Werke der prähistorischen Steinskulptur sind die Basaltstatuette Venus Berehata Ram (ca. 23000 v. Chr.) und die Quarzitstatuette Venus Tan-Tan (ca. 200000 v. Chr. oder früher). Seitdem war die wahrscheinlich größte Ansammlung von Steinskulpturen die Serie von Säulenstatuen und Reliefs, die für die großen europäischen gotischen Kathedralen von Chartres, Notre Dame de Paris, Amiens, Reims, Köln und vielen anderen zwischen 1150-1300

Steine aus allen drei großen Gesteinskategorien waren für die Bildhauerei geeignet, darunter Eruptivgestein (z. B. Granit), Sedimentgestein (z. B. Kalk- und Sandstein) und metamorphes Gestein (z. B. Marmor). Reiner weißer italienischer Carrara-Marmor wurde in der römischen Kunst und in der Bildhauerei der italienischen Renaissance von Künstlern wie Donatello und Michelangelo verwendet, während griechische Künstler pentelischen Marmor für die Bildhauerei des Parthenon bevorzugten (siehe auch: Marmorskulptur). Die irische Bildhauerei des späten Mittelalters beschränkte sich hauptsächlich auf keltische Hochkreuze, die aus Granit gefertigt wurden.

Die besten Beispiele für Marmorskulpturen sind die Venus von Milos (ca. 130-100 v. Chr.) von Alexander von Antiochia; Laokoon und seine Söhne (ca. 42-20 v. Chr.) von Hagesander, Athenodorus und Polydorus; Pieta (1497-99) und David von Michelangelo; Ekstase der heiligen Teresa (1647) von dem Barockgenie Bernini; Amor und Psyche (1796-97) von dem Neoklassizisten Antonio Canova; und Der Kuss (1889) von dem französischen Genie Auguste Rodin.

Jade-Skulptur

Die bekannteste Form der Hartsteinskulptur, die Jadeschnitzerei, ist seit dem Neolithikum eine Spezialität der chinesischen Handwerker. Jadeit und Jadeit sind die beiden gebräuchlichsten Arten von Jadestein, obwohl auch Bowenit (eine Form von Serpentin) verwendet wird. Die Chinesen schreiben der Jade wichtige Eigenschaften zu, darunter Reinheit, Schönheit, Beständigkeit und sogar Unsterblichkeit, und Bildhauer schätzen Jadesteine wegen ihres Glanzes, ihrer durchscheinenden Farben und Schattierungen.

Skulpturen aus Holz

Die Holzschnitzerei ist die älteste und beständigste Form der Bildhauerei. Besonders für kleine Werke geeignet, war die Holzschnitzerei in der Vorgeschichte und dann in der Epoche der frühchristlichen Skulptur weit verbreitet - siehe, z.B. das vergoldete Eichenholzschnitzwerk, das als Hero-Kreuz bekannt ist (965-70, Kölner Dom) - und es gab ein Goldenes Zeitalter im Westen, besonders in Deutschland, während der Epoche der spätmittelalterlichen Kunst: siehe die exquisiten religiösen Holzschnitzereien der deutschen Holzschnitzer Feit Stoss (1445-1533) und Tilman Riemenschneider (1460-1531). Später, in der Barockzeit, wurde das Holz oft mit Gips überzogen und nach dem Vorbild der altägyptischen Kunst bemalt. Die großen modernen Holzbildhauer sind Henry Moore (1898-1986), berühmt für seine „Liegende Ulmenfigur“ (1936) und Barbara Hepworth (1903-75).

Bronzeskulptur

Die Bildhauerei in Bronze ist ein komplexes Verfahren, das unabhängig voneinander in China, Südamerika und Ägypten entwickelt wurde. Beim Bronzeguss wird die Form aus Ton, Gips oder Wachs modelliert, die später nach dem Gießen der geschmolzenen Bronze entfernt wird. Die Wachsmethode war in der Renaissance eine gängige Technik. Auch in der afrikanischen Bildhauerei von Benin und Yoruba war es eine häufig verwendete Technik.

Zu den bemerkenswerten Werken gehört das „Tanzende Mädchen von Mohenjo-Daro“ (ca. 2500 v. Chr.), ein Meisterwerk der frühen indischen Bildhauerei aus der Harappa-Kultur oder Kunst der Industal-Zivilisation in Indien, und ein großer Bestand an Bronzetafeln und -skulpturen (durch Formguss hergestellt) mit Jadeverzierungen, die im Huanghe-Flussbecken in der Provinz Henan, Zentralchina, gefunden wurden und aus dem Xia-Reich und der späteren Shang-Dynastie (ab 1750 v. Chr.) stammen.

Spätere Meisterwerke aus Bronze: Die Paradiespforte von Lorenzo Ghiberti (1378-1455), David von Donatello (1386-1466) und Michelangelo, Die Entführung der Sabinerinnen (ca. 1583) Giambologna, Die Burg von Calais (1884-89) und Die Pforten der Hölle (1880-1917) von Auguste Rodin, Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (1913) von Umberto Boccioni (1882-1916), Vogel im Raum (1923) von dem rumänischen abstrakten Bildhauer Constantin Brancusi (1876-1957), Frau mit aufgeschlitzter Kehle (1932), Gehender Mann I (1960) von Alberto Giacometti (1901-66) und Zerstörte Stadt (1953) von Osip Zadkin (1890-1967).

Tonskulptur

Tonskulpturen stammen aus dem Paläolithikum der Steinzeit. Die (gebrannte) Terrakotta-Skulptur ist die plastischste aller Modelliertechniken, vielseitig, leicht, kostengünstig und dauerhaft. Obwohl Ton hauptsächlich für vorläufige Modelle verwendet wurde, die später in Bronze gegossen oder in Stein gemeißelt wurden, wurde er auch zur Herstellung von Skulpturen in Originalgröße verwendet. Die älteste bekannte Tonskulptur ist die Venus Dolní Vestonice (ca. 26.000 - 24.000 v. Chr.), eine in der Tschechischen Republik entdeckte Keramikstatuette aus dem Gravettien. Ein weiteres paläolithisches Meisterwerk ist der Tud d’Audoubert-Bison aus dem Magdalénien (ca. 13.500 v. Chr.), ein ungebranntes Relief zweier Bisons, das in der Höhle Tuc d’Audoubert, Ariège, Frankreich, gefunden wurde. Das dritte prähistorische Meisterwerk ist Der Denker von Cernavode (ca. 5.000 v. Chr.), eine ikonische Terrakottastatuette aus der mesolithischen Hamangia-Kultur in Rumänien.

Das berühmteste Beispiel einer Tonplastik ist jedoch die Terrakotta-Armee der chinesischen Qin-Dynastie („Terrakotta-Armee“), eine Sammlung von 8 000 Kriegern und Pferden aus Ton, die 1974 in der Provinz Shaanxi, China, entdeckt wurde. Jeder der 8.000 Tonsoldaten stammt aus der Zeit von 246-208 v. Chr. und ist ein Unikat mit einem anderen Gesichtsausdruck und einer anderen Frisur.

Andere bildhauerische Materialien

Andere traditionelle Materialien, die zur Herstellung von Skulpturen verwendet werden, sind Elfenbein und Edelmetalle.

Die frühesten bekannten Beispiele von Elfenbeinskulpturen, zum Beispiel: die berühmten geschnitzten Mammut-Elfenbeinfiguren von prähistorischen Tieren, Vögeln und therianthropischen Figuren (ca. 33.000-30.000 v. Chr.), die in den Vogelherd-Höhlen auf der Schwäbischen Alb, Deutschland, gefunden wurden; die Kostönkov-Venus (ca. 22.000 v. Chr.), eine aus Elfenbein geschnitzte riesige weibliche Figur, die in Russland gefunden wurde; und der Löwenmensch von Holenstein-Stadel (ca. 38.000 v. Chr.), eine riesige Elfenbeinstatuette, die auf der Schwäbischen Alb gefunden wurde

Berühmte Werke aus Edelsteinen sind zum Beispiel: eine mesopotamische Skulptur, bekannt als Baran im Dickicht (ca. 2500 v. Chr.), eine kleine Statue aus Blattgold, Kupfer, Lapislazuli und rotem Kalkstein, die in der Großen Grabgrube von Ur gefunden wurde; und Maikop Gold Bull (ca. 2500 v. Chr.), eine Goldskulptur (hergestellt durch Feinguss) aus der Maikop-Skulptur im Nordkaukasus, Russland.

Moderne Materialien, die in der Bildhauerei des 20. Jahrhunderts verwendet werden

Die von Bildhauern des 20. Jahrhunderts verwendeten Materialien umfassen recycelte Materialien wie Beton sowie eine endlose Liste moderner Materialien wie Edelstahl, Glasfaser, Aluminium, Schaumgummi, Pappmaché, Fahrradteile, Kunststoffe, Glasmalerei, „gefundene“ Objekte usw. Mehr über bestimmte Arten postmoderner plastischer Kunst siehe: Eisskulptur, und Sandkunst .

Arten der Bildhauerei

Die wichtigsten traditionellen Formen dieser dreidimensionalen Kunst sind: freistehende Skulpturen, die von allen Seiten von Raum umgeben sind, und Reliefskulpturen (mit Flachrelief, Hochrelief oder Hoch- und Tiefrelief), bei denen die Zeichnung auf einem Hintergrund, gewöhnlich Stein oder Holz, befestigt bleibt. Beispiele für Reliefs finden sich in der Megalithkunst, wie die kunstvollen Spiralgravuren in Newgrange, Irland, auf der Trajanssäule in Rom, den Zeustempeln in Olympia und dem Parthenon. Gotische architektonische Reliefs finden sich an allen großen europäischen Kathedralen dieser Zeit: man denke nur an die Heiligen im südlichen Querschiff der Kathedrale von Chartres und die Apostel im nördlichen Querschiff der Kathedrale von Reims.

Die Bildhauerei kann auch nach dem dargestellten Gegenstand kategorisiert werden. So ist eine Statue, wie die beiden Versionen des David von Donatello und Michelangelo, in der Regel ein dreidimensionales Porträt einer Person in voller Länge, während eine Büste in der Regel nur den Kopf, den Hals und die Schultern abbildet - siehe Büste von George Washington (1788), Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Eine Statue eines Mannes zu Pferd, wie die Statue von Giambologna (1529-1608) von Cosimo de’ Medici in Florenz, wird als Reiterskulptur bezeichnet. Das vielleicht größte Reiterstandbild ist der barocke bronzene Reiter auf dem Dekabristenplatz in St. Petersburg: ein Denkmal für Zar Peter den Großen, ein Meisterwerk der russischen Bildhauerei, das allerdings von einem Franzosen geschaffen wurde.

Skulptur als öffentliche Kunst
Die lebhaft sichtbare physische Präsenz der Skulptur macht sie zu einer idealen Form der öffentlichen Kunst : Herausragende Beispiele in der westlichen Kultur sind die monumentalen Megalithen in Stonehenge, die klassischen Skulpturen des Parthenon in Athen, die keltischen Kreuze in Irland und die gotischen Säulen mit Statuen und Reliefs aus dem 12. bis 13. Jahrhundert in den Kathedralen Nordfrankreichs und Deutschlands.

Die religiöse Holzschnitzerei erreichte während der nördlichen Renaissance einen neuen Höhepunkt, dank der Meister wie Tilman Riemenschneider und Veit Stoss, die für ihre kunstvollen hölzernen Altarbilder und Statuetten bekannt waren, während die barocke Gegenreformation herausragende Beispiele katholischer christlicher Kunst in Form von Bronze- und Marmorskulpturen (u. a.) von Gianlorenzo Bernini (1598-1680) hervorbrachte, der für die Serie der Cornaro-Kapelle (1645-52) berühmt ist, darunter die Ekstase der Heiligen Teresa .

Zur modernen säkularen öffentlichen Kunst gehören berühmte Skulpturen wie Freiheitsstatue, Chicago Picasso, eine Reihe von Metallfiguren, die für das Chicago Civic Centre geschaffen wurden, und die architektonische Skulptur „Dublin Spire“, bekannt als „Spike“, die 1947 von Ian Ritchie geschaffen wurde. Die zeitgenössische Skulptur im öffentlichen Raum stellt die traditionellen Konzepte der dreidimensionalen Kunst durch neue räumliche Konzepte und die Verwendung alltäglicher Materialien, die in zahlreichen Installationen und festen Skulpturen gesammelt oder hergestellt werden, weiterhin in Frage.

Moderne und postmoderne Bildhauerei

Seit den 1960er Jahren wurde die so genannte Moderne durch die zeitgenössische Kunst oder Postmoderne abgelöst. Im Gegensatz zu den früheren Modernisten können die zeitgenössischen postmodernen Bildhauer (z. B. Pop-Künstler wie Claes Oldenburg, Robert Indiana und der Neo-Performer Jeff Koons) eine größere Bandbreite an Materialien, Bildern und Techniken verwenden. Die Stile sind in der Regel stärker lokalisiert, da der aktuelle Trend unter den zeitgenössischen Kunstbewegungen darin besteht, den großen Ideen und dem Internationalismus der modernen Kunstbewegungen des späten 19. und frühen bis mittleren 20.

Zusätzliche Informationen

Für wichtige Epochen/Bewegungen siehe:
Mittelalterliche Skulptur (ca. 400-1000);
Romanische Skulptur (ca. 1000-1200);
Gotische Skulptur (ca. 1150-1280);
Englische gotische Bildhauerei ;
Deutsche gotische Bildhauerei ;
Bildhauer der Renaissance (1400-1600);
Barocke Bildhauerei (1600-1700);
Neoklassische Bildhauerei (ca.1750-1850);
Bildhauer des neunzehnten Jahrhunderts (1800-1900).